Baile | MuroTRON

Ha sido aún no, todavía. Probatorio de práctica escénica con Paz Rojo

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15-11-2023

Paz Rojo, Morir bien, 2023

Durante los meses de octubre y noviembre, el Museo Reina Sofía acoge el desarrollo de la investigación artística Ha sido aún no, todavía, de la artista e investigadora Paz Rojo, articulada a través de dos laboratorios, un encuentro, un experimento escénico y una conversación. Esta investigación forma parte de un proyecto más amplio de Rojo, Morir Bien, el cual se inspira en el materialismo contemporáneo y el pensamiento ecológico para explorar el encuentro con el declive de la historicidad de la época actual, a través de la relación entre la danza, lo desconocido y la experiencia estética.

En el contexto actual, asediado por el pensamiento de la crisis y las sucesivas violencias epistémicas, Ha sido aún no, todavía propone indagar en torno a la disolución de nuestro tiempo desde la figura conceptual de la ruina. ¿Qué sentidos se abren ante la presencia de un tiempo, un cuerpo y una escena a punto de caerse? A través de la ruina podemos profundizar en el alcance estético de un tiempo que, catastrófica y trágicamente, no nos pertenece. Como figuración temporal y material, la ruina disuelve el tiempo para nosotrxs, nos permite empezar después del final: escuchar los restos, lo que queda pese a todo. A través de la ruina nos dejamos caer, propiciamos el derrumbamiento de las narrativas y los paradigmas que traman nuestra época. Nos abrimos al tiempo de todo aquello que no somos y nos situamos en un escenario poscontemporáneo. En definitiva, experimentamos el encuentro con la estética de un tiempo raro y tremendamente abierto: un tiempo que es, a la vez, futural y espectral.

Morir Bien es un proyecto financiado por las ayudas a la creación contemporánea del Ayuntamiento de Madrid. Con el apoyo del programa de residencias Notar, impulsado por la Plataforma MAR (Museo Reina Sofía, hablarenarte y Fundación Daniel y Nina Carasso, Madrid); Radicantes (IVAM, Valencia); Festival Citemor (Portugal); Laboratorio de Artes en Vivo, Tenerife Lab (Tenerife); Centro de residencias artísticas Los Barros (Madrid) y el programa Apuntes para un tiempo aparte (Museo Reina Sofía).

Programa

Miércoles 29 y jueves 30 de noviembre – de 10:00 a 14:00 h

Encuentro. Ha sido aún no, todavía

Durante el último año, los artistas Paz Rojo, Javier Cruz, Paulina Chamorro, José Luis Baringo y el físico Álvaro García se han estado reuniendo una vez al mes en torno al libro Cultura profética para la imaginación que viene (Enclave de Libros, 2022), del filósofo Federico Campagna. En este encuentro, el grupo abre sus puertas a personas interesadas.Desde el arte, y más concretamente desde el ámbito de las artes escénicas y la danza, y en compañía de la imaginación metafísica que ofrecen tanto el texto de Campagna como otros marcos de referencia, esta jornada de lectura invita a cuestionar los modos de “mundificación” posibles (refiriéndose a la construcción de mundos). Teniendo en cuenta que la tarea del arte no es la de predecir el futuro, sino la de ser capaz de “ver” el presente o entender la potencialidad futura, ¿qué necesitamos para hacerlo posible? Este encuentro es una invitación a pensar en esta pregunta y especular sobre sus implicaciones éticas remontándonos al ámbito de la sensación intuitiva de la estética y, por lo tanto, retomando el sentido griego del theatron cuyo significado alude al “lugar para ver y escuchar en lugar de comunicar”. Para mundificar necesitamos un teatro que permita elaborar formas de “abrir los ojos” a la realidad después de haberlos “cerrado”. Teniendo en cuenta que, lejos de ser un proceso activo y consciente, “ver” es la capacidad de reconocer en nosotrxs el asombro y el misterio que produce la escucha de un campo terriblemente silencioso: el encuentro con un interior que antes no conocíamos.

