— MuroTRON

Harald Beharie – 16 y 17 de septiembre en Graner dentro del Festival Sâlmon

Batty Bwoy es un solo en colaboración con Karoline Bakken Lund, Veronica Bruce, Jassem Hindi y Ring van Möbius.

A través de una reapropiación del término jamaicano «batty bwoy» (literalmente, chico del culo), argot utilizado negativamente para referirse a una persona queer, la obra gira y retuerce mitos para invocar sensibilidades demoníacas y crueldades encantadoras, desplegando posibilidades vulnerables en una interacción de conciencia e ingenuidad. Se desvela el horror y la alegría de Batty Bwoy, inherentes a la negritud queer.

Escudriñando la absurdidad de una monstruosidad queer, Batty Bwoy articula la porosidad de cuerpos y lenguajes, sus bocas tragando y regurgitando las ficciones corporales proyectadas sobre sus pieles.

Batty Bwoy ataca y abraza las narrativas sedimentadas en torno al miedo al cuerpo queer como una figura perversa y desviada. La expresión «batty bwoy» se utiliza para evocar una criatura ambivalente que existe en el umbral del cuerpo precario, el poder liberado, la alegría y la energía «batty» (del culo).

La obra ha encontrado inspiración en mitologías, estereotipos repugnantes, sentimientos y fantasías del cuerpo y las identidades queer, letras homofóbicas del dancehall, películas de Giallo de los años 70 en Italia, resistentes «gully queens» y voces queer en Noruega y Jamaica que han visitado y formado parte del proceso.

Más información y reservas: https://www.festivalsalmon.com/es/programa/batty-bwoy/.

Harald Beharie es un intérprete y coreógrafo noruego-jamaicano con sede en Oslo. Aplicando diversos formatos y contextos, su práctica investiga modos alternativos de ser, bailar y existir juntxs, al tiempo que cuestiona las nociones de normatividad. Harald tiene un interés por lo no pulido, lo hazlo tú mismo (DIY) y la vulnerabilidad de estar en lo desconocido. Su práctica coreográfica se desarrolla en diversas constelaciones con otros artistas que utilizan la danza como medio para crear espacios esquivos de ambivalencia y fantasía, oscilando entre la deconstrucción y la construcción, el optimismo y la duda, la apatía y el afecto. Algunos de los principales intereses en su trabajo en este momento son diseccionar narrativas físicas conocidas y abrirse a una ingenuidad consciente y juguetona mientras se sumerge en la práctica del cuerpo patético, colapsante, alegre, fallido y persistente. El enfoque de Harald está en estar con la gente local, las ideas locales y desarrollar ideas con y dentro de la comunidad.

Víctor Colmenero Mir y Daniel Van Lion – 8 y 9 de septiembre · 20h en La Hipoteca (C/ Belmonte de Tajo, 28 · Madrid) 

A través de los jardines nace la alineación, el orden, la cadencia, la distancia entre los planos y la perspectiva. Giles Clément plantea en su libro “Una breve historia del jardín” el jardín como una reducción de la historia de las formas. Pero los jardines también son una relación de ritmo y movimiento. Un pulso entre cuerpo y espacio para contener o proyectar entornos. Lxs jardinerxs trabajan para el futuro.

Ingri Fiksdal y Núria Guiu – 30 de septiembre y 1 de octubre en el Mercat de les Flors

Con la voluntad de dar visibilidad a los trabajos de nuestros artistas asociados y residentes, esta temporada presentamos una colaboración entre la coreógrafa noruega Ingri Fiksdal y la catalana Núria Guiu: Médium es una coreografía de fantasmas en la que Guiu baila al sonido de la música de Stephen O’Malley, SUNN O))). La pieza trata de cómo el cuerpo está poseído por los movimientos de los archivos personales, culturales y virtuales. El fantasma es, en parte, una metáfora de los movimientos de otras épocas y dimensiones que vuelven y se instalan en nuestros cuerpos, pero también se entiende como el acto de crear en sí mismo, desde el reino invisible hasta su manifestación física en una coreografía, que se invoca o se materializa después de la muerte de su proceso creativo.

