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ciclo artístico

Boris Charmatz se ha atrevido a convertir un centro coreográfico en un museo de la danza, a crear movimientos a partir del dictado de unas fotografías y a coreografiar pensando en cuerpos muertos. Charmatz utiliza la tergiversación, los cruces y las mutaciones como ingredientes principales de su magia negra para desplazar cualquier intento de certeza. Presentamos por primera vez en Barcelona a este imprescindible coreógrafo francés que expande la danza más allá de límites y fronteras en espacios singulares.

>Flip Book, 24 y 25 de octubre en el Mercat de les Flors

 

 

 

 

 

 

 

>20 bailarines para el siglo XX, 27 y 28 de octubre en el MACBA

 

 

 

 

 

 

 

+ info sobre el ciclo constelación de Boris Charmatz

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Sonido en los márgenes. Del 30 de junio al 26 de julio en el MACBA.

«Lorem Ipsum» nos remite a una fase de prueba, a una temporalidad que espera ser sustituida por algo más definitivo. El uso del texto original, extraído de la obra de Cicerón Sobre los límites del bien y del mal y alterado hasta perder su sentido original, nos sitúa en un momento procesual, inestable, en tránsito hacia lo que debería ser y aún no es. Este simulacro implica también juegos de formas e identidades, a través del filtro de los diferentes alfabetos, disposiciones de texto y pruebas tipográficas y espaciales.

Lorem Ipsum presenta una serie de propuestas que operan en los márgenes y en los pliegues de muchas cosas a la vez: música, performance, investigación artística, experimentación; lo queer, cuerpos racializados, desplazamientos y personas fuera de su sitio; operaciones diversas, dispares y disparatadas, de dislocaciones de lenguajes, significados, gestos y objetos, desde lo musical, en busca de una amable extrañeza.

Abren el ciclo Lolo & Sosaku, con nueva obra específicamente diseñada para el atrio del museo. Una propuesta de escucha atenta mediada por estructuras metálicas que hablan, escuchan y se mueven. Sutilezas sonoras y sonidos situados que invitan a la exploración. Una geografía de metal y cinestesia, que Violence rompe (y rasga) con su complejo amalgama de melodías, grime, música industrial y (un pasado) death metal, desde el que señala «las estructuras visibles e invisibles que crean nuestras sociedades binarias».

Esta es la línea que subraya asimismo el dúo sudafricano FAKA, poniendo el cuerpo queer y negrx en el centro, en un ejercicio histriónico de deconstrucción de la cisheterotopía del África poscolonial. Siguiendo su espíritu festivo y coincidiendo con las fiestas del Raval, el deseo y el goce se desplazan a la calle con la lituano-ecuatoriana Riobamba, al son del reguetón y el dembow, en un pulso amistoso entre la resistencia y la celebración.

Por su parte, el dúo japonés Group A mapea los márgenes de muchas cosas a la vez, entre la ambigüedad del avant noise, el minimal wave y el drone, habitando los rincones e intersecciones entre lo sonoro, la performance y la narrativa audiovisual. Y cerramos el ciclo con el estreno de The Mirror de la británica People Like Us, con quien nos volvemos a enfrentar a la cuestión de la(s) identidad(es) en un collage audiovisual inmersivo basado en su intenso trabajo sobre imágenes de archivo inscritas en nuestro imaginario colectivo.

Comisariado por Alicia Escobio y Anna Ramos

Foto: Lolo & Sosaku

Programa

SÁBADOS 30 DE JUNIO Y 14 DE JULIO a las 18.30 h
Gratuito. Sin inscripción previa. Aforo limitado.

30 de junio, LOLO & SOSAKU
Cinestesia mecánica, repetición, autonomía y sutilezas sonoras
14 de julio, RIOBAMBA
Calle y reguetón: un pulso apretado entre fiesta y resistencia

JUEVES 5, 12, 19, 26 DE JULIO, a las 20.30 h
Entrada: 5 €. Gratuito con carné Amic. Con inscripción previa. Aforo limitado.

5 de julio, VIOLENCE
Melodías, noise, metal, industrial e identidad en estado líquido
12 de julio, FAKA
El cuerpo negro y queer navegando en la cisheterotopía del África poscolonial
19 de julio, GROUP A
Drones, violines tratados, ruido abstracto y minimalismo industrial desde la performatividad
26 de julio, PEOPLE LIKE USThe Mirror
Plunderfonía inmersiva, found footage y reflejos

Más información: https://www.macba.cat/es/lorem-ipsum-2018

 

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Este verano, cada jueves de julio y agosto a las ocho de la tarde, la azotea de Tabakalera volverá a acoger una selección de trabajos vinculados a las artes en vivo. Desde el 5 de julio hasta el 30 de agosto podremos conocer diferentes propuestas que ponen en juego lo sonoro, el cuerpo, el movimiento, la coreografía y el lenguaje.

