— MuroTRON

Societat Doctor Alonso – 4 y 5 de octubre en La Mutant

Cinco cuerpos pacientes, celadores, médicos, especialistas, enfermeros, recipientes, muertos, actores y títeres. En una no sala de espera, en un no despacho de médico, en un no quirófano de un no hospital de campaña.

Este hospital no es un hospital cualquiera, en el que se practica la medicina moderna. Aquí la enfermedad es de una suerte de “don”. Aquello que te permite iniciar el camino de la curación. Todos estamos enfermos, y no vamos a dejar de estarlo después de visitar Hospital de campo La dolencia que arrastramos es aquello que nos invita a prestar atención al modo en que el desdoblamiento del mundo se ha hecho carne en nosotras.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/hospital-campo-societat-doctor-alonso/.

Julián Pacomio – 14 de septiembre en el Teatro María Luisa de Mérida 

Toda la luz del mediodía es la segunda parte de Trilogía del sol, a la que le antecede Apocalipsis entre amigos o el día simplemente (2021) y le sigue Os Teus mortos (2025).

La trilogía es una investigación sobre el imaginario en torno a la luz del sol, la hora del mediodía y sus oscuridades. Si Apocalipsis entre amigos o el día simplemente es una pieza para un horario de amanecer, de 6:00 a 9:30 a.m, en un espacio con la entrada de luz natural. Toda la luz del mediodía es una pieza sobre las 12:00 a.m, sobre como traer el mediodía en un espacio indoor, sobre la luz cenital del astro y toda su mitología asociada. Así como la primera parte se centró en la idea de la rave y en el estado de los cuerpos en una fiesta, esta segunda parte se enfoca en la siesta del burro de los trabajadores del campo, el insoportable calor del mediodía en el verano, los demonios y mitos del sol y todas sus oscuridades.

Dirección, concepto y texto: Julián Pacomio
Co-creación y performers: Bibi Dória, Bruno Brandolino y Julián Pacomio –
Acompañamiento y dramaturgia: Carolina Campos
Diseño de iluminación y espacio: Santiago Rodríguez Tricot y Víctor Colmenero Mir
Vestuario: Nina Botkay
Música original: Papillons d’éternité (Tânia Carvalho y Matthieu Ehrlacher)
Ingeniero de sonido: Juan Mesquita
Ojo externo: Marcia Lança y Ángela Millano
Gestión financiera: VAGAR / Daniela Ribeiro
Imagen gráfica: Blanca G. Terán
Fotografía y vídeo: Aline Belfort
Producción: Bolsas de Criação O Espaço do Tempo (BPI e Fundação “la Caixa”), Apoios a Projetos de Criação (DGartes) y Ayudas a Artes Visuales (Comunidad de Madrid)
Residencias de creación: PISCINA (Lisboa), Forum Dança (Lisboa), Residencias Paraíso (Galicia), La Nave del Duende (Cáceres), La Poderosa (Barcelona) y Desfoga (Galicia)
País: España y Portugal
Idiomas: español y portugués (con sobretítulos en español)
Duración: 60 minutos
Edad recomendada: mayores de 16 años

Del 13 al 21 de septiembre en La Casa Encendida

Ídem 2024 propone el trabajo de artistas que tratan cuestiones sensibles y cruciales para nuestra sociedad, reflexionado sobre el aislamiento social radical, el pensamiento marginal, la salud mental, el desplazamiento, la resistencia, el cimarronaje, la fugitividad y la experiencia de oscuridad asociada a la luz.

Desde la práctica artística y el activismo, en diferentes formatos como la performance, el site specific, la instalación interactiva, el teatro y la danza. Estos trabajos dialogan entre sí, nos convocan, nos provocan y nos interrogan.

¿Qué cuerpos importan?, ¿quién se merece una vida visible?, ¿qué vidas cuentan?

Estas piezas, desde miradas poéticas, proyectan el reflejo de nuestras elecciones íntimas, de nuestra vulnerabilidad, de nuestra capacidad de conectarnos y desconectarnos de la realidad, y nos hablan sobre cómo restaurar las redes de autonomía, afecto y amor propio.