Núria Guiu ha sido bailarina de compañías como Cullberg Ballet, Gisèle Vienne, Carte Blanche Dance Company, Batsheva Dance Company, Ingri Fiksdal, Jasmin Vardimon, La Veronal o Kobalt Works. Su solo Likes ganó una mención especial en los Premis Ciutat de Barcelona 2018 y un Premio de la Crítica 2018. Ha trabajado como asistente artística e intérprete de Gisèle Vienne. Des de la temporada 2021-22 es artista residente del Mercat, que ha coproducido y presentado su última creación, Cyberexorcisme. Ingri Fiksdal trabaja actualmente en proyectos sobre la intersección entre lo que es post-antropocèntrico y lo que es decolonial desde una perspectiva feminista en la Universidad de Oslo, donde es investigadora artística afiliada. Sus trabajos se han representado en espacios como Kunstenfestival de Bruselas, el Palacio de Tokio de París, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el festival Santarcangelo, el Festival de Danza Contemporánea de Pequín, el festival Sommerszene de Salzburgo, el Museo de Arte de Reikiavik, , el Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, el BUDA de Kortrijk o la Tanzhaus NRW de Düsseldorf, entre muchos otros.

Estas dos creadoras se conocieron en Oslo como bailarinas, donde Núria Guiu ha trabajado a menudo. En 2020 se pusieron en contacto para compartir inquietudes creativas y encontraron mucha afinidad entre el proyecto que empezaba a crear Guiu i el trabajo de Fiksdal, iniciando de esta manera una creación conjunta en Noruega.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/medium-2/.

Richard Mascherin – 26 y 27 de septiembre en Teatros del Canal 

¿Qué acaba y qué comienza con un accidente? ¿Qué duele más, un golpe o un beso en los labios? ¿Es odiar otra forma de amar? ¿Quieres que me entregue a ti? ¿Me querrías si no te necesitara? ¿Puedo caer contigo? ¿Qué es un acto romántico?

Aquí se emplea la caída física y la emocional para crear un mapa de cuerpos arrojados al vacío.

La pieza es una reacción al bombardeo actual de estímulos y a la acumulación imparable de objetos que nos consuelan, nos dañan y nos anulan.

Tres víctimas prueban a moverse de un modo consciente en medio de esta espiral violenta, haciendo que accidentes y provocaciones, apegos y desapegos sean un rito de paso hacia la trascendencia, una ceremonia donde lo tóxico es herramienta para la resurrección.

Aquí la entrega tiene dos caras. Por un lado, pone en peligro; por el otro, pone en valor, fortalece, vivifica. Al fin y al cabo, uno no puede levantarse del suelo antes de haber caído en él.

He aquí la declaración de algo indomable. He aquí una resistencia heroica. He aquí un acto romántico.

Más información y entradas: https://www.teatroscanal.com/espectaculo/actoromanticorichardtc2324/.

Del 8 al 23 de septiembre en La Casa Encendida

Seis compañías desde tres continentes, América, África y Europa, nos plantean trabajos alejados de lo colonial y lo antropocéntrico, cuestionando los canales oficiales y hegemónicos de transmisión de conocimientos.

Desde diversos enfoques, culturas y prácticas, cinco performances, un taller y una instalación, nos hablan de temas como la sostenibilidad, la resistencia, las danzas patrimoniales y las fronteras, sobre la fragilidad de los territorios, el patrimonio inmaterial, lo invisible y los ritos colectivos, proponiéndonos todas ellas una reflexión y un cuestionamiento acerca de nuestro devenir.

El 14 de septiembre, la artista Amanda Piña (Chile-México,) con un equipo de 10 artistas procedente de varias partes de Europa, presenta su pieza Frontera | Procesión, Un ritual de Agua, una acción en el espacio público por el barrio de Lavapiés, donde propone una encrucijada entre la antropología, la historia, la filosofía, las artes visuales y la danza y que combina con el pasado colonial, las prácticas indígenas y la cultura hip-hop como medio para explorar las posibilidades de una coreografía de fronteras. A esta acción le precede un taller de 6 días con 30-50 voluntarias donde se llevará a cabo la transmisión de esa danza. Amanda Piña nos recuerda que la frontera no es solo un lugar sino que también está inscrita en los cuerpos.

El 8, 9 y 10 de septiembre el colectivo alicantino La Cuarta Piel, presenta Acumulaciones de un presente muy pasado, una instalación especulativa que ficciona la geología del futuro acumulado en los márgenes de la ciudad. Esta experiencia inmersiva nos invita a reflexionar sobre cómo se entrelaza lo humano y lo geológico a través de los objetos que nos rodean.

Los días 15 y 16 de septiembre, la artista Mónica Valenciano, Premio Nacional de Danza 2012 y poseedora de una gran potencia poética y su particular mundo polifónico, nos presenta su pieza El lugar de los pasos perdidos, pieza fundamental para esta edición por su capacidad para evocar mundos ocultos. El 14 de octubre, con esta pieza y como una parte extendida del Festival ÍDEM, la artista viajará al museo Tenerife Espacio de las Artes (TEA).