Edificio Sabatini, Sala de Protocolo. 12 personas. Gratuita hasta completar aforo, previa inscripción mediante correo electrónico a comunidades@museoreinasofia.es hasta el 1 de noviembre incluyendo datos personales (nombre, apellidos, teléfono y correo electrónico).

Miércoles 29 de noviembre – 19:00 h

Experimento escénico

Este experimento escénico reúne la memoria retrospectiva de l+s mayores y los proyectos y planes inherentes a la adolescencia y la juventud con el objetivo de establecer visiones en torno a un futuro espectral. Desde la dimensión del movimiento, la tentativa consiste en despertar las potencialidades latentes en la somática del cuerpo. Ver y escuchar una fuerza que nos relacione de manera inmanente con lo colectivo más allá de lo humano y con lo que está por venir. Se trata de aprender a ver lo que fuimos, pero sobre todo, aprender a ver aquello que no somos.Este experimento es fruto de los laboratorios desarrollados en el marco de Ha sido aún no, todavía, con la colaboración de Nilo Gallego a cargo del paisaje sonoro.

Edificio Sabatini, Sala 102. 40 personas. Entrada gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en taquillas o web del Museo a partir de las 10:00 h del penúltimo día hábil antes de la actividad. Máximo 2 por persona.

Jueves 30 de noviembre – 17:30 h

Conversación abierta entre Federico Campagna y Paz Rojo

Morir Bien es la alternativa que el filósofo Federico Campagna propone mientras contempla un paisaje cosmológico en ruinas: nuestra realidad se derrumba y será sustituida por una nueva, aún por profetizar. Nuestra tarea es, por tanto, legar ruinas fértiles para l+s que vendrán.Según Campagna, “la cultura profética es una épica de la metafísica en el sentido de que es una manera de “hablar” (la raíz del término épica) de una imagen total de un mundo. Y es también épica en el sentido homérico: su autor no actúa como autor, sino que es un lugar cosmológico: un oído que sabe escuchar la realidad para oír la voz de las Musas”.La idea de cultura profética articula esta conversación abierta entre Federico Campagna y Paz Rojo, junto al grupo de lectura y público asistente, para desgranar las reflexiones y prácticas puestas en cuerpo durante el programa Ha sido aún no, todavía.

Edificio Sabatini, Sala de Protocolo. 40 personas. Entrada gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en taquillas o web del Museo a partir de las 10:00 h del penúltimo día hábil antes de la actividad. Máximo 2 por persona.

Información completa: https://www.museoreinasofia.es/actividades/investigacion-artistica-paz-rojo.

Oecumene

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14-11-2023

Baile

Instituto Stocos – 23 de noviembre en Azkuna Zentroa

“Oecumene” es una pieza que combina danza y música en la que se reflexiona sobre el lugar del individuo en el mundo, con sus sentidos expandidos mediante la tecnología, más allá de los límites de su procedencia geográfica y su identidad cultural de origen.

La “Oecumene” es un término que proviene del ideal alejandrino de cosmópolis: un mundo habitado como un todo, como la posesión común de la humanidad civilizada de hombres y mujeres libres. Un concepto desarrollado en esta creación de danza para una bailarina y diseño sonoro inmersivo tridimensional. Una obra en la que ella navega a través de un mar de sonidos formado por fonemas provenientes de múltiples lugares del planeta.

El desarrollo de las cualidades expresivas de la danza en relación con este tapiz de sonidos universal en constante transformación, funciona como un organismo que refleja el sincretismo transcultural del mundo que nos ha tocado vivir. La pieza emplea tecnología interactiva, que permite a la bailarina relacionarse en tiempo real con este reflejo sonoro del mundo que nos rodea.