Esta edición presenta trabajos de creadores procedentes de Francia,  Cuba y Palestina, y de comunidades autónomas como Cataluña, Comunidad Valenciana y Aragón. Los artistas participantes en las piezas proceden de Japón, Venezuela, Guinea Ecuatorial, Ecuador y República Dominicana.

Inauguramos el festival con HIKU, pieza que transita entre la performance y el cine, la ficción y el documental, y que convoca a través de robots en tiempo real a los propios HIKIKOMORI, colectivo que voluntariamente se ha aislado de todo contacto con la sociedad y que se presentan aquí como un grupo resistente a los mandatos contemporáneos. La compañía francesa Shonen presenta por primera vez su trabajo en España, dirigida por Anne-Sophie Turión y Eric Ming Cuong.

Paula Miralles y Vicente Arlandis (Taller Placer) estrenan su pieza Corrimiento al rojo, un site specific donde proponen una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva. La propuesta apela a otras maneras de componer nuestra imaginación sensorial, de lo que se puede revelar detrás de aquello que se esconde.

La pieza Calidoscópica de Sonia Gómez con Encarni Espallargas, es un espectáculo performativo, musical y dancístico que escenifica el encuentro de dos mujeres y sus vivencias sobre salud mental, creatividad y bienestar. Proponen darnos a conocer de primera mano la potencialidad que puede llegar a tener la estigmatizada locura o trastorno mental.

La segunda semana del festival comienza con Basel Zaraa, artista palestino, que estrena en nuestro país su pieza Dear Laila (ganadora del premio del público ZKB 2023), una instalación íntima e interactiva que comparte la experiencia palestina de desplazamiento y resistencia a través de la historia de una familia, explorando cómo la guerra y el exilio se experimentan a través del espacio cotidiano, doméstico y público. Para ello da vida a este lugar, ahora destruido, a través de la narración de historias familiares y de una aproximación sensorial.

Victor Longás y Lucas Ares (Desgarradura), estrenan The Miracle Worker, pieza pensada para el Patio de La Casa Encendida y donde proponen al público diferentes espacios escénicos por los que transitar para presentarnos sus reflexiones sobre la soledad, el aislamiento y la desaparición social del individuo, moviéndose entre los límites de la ficción y de lo real.

El festival ÍDEM 2024 clausura con el estreno de Eyilá de José Ramón Hernández y Osikán-Vivero de creación, que tiene como punto de partida la pregunta “¿dónde radica la fuerza política de nuestra espiritualidad?”. El proyecto está desarrollado junto a comunidades que se excluyen del espacio social voluntaria e involuntariamente, personas afro, migrantes, trans y racializadas, y construye un archivo vivo de espiritualidad, memoria, resistencias, fugitividad, cimarronaje, reparación y sanación.

Festival comisariado por Marisa Lull.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/festival/idem-2024-festival-internacional-de-artes-escenicas.

Del 27 al 29 de septiembre en Artium 

Artium Museoa organiza la segunda edición del ciclo de performances Lazos mecánicos, un programa que surge del deseo de pensar el espacio del museo y las relaciones que se construyen en él a partir de los cuerpos que lo habitan, intentando crear momentos de porosidad entre el interior y el exterior del edificio a través de las prácticas diversas de una serie de artistas y colectivos.

En 2024, Lazos mecánicos tendrá lugar el fin de semana del 27 al 29 de septiembre, y contará con la participación de Valeria Maculan (Buenos Aires, 1968), Federico Vladimir (Buenos Aires, 1983) & Pablo Llilienfeld (Madrid, 1981), Ainara LeGardon (Bilbao, 1976), Itsaso Iribarren (Pamplona, 1981) & Germán de la Riva (Cumaná, Venezuela, 1977), Pedro Barateiro (Almada, 1979), Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984), Marta Fernández Calvo (Logroño, 1978), Alejandra Pombo Su (Santiago de Compostela, 1979) y Marc Vives (Barcelona, 1978).

Lazos mecánicos. Prácticas performativas en el museo II está comisariado por Iñaki Martínez Antelo.

Más información: https://www.artium.eus/es/actividades/item/61816-lazos-mecanicos-ii-ciclo-de-performances.

