— MuroTRON

Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor – 29 y 30 de noviembre y 1 de diciembre en el Mercar de les Flors  

El siglo XX, desde la mentalidad de su tiempo, se cuestionó desde el ballet mismo los usos y maneras del ballet académico. Así, La bella durmiente, de Mats Ek, para el Cullberg sueco, en los ochenta, despertaba de su letargo embarazada, y los cisnes del británico Matthew Bourne, en los noventa, dejaban de ser frágiles doncellas para pasar a ser musculados y peludos varones. Pero cómo se percibe un ballet romántico desde la perspectiva la performance, el #metoo y la sensibilidad social del siglo XXI -tan diametralmente opuesta a la del XX y el XIX-, es lo que nos ofrece el tándem catalán Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor en su nueva creación Danzas románticas, un solo creado e interpretado por el primero, con dirección escenografía y vestuario del segundo.

De una forma distendida y divertida, el público es dispuesto muy cercano al intérprete como formando también parte indisociable de esta propuesta inmersiva, donde es llevado a reflexionar sobre un tema serio desde un divertimento que propone un viaje singular a través de algunos ballets relevantes –La Silphide, Giselle, Coppelia, Raymonda, Sheherezade-, partiendo de sus convenciones, estereotipos, clichés, manierismos y músicas descriptivas, con la idea de resignificarlos desde sus propios códigos en un cuerpo ajeno a estas prácticas, un cuerpo danzante de nuestro tiempo, que se expresa desde la acción performativa y otra gestualidad.

De allí surgen nuevas interpretaciones, historias y lecturas posibles. Según dicen ellos mismos, han querido meter las manos en las convenciones de los ballets románticos para “intentar sanar ciertas crueldades de las que aún somos herederos”. Entre ellas la noción del amor romántico o la idea de la fatalidad y la fragilidad vinculada a la mujer, que viene ya diseñada en la misma técnica del ballet clásico, que hace claras distinciones entre los roles masculinos dotados de fuerza física y poderío, frente a los movimientos asignados a los femeninos, tendentes a la fragilidad, ligereza e inferioridad.

En Danzas románticas encontramos un énfasis muy especial en las músicas originales de cada uno de estos ballets, diseñadas serviles a favor de las historias, esos cuentos sobrenaturales, exóticos y trágicos descritos por las partituras de Stravinsky, Chopin, Delibes o Rimsky-Korsakov, que subrayaban el carácter de estas mujeres etéreas que eran hadas, espíritus o sonámbulas martirizadas por hombres mortales. “En Danzas Románticas queremos acercarnos al ballet desde una perspectiva de género crítica poniendo las problemáticas de las políticas del cuerpo romántico en juego”, han declarado sus autores.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/danses-romantiques/.

Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor han venido desarrollando su trabajo juntos desde 2009, y en no pocas ocasiones han hecho colaboraciones con artistas afines a sus intereses. I per què John Cage? (2011), # Los Micrófonos (2013), This Movie (2013), Grand Applause (2016), Lo mínimo (2018) o El Movimiento (2021), son solo algunas de las numerosas creaciones que han estrenado hasta la fecha.

2 de marzo en Azkuna Zentroa 

La última creación del coreógrafo Gaston Core es una relectura de la epopeya griega “Ilíada” desde la contemporaneidad, reconvertida en una batalla de rap.

Pienso que la “Ilíada” es ante todo la confrontación entre una sociedad determinada con el sistema de valores de un mundo que le precedió, legendario y heroico. Y por otro lado es la historia de un hombre que se enfrenta a sí mismo para acabar asumiendo la función que cumple en ese grupo y que le da sentido como individuo. La lectura de este texto es siempre nostálgica. Y esta es una de las muchas cosas que nos siguen conectando a él: esa mirada perpleja ante un mundo que se nos escapa y que imaginamos mejor que el que vendrá. ¿Pero cómo explicar la Ilíada?

Su importancia en la Historia, la modernidad de sus recursos narrativos y de los temas que trata, y sobre todo, cómo transmitir en una hora de performance la fuerza que tiene la palabra en este texto, de qué manera con ella se dignifica al otro para dignificarse uno mismo. Creo que la mejor manera es explicarlo a través de nuestros artistas contemporáneos de la palabra: los rappers. Eso es esta pieza: una mirada escénica y una reflexión estética a la obra fundacional de la literatura occidental mediante el lenguaje del rap y de la cultura hip-hop.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/gaston-core-antes-de-que-caiga-la-noche/.