“Oecumene” es una obra transdiciplinar que combina la alta tecnología con la danza, la composición electroacústica y los visuales interactivos. Propone una experimentación sensorial del mundo a través del cuerpo y  reflexiona sobre el lugar del individuo en el mundo, con sus sentidos expandidos mediante la tecnología, más allá de los límites de su procedencia geográfica y su identidad cultural de origen.

Azkuna Zentroa presenta el trabajo de Instituto Stocos en el marco de Dantzaldia, el Festival Internacional de Danza de La Fundición.

Instituto Stocos

Formada Muriel Romero y Pablo Palacio, analizan y desarrollan la interacción entre gestos, sonidos e imaginería visual. Se sirven de la tecnología para evolucionar la danza y la música. Investigan el movimiento en una escena tridimensional donde los cuerpos interactúan con entes sonoros y visuales. Fruto de su imaginario, el Instituto Stocos ha producido una serie de trabajos escénicos que funcionan como una diseminación artística de su investigación.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/instituto-stocos-oecumene/.

Acciones en vivo en La Capella

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09-11-2023

Audiovisuales, Baile

Guiu/Laia Gimeno Bardis, Laura Roig

La llenya escalfa dues vegades (La leña calienta dos veces)

Martes 14 de noviembre de 2023, a las 18.30 h

El concurso de astillar es una de las tradiciones más antiguas y más populares del pueblo de les artistas, Torrelles de Llobregat, que se celebra cada año en memoria de todas aquellas personas que trabajaban y habitaban los bosques: los leñadores.

La leña calienta dos veces nace del deseo de compartir esta festividad rural, utilizando el concurso como engranaje para trasladar los lenguajes de la tradición oral a los escénicos, llevando la acción desde el bosque hasta la Sala Gran de La Capella. La pieza dialoga entre la tradición y la contemporaneidad, y a través de la acción se revisa y se cuestiona la historia y las múltiples violencias que la propia tradición ha perpetrado. La performance se despliega en tres momentos escénicos: el bosque, el viaje de los trajinantes y la activación del concurso de astillar en la Sala Gran de La Capella. El live de Instagram será el dispositivo para generar la retransmisión en directo del viaje de esta tradición, desde el bosque hasta la ciudad.

*Live instagram en @lacapellabcn desde las 10 h

Guiu/Laia Gimeno Bardis y Laura Roig son dos amigues de toda la vida que deciden trabajar conjuntamente para explorar la posibilidad de un diálogo entre su contemporaneidad y el folklore popular de su pueblo. Su primera pieza es Galop de Panderetes (2022), estrenada en Hangar y reprogramada en el festival Rihihiu.

Estanis Comella

SXT – Courtyard Rosebush

Miércoles 15 de noviembre de 2023, a las 19 h

SXT es un proyecto a largo plazo en el que confluyen escritura y producción musical, que toma el directo como soporte desde el que insertar imágenes en el espacio arquitectónico en forma de atmósferas que se desvanecen. En esta performance, el espacio de La Capella del Antiguo Hospital de la Santa Creu será el lugar donde materiales procedentes de un archivo propio, textos e imágenes, sientan las bases sobre las que poder improvisar en el directo, y se convierten en parámetros coreográficos. Courtyard Rosebush, una de las variaciones que nace de SXT, describe las leves modulaciones que ocurren en las secuencias temporales que lo estructuran. Los materiales empiezan a tomar forma de manera orgánica en torno a una noción, seamless, que, aplicada al sonido, sería una forma de señalar la continuidad y la sensualidad en el flujo, volviendo la linealidad del tiempo rotación.

Estanis Comella (Lleida, 1985). Los elementos que constituyen mi práctica tienen un comportamiento maleable, y buscan materialidades ligeras que se adapten a un contacto constante con el trabajo. Partiendo de una sensibilidad escultórica latente, imágenes, textos, sonido y dibujos pierden información en cada aproximación en la que intentan configurar atmósferas donde estas materialidades se superponen y generan amplitud. Es en la dificultad de nombrar cierta temperatura subyacente en el conjunto de esta práctica donde se instaura un campo poético que inunda soportes como la publicación, el espacio o el directo.