Ànima de Òscar Dasí | 26 de abril en el Mercat Vell de Mollet del Vallès

He abdicado de seguir siendo lo que era. He renunciado a mi identidad a conciencia, para poder extrañarme de mí mismo y así, despojado, volver a sentirme inexperto, inmaduro, de nuevo carne fresca y libre para deleitarme de cómo desear. He abolido la realidad que me sustentaba y me he dedicado a observar cómo se resquebraja la estructura fija bajo el peso de la vida misma, a observar los escombros de lo que fui esparcidos a mi alrededor. Tranquilamente, sin pretender atenuar el impacto de la caída, resistiendo el impulso de hacer parches, la urgencia por recomponerme. Lanzarse a la acción, alegre, despojado, contemplando el fracaso como el más probable de los horizontes. He abdicado por intentar un imposible, nacer de nuevo.

Revisitar alma ahora, 10 años después, es un gesto y celebración. También un misterio.

Más información: Ajuntament de Mollet del Vallès

Mariona Naudin – Del 3 al 21 de abril en la Fundación Brossa

Peça escènica a cavall entre la performance, la música i el teatre que parteix de la necessitat de trobar una “altra paraula”. Una paraula física que ressoni en els nostres cossos. Una paraula que recobri el seu sentit primigeni i es desprengui d’eufemismes,  un llenguatge que no obeeixi les lògiques del pensament racional. L’espectacle és un concert d’una dona-monstre que es transforma constantment, que és una i que alhora és tots. Un oracle que ens llegeix l’endins, un intent de diluir la línia invisible que separa el jo del tu.
La peça té com a punt de partida el cas d’Ana Orantes (1997), assassinada pel seu marit després de fer públics els maltractaments constants que havia patit durant quaranta anys al programa De tarde en tarde de Canal Sur, que va impulsar la primera llei de violència de gènere de l’Estat espanyol.

Contextualització de la peça 
Per què el fet de ser dones implica que el que diem es posi en dubte? Des d’una Cassandra que ningú es creu a una Joana d’Arc cremada a la foguera, d’una Cristina de Tir amb la llengua arrencada a una Ana Orantes cremada viva després de denunciar els maltractaments del seu marit en un plató televisiu. Malauradament, no costa gaire trobar exemples de figures femenines ridiculitzades, mutilades o assassinades per haver alçat la veu en un espai tradicionalment dominat pels homes.
Diverses cròniques expliquen que, en certs episodis de crema de bruixes, la veu de les dones torturades s’elevava sobre el brogit del foc i podia sentir-se molt després que les flames s’haguessin extingit. Aquesta inquietant veu extracorpòria que es nega a morir és la base d’un concert escènic que s’endinsa en el món del fet irreverent i monstruós. Perquè les dones sempre hem estat molt a prop dels monstres.

Apunts de direcció: Mariona Naudin
El disparador original d’aquest projecte és el record persistent d’un fet que em va marcar: la intervenció d’Ana Orantes al programa De tarde en tarde de Canal Sur l’any 97 i el seu posterior assassinat. Ana era una dona granadina que el 4 de desembre del 1997 va aparèixer a la televisió pública andalusa per a relatar durant 43 minuts el maltractament sistemàtic que el seu exmarit havia exercit durant quaranta anys cap a ella i cap als seus fills. Deu dies després el seu maltractador la va cremar viva al pati de la casa que compartien forçosament per ordre del jutge.
El que m’interessa del gest d’Orantes és entendre què la va empènyer a parlar de manera tan explícita durant gairebé una hora d’una intimitat que havia callat durant quaranta anys en un programa prime time. El que m’atrapa és, en definitiva, la seva necessitat de parlar, de fer públic l’abús tot sabent que probablement després de fer-ho rebria la pallissa final. El seu gest em fa comprendre que poder intercedir en la cosa pública ens atorga dignitat i ens fa humanes…
Si el que m’interessa és la necessitat de parlar, dedueixo que aquesta obra parla sobre què significa parlar, sobre la paraula mateixa, sobre com construïm realitat, sobre la necessitat del ritual i de la veu pública. Decideixo inventar-me una premissa: (poder) parlar és (poder) intercedir en l’esfera pública i això ens fa dignes. No poder fer-ho, en canvi, ens deshumanitza, ens mata espiritualment.