Casa Montjuïc – 24 de febrero

SPELL es una performance audiovisual en directo de los artistas Serafín Álvarez y Roc Jiménez de Cisneros que propone un mundo imaginario poblado por objetos que nos resultan familiares y extraños al mismo tiempo.

El show es una red de objetos-actores que chocan en una realidad material en la que las cosas crecen y se encogen inesperadamente, se estiran y se contraen, ya sea porque no son del todo lo que parecen ser o porque están atrapados en una especie de no-lugar, mucho más allá de nuestra física.

El trabajo de Serafín Álvarez, que ha sido presentado en lugares como La Casa Encendida, Fundació Joan Miró, MACBA o Sónar, se centra en conceptos asociados con alteridades no humanas, el viaje hacia lo desconocido y cambios en la percepción de la realidad.

Roc Jiménez de Cisneros explora los procesos de deformación, tanto literal como metafóricamente, en piezas gráficas, instalaciones de luz, ensayos y, especialmente, música. Sus grabaciones como parte del grupo EVOL han sido editadas en sellos como iDEAL.

Previamente recibiremos a ¥€$Si PERSE, quien nos propondrá una interfaz que permite a sus usuarios entrar en narrativas alternativas.

Más información y entradas aquí.

11/01 – 13/01 – Boudoir – Steven Cohen – 17.30 h / 20.30 h / 22.00 h

26 y 27 de noviembre en el Teatro Central de Sevilla

Una suerte otra de apelar a la mirada del espectador, de observar, de reivindicar la contemplación de lo visual, de escribir, de decir los textos, de acudir a la reflexión… en definitiva, de contaminar lenguajes artísticos, parece haberse instalado en los últimos diez años en el panorama de las artes escénicas en nuestro país. En la era del zapeo, de la velocidad: otro tiempo demorado se nos impone. Son artistas jóvenes y sobradamente preparados, de horizontes amplios, de libre circulación… que se contaminan y colaboran entre sí. Se trata de Marcos Morau/La Veronal, Celso Giménez y Violeta Gil/La Tristura (habituales del Central) y por supuesto Tanya Beyeler y Pablo Gisbert/El Conde de Torrefiel con quien Sevilla tenía una asignatura pendiente. Todos ellos difíciles de ver en los teatros españoles, dándose la paradoja de ser no solo aplaudidos sino coproducidos, por los escenarios más destacados del circuito internacional.

En los tiempos de Facebook, el gran ágora global, el gran vertedero de perfiles, Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, las dos personalidades de El Conde de Torrefiel, convierten el escenario en una plaza habitada por seres sin rostro. En los tiempos del selfi, El Conde, como dice Roberto Fratini, se dedica a ofrecernos, exponiéndola, la sonrisa alelada de una humanidad que está sacándose el último de sus autorretratos.

Más informacion y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/la-plaza.

La plaza toma el espacio público como paradigma reducido del mundo contemporáneo.

La plaza —dice Tanya Beyeler— es un cuadro más impresionista. Es ver cómo aquello que vemos, las imágenes que pasan frente a nosotros, al final afectan la percepción de eso que vemos y la que tenemos de nosotros mismos.

La plaza —dice Pablo Gisbert— es un trasunto de la idea de pueblo, de la idea de ciudad, de la idea de humanidad. Es una figura poética para hablar del mundo entero.

El Conde de Torrefiel- Del 23 al 25 de abril en Réplika Teatro

Aunque es de noche
Su origen no lo sé, pues no lo tiene
Mas sé que todo origen de ella viene
Aunque es de noche
La corriente que nace de esta fuente
Bien sé que es tan capaz y omnipotente
Aunque es de noche
Aquí se están llamando a las criaturas
Y de esta agua se hartan, aunque a oscuras
En esta viva fuente de deseo
En este pan de vida, yo la veo
Aunque es de noche

“Qué bien sé yo la fuente que mana y corre”
San Juan de la Cruz, 1577

KULTUR, nace como un spin-off libre de LA PLAZA, anterior trabajo teatral de El Conde de Torrefiel estrenado en 2018, del cual se secciona una situación literaria expuesta para así iniciar una nueva propuesta. KULTUR se articula formalmente como una instalación de carácter performativo y se organiza a través de un solo cuadro en el que se observa una situación in crescendo. Su propósito es crear una experiencia para el espectador lo más subjetiva posible, aislándolo del resto de los asistentes mediante la oscuridad y la entrega de auriculares mientras una voz susurra un texto de carácter intimista.