Ari Cardozo

¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?

Jueves 16 de noviembre de 2023, a las 17 h

¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este? es un concierto de larga duración, centrado en la improvisación electroacústica, en el que se trabaja con la eclosión de fenómenos sonoros y la voz. El proyecto pone el foco en la música como lenguaje capaz de generar y sintetizar experiencias trascendentales y pensamiento, para hacerse un sitio dentro de las prácticas artísticas contemporáneas. Prescindiendo de acompañamiento visual adicional, el propio cuerpo del concierto se convierte en la obra y la escena.

Ari Cardozo (Caracas, 1996) es una artista afincada en Barcelona. Apasionada por la música y activa en la escena underground de la ciudad, publica música de manera independiente desde 2016. Es miembro del colectivo y sello catalán Nova Era, referente local en la escena emergente en torno a SoundCloud. Entre sus trabajos recientes de performance destaca Demasiado ímpetu, encargada para la inauguración del festival Art Nou 2022, así como conciertos para las exposiciones Vermell Passió, de Irantzu Yaldebere (Halfhouse, 2022), e Information Resort, de Rafa Castells (L’Hospitalet de Llobregat, 2023).

Más información sobre el programa de Acción en vivo y La Capella: https://www.lacapella.barcelona/es.

Caribe Mix ’23

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08-11-2023

Baile

Mar García y Javi Soler, que ofrecerán una muestra abierta de su pieza «Caribe Mix ’23» antes del estreno, se dedican a la investigación en torno a la puesta en escena de sus especialidades artísticas: sonido y movimiento, así como la relación entre ambas disciplinas, transitando o, mejor dicho, paseando por la línea que las separa, encontrando los puntos de conexión mediante la acción escénica y el proceso de creación.

Con «Caribe Mix ’23» nos adentramos directamente en la integración del concepto mainstream dentro de una pieza escénica, motivados por los temas musicales forzosamente canónicos de este tipo de cultura y por nuestro sueño frustrado de representar una pop-star desde muy pequeños. Más allá de poner en valor escénico un estilo musical que casi no se encuentra en este contexto de creación, nuestra intención es trabajar con el set de grabación de un videoclip como nexo de conexión entre sonido, movimiento e imagen, explorando los conceptos propios de promoción, difusión y relación con el espectador característicos de este formato. – Mar y Javi.

Fecha: sábado 18 de noviembre
Hora: a las 18h
Lugar: Graner (c/Jane Addams 14-16 cómo llegar)
Entrada libre con reserva previa en: https://form.jotform.com/233022865626355.

Cosas que suenan

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06-11-2023

Baile

Sandra Gómez – 17 al 19 de noviembre en La Mutant

¿Cuáles son nuestras capacidades de escucha? ¿Qué ocurriría si la escucha desplazara a la visión como sentido hegemónico? ¿Qué revela el silencio? ¿Qué relación existe entre la escucha, el sonido y el silencio? ¿Qué espacios, qué sonidos, qué silencios y qué formas de escucha somos capaces de poner en juego?

Una partitura coreográfica que pone el foco en la sonoridad que acontece a la interrelación entre cuerpos y objetos. La relación con objetos cotidianos que aparentemente no tienen nada que ver con el hecho musical permite transitar a través de una escucha atravesada por intuiciones, deseos y voluntades.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/coses-sonen-sandra-gomez/#tab-id-2.