Más info y entradas: https://fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/songs-for-the-bitch-witch-women/.

Idea i direcció: Mariona Naudin. Creació: María García Vera, Núria Andorrà i Mariona Naudin. Interpretació: María García Vera / Mariona Naudin i Núria Andorrà. Producció: Imma Bové. Dramatúrgia: Marc Villanueva. Espai i vestuari: Pau Masaló. Espai lumínic: Ana Rovira.  Espai Sonor: Edi Pou i Sara Fontán. Mentoria: Sofía Asencio. Ull extern: Alberto Cortés.

Aquest projecte està coproduït pel Centre de les Arts Lliures de la Fundació Joan Brossa, Festival TNT, Espai Nyam Nyam i OSIC (Generalitat de Catalunya).

20 de marzo en La Mutant

Normalment es consideren pràctiques al marge, el Krump, el drag o la mirada queer de l’escena es donen cita en Imaginary Cyphers.

Artistes convidades són Anna Karenina i Ainhoa Hernández Escudero compartiran part del procés dels seus pròxims treballs.

Curadoría: Inka Romaní.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/zona-grisa-imaginary-cyphers/.

La II Jornada de Investigación en Artes Performativas se propone desde el proyecto  Archivo Virtual de Artes Escénicas. Artes Efímeras en Castilla-La Mancha ( JCCM. Fondos FEDER) y tiene como objetivo fundamental generar encuentros y acercar al público la obra de investigador+s y creador+s que están trabajando en lugares interdisciplinares, dando visibilidad a este tipo de prácticas en la región Castellano-Manchega y potenciando la apertura de nuevos espacios de investigación artística.

Libre acceso hasta completar el aforo. Sala 111 de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.

Organiza: Grupo de investigación ARTEA

Dirección académica y coordinación: Isis Saz, Germán de la Riva

Comité científico y organizador: Isis Saz, Germán de la Riva, Ana Serrano Tellería, Itsaso Iribarren, Carolina Martínez, Esperanza Collado, Raúl Hidalgo.

Diseño, redes, comunicación y apoyo técnico: Beatriz Sánchez, Irene Mahugo, Romina Casile, Tzu Hang Hung.

Actividad realizada en el marco del proyecto: Archivo Virtual de Artes Escénicas: Artes efímeras en Castilla-La Mancha. SBPLY/21/180501/000164

PROGRAMA

11:00 Inauguración

11:15 Lenguas de humedal

Malén Iturri. Artista e investigadora, despliega su curiosidad en torno a prácticas de sensibilización desde un enfoque somático. Su práctica artística y pedagógica pulsa desde la búsqueda de imaginarios colectivos senso-perceptivos, en torno a la vida como estado relacional continuo entre seres más que humanes. Investiga y acciona en los ámbitos del estudio del movimiento, la voz y la percepción, la improvisación, la creación escénica y la experimentación sónica.

Es Educadora Somática el Movimiento y Educadora del Movimiento Evolutivo Infantil por la escuela de Body-Mind Centering®, graduada en Bellas Artes por la UPV, egresada del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM-ARTEA-MNCARS) y del Máster Universitario en Estudios Culturales y Artísticos con perspectivas Feministas y Cuir [MUECA :S] de la UMH. Actualmente desarrolla su tésis doctoral dentro del Programa de Doctorado en Arte: Producción e Investigación de la UPV, en torno a la educación somática y eco-ambiental en relación con prácticas artísticas encarnadas.

https://cargocollective.com/maleniturri

12:00 Algunos paisajes. Escuchar, mirar y hacer.

Oscar Bueno. 1985, Avilés, Asturias. Graduado en grado profesional de piano en Avilés y graduado en Arte Dramático en Gijón. Máster en práctica escénica y cultura visual de la universidad de Alcalá de Henares y el museo Reina Sofía. Toda mi práctica se mueve sin parar entre lo musical, lo coreográfico y lo visual, de modo más o menos premeditado. Soy autor pero también trabajo acompañando procesos de otras artistas, que desembocan en teatros y contextos híbridos de la escena experimental europea. Soy performer en ambos ámbitos, y soy músico. La visualidad o el trabajo en dibujo da forma a una exploración central en mi trabajo, que se comunica con esas otras disciplinas de forma natural. Considero que mi trabajo artístico es un híbrido entre la música (y la composición musical), la escena y la imagen. He presentado mi trabajo y las colaboraciones que realizo en diferentes espacios como: Mercat de les Flors, Teatros del Canal, Centro Conde Duque, BUDA, Kaai theater, farº festival, La Casa Encendida, MACBA, CA2M, Museo Reina Sofía, Matadero Madrid, PNEU Salzburg, Tanzquartier, etc.