KULTUR es así un soliloquio interno, organizado intuitivamente a través de la mirada de un persona ante el estímulo dado por su propio reflejo. Es el intento personal de otorgar un sentido a la existencia compartida con otros, bajo una antigua bóveda de conocimientos y reglas comunes, de referentes de una época y una cultura, de ideas predeterminadas, de creencias preexistentes, de sensaciones vividas, de conceptos establecidos y obtenidos de manera acumulativa y casi involuntaria.

El Conde de Torrefiel se ha dado a conocer por sus trabajos a veces incómodos, sobre la tensión entre lo individual y lo colectivo y la frágil configuración de la sociedad occidental, y así observar las formas en las que se manifiestan los sentimientos que provocan nuestro tiempo. El dúo formado por Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, hace a menudo uso de textos proyectados, que se articulan tanto como juegos narrativos de simulación futuristas hasta consideraciones y juicios intimistas parecidos a soliloquios en un diario. Los textos revelan estados propios de una generación insegura en una pretendida libertad, textos que se oponen a la puesta en escena de coreografías minimalistas y sonidos evocadores.
La empatía del que asiste a sus espectáculos emerge por la combinación de estos elementos en contraste, que exploran la irreconciliabilidad entre las observaciones “honestas” de los individuos retratados y la autoconcepción de una sociedad que resulta difícil de entenderse.

+ info y entradas

→ Ideado y creado por El Conde de Torrefiel
→ Dirección: Tanya Beyeler and Pablo Gisbert
→ Texto: Pablo Gisbert
→ Intérpretes: Carmen Collado, Sylvan, Arno Genista
→ Diseño escenográfico: El Conde de Torrefiel & María Alejandre
→ Atrezzo y Vestuario: María Alejandre
→ Diseño de sonido: Rebecca Praga
→ Dirección técnica: Isaac Torres
→ Voces: Gloria March Chulvi (Castellano), Victoria Macarte (Inglés), Svenja Wasser (Alemán)
→ Traducción: Victoria Macarte (Inglés), Martin Orti (Alemán)
→ Producción: El Conde de Torrefiel
→ Co-producción: Donaufestival (Krems), Gessnerallee (Zürich)
→ Difusión & tour management: Caravan Production

Del 24 al 28 de marzo en la Nau Ivanow

La Fundación Mis Bragas, compañía seleccionada por la Beca DespertaLab 2020, presenta su obra BITCH.

El Ciclo de creación escénica DespertaLab, impulsado por la Nau Ivanow y la Sala Atrium, tiene el objetivo de apoyar la creación teatral más reciente, contribuyendo a la entrada de las jóvenes compañías en las redes profesionales.

¿Es normal que la regla duela? ¿Se te ocurre algún otro proceso fisiológico que transcurra con dolor? Si los hombres menstruaran ¿el calendario y la vida laboral se adaptarían a su ciclo? ¿por qué en los anuncios de compresas la sangre es azul?
Un concierto físico en el que desgranar los relatos de un cuerpo. Un cuerpo que sangra, que padece, que colapsa, que canta, que pide. Acompañadas de las llamadas brujas, que fueron torturadas y quemadas en la hoguera, intentamos entender esto de “ser mujer”. Recogemos los restos de otras mujeres y sus relatos, como en un cine donde proyectarnos en un tiempo que ha girado sus ejes y se ha transformado en vertical. Agolpándose todo en un sólo punto que es este instante en el que nos encontramos. Tú y yo.