Ficha

Concepte i direcció: Sandra Gómez

Creació: Vicent Gisbert i Sandra Gómez

Intèrprets: Vicent Gisbert i Sandra Gómez

Assessorament sonor: Javier Vela

Il.luminació: Hipólito Patón

Madrid desde el baile

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27-09-2023

Baile

La hora del tango en la playa de Artistas Unidos. Crónica. Madrid, 1929

Del 29 de septiembre al 21 de enero en CentroCentro

Madrid desde el baile es un relato coral y apócrifo de la ciudad de Madrid, contado desde, a través y alrededor del baile. Es un paseo zigzagueante por siglos de producción cultural y política, y propone una mirada sobre una ciudad que se ha construido a paso de pavanas, zarabandas, chotis, rigodones, himnos techneros y reguetones.

Para entender qué significa esto, empecemos liberándonos de la idea de que exista sólo una Historia y un solo Arte. Sigamos aligerándonos de la presión de determinar qué es la una y qué es el otro, y disfrutemos observando cómo prácticas populares, pequeñas historias ordinarias y grandes hitos se entrelazan de manera inseparable en la producción de la ciudad. Acabemos este ejercicio de apertura del imaginario, tomándonos la licencia de empezar a mirar detrás de las cortinas de los grandes relatos fundadores de Madrid, disfrutando de la oportunidad de buscar algunos de sus engranajes más profundos fuera de los libros: en las celebraciones colectivas, en los diálogos no verbales entre cuerpos danzantes, en el frenesí hedonista del baile.

Madrid desde el Baile nos propone explorar esta idea: abre ventanas sobre una calle donde suenan las canciones de moda tocadas por los organillos del taller de Apruzzese, nos invita a celebrar una rave de hace 4000 años en compañía de una comunidad que habita La Pedriza, nos lleva de paseo por los Campos Elíseos de Madrid y a disfrutar de una noche de baile decimonónica en Jardín Paraíso. Nos acompaña por los alrededores de la Ermita de San Antonio de la Florida, por la Virgen del Puerto, el Manzanares y la Pradera de San Isidro, por esos lugares que, en los últimos 500 años, no sólo han sido epicentros del ocio popular, sino verdaderos laboratorios donde se ha cocinado la política y la cultura de la ciudad.

La exposición se adentra en salones de la nobleza y del proletariado, discotecas, clubes, afters y antros de la picardía, de la frivolidad y de las disidencias, observa las grandes revoluciones tecnológicas, estéticas, sociales y políticas pero también aquellas cosas que no han cambiado y, quizás, nunca cambiarán.

Madrid desde el baile está comisariada por Massimiliano Casu, creador y productor cultural originario de Cerdeña (Italia), afincado en Madrid desde 2006. Aquí ha desarrollado gran parte de su trayectoria artística y su interés por el uso de la música, del arte sonoro y de las prácticas performáticas colectivas como instrumentos para la activación de la participación ciudadana. Su trabajo se centra en investigar los procesos de producción colectiva del espacio social urbano, enfocándose principalmente en el repertorio de los rituales musicales populares, sean estos fiestas rave, verbenas de barrio o quedadas de jóvenes en los espacios públicos. Ha publicado textos y artículos sobre la producción social del espacio urbano a través de la fiesta y ha sido promotor de un sinfiín de fiestas-happening en colaboración con las principales instituciones culturales madrileñas y estatales. Desde 2018 es director de Ciudad Bailar, un festival que investiga la relación entre baile y vida urbana en Madrid, realizado en colaboración con Intermediae-Matadero Madrid.

Diseño gráfico y museográfico: Casa Antillón

Visitas guiadas con el comisario.
Sábados 30 de septiembre, 28 de octubre, 25 de noviembre, 30 de diciembre, 12:30 h.
Inscripción previa en: info@centrocentro.org.

Programa de actividades: https://www.centrocentro.org/programa-publico/madrid-desde-el-baile-0.

Lo que nos mueve. Jornada de charlas

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26-09-2023

Baile

Andrea Soto Calderón, Tanya Beyeler, Carme Torrent, Julia Spínola y Fernando Gandasegui – 30 de septiembre de 11h a 17h en La Caldera

Entrada 5€ bono comida. Reserva previa obligatoria.