La programación de este año corre a cargo de Itxaso Corral y Maia Villot, quienes han preparado una selección de piezas de Chico y Chica, Inazio Escudero, Carla Fernández y Óscar G. Villegas, Elisa Arteta, Cuqui Jerez, Horman Poster, Navaridas & Deutinger, Los Torreznos, y Silvia Zayas y Esperanza Collado.

Te preguntas, ¿qué será todo esto?, ¿qué me encontraré?

Algo rozándonos los discursos y los cuerpos, algo que busca los huecos, las contradicciones, las fisuras, algo que anima al fluir jugoso de pensamientos exuberantes.

Un pensarnos con, para, desde, sobre, entre cuerpos.

Ciencia ficción, canciones leídas, ficción sonora, cuerpos afectados, cuerpos bailando, cuerpos saltando, cuerpos sonando, cuerpos transformando, cuerpos moviendo objetos, cuerpos estando, respirando juntos el verano.

Por ejemplo, un disco-libro, un relato de ciencia ficción, ficción sonora, libro hablado y canción leída.

O por ejemplo, una película sin película o las historias de un caminar.

O una conferencia experimental, muy muy sencilla. Una memoria en blanco y negro, un discurso coreografiado…

Nuestros cuerpos, estando juntos, atardeciendo juntos. Cuerpos que entenderán y sentirán. O sentirán-entenderán, como una nueva palabra nada estática. Eso seguro, allí, en la azotea, no estaremos nada estáticos. Compartiremos desplazamientos, pequeños desvíos y curvas, trayectorias mínimas que nos darán pistas sobre cómo movernos hacia otros lugares, otros estares, otros cuerpos posibles.

Itxaso Corral y Maia Villot

ACTIVIDADES

Más información: https://www.tabakalera.eu/es/ud-ha-2018/tabakalera-taulara-artes-en-vivo-escenicas-terraza-verano

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Naves Matadero presenta Habitar el aire, un proyecto del arquitecto Santiago Cirugeda pensado especialmente para intervenir un espacio escénico. Una casa que, suspendida en el aire, albergará distintas propuestas artísticas. En su construcción han intervenido estudiantes, voluntarios y asociaciones de mujeres.

Tras su uso en Naves Matadero, la casa será desmontada y reconstruida en otro barrio de Madrid donde se convertirá en la sede itinerante de los colectivos de mujeres participantes en su construcción.

Las intervenciones que acogerá la casa y el espacio de la Nave 11 que la alojará vendrán de la mano del artista sonoro Llorenç Barber, cuyas campanas, cencerros y otros materiales poblarán la casa, y con ellas ofrecerá un recital de sol a sol; el pianista Ignacio Marín Bocanegra interpretará a grandes clásicos; el colectivo Vértebro propondrá una Madrugá, 12 horas de performance ininterrumpida y Los Bárbaros impartirán talleres para jóvenes y un club de lectura.

PRESENTACIÓN HABITAR EL AIRE
Jueves 7 de junio a las 11 h.
Nave 11
Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas
Paseo de la Chopera, 14

Más información: https://naves.mataderomadrid.org/es/actividades/habitar-el-aire

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Del 1 al 3 de junio.

IV edición del festival de La Casa Encendida que se sirve del humor y la cultura de guerrilla para hablar de feminismos. Contaremos con Jessa Crispin, Puto Chino Maricón y Tríbade, talleres drag y de autodefensa feminista, Victoria Sin y los stand-ups de Ana Carolina y Jelen Morales, además de HJ Darger y Silvia Cruz en Vermú, prensa y blablablá.

Este año el festival Princesas y Darthvaders quiere explorar los desafíos a los que se enfrenta el feminismo contemporáneo: la verdadera inclusión y los peligros del capitalismo. Para ello incorpora el debate a partir del trabajo de Jessa Crispin, muy crítica con el feminismo light, en entrevista con la escritora María Fernanda Ampuero. Puto Chino Maricón, el artista más corrosivo del panorama madrileño, pura ironía pop y crítica contemporánea, que actuará en directo. Exploraremos los límites de la identidad con Victoria Sin, la artista canadiense y hacker del género que a través del draginvestiga cuáles son los espacios sociales que ocupamos, y recuperaremos la seña del festival, la stand-up, con la humorista argentina Ana Carolina y la madrileña Jelen Morales. Tendremos por primera vez en concierto en Madrid a las explosivas Tríbade, la sesión-aperitivo de Vermú, prensa y blablablá y los talleres drag de Victoria Sin y de autodefensa feminista en las redes a cargo del colectivo Donestech.

Comisariado por: Lucía Lijtmaer.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/encuentros/princesas-darthvaders-2018-8788

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Del 16 al 20 de mayo en La Casa Encendida.

