— MuroTRON

Retrospectiva Yvonne Rainer | Del 8 al 22 de juny a la Filmoteca de Catalunya

La retrospectiva recupera l’obra completa, recentment restaurada, de la ballarina, coreògrafa i cineasta, figura cabdal de l’avantguarda artística nord-americana dels anys setanta i vuitanta. En el marc de la Mostra de Films de Dones, la Filmoteca acull el cicle ‘Persistències fílmiques’, amb films de denúncia social que impliquen col·lectius feministes, professionals del cinema, obreres i activistes.

Abans de dedicar-se al cinema, Yvonne Rainer (San Francisco, 1934) ja s’havia consolidat com una ballarina i coreògrafa pionera a introduir a la dansa instal·lacions d’art visual, gestos aleatoris i moviments quotidians com caminar o córrer. Als anys setanta s’involucra en temes socials i polítics com el feminisme o la Guerra del Vietnam i, convençuda que el llenguatge cinematogràfic és l’idoni per transmetre aquestes inquietuds, es converteix en cineasta.

Els set llargmetratges que va dirigir entre el 1972 i el 1985 tracten temes com el poder polític, el terrorisme, l’opressió, la sexualitat lèsbica, la menopausa o el càncer de mama. Rainer també trasllada la seva actitud subversiva a la pantalla amb un cinema experimental amb el qual desafia el públic amb una textura densa d’idees i una visió crítica del mateix cinema que dinamita tant les estructures dramàtiques convencionals com les representacions emocionals que dicta la tradició hollywoodenca.

Els set films d’Yvonne Rainer, restaurats recentment, permeten capbussar-se de manera profunda en l’obra fílmica d’una autora que situa en el centre la voluntat de treballar la ruptura de les convencions fílmiques preexistents i la invenció d’un llenguatge cinematogràfic més propici per a executar el seu discurs.

El seu primer llargmetratge, Lives of performers (1972) obre el camí a allò que seran les seves cerques més importants: la subversió del discurs narratiu, la ruptura amb el model d’identificació amb els personatges i el flux continu d’esdeveniments. Com ella mateixa explica a La narrativa al mal servicio de la identidad (1991), s’interessa per films “en els quals a cada escena haurem de decidir de nou les prioritats de mirar i escoltar”. En les seus sis llargmetratges següents aprofundeix en aquestes cerques i explora temàtiques polítiques i socials com l’imperialisme, la identitat, l’amor romàntic, el privilegi o l’envelliment.

La seva exploració en la representació de les dones, l’activisme radical i les lluites personals han consolidat Yvonne Rainer com una artista essencial de l’avantguarda estatunidenca.

Més informació: Filmoteca de Catalunya

10 de gener a les 20 al Teatre CCCB, l’última pel·lícula de Jan Švankmajer 

Us adjuntem el dossier de premsa que conté les projeccions previstes pels mesos de gener i febrer de 2019. Més endavant us farem arribar la programació dels mesos de març i abril. 

Sota la direcció de Carolina López, el cicle de cinema del CCCB mostra obres de creació personal, obertes a l’experimentació i l’assaig. 

Entre les sessions d’aquest 2019 destaquen, a més de la inaugural, les dedicades a la Nova York de Rudy Buckhart, als pioners de l’avantguarda iugoslava (producte del comunista Kino Klub Split, que va saber fer de l’estètica realista imperant un pont cap a l’avantguardista Onada Negra dels 60), o al projecte final de David Brooks, Carolyn and Me. El programa inclou grans noms del medi, com Carolee Schnemann, Werner Neckes o Stan Brackhage, així com a figures menys conegudes com Luís Macías, Christine Noll Brinckmann o Jodie Mack, que resumeix cinc anys de viatges i exploracions al voltant del món en un fascinant panòptic de paisatges i teixits en moviment (The Grand Bizarre, 2018). 

Xcèntric afronta aquesta nova edició amb l’apertura, el proper 2 de febrer, del renovat Arxiu Xcèntric que incorpora un espai polivalent que afegirà a les projeccions, tallers, converses i experiències compartides. Les activitats arrencaran amb la sessió Artefactes Cinematogràfics, una introducció al cinema de Xcèntric, dirigida per la cineasta Adriana Vila, que oferirà un accés directe a la naturalesa física i instrumental del cinema en suport fotoquímic. 