+ info y entradas

Fundación Mis Bragas es una alianza entre dos mujeres que hacen desde sus cuerpos. Desde la intimidad de sus cuerpos imaginan que en el centro del discurso, con el que hay que asemejarse para encajar en esta nuestra sociedad, no hay el paradigmático hombre blanco heterosexual sino ellas mismas. Imaginan que no son “el Otro”. Desean atender la elocuencia de dichos cuerpos, comprometidas con ellos a un sincero ejercicio de ocupación. De ocupación del espacio desde esos cuerpos y no otros. Sobre la experiencia de estos, y no otros, construyen los discursos. Desde una experiencia cíclica y sangrienta. Desde allí, y no desde otro lugar, articulan sus relatos.

Cinco artistas taiwaneses que han pasado por la residencia artística Homesession, en Barcelona, durante los últimos cinco años, presentan de forma virtual el fruto artístico de su trabajo en España mediante una exposición virtual a la que se puede acceder a través de la web www.taiwan-artistinresidence.barcelona

La Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España, en colaboración con Homesession Arts Space and Artist in Residence Barcelona, lanzan este proyecto virtual, titulado “Residencias de Artistas de Taiwán en Barcelona”, con la obra de estxs cinco taiwaneses, que han participado entre 2015 y 2019 en el proyecto de esta residencia, enfocado en la creación de artes visuales y la experimentación interdisciplinar.

La exposición refleja el trabajo en Barcelona de lxs artistas Yu-Hang Huang, Wei-Chia Wu (Veeeky), Shu-Jung Chao y lxs comisarios Shao-Hung Cheng y Chun-Chi Wang, y lo hace a través de textos, imágenes y entrevistas en las que comentan su experiencia artística, haciendo énfasis en la diversidad de prácticas artísticas en la escena actual del arte contemporáneo de Taiwán.

Este catálogo en línea es accesible al público nacional e internacional al estar traducido en tres idiomas: castellano, inglés y mandarín.

El proyecto cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán y la Oficina Económica y Cultural de Taipei.

Del 5 al 7 de noviembre en Teatros del Canal

Ojo Último propone una dramatización cósmica. Un viaje multidimensional y extraterrestre en el que el tiempo se desmorona. Veneno Sexy (El Musical) es una ceremonia. Un estado de conciencia alterado y confuso. Un momento de hiperlucidez involuntario. Un ritual que se sirve tanto de emojis como de la historia del pensamiento para dar lugar a una inesperada mitología digital con una épica GIF.

Ojo Último es el alter ego musical del artista SEPA, una especie de poeta robot con ideas vertiginosas. En sus trabajos aúna música, pensamiento, videocreación y performance, dando siempre lugar a obras complejas, profundas y actuales.

Recorriendo espacios imaginarios que resuenan al mismo tiempo con la más delicada intimidad personal, con la realidad social inmediata y con dioses mitológicos. Su trabajo bebe de diversas disciplinas que se complementan en una propuesta única y unitaria. Un abordaje artístico que pretende conectar la tradición y la novedad. Lo humano y lo animal. Lo visible y lo invisible. Lo sagrado e internet. Lo experimental con la cultura popular. Lo interno con lo colectivo y con lo continuo.

Su música es una inmersión en una selva y una expedición al espacio. Una intoxicación. Un viaje hasta los límites de la realidad y de uno mismo. Hasta donde la percepción aguanta. Esto, y su correspondiente viaje de vuelta.

Ojo Último comete la tarea de hilar un tejido mental desde el que pensar, habitar e imaginar este momento histórico. Diseccionando la realidad y elaborando un enfoque a partir del cual estructurar la experiencia humana. Plantea una reflexión radical acerca de qué es ser individuos, miembros de una colectividad y, en última instancia, seres vivos en el siglo XXI. Se empecina en resolver la ecuación asumiendo esta tarea imposible como zanahoria a la que perseguir para llegar en esta búsqueda lo más lejos posible.

Ojo Último apareció en el panorama artístico publicando su trilogía (El Núcleo Duro) y un espectáculo (OULCH). Desconcertante y adictivo, suponía la puesta en escena de un universo complejo, paradójico y fascinante.

Ha sido considerado como: “la propuesta más singular e interesante de la escena alternativa nacional” por diversas publicaciones musicales.