La Casa Encendida presenta Gelatina, un festival de arte y pensamiento que quiere reflexionar sobre un ser humano que se reescribe en/con un mundo contingente en constante cambio.

El Manifiesto Xenofeminista cerraba con la frase: “¡si la naturaleza es injusta, cambia la naturaleza!” para llamar a la acción y declarar que no hay nada trascendente o protegido en lo humano que no se pueda modificar o hackear. En Gelatina, charlas, talleres y performances recogen posiciones que se solapan y chocan, que cuestionan las nociones “dadas” y “naturalizadas” de lo humano y la dinámica de las relaciones que, por tanto, se generan con aquellxs que han sido catalogados como “menos humanos”, con lo no-humano y el entorno. Tomando como punto de partida el colapso de la división entre naturaleza y cultura, Gelatina se propone la recuperación de un cuerpo biológico, de un cuerpo que excede el papel del lenguaje a la hora de constituir la realidad social. Como recoge el término material-discursivo introducido por Donna Haraway, un cuerpo que, de hecho, contribuye al desarrollo y la transformación de los discursos. Extratextual, entre líneas y fuera de líneas. Cuerpos que experimentan placer y dolor y que se orientan hacia ciertos objetos y hacia otros. Cuerpos que se reescriben en una naturaleza nómada, la cual también se puede replantear como un espacio de política emancipatoria.

Programación

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VARIOS ARTISTAS

04.05.18 – 07.06.18

La Blueproject Foundation presenta “Abaton”, un ciclo en torno a la idea de lugar imaginario que reúne diferentes propuestas artísticas y que acogerá Il Salotto del 4 de mayo al 7 de junio de 2018. Este ciclo contará de manera permanente con la instalación sonora Chijikinkutsu, del artista japonés Nelo Akamatsu, que convivirá con las otras actividades como performances, proyección de vídeos de artistas y largometrajes, una sesión literaria y una performance audiovisual.

Abaton es una de las ciudades mencionadas en el libro Guía de lugares imaginarios, de Alberto Manguel y Gianni Guadalupi. Una ciudad de localización cambiante, a la que nadie ha podido llegar jamás y, por tanto, no se sabe cómo es su interior. Abaton es, por definición, un lugar sagrado, donde se guardaba la figura del dios en los templos griegos; un lugar inaccesible a las gentes. En la versión de Sir Thomas Bulfinch, recogida en la guía, un lugar que apenas ha podido ser vislumbrado por algunos, como una visión en un horizonte lejano.

Las referencias a Abaton, como lugar al que no se va o lugar sagrado, nos hacen pensar en el lugar que ocupamos, en el presente, y en los que podemos alcanzar en la imaginación. A partir de esta premisa, habitar un lugar, estar conectado a él e ir más allá, es lo que proponen las diferentes propuestas que componen este proyecto.

Nelo Akamatsu, con Chijikinkutsu, propone adentrarnos en un Il Salotto transformado, que nos sirve de medio, a través del agua, agujas y cables de cobre, para conectarnos con el geomagnetismo de la tierra y hacernos conscientes del lugar que ocupamos. Los diferentes vídeos y largometrajes que podrán verse hablan de lugares ficticios o ficcionados a partir de la realidad; de cómo lugares concretos se transforman en escenarios futuristas, distópicos o surrealistas en narraciones superpuestas a la realidad. Por otro lado, el cuerpo es lo que activa ese abaton y será lo que veremos en la performance de Manuel Rodriguez, mientras que en la performance The Pleiades, de Elena Bajo, la idea de constelación nos hace pensar en un lugar inalcanzable, imaginado a partir de la escala humana y los sueños.

En la guía de lugares imaginarios, muchas de las ciudades citadas son islas y precisamente una isla en particular, La isla de cemento, de J. G. Ballard, será la que articulará el encuentro literario Biblioteca de las islas, una actividad de lectura y discusión de textos en colaboración con la Fundació Joan Miró. Para terminar el ciclo, Hamill Industries, junto a Shelly y mans o, nos llevarán a un espacio visual efímero transformado por el sonido a través de la instalación Cosmophonia – The insfrastructure of light.