Del 21 de octubre al 25 de noviembre en el CA2M

WOMB es un ciclo de películas que están cerca de nosotras, en tiempo y espacio, de proyectos iniciados o creados en diferentes contextos de Madrid, y con o por artistas que habitualmente trabajan en las artes en vivo.

WOMB es un sonido y también una matriz que contiene modos diversos de hacer con otras, más que historias que funcionan en línea recta. Un universo de conexiones extrañas y cercanas donde se ponen en juego formas de producción y el lenguaje del propio medio cinematográfico.

Películas que proponen modos de relación en su propia creación compartida, o con los espectadores, o dentro de la imagen que se vuelve múltiple.
Películas que no dicen «esto es así» y «solo así».
Pelis sin spoilers posibles, porque se escriben en el presente… porque no es llegar al final lo que importa.
Historias de amor con la materialidad de la imagen.
Películas que confían en el espectador,
y permiten atravesar la pantalla.
Pelis «con» gente y experiencias, y no pelis «de» héroes, ni personajes escritos de antemano.

…películas que saltan de escala entre canciones, manos anónimas, intervenciones softcore y hardcore, ojos y cámaras cómplices, ovejas, duplicidades de sentido, pistolas, cine táctil, películas nómadas en sus acentos y vibraciones, virus, coreografía del montaje, tigres, espacios ocultos donde ensayar la libertad, dinero, ficciones imposibles, huellas, culetazos, intimidad, aves, tiempos ancestrales, serie z, galletas, oralidad, realidades superpuestas…

Me acordé de repente de ese vídeo que circulaba por internet de un hombre que grita por un agujero para oír el eco de su voz, cuando por sorpresa, alguien (o algo…) le responde desde el interior. Solo pude imaginar ciclos inquietantes. Donde el desconcierto sucede entre el cuerpo y las imágenes que responden inesperadamente.

Películas como verbos que se abren a lo que podría haber sido, lo que será y el estar, como experiencias en el presente. 

Comisaria: Silvia Zayas.

PROGRAMACIÓN 

21 OCTUBRE
Ojo Guareña. Edurne Rubio, 2018, 56 min
Con la presencia de Edurne Rubio

Un grupo de espeleólogos se adentra en una cueva llamada Ojo Guareña. Los límites del espacio aparecen difusos y las voces de los humanos nos llegan como una reverberación de origen incierto. Al final, no sabemos muy bien si somos nosotros los que miramos la cueva o si por el contrario, es la cueva la que nos está mirando.

28 OCTUBRE
UN REBAÑO, UN PASTOR, UNA SEÑORITA (A LA DERIVA), UNA CODORNIZ Y UN REVÓLVER
Chus Domínguez en colaboración con Katsunori Nishimura, Elena Córdoba, Mónica Valenciano y Nilo Gallego
Con la presencia de Chus Domínguez y algunas colaboradoras 

Varias piezas más o menos extrañas que surgen todas ellas de la conjunción entre la mirada cinematográfica de Chus y la mirada escénica de Nilo Gallego, Mónica Valenciano, Elena Córdoba y Katsunori Nishimura. 

K_A op. 14. Sin título. Katsunori Nishimura y Chus Domínguez, 2015, 5 min 30 seg
La danza de la codorniz. Primer movimiento. Elena Córdoba y Chus Domínguez, 2010, 7 min
Impregnaciones de la señorita nieve y guitarra. Mónica Valenciano y Chus Domínguez, 2008, 13 min
Felipe vuelve a casa con las ovejas sonando. Nilo Gallego, Felipe Quintana y Chus Domínguez, 2001, 18 min
4 NOVIEMBRE
The Movie. María Jerez en colaboración con Cristina Blanco, Amaia Urra y Cuqui Jerez, 2008, 55 min
Con la presencia de María Jerez

Un salón. Un bolígrafo. Una cocina. Una grapadora. Una plancha. Una galleta. Un secador. Un embudo. Cuatro pósters. Un misterio por resolver. The Movie forma parte del proyecto The Neverstarting Story.
 

11 NOVIEMBRE
El complejo del dinero, 2015, 76 min y El coheredero, 2018, 30 min. Juan Rodrigáñez
Con la presencia de Juan Rodrigáñez, Jorge Dutor y otras por confirmar. 

