— MuroTRON

Israel Galván y Marlene Monteiro Freitas – Del 13 al 16 de noviembre en el Teatro Central de Sevilla 

Marlene e Israel son dos artistas rodeados de un aura fuera de lo común, dos seres solitarios, dos solistas que sacuden sus campos artísticos para sacar a relucir nuevas formas. Israel Galván va más allá del flamenco y lo conmueve. Ya no solo es andaluz, es Galván. Y esto es lo que hace único a este artista, un bailarín de soledades según Georges Didi-Huberman. Por su parte a Marlene Monteiro Freitas nada le gusta más que la mezcla de géneros, la confusión de códigos con un marcado gusto por las transgresiones de todo tipo. Para ella, Galván es un pájaro, un cuervo, creo. En cuanto él baila, me hace bailar. Reunirlos para este “Retrato” dedicado a la coreógrafa caboverdiana era, por tanto, una obviedad, pero también un riesgo. De hecho, ¿qué podría ser más explosivo que dos personalidades, cada una tan radical como la otra?

Su título un tanto misterioso, RI TE nos permite seguir algunas pistas. Ri-te significa “reír” en portugués, el idioma de Marlene Monteiro Freitas. Un título de oro para quien le gusta reírse de todo y distorsionar su rostro haciendo jugar sus huesos cigomáticos. Pero de Galván, quien la temporada pasada nos ofreció su Consagración de la primavera, podríamos esperar ver emerger de su cuerpo algunos ecos nijinskianos… o quizás no.

Estos dos artistas comparten una cierta musicalidad, profundamente anclada en sus cuerpos.

RI TE es un espectáculo inventado a partir de sus fricciones y fusiones, de seducciones y fascinaciones mutuas. Lo cierto es que se trata de una producción que se sumerge en lo desconocido.

Más información y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/ri-te.

Carmelitas Clown – Del 30 de octubre al 3 de noviembre en Periferias Cimarronas

La obra Travesía narra las violencias históricas hacia los cuerpos que están fuera de la hetero-cis-norma y que no son tan lejanas de las que vivimos hoy en día.

Las Carmelitas taconean, corren, suspiran poemas, bailan y cantan recorriendo en cada momento el manifiesto de su existencia.

El espectáculo es ejecutado por un dúo de payasas travestis creado en 2013 por Gemma Ríos y Carmín Lupe. A partir de su subjetivación como femeneidades contra-hegemónicas, Carmelitas Clown ocupa los escenarios a sabiendas de que históricamente las disidencias sexo-genéricas fueron silenciadas y desterradas de los espacios escénicos -en especial la escena del humor- donde el macho tuvo siempre un papel protagónico. Iniciaron su travesía en varietés del under porteño (Buenos Aires), donde fueron ganando el cariño del público a fuerza de verdades incómodas.

Esta experiencia también se tradujo a obras de teatro donde cristalizaron su pensamiento, su herencia, sus deseos y sus luchas.El dominio en la técnica y lenguaje en el arte del clown las puso en complicidad al instante, empezando así, una dialéctica de actrices, de payasas, de quienes eran en su cotidiano. Una dialéctica asociativa, alternativa, autogestiva, disidente, de barrio entre la calma altiplánica de la payasa Lupe (Carmín Lupe) y la euforia irreverente de la payasa Frenesí (Gemma Ríos); riendo con ternura públicos misóginos cuando todavía no era peculiar ver payasas travestis en escena provocando a la cultura transfobia y cisexista.

Entradas aquí.

Santiago Ribelles – 26 de noviembre en La Mutant

‘Per tal d’acabar finalment amb mi mateix’ fue y era primeramente el proyecto de investigación de un solo. Se presentaba como una acumulación de gestos y acciones con o sobre el cuerpo del performer, o con o sobre algunos objetos y elementos escenográficos. Un recorrido de imágenes triviales, absurdas, fetiches, infantiles… como pequeños rituales que no pretenden ninguna trascendencia, ninguna sublimación, ninguna exhortación. Un intento de desaparecer detrás de afectos recurrentes que permanecen a pesar de cualquier deseo creativo que quisiera imponerse como revelador. Todo esto, en un planteamiento, eminentemente físico, sustentado en el tocar, en aquello sensitivo de tocar y ser tocado, con el cuerpo, con la voz, con los objetos.