Esta segunda actividad de Lo que nos mueve propone un encuentro alrededor del trabajo de Andrea Soto Calderón y, en particular, sobre su capacidad de afectar y ser afectado por las prácticas artísticas cuya materia preeminente es el cuerpo o los cuerpos.

Para hacerlo posible dispondremos de una jornada completa en la que, a través de la práctica y el diálogo, pondremos en movimiento el vínculo del corpus de pensamiento de Andrea Soto Calderón con los trabajos e intereses de Tanya Beyeler, Carme Torrent y Julia Spínola. Artistas provenientes del teatro, la danza y la escultura respectivamente, cuyos modos de hacer problematizan y amplían las posibilidades del espectro con respecto a las imágenes y otros regímenes sensibles en la actualidad.

Planteada como un espacio distendido de apertura y escucha a esos otros regímenes posibles, la jornada empezará con una sencilla práctica física, pensada para sintonizar cuerpos y sinapsis, que dará paso al diálogo entre Andrea, Tanya, Carme y Julia. Comeremos juntas y se abrirá la conversación a todas las asistentes en la sobremesa, imagen que apunta a una posible fuga del encuentro y su continuidad en el futuro.

Con Andrea Soto Calderón, Tanya Beyeler, Carme Torrent y Julia Spínola.

Coordinado por Fernando Gandasegui.

Más información y entradas: https://www.lacaldera.info/es/actividades/lo-que-nos-mueve-jornada-de-charlas.

ANDREA SOTO CALDERÓN. Doctora en Filosofía, profesora de Estética y Teoría del Arte. Sus líneas de investigación se centran en las transformaciones de la experiencia estética en la cultura contemporánea, la crítica, el estudio de la imagen y los medios. Entre sus publicaciones recientes destaca su libro Le travail des images junto a Jacques Rancière, Les presses du réel, 2019, La performatividad de las imágenes, Metales Pesados, 2020, Imaginación material, Metales Pesados, 2022 e Imágenes que resisten. La genealogía como método crítico, La Virreina Centre de la Imatge, 2023.

FERNANDO GANDASEGUI. Artista, comisario e investigador en artes performativas. Actualmente es el comisario de los festivales Domingo en La Casa Encendida y Secuencia en Fabra i Coats, y codirige la plataforma web Teatron. Su trabajo artístico se ha presentado en diversas instituciones nacionales e internacionales y forma parte de la Colección del CA2M y del Archivo de creadores de Matadero. Formó parte del colectivo PLAYdramaturgia, y ha sido artista residente en Graner, La Caldera o Malavoadora entre otras. Fue coordinador de Teatro Pradillo en Madrid y formó parte de su dirección artística. Ha comisariado ciclos para el Festival Punto de Vista, codirigido La Plaza en Verano de Matadero o codiseñado programas de residencias e investigación en el Centro Cultural de España en La Paz. Ha dirigido la comunicación de varios festivales, publicado en diversos medios, catálogos y programas de mano, y sigue escribiendo en su blog.

TANYA BEYELER CEBRIÁN (Lugano, Suiza 1980). En 2001 empieza sus estudios teatrales en Valencia donde se diploma en Arte dramático. Enseguida empieza a trabajar como actriz en Valencia en piezas teatrales pero con el tiempo y la experiencia se aproxima a la danza y la performance. En 2008 se muda a Barcelona para estudiar dramaturgia y Humanidades y empieza a trabajar con la compañía de danza La Veronal donde conoce a Pablo Gisbert con quien co-dirige dese el 2010 El Conde de Torrefiel; un proyecto escénico que se caracterizan por puestas en escena donde coreografía, texto y sonido convergen para crear narraciones visuales y sensoriales que piensan las tensiones entre lo individual y lo colectivo en la sociedad occidental contemporánea. Como dramaturga ha colaborado con compañía de danza de España y Suiza y puntualmente imparte talleres de puesta en escena y dramaturgia para la danza. En 2021 recibe en Suiza el premio nacional de artes escénicas.