Del encuentro entre el deseo de Juan Rodrigáñez por explorar determinadas posibilidades para una ficción cinematográfica contemporánea con artistas provenientes de la escena de las artes en vivo (Lola Rubio, Cecilia Molano, Jorge Dutor, Rafael Lamata, Katrin Memmer, Pablo Herranz, Eduard Mont de Palol, Julia de Castro) surgió la película El complejo de dinero, cuya proyección estará acompañada de El coheredero, película actualmente en proceso de montaje y surgida también de aquel mismo encuentro en el verano de 2013.

18 NOVIEMBRE
Introducing the star. The choir girl’s diaries. Pablo Esbert y Federico Vladimir, 2016, 71 min
Con la presencia de Pablo Esbert y Federico Vladimir

Introducing The Star es un proyecto que muta tan rápido como el virus de la inmunodeficiencia humana. Es una ficción musical autobiográfica. Una cosmogonía épica e íntima. Una fábula sobre coristas embarazadas, virus voladores, gestaciones, contagios, ciencia ficción y música electrónica.
25 NOVIEMBRE
Adelante la selva. Alejandra Pombo, 2017, 1 h
Cine Performance con Alejandra Pombo

«Si mis tres últimas películas It’s Called Listen, Tiguer Oracle y Wild Palms tienen entidad por sí mismas, Adelante la selva es un modo de presentarlas, donde entre las películas, hago una serie de intervenciones en vivo en las que me interesa propiciar un estado y una situación para ver cada una de ellas: un trabajo de montaje fuera y dentro de la pantalla».

MUSAC | 8 de febrero de 2018. 17:00h. Taller / 20:10h. Proyección

Alejandra Pombo (Santiago de Compostela, 1979) es doctora en Bellas Artes con una tesis sobre las paradojas y efectos de la introducción de la noción de performance en el campo del arte. Su trabajo artístico se encuentra en la frontera entre las artes visuales, el cine y las artes en vivo. Actualmente se centra en la realización de películas en las que ya no solo experimenta con el modo de realizarlas, sino también con la manera de darlas a ver.

– 17:00 a 19:30h. Encuentro taller con Alejandra Pombo
Lugar: DEAC MUSAC
Exploraremos fragmentos de vídeos, de películas y de youtube en busca de una significación de las imágenes que vaya más allá de una lectura convencional, haciendo hincapié en la escritura con imágenes: cómo hablar a través de otros para encontrar una mirada singular que apele a una intimidad del sentir. Acabaremos el encuentro con una experiencia en colaboración con la artista Silvia Zayas.

– 20:10h. Proyección. Adelante la selva. 60’
Presentación y diálogo posterior con el público
Lugar: Antesala del Salón de actos.

Si las tres últimas películas de Alejandra Pombo (It’s Called Listen, Tiguer Oracle y Wild Palms) tienen entidad cada una por sí misma, Adelante la selva es un modo de presentarlas en conjunto a través de una experiencia que encuentra lo extraordinario en lo insignificante, lo próximo, lo cotidiano.

Se trata de abandonarse a las imágenes y sintonizar con un ritmo respondiendo a una lógica emocional que transforma la visión en un tocar y ser tocado. No hay que preguntarse qué es lo que uno debería leer, sino dónde está su lugar. Como un ciego hay que enfrentarse a sus imágenes tanteando su superficie y avanzando en la oscuridad. La falta de información es parte de su belleza.

CINE LOS DOMINGOS EN EL CA2M

28 ENE — 25 FEB

18:30 H.

COMISARIOS  PLAYTIME AUDIOVISUALES (ENRIQUE PIÑUEL Y NATALIA PIÑUEL)

Siguiendo la línea de trabajo comenzada en 2014, El cine rev[b]elado propone una aproximación a la experiencia cinematográfica, más allá de la sala oscura y la imagen proyectada. Relacionándola y transformándola a través de otras prácticas, para activar una experiencia en torno al audiovisual, que cuestione no solo su propio lenguaje, si no toda su estructura y logística convencional.

Si en ediciones anteriores presentamos propuestas que relacionaban cine con arte sonoro, new media, arquitectura expandida o danza, en esta tercera edición además nos abrimos a otros campos, más allá de las artes, para incluir proyectos relacionados también con la ciencia.

Seguimos explorando e investigando para compartir y acercar al público asistente, algunas de las prácticas artísticas contemporáneas más destacadas en torno a estos temas que nos ocupan, tanto dentro de la producción española como en la experimentación internacional, propuestas que además se verán por primera vez en Madrid.