PROGRAMA

CHIJIKINKUTSU DE NELO AKAMATSU

Instalación sonora permanente
→ 04.05.2018 – 03.06.2018

THE PLEIADES

Performance de Elena Bajo
→ Jueves 17.05.2018, 20h

NADA REAL, TODO IMAGINARIO. EL DÍA DE GLORIA DE RAYMOND ROUSSEL

Raymond Roussel: Le Jour de Gloire de Joan Bofill, 2016
Sesión de cine a cargo de Enrichetta Cardinale, codirectora de Dart Festival Barcelona, en conversación con Joan Bofill, director de la película
→ Domingo 20.05.2018, a las 18:30h

HACER VISIBLE, LO INVISIBLE

Performance de Manuel Rodriguez
→ Jueves 24.05.2018, a las 20h

 

UN AGUJERO EN EL CENTRO DE LA ATLÁNTIDA

Sesión de videos de artistas a cargo de Marla Jacarilla
New Madrid de Natalia Marín, 2016, (10min06seg, VO)
De urobóros y quimeras de Juan David Galindo 2017 (16min25seg, VO)
In Praise of the Beast de Greta Alfaro, 2009 (14min58seg)
Vientos del oeste/vientos del este de Carlos Vásquez, 2014 (15min46seg, VOSI)
Montaña en sombra de Lois Patiño, 2012 (13min52seg)
Cartografías y falacias de un lugar cualquiera de Marla Jacarilla, 2011 (5min, VO)
Film (Hôtel Wolfers) de Dora García, 2007 (11min30seg, VO)
→ Domingo 27.05.2018, a las 18:30h

 

BIBLIOTECA DE LAS ISLAS

Encuentro literario con Víctor García Tur, presentado por Alexandra Laudo [Heroínas de la Cultura]
→ Jueves 31.05.2018, a las 18:30h

 

EN LOS LÍMITES DE LO REAL

Sesión de cine a cargo de Albert Elduque
Llocs que no existeixen: Austràlia de Isaki Lacuesta e Isa Campo, 2009 (27min, VO)
Lessons of Darkness de Werner Herzog, 1992 (54 min, VOSI)
→ Domingo 03.06.2018, a las 18:30h

 

RUIDO FUNDAMENTAL

Sesión audiovisual a cargo de Hamill Industries en colaboración con Shelly y mans o
→ Jueves 07.06.2018, a las 21h

Más información: http://www.blueprojectfoundation.org/es/actividades/eventos/item/abaton-ciclo

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10 de mayo en La Casa Encendida y del 11 al 12 de mayo en el CCCB.

El CCCB presenta la 7ª edición del Primera Persona, festival de referencia que reúne a creadores de varias disciplinas artísticas que basan su obra en su propia experiencia vital. Lecturas, monólogos y conversaciones, actuaciones que los participantes preparan como siempre en exclusiva para el festival. El festival también celebra su tercera edición en La Casa Encendida de Madrid.

Viernes 11 de mayo

Sesión 1 / 19.00 / Teatro CCCB

«Crónica de dos crímenes» (Carles Porta, Joan M. Oleaque y Ramón Campos) / Vivian Gornick con Anna Guitart

La cápsula «Crónica de dos crímenes» inaugura la séptima edición del festival. El periodista y escritor Carles Porta, autor de Tor, tretze cases i tres morts (La Campana, 2005) –la ya clásica narración del true crimecatalán– charla con el también periodista Joan M. Oleaque, que cubrió el crimen de Alcàsser para la revista El Temps desde el año 1993 y escribió uno de los mejores libros de crónica y de investigación publicados en España: Des de la tenebra. Un descens al cas Alcàsser (Empúries, 2002). Les acompaña en escena el productor televisivo Ramón Campos, creador –con su productora Bambú Producciones– de exitosas series españolas como Las chicas del cable(2017) o Velvet (2014-2016) y que recientemente ha estrenado Fariña (2018), la adaptación televisiva del libro sobre el narcotráfico gallego del periodista Nacho Carretero. Para el año 2019, Campos prepara una miniserie documental sobre el caso Alcàsser. Idioma: catalán y castellano

Para cerrar la primera sesión del festival, sube al escenario la escritora neoyorquina Vivian Gornick, una de las más ilustres y respetadas escritoras y feministas del mundo, en rigurosa primera persona. Es autora de varios libros, entre los que hay las dos memorias Apegos feroces (Sexto Piso, 2017) y La dona singular i la ciutat (L’Altra Editorial, 2017). En Primera Persona habla con la periodista y guionista de radio y televisión Anna GuitartIdioma: inglés con traducción simultánea (cat)

Sesión 1 – Comprar entradas

 

Sesión 2 / 22.00 / Teatro CCCB

Tom Gauld / Sheela (Wild Wild Country)

El dibujante de cómics e ilustrador escocés Tom Gauld abre la segunda sesión del festival. Llamado «el dibujante amante de los libros» –la gran mayoría de sus viñetas versan sobre literatura y bibliofília–, Gauld tiende a reírse, con mucho cariño, de los coleccionistas de libros, los críticos, los escritores consagrados o del canon literario. Colabora con cabeceras como The GuardianThe New York Times o The New Yorker y llega a Primera Persona para presentar su último libro: En la cocina con Kafka (Ediciones Salamandra, 2018). Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)