CARME TORRENT. Estudia arquitectura en la universidad politécnica de Barcelona mientras trabaja en diversos estudios entre ellos el del arquitecto Enric Miralles. Paralelamente desarrolla su trabajo en el ámbito de la danza; mostrando sus trabajos, en colaboraciones con otros artistas, siendo performer para otrxs coreógrafxs. Interesada por el trabajo de Body Weather (laboratorio de climatologia corporal), desarrollado por Min Tanaka y Hisako Horikawa, viaja a Japón y colabora regularmente con la compañía Tokason, dirigida por Min Tanaka. También colabora asiduamente con el coreógrafo Xavier Le Roy, en propuestas para espacios expositivos. Se da a la exploración y escucha en la tactilidad corporal a través de diversas prácticas; prácticas con las que entiende lo político inseparable de la pregunta por el saber que habita lo sensible en su despliegue mismo. Graduada en filosofía en la UB, universidad de Barcelona. Imparte talleres en MACAP Máster de Artes Escénicas, Gerona-Ljubljana-Dartington, y dentro del programa de Máster E.X.E.R.C.E, Montpellier.

JULIA SPÍNOLA nació en 1979 en Madrid y actualmente vive y trabaja en Barcelona. Desarrolla su investigación en el campo de la escultura. Ha expuesto su trabajo en diversas muestras individuales y colectivas como por ejemplo Persona, foto, copia, Museo Artium (Vitoria, 2023); Café con leche, piña, huevo con jitomate, cebolla y cilantro, junto a Susana Solano y David Bestué, en la Galería Carreras Múgica (Bilbao, 2023), vis., en el Espai 13 de la Fundación Miró (Barcelona, 2020); Rojamente, Espacio Artiatx (Bilbao, 2020); Lubricán, CA2M (Madrid, 2018).

Lo que nos mueve. La danza y sus incidencias sensibles

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26-09-2023

Baile

Andrea Soto Calderón – 29 de septiembre en La Caldera

Las formas de producción capitalista avanzan estandarizando nuestros gestos, movimientos, relaciones, palabras e imágenes. Los modos de implementación de las prácticas hegemónicas no están determinados por un hacer discursivo, al contrario, son prácticas extremadamente complejas, porque no se impone solo como un conjunto de ideas abstractas, no se instauran verticalmente, son sistemas organizados en los que unas formas se hacen dominantes. De ahí la importancia de crear espacios de disidencia colectiva, un pensar que no se hace solo desde la palabra sino desde una comprensión más amplia de la experiencia.

Desde la atención a ciertas características de la danza, reflexionaremos en torno a cómo la danza permite pasar de la idea de movimiento como funcionalidad (acción) a la idea del movimiento como juego, esto es, una forma de experiencia en la que ya no se está determinado a ejecutar una capacidad específica para responder a un impulso determinado, necesidad o interés, como ocurre en las formas ordinarias de la experiencia. Es sobre todo la experiencia de una capacidad de indeterminación, una capacidad que puede ser compartida por cualquiera, un movimiento que no está limitado por la obligación de realizar acciones o expresar emociones.

Este desplazamiento de la acción al movimiento en relación a la performatividad nos permite desalojar la pregunta por los efectos que puede producir una performance en la práctica sensible, política o comunitaria, para introducir la inquietud por el campo de posibilidades que con ella se abre. Lo que a su vez reformula los términos de la producción y creación, así como los de su percepción. Desde esta perspectiva se trataría de dejar de valorar y juzgar la danza y su relación con la política en términos de lo que nos hace hacer; y atender a los movimientos que es capaz de generar para abrir las posibilidades de este mundo que parece encerrado en su clausura.