Asistencia libre hasta completar aforo

http://elcinerevelado.tumblr.com/

SESIONES

DOMINGO 28 ENERO 18:30 H.

Nº4

Christina Vantzou

Proyecto que combina música contemporánea, cine en 16 mm y vídeo digital, compuesto y dirigido por Christina Vantzou, concebidos como un todo, en el que imagen y música dialogan en armonía, sin que uno esté supeditado al otro.

Nº4 es una pieza que continua con su investigación audiovisual y en la que contará con la colaboración de un cuarteto de cuerda local. Con cada nueva interpretación, sus composiciones adquieren una nueva vida, consiguiendo un hipnótico viaje a través de bellos y oscuros paisajes.

Christina Vantzou es compositora y artista visual de origen norteamericano, con base en Bruselas. Ha compuesto y lanzado tres álbumes de música ambiental clásica y ha desarrollado una forma de notación musical gráfica influenciada por los minimalistas abstractos. La obra de

Christina como compositora y productora es autodidacta. En sus obras entrelaza instrumentos clásicos, voz, sintetizadores y software digital. Esta es la primera vez que actuará en Madrid.

DOMINGO 4 FEBRERO 18:30 H.

(RE) MIX EN SCENE

Amaranta Velarde + Alba G. Corral

(Re) Mix en Scene, es una investigación donde lo visual, lo sonoro y la experiencia escénica se unen para dar lugar a una performance única.

Para esta ocasión, las artistas Amaranta Velarde y Alba G. Corral nos proponen un remix del proyecto inicial (Mix en Scene, producida en 2015) donde trabajan los campos de la acústica, la coreografía y el vídeo en directo. Amaranta, baila accionando partituras coreográficas y pincha en vivo, y a su vez es acompañada por Alba, quién genera piezas visuales en tiempo real. Una remezcla que reproduce, versiona y mezcla fragmentos históricos e icónicos de la danza, la música y el cine. Un devenir de influencias entre las que encontramos a Yvonne Rainer, Kraftwerk, Pina Baush, Aphex Twin, Nijinsky y Laurie Anderson, entre otros. Un viaje que experimenta con la cronología, la yuxtaposición de estilos y principios artísticos, como un collage, utilizando la postproducción y el espíritu Dj de apropiación, manipulación y versionado de materiales. Se trata de reutilizar y samplear para construir algo nuevo.

Amaranta Velarde, se gradúa en CODARTS, Universidad de Danza de Rótterdam (2004). A partir de 2010 comienza a crear sus propios solos “Eclipse”, “Lo Natural” o “Hacia una estética de la buena voluntad”. Como intérprete ha trabajado en piezas con El Conde de Torrefiel, Cecilia Vallejos o Cristina Blanco. Desde el 2013 forma parte del colectivo ARTAS de la Poderosa y comienza a pinchar música en Barcelona.

Alba García Corral, es artista visual con formación en ingeniería informática. Su práctica se extiende a través del directo, el vídeo, new media e instalación. A través de ellas, explora narrativas abstractas, combinando processing art con dibujo, generando así paisajes digitales fascinantes. Su nombre es referente dentro de la cultura Vj.

DOMINGO 11 FEBRERO 18:30 H.

WM_A28 TCM_200DV BK26 BK26. Stefan Tiefengraber

MY BRAIN VS. THE WORLD. Pola Tog

WM_A28 TCM_200DV BK26 BK26 Es una performance audiovisual en la que el sonido y el vídeo se generan a través de cortocircuitos que el artista genera colocando sus dedos humedecidos sobre dispositivos eléctricos abiertos. Una suerte de sinapsis audiovisual, en la que la resistencia de la piel y la conductancia del cuerpo humano, combinada con los componentes de los circuitos, modifican constantemente el sonido. A su vez la señal de audio que se escucha a través de los altavoces, se envía a un proyector que visualiza la señal, recreando formas y líneas abstractas en blanco y negro.

Stefan Tiefengraber, artista austriaco, vive en Linz donde en el año 2010 empezó su formación en media-art en la Universidad de arte y diseño. Su trayectoria artística se mueve entre instalaciones interactivas, piezas sonoras, performance audiovisuales y vídeo experimental.