12:45 FUMAROLA: Procesos para un disco desde los márgenes
Roldán, el proyecto musical de Juan Carlos Roldan, es lo bastante ecléctico y modular como para resistirse a cualquier definición estática, sobre todo si consideramos sus muchas colaboraciones y camaleónicas formaciones en directo. Y es que el impulso de su trabajo se desarrolla precisamente en el entorno artístico del que proceden la mayoría de sus cómplices en la experimentación sonora: Rafa Martínez del Pozo (La Jr, AA Tigre), Javi Álvarez (Dúo Cobra, Fluzo), Kiev Cuando Nieva, Lorena Álvarez y su Banda Municipal y, en definitiva, todo ese universo endogámico y a la vez expansivo que se engendró en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y se materializó parcialmente en AA Records. Tras una primera etapa configurando las bases más experimentales del proyector con Roldán (2007)  “El cantar” (2009) “Te tenemos muy cerca” ( 2012), “Tetrata” (2013) y “Espero que dure” (Repetidor) inician una nueva etapa en 2020 de la mano de El Genio Equivocado con la publicación de Tus Poderes (2020). Un disco que supuso el giro definitivo del proyecto pasando del formato solitario a banda con de Jaime Sevilla (bajo, percusión) y a Nacho Olivares (guitarras, sintetizadores, percusión). Percusiones complejas sumergidas en un pop más accesible, Tus Poderes es también una confesión en un cambio de etapa vital, las canciones abordan desde la madurez al valor de lo cotidiano. En 2023 publican ‘Fumarola’, un nuevo trabajo «gaseoso, vaporoso, volcánico y fluido», tan experimental como mágico.

13:30 Mesa redonda. Intersecciones y lugares de encuentro entre sonido e imagen. Modera: Esperanza Collado

14:30 Descanso

16:30 Cuerpo, espacio, lugar. Una aproximación desde la mística

Esther Rodríguez. Coreógrafa, bailarina y arquitecta. Investiga a través de la práctica artística. Su trabajo se mueve entre la coreografía, la práctica escénica, el relato, lo performativo y arquitectónico, empleando principios asociados a dichas disciplinas para diseñar prácticas espaciales y sociales. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, UCLM y un postmaster en a.pass (estudios avanzados de performance y escenografía) en Bruselas. Su investigación aborda las relaciones entre cuerpo, espacio, lugar desde el baile y el movimiento, partiendo de la curiosidad hacia lo desconocido como motor.

Mi práctica de investigación artística se basa en el desarrollo de diferentes sistemas para abordar lo desconocido. A través del movimiento, la performatividad del espacio, la escritura-oralidad y la instalación como principales medios, desarrollo prácticas sociales y espaciales relacionadas con lo invisible, las formas en que se hace visible y las potencialidades de los espacios intermedios. Mi enfoque comprende el cuerpo como una tecnología a través de la cual podemos ampliar nuestra percepción de la realidad entendiéndolo como un sensor y un canal por el que pasan diferentes tipos de información, ampliando así nuestra relación con el entorno. En los últimos años he desarrollado varios trabajos que reflexionan sobre la otredad, la liminalidad, la interrelación entre diferentes medios, cuerpos y disciplinas, la bioética, lo ciborg, las relaciones espaciales y las relaciones entre sistemas vivos (humanos y no humanos). Algunos de estos trabajos abordan las nociones de vida y muerte, ausencia-presencia y otras formas de relacionarnos con la (in)finitud.