La Zona Gris que aquí se presenta es la síntesis por fragmentos, por cuadros, por diferente derivas, de la experimentación de este solo que deshace el yo a través del encuentro con otros cuerpos, con diferentes materiales, con elementos lumínicos, con la imagen, etc. En definitiva, tocar, tocarse, tocarnos en toda la amplitud del sentido para no reencontrarnos.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/acabar-mateix-santiago-ribelles/.

María Jurado – 9 y 10 de noviembre en Réplika Teatro 

SPOOKY es una lucha contra el individuo o una performance en la que 2 performers crean un dispositivo escénico a partir de los códigos del cine de suspense y del cine «trash»: los medios y estética «handmade» intervienen directamente en el espacio creando una trama fragmentada que genera una sensación de incertidumbre que dialoga con el público y plantea grietas entre la realidad y la ficción.

El espacio teatral se representa como metáfora de un cerebro, a este llegan la información, patrones y proyecciones que las creencias sobre el individuo levantan sobre nosotros mismos, generando una “campana de cristal” aparentemente impenetrable pero aceleradamente tortuosa.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/spooky-maria-jurado/.

Entrevista de Fernando Gandasegui a María Jurado sobre Spooky: https://www.tea-tron.com/fernandogandasegui/blog/2024/09/05/entrevista-a-maria-jurado/.

→ Dirección: María Jurado + Creación colectiva
→ Performers: Macarena Bielski López y María Jurado
→ Espacio escénico e Iluminación: David Corral Lamelas
→ Creación y diseño de visuales: Manuel Pita-Romero
→ Diseño sonoro: Bielski + Kora
→ Vestuario: 3formas / Diseño y confección de vestidos + Annexia T-shirts
→ Mirada externa: María Jeréz
→ Coproducción: Antic Teatre – Barcelona
→ Apoyo de residencias artísticas: Graner – Barcelona; Réplika Teatro – Madrid; TenerifeLAV – Tenerife; Corralito CCA – Terrassa; Festival TNT – Terrassa; L’Estruch – Sabadell.
→ Agradecimientos: A Maca, Nina, David, Manu, Irene y María Jeréz, por la confianza y el trabajo. A Roberto Fratini. A Guillem Jiménez. A la familia de Réplika Teatro.
→ Fotografía: Helena Garriga / @tinydotsx; Alessia Bombaci

María Jurado es una artista, coreógrafa, performer e investigadora residente en Barcelona. Navega entre los límites de la danza conceptual y la performance. Cada creación le obliga a pensar de manera diferente, investigando los límites del formato. Estudió en el Institut del Teatre. En 2022 estrenó la pieza Black Sun en el Festival Grec de Barcelona. Participó en el proceso de creación de la pieza Mágica y elástica de Cuqui Jerez y como performer en la pieza Japan de Mabel Olea, de quien ha sido mirada externa para su último solo, Cut one’s teeth. En 2023 estrena su última pieza/solo: Dancing with my abjection en colaboración con Hadren en el Festival CLUBSCLUBSCLUBS (Barcelona) y recibe la Beca CAMPING – CND y la Beca Danceweb 2023 Impulstanz. Spooky nace como proyecto de residencia en El Graner gracias a la colaboración de la artista Macarena Bielski López y más tarde, la suma de un equipo multidisciplinar. El deseo del proyecto es poder investigar y profundizar desde la creación, la acción y el pensamiento continuo.

Macarena Bielski es bailarina, performer, músico y creadora nacida en Madrid. En julio de 2022 se graduó con un BA en danza en p.a.r.t.s, escuela fundada por Anne Teresa de Keersmaeker en Bruselas, Bélgica. Allí desarrolló e investigó no solo la relación entre danza y performance sino también la producción musical, el vídeo, el uso del texto y la manipulación de tecnologías en el escenario. Desde el fin de sus estudios ha trabajado en diferentes proyectos como: “Una imagen interior” de El Conde de Torrefiel (Kunstenfestivaldesarts), “Renacimiento” de La Tristura (Theatre du Liege) y en diversos montajes con la Compañía de Didier Theron (Montpellier). Es artista residente en Réplika Teatro, donde desarrolló el proyecto “Cuando ya no esté” y “MORFIA”, creada junto a Manuel Pita-Romero y presentada en el marco del Festival IN-SONORA. Realiza el diseño sonoro para la obra de Zoe Lakhnati “This is la mort” (Teatro Ateliersi, Bologna; BUDA, Kortrijk), cuyo estreno está previsto en Charleroi Danse en diciembre de 2024. Este septiembre 2024 ha estrenado la obra “SPOOKY” dirigida por María Jurado en el Antic Teatre, Barcelona.