My brain Vs. The world, es un collage sintético, con aire retro-futurista, repleto de melodías oscuras y texturas analógicas recortadas y pegadas aleatoriamente, por la mente de Joaquín (mitad de Pola Tog), mientras Ana (la otra mitad de Pola Tog) explora la imagen en movimiento con una especial devoción por el error, combinando procesos analógicos, materiales digitales y técnicas artesanales, que van desde el uso de diapositivas y transparencias a la creación de animaciones sobre mesas de luz, creando un discurso narrativo, orgánico y plástico que diluye todas las fronteras.

Pola Tog es el nuevo proyecto de los artistas audiovisuales, Joaquín Urbina y Ana Gale, del estudio Dedo Ciego, reconocidos ambos por su trabajo de visuales en directo y realización de videoclips. En él nos encontramos un mundo informático, en formato analógico. El sonido de Pola Tog, ejecutado por Joaquín, se basa en el electro oscuro y new wave. Ana, se encarga de toda la parte visual.

18 de febrero 18:30 H.

AQUATOCENE / SUBAQUATIC QUEST FOR SERENITY + COLOQUIO

Robertina Šebjanič

Aquatocene es una performance audiovisual que investiga el fenómeno de la contaminación acústica submarina creada por la humanidad en los mares y océanos. Las composiciones sonoras son una remezcla entre la bioacústica de la vida marina (camarones, peces, erizos de mar, etc.), la acústica acuática y la presencia de ruido humano generado en los océanos y mares del mundo.

En los últimos años Robertina ha realizado grabaciones utilizando hidrófonos en diferentes lugares del mundo. El paisaje sonoro marítimo resulta tan rico o más que el terrestre pero supone un gran desconocido.

El directo que nos propone, presenta las composiciones del paisaje sonoro en forma de un bucle esférico continuo, utilizando fuentes de sonido ubicadas en diferentes puntos espaciales de la sala. Además y con carácter exclusivo para este ciclo, ofrecerá un set repleto de sugerentes imágenes transoceánicas.

Robertina Šebjanič, artista eslovena, su trabajo se centra en la construcción de mundos imaginarios y en la búsqueda de relaciones entre lo real y lo irreal para encontrar los bordes sensoriales de la percepción del espectador. En sus proyectos explora varios tipos de medios como el vídeo y las instalaciones sonoras y en un sentido más amplio, new media y el uso de tecnología y la ciencia, en el contexto de la práctica artística contemporánea. Robertina es miembro de la Theremidi orchestray Hackteria Network. Fue galardonada con la Mención de honor en Ars Prix Electrónica 2016. Desde el año 2007 es miembro de la Academia de las Artes de Ljubljana.

25 de febrero 18:30 H

SWEET FEVER

Pere Faura

(Performance colectiva) (Premiere en Madrid) + Taller.

Sweet Fever es la ejecución en forma de loop de una única frase coreográfica, la emblemática danza de “Fever Night”, el número coral que bailan en línea los protagonistas de “Saturday Night Fever” (John Badham, 1977) en la discoteca. Interpretada por un grupo numeroso de bailarines, su dilatada repetición transita entre la ejecución fiel, la modificación, la deformación o la desfiguración completa, y al mismo tiempo entra en diálogo con los otros elementos teatrales, como el vídeo, la música o las luces, que re-significan esta icónica coreografía.

Un viaje ritualista y extasiático que propone una (re)visión del mundo del ocio banal y la búsqueda constante del placer inmediato. Una analogía divertida, reflexiva y muy sudada, entre la danza del pasado y la música del presente, entre las coreografías rígidas del cine de los setenta y la corporalidad desbocada del placer nocturno actual, entre la representación de la felicidad en la gran pantalla y la presentación del disfrute físico real en el espacio escénico.

Esta pieza forma parte de una trilogía “macarra y reivindicativa” en palabras del autor, que toma prestado los grandes musicales del cine americano de los 70 y 80 que le sirvieron al propio Pere como inspiración cuando era niño.

Sweet Fever arrancará con un taller de dos jornadas, impartido por el propio Pere Faura, en el que todos los participantes podrán después formar parte de la performance del domingo (ver más información aquí)

Pere Faura, centra su discurso en la relación entre danza y cine/vídeo y sus diversas posibilidades coreográficas y escénicas. Su trayectoria arranca en el año 2004 con la obra “Panoramas, video and dance”. Desde 2007, Faura es coreógrafo residente en el Frascati Theater de Ámsterdam, y allí ha creado los solos Discopolis” y Striptease.