17:15 El poder de la música de tradición oral para generar comunidad: La voz nunca calla

Javi Collado. Desde pequeño vinculado a la música popular de Cuenca y Castilla La Mancha, investiga sobre el poder de la voz y la instrumentación tradicional como fuerza curativa, comunicativa y cooperativa. La formación como Educador Social, Maestro de música y Musicoterapeuta, le ayudan a tener una visión comunitaria de los sonidos. Creador de varios proyectos de difusión de la música tradicional como Las jornadas de Música y Cultura Popular Félix Collado o el Bicifolk, e impulsor de proyectos culturales en torno a la música como el Yeye Weekend o el Caño-on festival. Componente de las bandas de música tradicional Zas!!candil Folk y Collado Project, donde buscan acompañar a la música de raíz hacia un lugar más cercano para todos y todas, disfrutando del saber popular y la riqueza de los pueblos. También pertenece a grupos de otros estilos como: Pavana Dingo, Ni chicha, ni limoná y The Coats Cats.

18:00 Bewis de la Rosa
Artista interdisciplinar. Bailarina, actriz, coreógrafa, investigadora y profesora en el campo de la danza y el teatro físico. Escritora de teatro, poesía performativa y pensadora. Dirige desde 2014 su Compañía de Investigación en Danza y Teatro-físico Malditas Lagartijas. En 2021 inicia el proyecto musical Bewis de la Rosa, en el que investiga y desarrolla el concepto <Rap Rural>. En su discurso observamos la importancia del pensamiento crítico, el transfeminismo, el decrecimiento, la herida histórica y la salud mental, partiendo desde el amor y el arte como medios de transformación social. Graduada en Coreografía de la Danza Contemporánea por el Conservatorio María de Ávila y formada en el Lab. Internacional de Investigación Teatral TNT-ATALAYA.

18:45 Mesa Redonda. Público y performatividad en las artes efímeras. Modera: Itsaso Iribarren & Germán de la Riva

19:30 Cierre de jornada

La Zaranda – Del 28 de febrero al 17 de marzo en el Teatro Español 

El original universo teatral que envuelve los 45 años de trayectoria de la compañía jerezana La Zaranda vuelve a estar presente en Manual para armar un sueño. Un texto de Eusebio Calonge donde Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos, bajo la dirección de Paco de La Zaranda, exhiben su particular visión del teatro, un mundo que conocen a la perfección y que se muestra desde una propuesta lúcida, valleinclanesca, poética y no exenta de humor inteligente.

Olvidados en el fondo del espejo, los personajes de Manual para armar un sueño se preguntan: ¿Y si volviéramos a la vida? Frente a ellos un actor ha ido envejeciendo camerino a camerino. Maquilla su íntima derrota, sus gastadas ilusiones, ese desengaño que ensombrece sus días. Tantas cosas han muerto en él que la vida no será lo suficientemente larga para olvidarlas. Pero hoy escucha esas voces dentro del azogue y es como si el alma se le devolviera al cuerpo. En este presente estéril en que el hombre no parece estar a la altura de sus sueños, con sus últimas fuerzas, saldrá a irradiar esperanza al escenario.

Aliado con sus personajes cruzará dédalos donde los burócratas almacenan su tedio, sorteará los socavones que cubren las alfombras rojas de la fama, alumbrará las oscuras galerías donde la vulgaridad empantana todo, volará sobre los afilados precipicios de la mediocridad. De nuevo desafiando a la muerte y al olvido, buscará la alegría del reencuentro con el teatro.

Y así se suceden —entre ecos de Don Juan, el Quijote, Segismundo, Max Estrella o Bernarda Alba—, uno tras otro, diálogos chispeantes, llenos de luz y de sabiduría que los tres actores van desgranando en los 75 minutos de duración de un montaje netamente Zaranda y a la altura de cualquiera de sus grandes propuestas escénicas anteriores (Vinagre de Jerez, Perdonen la tristeza, El régimen del pienso, Cuando la vida eterna se acabe, La puerta estrecha, El desguace de las musas, La batalla de los ausentes…). José-Miguel Vila. Diariocrítico.

Texto EUSEBIO CALONGE Dirección y espacio escénico PACO DE LA ZARANDA Con GASPAR CAMPUZANO, FRANCISCO SÁNCHEZ, ENRIQUE BUSTOS.

Más información y entradas: https://www.teatroespanol.es/manual-para-armar-un-sueno.