Para finalizar la primera jornada del festival, sube al escenario Sheela, personaje principal de la serie documental Wild Wild Country de Netflix (2018), ex secretaria personal y ex portavoz del maestro espiritual Osho. Su figura se ha hecho conocida globalmente gracias a la serie de Netflix, que aborda su papel clave en el desarrollo del culto a Bhagwan Shree Rajneesh y en la que se plantean temas que tienen que ver con las conspiraciones, los cultos religiosos alternativos del poshippismo o el choque de culturas, entre muchos otros. Personaje carismático y controvertido, mediático y polémico, sobre todo a raíz de la creación de una enorme comuna Rajneesh el desierto de Oregón, en Estados Unidos, Sheela se convirtió en la cara visible del enfrentamiento con los antiguos habitantes de aquella región, primero, y con las autoridades estadounidenses después. Este choque la llevó a cumplir 29 meses de condena en prisión, acusada de varias de las actividades que se llevaron a cabo en la comunidad. Su participación en Primera Persona servirá para conocer mejor este personaje en toda su complejidad, icónico gracias a una serie que se ha convertido en un fenómeno global pero que contiene aún más matices. Y, sobre todo, una historia de vida novelesca y fascinante. Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)

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Sábado 12 de mayo

Sesión 3 / 19.00 / Teatro CCCB

Carla Simón y Elena Martín / Ishmael Reed con Marina Garcés / Simon Reynolds: Glam Rock: de T. Rex a Lady Gaga

Para abrir el segundo día de festival, suben al escenario dos representantes de una nueva generación de personalísimas cineastas catalanas: Carla Simón y Elena Martín. Simón, tras realizar varios cortometrajes experimentales y documentales emitidos en TV3, pasó a ser un fenómeno global con la historia más íntima que podía explicar, la suya, la de su familia: la película Estiu 1993 (2017), con el que se alzó con el premio a la mejor dirección novel en los Goya 2018, entre otros galardones. Simón conversa con Martín, que se dio a conocer interpretando a la protagonista de la película Les amigues de l’Àgata (2015) y trabaja siempre a caballo entre el cine y el teatro, entre la interpretación y la dirección. El 2017firma su primer trabajo como directora, Júlia IstIdioma: catalán

Las sigue en escena Ishmael Reed, una figura clave en la historia de la cultura afroamericana. Influido en un principio por los poetas beats y los de la Harlem Renaissance, su prosa rítmica y libre como un precioso desvarío jazz lo ha convertido en uno de los autores que han sabido explicar mejor los mitos ancestrales de la historia negra con las apuestas más vanguardistas. Al margen de sus facetas como profesor en la Universidad de California y como poeta, aquí hemos descubierto su faceta como novelista, con títulos como Mumbo Jumbo (La Fuga Ediciones, 2016). Reed charla con la filósofa, pensadora, profesora y activista Marina Garcés, recientemente galardonada con el Premio Ciudad de Barcelona en la categoría de ensayo por su libro Nueva ilustración radical (Anagrama, 2017). Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)

Finalmente, el crítico cultural inglés, articulista musical y pensador pop único Simon Reynolds sube al escenario para hablar de «Glam Rock: de T. Rex a Lady Gaga». En su último libro, Como un golpe de rayo. El glam y su legado, de los setenta al siglo XXI (Caja Negra editora, 2017), Reynolds ha analizado este género andrógino, de clase obrera y vanguardista, que lo marcó desde sus primeros años de infancia. Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)

Sesión 3 – Comprar entradas

 

Sesión 4 / 22.00 / Teatro CCCB

Gee Vaucher (Crass) con Brigitte Vasallo / Virginie Despentes con Christina Rosenvinge y Jordi Nopca

Comenzamos la segunda sesión con Gee Vaucher, pintora, cineasta y artista visual inglesa, miembro de la influyente banda anarco-punk Crass (1977-1984). En 1967 fundó Dial House, una comuna rural (o «casa libre») que sigue en funcionamiento a día de hoy. En Primera Persona, Vaucher conversa con Brigitte Vasallo, escritora barcelonesa, profesora y activista antirracista, conocida especialmente por su crítica a la islamofobia de género, así como por su defensa del poliamor en las relaciones afectivas. Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)

Por último, la escritora francesa Virginie Despentes, una de las voces más vigorosas del feminismo moderno, sube al escenario para cerrar la séptima edición de Primera Persona. Despentes, que dejó casa y estudios a los diecisiete años y fue prostituta y punk, es autora de la novela Baise-moi (Fóllame), de la trilogía Vernon Subutex y del ensayo autobiográfico Teoría King Kong (L’Altra Editorial/Penguin Random House, 2018). La autora conversa con el periodista y escritor catalán Jordi Nopca, actual redactor del diario Ara y Premio Documenta 2014 con la colección de relatos Puja a casa. Los acompaña en escena la cantautora madrileña Christina Rosenvinge, que forma parte del paisaje musical español desde hace muchos años y en todas sus capas, desde la radiofórmula hasta el indie. Rosenvinge, una de las mejores escritoras de música pop en español y que en su último trabajo –Un hombre rubio (El Segell del Primavera, 2018)– revisa clichés sobre la masculinidad, leerá fragmentos de la obra de Despentes. Idioma: castellano.