El (S8) es un evento que se celebra en A Coruña la primera semana de junio. El (S8) trae a la ciudad una muestra de cine internacional con un concepto único en el panorama de nuestro país, que comparte un espíritu explorador con imprescindibles citas mundiales como Rotterdam, Ann Arbor, Media City, Oberhausen, el Images Festival (Toronto), 25 FPS (Zagreb), la Viennale, Courtisane o Vila do Conde, situando a Coruña en el mapa de la creación cinematográfica contemporánea.

El nombre de la Mostra una alusión directa al Super 8, es el espíritu que guía a la cita. Este formato de cine doméstico personifica las características del tipo de cine que desde aquí se defiende. Un formato analógico, personal y popular que, además de conservar nuestra memoria reciente, permitió florecer la independencia y la libertad necesarias para los primeros (y arriesgados) pasos de cineastas hoy reconocidos mundialmente, y que ha sido pieza esencial en el cambio en el paradigma del método de trabajo del cine, pues permitió al cineasta trabajar con autonomía. El (S8) aúna así, en su alegórico nombre, un triple propósito: recoger el espíritu vanguardista y experimental -sin límite de formatos- que simbolizan estos pioneros trabajos en Super 8 y 16mm, dar cuenta del rico panorama de cineastas que siguen empleando la película de pequeño formato en pleno siglo XXI y revisar también esta historia reciente del cine en un fundamental ejercicio de recuperación y memoria.

Se materializa así en diversas secciones que reflejan lo más estimulante del cine del presente y el pasado. La música, las artes escénicas y las artes plásticas también tienen su lugar en la Mostra a través de instalaciones y performances que reflejan la continua retroalimentación entre las diversas disciplinas artísticas. A su vez, la didáctica juega también un papel crucial en el (S8), a través de actividades como las presentaciones, talleres y encuentros profesionales que dinamizan la actividad diaria de la Mostra, y que la convierten en un acontecimiento estrechamente ligado a la participación ciudadana.

Un evento internacional que abre A Coruña al mundo, pues convierte a la ciudad en un foco de atención tanto nacional como internacional, donde se dan cita los más interesantes cineastas y profesionales en activo, y que cuenta con la presencia de los más relevantes medios de comunicación.

Más información: http://www.s8cinema.com

Sábado 30 de abril y domingo 1 de mayo a las 20:00 en La Casa Encendida. 3€

Final del ciclo de cine contemporáneo ¡CRACK! que presenta películas centradas en los dramas contemporáneos de las personas que deciden romper o han roto con la sociedad.

The Comedy, de Rick Alverson. EE. UU., 2011. 96’. VOSE. DCP

El protagonista de este filme es un ser indeseable que le sirve al director, Rick Alverson, para colocar un espejo ante el desmotivado hombre blanco contemporáneo.

Swanson es un treintañero de Nueva York adinerado e indolente cuyos días transcurren sin hacer gran cosa aparte de molestar y reírse de todos aquellos que lo rodean, sobre todo de los que no forman parte de su clase social acomodada. Es un ser indeseable que le sirve al director Rick Alverson para colocar un espejo ante el desmotivado hombre blanco contemporáneo.

Más información: http://www.lacasaencendida.es/cine/-comedy-rick-alverson-5376

De Ma15.Diciembre a Sa19.Diciembre en La Casa Encendida.

Todo el programa en http://www.lacasaencendida.es

Retrospectiva organizada por el Festival Márgenes y la Embajada Argentina en España.

Sobreviviente de varias batallas, Campusano ha deambulado insistentemente por las entrañas de zonas periféricas de diversos países. Este factor sumado, a una acérrima actitud anarquista, deriva en que sus piezas posean un sello único.

La obra de José Celestino Campusano se adentra en los bajos fondos de marginalidades delictivas, homosexuales y esotéricas con una contundencia inusitada. En todos sus trabajos, el cineasta elabora una visión personal de la belleza que, contra todo canon, coincide con la verdad más incondicional y tangible, que tal vez es la más difícil de ver.

Campusano apuesta por un cine directo en su lenguaje y próximo a la realidad que filma, razón por la cual sus películas se convierten, además, en un testimonio antropológico e histórico.

Un cine que a nivel temático y estilístico se posiciona como opuesto al cine mainstream y que constituye un acto político radical.

Contaremos con la presencia del director en todas las proyecciones de las películas.