Amaranta Velarde – 2 y 3 de noviembre en Réplika Teatro 

El proyecto indaga en la necesidad humana de evasión y la producción de identidades alternas como vía de escape a los límites cotidianos y la condición de vacío humano. A través del exceso, la artificialidad y la indulgencia sus personajes chocan con una realidad que no son capaces de contener, en una constante búsqueda de fantasía e irrealidad. El proyecto indaga así en los
conceptos de desbordamiento y contención en relación a la estética escénica, la corporalidad y el lenguaje coreográfico. Se cuestiona los límites de lo que es armonioso, comedido y apropiado apostando por un derrame físico y estético en tiempos de contención y austeridad.
Como punto referencial de inspiración el proyecto Desbordes mira hacia la estética kitsch y el camp así como el movimiento efímero de los años 80 llamado New Romantics.
La mezcla de elementos que lo comportan, su estética kitsch, su optimismo y exuberancia, las características andróginas y la teatralización que implica la desnaturalización y artificialidad a través del exceso y la evasión son el punto de partida del trabajo.

Citando a Susan Sontag en sus notas sobre Camp “la esencia de lo camp es el amor a lo no natural: al artificio y la exageración. El gusto camp vuelve la espalda al eje bueno-malo del juicio estético corriente. El camp no invierte las cosas; No sostiene que lo bueno es malo, o que lo malo es bueno. Se limita a ofrecer un conjunto de normas para el arte (y la vida), diferente, complementario (…) no se trata de amor a lo viejo como tal, se trata, simplemente, de que el proceso de envejecimiento o deterioro proporciona la distancia necesaria, o despierta la necesaria simpatía… El tiempo libera a la obra de arte del contexto moral, entregándola a la sensibilidad camp y reduce el ámbito de la banalidad. Percibir lo camp en los objetos y las personas es comprender el Ser-como-Representación-de-un-Papel. Es la más alta expresión, en la sensibilidad, de la metáfora de la vida como teatro. En lo camp ingenuo, o puro, el elemento esencial es la seriedad, una seriedad que fracasa. No toda seriedad que fracasa puede ser reivindicada como camp. Sólo aquélla que contiene la mezcla adecuada de lo exagerado, lo fantástico, lo apasionado y lo ingenuo”.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/desbordes-amaranta-velarde/.

→ Concepto y dirección: Amaranta Velarde
→ Coreografía, en colaboración con los performers:  Amaranta Velarde, Guillem Jiménez y Juan Cristóbal Saavedra
→ Asesoría artística: Cris Blanco
→ Asesoría de movimiento: Oihana Altube
→ Música original: Juan Cristóbal Saavedra
→ Diseño de iluminación: Horne Horneman
→ Dramaturgia: Roberto Fratini
→ Vestuario y asesoría: Sau-Ching Wong & Aleix Mart
→ Estudiantes en prácticas: Vera Palomino & Julia Romero

Amaranta Velarde trabaja en el campo de las artes escénicas como bailarina, coreógrafa y pedagoga. Se gradúa en CODARTS (Universidad de Danza de Rótterdam) en 2004 y desde entonces trabaja intensamente con el coreógrafo Bruno Listopad entre otros creadores. Después de su actividad profesional en Holanda se muda en el 2011 a Barcelona donde inicia sus propias piezas coreográficas: Lo Natural, Hacia una estética de la buena voluntad, Mix-en-scene y Apariciones Sonoras. A parte de realizar sus proyectos trabaja con creadores como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y Ola Maciejewska y ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa (2013-2016). Sus trabajos coreográficos se han presentado en contextos como Alt Vigo, MUSAC de Leon, Secció Irregular del Mercat de las Flores, MACBA es Viu, Sala Hiroshima (BCN), Brigittines (Bruselas), CA2M, Teatro Pradillo, Museo Reina Sofía, Festival Eufònic y Festival Grec.