En este ciclo de artes escénicas, comisariado por Julián Pacomio para la Sala Amadís, participarán los artistas Ángela Millano, Xavier Manubens, Ignacio de Antonio Antón, Nazario Díaz, Víctor Colmenero Mir y Laia Estruch. Son 6 solo performances que convivirán entre ellas, simultáneamente, en el mismo espacio de presentación. Es decir, solos, que van a coexistir con otros solos en el mismo espacio y tiempo. Las presentaciones se articulan sobre la idea de ver, leer y contemplar dos cosas al mismo tiempo, de dejarte seducir por dos acontecimientos que suceden juntos y cercanos pero independientes.

El 8 de octubre tendremos el evento #1 con Ángela Millano y Xavier Manubens. En la pieza de Ángela Millano observamos cómo transformar un armario en un ataúd. Un cuerpo que en su vitalidad constructiva es interrumpido por la inevitabilidad de la muerte. Millano desembala pieza por pieza todos los utensilios y materiales que vienen dentro la caja de cartón recién llegada de los almacenes de IKEA. De manera minuciosa, paso a paso, despliega en el espacio cada maderita, cada balda, cada tornillo, y sin más, con su martillo, percutiendo golpes, construye un ataúd. ¿Y tan parecidos son un armario y un sarcófago? Pues igual sí. Al mismo tiempo, en el mismo espacio, Xavier Manubens lija una silla de madera hasta hacerla polvo. Con ayuda de una herramienta mecánica va puliéndola hasta hacerla desaparecer, hasta pulverizarla y deshacerla en pedazos pequeños. La silla, mueble básico y funcional por antonomasia, objeto destinado a sujetar un cuerpo siempre, ahora, no solo sirve para estar sentado, sino para establecer una relación dinámica, para conversar con ella, para adquirir posiciones acrobáticas, gimnasias y contorsiones.

En el evento #2, que tendrá lugar el 30 de octubre, veremos a Ignacio de Antonio Antón y Nazario Díaz. En la pieza de Ignacio Antonio Antón la puerta que da acceso a la sala obliga a la audiencia a recorrer y atravesar el espacio vacío. Ignacio De Antonio Antón aparece como un cómplice más que como un performer, que se nos acerca y se aleja, que nos susurra algo al oído y luego desaparece. Tenemos a un performer que es una suerte de cómplice o dealer para el público, tenemos una pieza con un dealer cuyo producto y cuya sustancia es la coreografía. Tenemos un dealer de la coreografía para la audiencia. En este traficar hay cosas que suceden y que no consigues mirar todo el tiempo, hay cosas que le pasan a los otros y que no te pasan a ti, hay cosas que suceden fuera y otras dentro de la sala. A la vez, también dentro y fuera del cubo blanco, está Nazario Díaz, vemos un cuerpo en un acto sutil que con sólo su presencia (y ausencia) lleva a cabo toda una transformación fonética, un flujo vocal que se hace presente a medida que la performance avanza; aparece la voz y desaparece el cuerpo (la idea del borrado a través de la insistencia) y coloca su cuerpo en colisión con el lenguaje, pirotecnia vocal y pirotecnia corporal. En ese juego de voz parece activar casi-palabras, parece casi-decir-cosas. Insiste, insiste en ese decir-no-decir, y entiendes alguna frase pero a la vez no entiendes nada, y le sigues y acompañas en ese hablar-y-no-hablar.

La última sesión, el 12 de noviembre, veremos a Víctor Colmenero Mir y a Laia Estruch. En esta ocasión lo sonoro es lo importante. El oído más allá del oído. La performance y el sonido. Lo sonoro y el concierto. Los conciertos y los instrumentos que no son instrumentos que son esculturas que son objetos. En el tercer evento tenemos a Víctor Colmenero Mir como un músico-performer-zahorí que busca un pozo de agua y sonido; y tenemos a Laia Estruch con un abrevadero que no es para beber sino que es para cantar y que lo se que canta en el abrevadero es cantarle al agua con el agua. Este encuentro tiene la potencia de ver en común dos trabajos con la intensidad vibracional como el protagonista. Dos acciones que oscilan entre lo tangible y lo intangible. Dos performances que navegan entre las ondas sonoras, el temblor y los acoples. Dos músicas sobre lo táctil, lo háptico y sobre escucha más allá del oído, la escucha con el cuerpo entero.

Lugar: Sala Amadís Injuve (c/ José Ortega y Gasset, 71. Madrid)

Aforo completo. Lista de espera a través del correo creacioninjuve@injuve.es