El día 20 Reinaldo Ribeiro, artista brasileño afincado en Canarias, nos visita con su pieza I’m Not an Influencer (Schwarzenegger exterminó mi futuro). La pieza gira en torno al derecho a definir nuestras propias realidades, y explora la idea del “no saber” como posibilidad de futuro.

Los días 22 y 23 el artista y nuevo referente del performance del continente africano, el camerunés Zora Snake, nos presentará su pieza Le départ (La partida), donde un cuerpo poderoso transita por el hip-hop y las danzas patrimoniales, creando un lenguaje propio y lanzando un grito de guerra contra las sociedades injustas, con una fuerte mirada política y una voluntad por cambiar la forma de ver las cosas. El día 22, después del performance, tendremos un encuentro con el público.

El 23 de septiembre a las 7am, durante el equinoccio de otoño, Compañía La Soledad, presenta Oficina de amaneceres. En la historia de la humanidad el momento de la salida del sol ha tenido un gran peso simbólico que se remonta a las culturas antiguas y prehistóricas pero que se ha ido perdiendo en nuestras sociedad postindustriales. La compañía se pregunta cómo es posible que la mayoría de las veces olvidemos que el amanecer es una acción poética. ¡Qué tipo de impostores somos nosotros, que escogemos vivir por la belleza y no vemos el alba!, exclamaba el poeta Logan Pearsall Smith. Se acabó la impostura. Nuestro trabajo es la belleza. Les convocamos a trabajar.

El festival está comisariado por Marisa Lull.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/festival/idem-2023-festival-internacional-de-artes-escenicas.

Joana Capella – 26 de julio en el 4×4 de la Sala Taro 

TWORK és una investigació. Una manera de fer moure cossos. Una especulació sobre les memòries musculars col·lectives humanes i no-humanes. Una dansa folklòrica mainstream a ritme de Bad Gyal cantant el Ball de la civada. Un barbecho en mig d’un sobrelaboreo esquizo.

Un projecte que gira i es repeteix entorn les relacions entre la memòria muscular dels cossos feminitzats humans i no-humans que treballen i la memòria muscular dels sòls que són treballats immersos en el paradigma productivista agrilogístic. Des del guaret al camp llaurat. M’interessa experimentar una cosa com una memòria muscular no humana. La memòria dels camps i animals i objectes i cultius. La memòria muscular del sobrelaboreo global.

La peça que es presenta es resultat de la conglomeració de diverses pràctiques i moviments apropiats d’altres cossos que ballen com a práctica productiva i monetitzada, i composats en forma d’una espècie de dinàmica d’entrenament.

Un projecte de Joana Capella Buendia amb
VESTUARI: Helena Calafell
AGRAÏMENTS: Mar Pons, Sara Agave helloimagave, Grup de twork de EART.

Entradas: https://dice.fm/event/m7byv-4×4-twork-26th-jul-sala-taro-barcelona-tickets.

Del 14 de junio al 25 se septiembre en Arts Santa Mònica

Lleno de agujeros empieza en forma de pregunta: ¿cómo nos relacionamos con la imagen contemporánea?, ¿con la imagen que son muchas imágenes circulando sin parar todo el rato dejándonos electrificados y exhaustos?, ¿qué sucederá cuando las imágenes técnicas se coman definitivamente el mundo?, ¿por qué seguir haciendo exposiciones?, ¿no deberíamos más bien conjurar un apagón?

Centrándose en la mirada y los posibles de la imaginación, esta exposición se plantea, más que nunca, como una experiencia corporal, en la que las obras de los artistas se entremezclan con la arquitectura del edificio y los elementos expositivos, en un continuum que invita a pasar un rato deambulando, alejándonos de la ansiedad y la captura, reconciliándonos con la alquimia de la visión. Si la escritura fija la volatilidad de la lengua, querríamos hacer de la imagen oralidad y no escritura. Es decir, querríamos hacer de la imagen no solo una técnica, sino algo que se desborda, asilvestrándose, rozando la onomatopeya. Querríamos quedarnos entre los agujeros que son la posibilidad de toda imagen.