Sesión 4 – Entradas agotadas

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Jumping scales de Silvia Zayas es un proyecto de investigación artística sobre la idea de la difracción propuesta por Donna Haraway, y ampliamente desarrollada por Karen Barad (física teórica y feminista), como alternativa a la idea de “reflexión” (el reflejo como mímesis de la realidad). Indaga posibilidades en las prácticas escénicas o coreográficas en relación a las gramáticas del cine, sus saltos de escala, y diferentes posibilidades de visión no dirigida.

…el agujero, el vacío, imágenes difractadas, fantasmas, saltos de escala, entrelazamientos,
experimentos compartidos…

Durante la residencia de investigación se ha invitado a algunos colaboradores que trabajan cerca de estas ideas a realizar residencias cortas con el fin de entrelazar y compartir prácticas, y diseñar experimentos/  gamberradas/ conversaciones/ intuiciones: Esperanza Collado, Nilo Gallego, Óscar Hernández, María Jerez y Alejandra Pombo.
Este programa que se presenta ahora pretende seguir con la idea de la investigación desde el hacer en el presente y se abre la experiencia a otras personas como Mafe Moscoso, Diego del Pozo, Vito Gil-Delgado y Luz Prado. A principios de octubre se llevará a cabo un encuentro con las teóricas Iris van der Tuin y Nanna Verhoeff, quienes están desarrollando una investigación en torno a la difracción en la Universidad de Utrecht.

Jueves 3 de mayo
19h Presentación de Jumping Scales. Silvia Zayas
20h Talking pictures. En colaboración con Esperanza Collado

Viernes 4 de mayo
21h y 22h Seànce* En colaboración con Alejandra Pombo

Sábado 5 de mayo
16h The Boogie-Woogie Ghost* En colaboración con María Jerez
20h Large Language Collider (LLC). En colaboración con Óscar Hernández
22h Seànce*. En colaboración con Alejandra Pombo

Domingo 6 de mayo
13h The Boogie-Woogie Ghost*. En colaboración con María Jerez

Sábado 12 de mayo
11.30–14.30h Observar un perro: ensayar el perspectivismo, una pequeña etnografía decolonial*. Mafe Moscoso.
18.30h Todos los agujeros de la superficie mutante. En colaboración con Diego del Pozo
21h The mountain. Nilo Gallego en colaboración con Vito Gil-Delgado, Luz Prado y Silvia Zayas

*Seànce, The boogie-woogie ghost y Observar un perro: ensayar el perspectivismo, una pequeña etnografia decolonial… requieren
inscripción previa por aforo limitado. Escribir a creadores@mataderomadrid.org indicando fecha, hora y título de la actividad a la que desea asistir.

Más información: http://www.mataderomadrid.org/ficha/9367/jumping-scales.html

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BARCELONA PRODUCCIÓ

LA CAPELLA

ACCIONES EN VIVO

Del 12 al 14 de abril

BARCELONA PRODUCCIÓ es un programa impulsado por el Instituto de Cultura de Barcelona, ​​y coordinado por La Capella, que tiene como objetivo incentivar la producción en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Promueve la participación de artistas, comisarios, críticos, investigadores y otros profesionales centrados en el arte y la cultura contemporánea a través de una convocatoria abierta y una selección de proyectos efectuada por un jurado independiente.

Los proyectos, presentados a partir de una convocatoria pública, son seleccionados por un jurado independiente que en esta edición ha estado formado por David Armengol, Mónica Bello, Joan Casellas, Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa), Alexandra Laudo y Mireia Sallarès.

En esta última edición, se han ampliado las líneas de actuación incorporando cuatro nuevas categorías, entre ellas, Acciones en Vivo.

Las Acciones en Vivo tendrán lugar en La Capella (Calle Hospital, 56), los próximos jueves 12, viernes 13 y sábado 14 de abril, a las 20h:

-12 abril. Les Brontë. Fine Cherry.

-13 abril. Quim Pujol. Verde Croma.

-14 abril. Eliana Beltrán. The Reading Room #3 – Aparatos del habla y materialismo histœrico.

Entrada libre

 

Les Brontë

Fine Cherry

Jueves 12 de abril a las 20h, La Capella

FINE CHERRY en 7 líneas:

FINE CHERRY no es más que un juego de lenguaje.

FINE CHERRY es un reclamo a la libertad personal en un paisaje postapocalíptico.