Más información (entrada gratuita): https://www.lacaldera.info/es/actividades/lo-que-nos-mueve-la-danza-y-sus-incidencias-sensibles.

Concrete Matter

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26-09-2023

Baile

Los detectives – 13 y 14 de octubre en el Teatro del Barrio

Concrete Matter es la tercera pieza creada por la compañía Los Detectives (Mariona Naudin, María García Vera, Marina Colomina y Laia Cabrera) desde donde comparten un dispositivo escénico para hablar de la realización y la proyección a través de la relación materno-filial y poniendo el foco en referentes y cuerpos femeninos; los suyos, pero también los de sus propias madres con quienes comparten escenario. Un juego escénico que cuestiona el teatro como espacio para la mentira, con el mecanismo propio de la ficción para «hacer creer» la escena, jugando con la expectativa, con la sensación de pérdida de las performers, de los personajes que interpretan y del propio público. El marco conceptual de la obra está tejido por capas de diversos referentes. Por un lado, mujeres realizadas, como lo son las artistas feministas de los años setenta Hannah Wilke, Pauline Oliveros y Yvonne Rainer; por otro, el texto de Las tres hermanas de Chéjov, que nos habla sobre la imposibilidad de realización y que nos ayuda a generar otras capas dramáticas para dialogar sobre nuestra propia frustración.

La compañía, Los Detectives formada en 2016 en Barcelona, desarrolla proyectos que investigan acerca de lo socialmente construido como “lo femenino” y las posibilidades de la escena, cuestionando los límites de ambos para generar un lenguaje propio. Cada una de ellas provienen de campos distintos que van de la antropología al cine y las bellas artes aprovechando sus intereses para expandir el lenguaje escénico y desbordarlo. Han estrenado tres piezas escénicas; la primera, Kopfkino (Mercat de les Flors, 2016) explora las repercusiones del consumo de ficciones audiovisuales en los cuerpos y en nuestras identidades desde una óptica crítica a través de un collage físico con mucho humor. En la segunda obra Pienso casa, digo silla (Festival Grec, 2019), se adentraron en el mundo de las místicas medievales y en especial en la figura de Hildegard von Bingen. Los Detectives han contado con el apoyo artístico de Graner, centro de creación de danza y de las artes vivas y de La Caldera durante 2016, 2019 y 2021. Antic Teatre ha coproducido todos los trabajos de la compañía.

Concrete Matter supone un estreno en Madrid dentro del marco de la Agenda Cultural de Instituto de las Mujeres en 2023.

Más información y entradas: https://teatrodelbarrio.com/concrete-matter/.

Ficha artística

Una pieza de Los Detectives (Mariona Naudin, María García Vera, Marina Colomina y Laia Cabrera).

Comisaria: Natalia Piñuel Martín.

A noise at the level of a jet engine

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19-09-2023

Baile

Juf (Beatriz Ortega Botas y Leto Ybarra) – 20 de septiembre en Ars Santa Mònica dentro del Festival Sâlmon

Esta charla propone un recorrido personal por la relación que se hace entre el amor, el miedo, la teatralidad y los mecanismos de amplificación y de silencio. A partir del trabajo de poetas contemporáneas y poesía de archivo, así como de artistas y estudiosos como Amalle Dublon, Justin Allen o Judy Grahn iremos generando un Teatro de los oídos.

Juf es un espacio y proyecto editorial independiente, con sede en Madrid, que explora la relación entre poesía, arte, teatralidad y deseo. Comisariado por Bea Ortega Botas y Leo Ybarra, el programa de Juf se interesa por pensar con diferentes economías escriturales; permutaciones de sonido, ritmo y tono, resistencias teatrales al realismo y la coherencia, y diversas gramáticas y arquitecturas vinculadas a la retórica, el engaño, la ventriloquía o la saturación por complejizar y abordar narrativas y vacíos oficiales.

Más info: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dimecres-de-so-i-cos-00064.