Que la dimensión temporal de la exposición sea igual de importante que la espacial, invita a que Lleno de agujeros pueda visitarse en diferentes ocasiones. En un juego de fade in y fade out, de apariciones y desapariciones, la imagen sónica y las posibilidades perceptivas de lo sonoro, poco a poco, ocuparán el Santa Mònica, evidenciando un deseo fundamental del proyecto: la imagen está entretejida de muchos lenguajes y materias. La imagen es tiempo, la imagen es piedra, la imagen son costuras, la imagen es máquina, la imagen es piel, la imagen es violencia, la imagen son códigos secretos, la imagen es ritual, la imagen es luz, la imagen es obstáculo, la imagen es lo popular, la imagen es deseo… La imagen habla en una lengua que se nos escapa, pero que al mismo tiempo nos maravilla en todo lo que se excede, y ahí es donde quedarse, y jugar.

En Lleno de agujeros conviven artistas nacionales con proyectos de nueva producción y artistas internacionales con obra ya producida. La metodología de trabajo que propone el Santa Mònica posibilita que en un proceso poroso artistas, comisarias y colaboradores se encuentren, dando forma colectivamente al proyecto, en unos tiempos dilatados que han permitido ir poco a poco descubriendo cómo contar nuestras preocupaciones y deseos en torno a la radicalidad de unas imágenes que sí desarticulan y contraconjuran la mirada automatizada y saturada. La exposición es también una serie de conversaciones y dos ciclos de actividades que interrumpen, desvían y acumulan experiencias y preguntas acerca de aquellas imágenes que, como perturbadores flashes de luz, interrumpen nuestro mundo para recordarnos que aún quedan posibles.

Estamos en lo que podríamos llamar un periodo de interregno, en el umbral entre un pasado y un futuro en el que la imagen dejará de ser lo que era, y lo que es, pero tampoco sabremos qué será. Entremos en los agujeros sin olvidar que tenemos párpados.

Artistas y obra expuesta:

Alejandra Riera: Le cinéma. De l’intérieur, instants précédant les images du 19 mars 1895 
Alex Palacín: Tot el que no tinc
Alexandre Chanoine / Cámara-madera-piedra
Anna Daučíková: Along the Axis of Affinity II., 2015-2019
Arthur Jafa: APEX
Arxiu Mas: Postales de la Semana Trágica
Beatriz Olabarrieta: Be careful, you are the staircase, can’t replicate
Ester Fleckner: Woodbeds, brimming
Eulàlia Rovira: Objecte de desviació / Manipular una branca
Fernando Gandasegui: Rompimiento embocadura
Francesc Ruiz con Aimarito Gato Grande, Belén Soto, Beltzito, Eskilu, Fernanda, Johan, Marc Gascón, Nacho Perra, Paquita, Roma, Synchro: Projecte còmic porno amateur
Hans Eijkelboom: Photo Notes
Laure Prouvost: It, Heat, Hit
Max Milà: Perseguint la llum
Museu Diocesà de Barcelona: Busto de Santa Florinda / Conjunto litúrgico
Paula Pérez-Roda: Variaciones para voz / Conversaciones sumisas
Rita Sala: Saltito / Objeto-Saltito
Rubén Grilo: Relieves
s2k2ky: Ressò
Sociedad 0: Bancos / Passarela
Sofía Montenegro: Llenar un vacío
Taller Sarandaca: Capgrossos

Actividades y activaciones de la exposición:

14.06 / 19:00 h: Inauguración Lleno de agujeros

Activar los poderes de otro cuerpo I / Ciclo comisariado por Garbiñe Ortega en colaboración con el alumnado de la Elías Querejeta Zine Eskola (Paul Bonnarme, Pol Crosas, Lucía Dellacha, Sara Domínguez López, Alejo Duclós, Lorena García y Deva Pereda):

10.06 / 19:00 h: Proyección de Parsi, de Eduardo Williams, y conversación con el cineasta
10-11.06 / 11:00 h, 12:30 h, 16:00 h, 17:30 h, 19:00 h: Masajes de la visión / Idoia Zabaleta y Leticia Morales

21.06 / 18:30h: Iconofàgia: l’era de les fotografies voraces / Joan Fontcuberta

27.06, 05.07, 13.07, 07.09 / 16:00 h: Rompimiento embocadura (Restauración de telones) / Fernando Gandasegui con Marta y Núria Castells y Helena Salvador

12.07 / 18:30 h: Imagen escena / Andrea Soto Calderón y Adnen Jdey

15.07 / 11:00 h: Rompimiento embocadura (Háptica teatral) / Fernando Gandasegui con Magdalena Garzón