Una gran fiesta bacanal Greco-Romana pop-punk glam-trash-glitch como forma de resistencia a la ocupación y colonización de la poética corporal por parte del capitalismo consumista, en un homenaje a la libertad del cuerpo y un reclamo de su poder transportador como portal a los grandes misterios del arte. Un bodegón en directo para contemplar archivos perdidos del futuro. El postapocalipsis es una condición psico-estética. Jonkis estéticos en sobredosis. El Kitsch es el nuevo Rococó.

Hello, daddy. Hello, mom.

I’m your ch-ch-ch-ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb!

The Runaways 1976

Fine Cherry,  Les Brontë

La primera bailarina en traer las enseñanzas de Isadora Duncan y su estilo de danzas libres a Cataluña se llamaba Josefina Cirera, también conocida como Fina Cirera, un nombre que, si se traduce literalmente al inglés, sería… Fine Cherry.

No se sabe gran cosa de dicha bailarina, con la excepción de que a principios de los años treinta hizo una gira por los teatros romanos con la Banda Republicana como protagonista de las tragedias griegas Electra y Medea.

El caso es que el nombre trae a la memoria a otro del que sí se saben muchas cosas: Cherry Vanilla, una gran dama infame del punk de los años setenta, que pasó de groupie a actriz fetiche de Warhol en su obra de teatro Pork, trabajó como publicista polémica para Bowie (con tácticas de márquetin tan punks como ofrecer mamadas a cualquier DJ de Nueva York que lo pinchara) y acabó sacando su propio disco, Bad Girl.

¿Qué ocurre si mezclamos un movimiento de danza libre con una estética punk? O viceversa: ¿un movimiento punk descontrolado dentro de una estética modernista o de mitología griega? ¿Qué pasaría si levantáramos el cuerpo grecorromano renegado de las catacumbas y lo vistiésemos de modernidad?

Al explorar estas dos estéticas creamos una nueva, que se manifiesta en un cuerpo-(des)concierto. Ofrecemos nuestra danza como un sacrificio humano que estira las ruedas de la historia y después se ve arrastrado debajo suyo. Utilizamos el cuerpo como un archivo en vivo de la representación de la forma femenina, desde Boadicea hasta Beyoncé, subvirtiendo los ideales de la belleza corporal establecidos en el arte, la moda y la cultura popular desde los romanos hasta los románticos para cuestionar nuestra visión colectiva actual. En vez de seguir la última tendencia de llevar la danza a los museos, pretendemos llevar el museo a la danza con el propósito de perturbar y renovar su gramática. Como las diosas del Partenón en el Museo Británico, hemos sido desplazadas y despojadas de nuestro contexto natural y nos encontramos en el punto de mira del público para ser objeto de escrutinio y maravilla. Hasta el punto que la polémica sobre cómo se debe presentar la forma femenina en la sociedad contemporánea, entre burkinis y bolsas Birkin, es tan exagerada que una cosa tan estúpida, sin sentido y surrealista como ponerse un trozo de jamón de York sobre la cara (tranche de jambon) puede convertirse en un reclamo político de alta sensibilidad y potencialmente muy ofensivo.

Pero, por supuesto, no es nuestra intención ofender a nadie con nuestras desfiguraciones. En el fondo, Fine Cherry no es nada más que un juego de palabras. En el fondo, Fine Cherry es una excusa para pintarse de color dorado, teñirse el cabello de color fucsia y friquear. En el fondo, Fine Cherry es un reclamo a la libertad personal en un paisaje postapocalíptico.

Pretendemos montar una gran fiesta bacanal grecorromana pop-punk-glam-trash-glitch como forma de resistencia a la ocupación y a la colonización de la poética corporal por parte del capitalismo, en un homenaje a la libertad del cuerpo y un reclamo de su poder transportador como puerta a los grandes misterios del arte. Una colección de archivos perdidos del futuro. El postapocalipsis es una condición psicoestética. Yonquis estéticos en situación de sobredosis. El kitsch es el nuevo rococó.

“Hello, daddy. Hello, mom.

I’m your ch-ch-ch-ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb!”

The Runaways, 1976

LES BRONTË

Les Brontë es un dúo artístico afincado en Cadaqués, casa del divino Dalí, y formado por la bailarina Victoria Macarte y la artista textil y visual Rosa Tharrats. Les Brontë se conocieron en 2011 cuando trabajaban en la película Història de la meva mort, de Albert Serra, en que la luz de Casanova se encuentra con la oscuridad de Drácula. Llenaban las horas fuera de plano por los castillos de Francia y Transilvania jugando con el vestuario de época y haciendo pequeñas performances para entretener a los actores en espera. De aquel entonces viene la inspiración para llevar a cabo un proyecto artístico colaborativo, y el sobrenombre de “Les Brontë”.

Han llevado su proyecto estético Neotaxidermia desde sus orígenes, en Berlín, hasta Barcelona y hasta rincones de la España profunda bajo proyectos de comisariado del grupo AADK.

Su obra se expande por la danza, la performance, la moda, la música, el vídeo, la instalación y las artes visuales, de una estética primordial transpuesta a la era digital. La obra evoluciona, pero se basa en este concepto de “neotaxidermia” como transferencia de imagen o esencia, restos tangibles de ideas o recuerdos. Esto lo hace capturando la “retromanía”, apropiación cultural y propagación salvaje de tendencias actuales con elementos visuales y vivos de performance como el folclore de nuestro tiempo. Ciencia ficción de época. Una colección de archivos perdidos del futuro. El postapocalipsis es una condición psicoestética.

Quim Pujol

Verde Croma

Viernes 13 de abril, a las 20h, La Capella

Los colores son una construcción cultural que consiste en identificar y nombrar una franja determinada del espectro luminoso. Este proyecto propone una acción en vivo basada en expresiones relacionadas con el color para desarrollar una composición de palabras, sonidos y gestos que nos haga cuestionar lo que los colores producen. Como las pantallas “Verde croma”, este trabajo es una superficie donde se puede proyectar cualquier cosa.

Quim Pujol (1978)

es escritor, comisario y artista. Trabaja en los límites entre la escritura, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Desde 2014 investiga y modifica técnicas corporales ya existentes con fines políticos. Sus últimos trabajos en este sentido son Trance colectivo (2014), ASMR del futuro (2015), BDSMmm (2016) y Fregoli (2017). Ha participado en exposiciones como Intervalo. Acciones sonoras, en la Fundació Antoni Tàpies, o Visceral Blue, en La Capella. Ha coeditado, junto con Ixiar Rozas, el volumen sobre teoría afectiva Ejercicios de ocupación (Ediciones Polígrafa, 2015), y fue comisario de la Secció Irregular del Mercat de les Flors entre 2011 y 2015. También ha impartido clases en el Programa de Estudios Independientes del MACBA.

Eliana Beltrán

The Reading Room #3 – Aparatos del habla y materialismo histœrico

Sábado 14 de abril,a las 20h, La Capella

The Reading Room es un proyecto que se interesa en la exploración abierta de otras formas de lectura colectiva. Su tercera sesión presenta una acción que se sitúa entre los límites del ensayo abierto, el microteatro, la performance y la instalación escultórica, a la vez que estudia la idea de la escritura de obras de teatro como medio. Trabajando desde la reapropiación del texto “El cuerpo omnisciente”, de Miran Božovič, rico en material narrativo, pinceladas surrealistas, filosofía del materialismo, misoginia disimulada y adoctrinamiento, y en el cual se examina el tema de la voz acusmática en la primera novela de Diderot, Les bijoux indiscrets, y en leyendas pitagóricas como posible origen del término, se propone una deconstrucción del sentido que pasa por la acción de dos mujeres batería que corporizan dos o tres personajes, una escultura que se presenta como actor y toda una alteración de la idea de lugar que pasa por lo que es audible como representación y como ficción.

Con la colaboración de: Hangar

Eliana Beltrán (Medellín, Colombia, 1984)

vive actualmente en Barcelona y es residente de larga duración en el Centro de Producción e Investigación de Artes Visuales Hangar (2016-2018). Hizo el máster de arte sonoro en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (2015-2017). Estudió arquitectura en la Universidad Pontificia Bolivariana de Medellín (2001-2006), e hizo el proyecto de final de carrera en la línea de profundización: teoría, crítica y proyecto. Es batería; se dedicó a descubrir el instrumento de forma autodidacta como integrante de proyectos musicales de carácter experimental de la escena alternativa nacional colombiana (2005-2014). Inició estudios en la escuela de música de la Universidad EAFIT, con énfasis en la percusión sinfónica (2012). En Hangar ha sido seleccionada en las dos últimas convocatorias de la beca Encura por los comisarios ganadores. Su obra se ha podido ver en exposiciones colectivas en Medellín (en la edición 43 del Salón Nacional de Artistas, 2013) y en Barcelona (en el festival Zeppelin, organizado por la Orquesta del Caos en el CCCB, 2015). Como arquitecta, ha recibido varios reconocimientos durante sus años de práctica profesional (mención de honor en la categoría de proyecto arquitectónico en la xxiii Bienal Nacional de Arquitectura Colombiana, 2012). Sus recientes prácticas espaciales integran distintas formas de producción, y reflexionan desde ámbitos como la arquitectura, la ficción y lo efímero de las cosas audibles, en tensión y/o yuxtaposición con otras formas de la idea de los elementos espaciales y el cuerpo.

www.elianabeltran.info

Más info: http://lacapella.bcn.cat/es/activitats/actuals

 

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