13.09 / 18:30 h: No imatge / David Bestué y Marta Azparren

Activar los poderes de otro cuerpo II / Ciclo comisariado por Garbiñe Ortega en colaboración con el alumnado de la Elías Querejeta Zine Eskola
16.09 / 11:00 h: The World Wide Tuning Meditation, de la autora Pauline Oliveros, sesión guiada por Ximena Alarcón
16.09 / 11:30 h: Sesión de piezas audiovisuales y sonoras
16.09 / 13:00 h: Conferencia performativa de Rabih Mroué

Oïdes sense parpelles / Ciclo de conciertos comisariado por Joan Canyelles
20.09 / 20:00 h: Uriel Barthélémi + Okkre
21.09 / 19:00 h: Atrice

22.09 / 19:00 h: Performance sonora / Alexandre Chanoine

Domingos a las 12h: Visitas guiadas a la exposición.

Más información: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Ple-de-forats.

Con Rogério Nuno Costa, El Pollo Campero, Angélica Liddell, Silvia Real, Tiago Rodrigues y Tónan Quito, André e. Teodosio, Sónia Baptista, David Benito-Elena Córdoba-Luz Prado, Joãozinho da Costa, Jessica Pina, Genadzi Buto. 

Más información y programa completo: https://www.citemor.com/.

06.07 – 30.07 en Galeria Foco (Lisboa)

Novo Festival ignites the synergy between visual art, performance, and critical thought. In times of uncertainty, contemporary artistic production must aim to form hybrid communities as an act of political revolt. Novo Festival is open to all publics and against any form of discrimination and takes place at Galeria Foco from July 6-30, 2023.

06.07
Opening Party with Pambala
(Dj set by Circa Papi) 18h-22h
06.07 – 25.07
“I am Curious Blue”- Rui Palma x Kuril Chto (duo exhibition) 14h-19h
14.07 | 15.07
“Háblame, cuerpo”- Nazario Díaz (performance) 20h
16.07 | 17.07
“Aparição” – Luís Guerra
(performance) 19h-22h
19.07 | 20.07
“mínimo gesto comum”- Bruno Levorin
with Vinícius Possal (performance) 20h
21.07
“Bichxs de Merda: Aristóteles, fêmeas e outros monstros de-generativos” – p. feijó
(lecture) 20h
25.07
“traumacore. crónicas de una disociación feminista” – Núria Gómez Gabriel
(lecture) 20h
27.07 – 30.07
“All About Youth: Misunderstandings”- Leila Erdman-Tabukashvili with Metacontemporary Think Tank x Andrey Galmiza
(exhibition / talks) 14h-19h

Curated by Josseline Black, Julián Pacomio and Benjamin Gonthier
Documented by Pedro Leote

Support by República Portuguesa -Cultura / Direcçao-Geral das Arts, Pambala and Metacontemporary

More information:
www.focolisboa.com
Rua Antero de Quental 55A | 1150-041 | Lisboa

4 de junio en Foc, Barcelona

Cotita es un circuito de performance, video y archivo enfocado en la creación desde presencias travestis diaspóricas.

El día 4 de junio Cotita sucederá en Foc (c/de l’Encuny 24, 3a planta). Lyn Diniz y Personaje Personaje extienden una invitación a este evento articulado desde una ética de promiscuidad travesti.

Esta iniciativa es un medio de confluencia producciones  autónomas de los Sures, para generar una malla que, entre eslabón y eslabón, hace corporalidad, hace memoria y hace archivo: nos  encarna y nos reencarna.

Cotita se urde a partir de una ética de promiscuidad travesti y por ello, es un proceso de encuentro, recopilación y reconocimiento de presencias, así como también de las ausencias -aquellas de las que nos faltan, de las que nos han sido arrebatadas, de las que aún no llegan y de esas a las que les faltamos -.  

 presencias:

Alex Medina La Sudanesa

Gemma Rios y Ana Camil

Personaje Personaje

Lyn Diniz 

Bruna Kury

Vitoria Gabarda

✵ En Cotita, asumimos la posición de romper con los ciclos de precarización de las vivencias travestis y diaspóricas, por lo cual, establecemos un criterio de tarifa diferencial en los costes de entrada, para cubrir la remuneración de las presencias invitadas a participar y la producción del circuito.

Proponemos una entrada por el valor de 5EU para travestis/migras/racializades y otra de 10EU para público general. Reconózcanse todes invitades, les traverstis, priorizades.

<3*diseño de cartel de mikel iniesta, con imagen cedida por personajepersonaje, en colaboración a mercè ripoll y Noela Covelo Velasco*<3

Entradas: https://entradium.com/es/events/cotita-barcelona