Guillem Jiménez Con el estudio del movimiento como eje que atraviesa toda su producción artística, Guillem Jiménez trabaja a partir de la coreografía de cuerpos, vídeos y otros medios. Estudia en el Conservatorio Superior de Danza de Barcelona a la vez que desarrolla una línea de trabajo independiente. Su proyecto en activo laSADCUM incorpora las producciones ‘THE UNCANNY VALLEY’ (2019), premiada con una residencia artística en La Caldera en el Certamen Coreográfico de Madrid, ‘THE LESSON’ (2020) premiada con el premio del jurado del Festival 10 sentidos y su próxima pieza ‘ACLUCALLS’ (2022) que se estrenará en el Teatro del CCCB. Su trabajo en solitario indaga sobre los diferentes lenguajes de la coreografía y de su propio cuerpo: ‘DANCE LESSON’ (2018 – 2020), ‘duquela’ (2018) y el solo en proceso ’TWINK’ (2022). Su trabajo ha sido mostrado en espacios como La Casa Encendida, Museo Guggenheim Bilbao, Espacio Inestable, MAC Festival, Sala Ars, TKM Room / Maricas Maricas, la Fundación Mies van der Rohe o el Centro Cultural Conde Duque. Ha participado de procesos colaborativos con artistas e instituciones como Reece Cox, JazzBetween, BlueProject Foundation, Pedro Torres el Amor Projects, Amalia S. de Nieves y Albert Riera entre otros, y en calidad de intérprete ha trabajado con creadores como Mar Aguiló, Candela Capitán, Javier Guerrero, Aimar Pérez Galí, Claudia Mirambell, Hanna Tervonen o Ester Guntín.

Juan Cristóbal Saavedra a.k.a Equipo es músico y productor musical de origen chileno afincado en Europa desde 2001. Estudia Sonido y Gestión Cultural para luego partir a Berlín a perfeccionarse como productor musical. En el año 2004, Saavedra viaja a Barcelona donde funda el colectivo Dpendiente y trabaja en diversos proyectos musicales. En el área de la producción musical trabaja principalmente en el campo de la música electrónica, especializado en Mastering, Sound consulting y producción para numerosos proyectos musicales. En el área de las artes escénicas trabaja como músico, diseñador sonoro y técnico de espectáculos con artistas como Roger Bernat, Sonia Gómez, y Azkona/Toloza. Actualmente trabaja con La Veronal en las creaciones Pasionaria, Sonoma, Opening Night y la producción Folka de Marcos Morau para NDT2 en Holanda.

Roberto Fratini Dramaturgo y profesor de Teoría de la Danza en el CSD de Barcelona (Institut del Teatre). Ha sido profesor de la Università Statale de Pisa y de la Aquila. Imparte workshops, clases magistrales y conferencias en diversas entidades académicas y teatrales de España y del extranjero (CCCB, Université de Lyon, ADC de Ginebra, Mercat de les Flors de Barcelona, Pôle Sud Strasbourg UFR Arts Strasbourg, Hochschule der Kunst de Zurich y Berna). Es colaborador y asesor con más coreógrafos de España, Francia, Italia y Suiza de Caterina Sagna Dance Company, Germana Civera cie. Inesperada, Cie. Philippe Saire, Juan Carlos García cia. Lanónima Imperial, Lipi Hernández cia. Malqueridas, Agrupación Sr. Serrano, Silvano Voltolina, Rocío Molina, Roger Bernat, Taiat Dansa, La Veronal y Alexandra Waierstall. También es profesor de talleres de dramaturgia en ESAD de Galicia, La Caldera, Société des Auteurs Suisses, TanzHaus Zurich, L’Usine Genève, Hochschule der Kunst Bern y Modul Dance Europe. Sus piezas han sido representadas en los principales festivales de danza europeos y ha obtenido diversos premios, entre ellos el Prix de la Société des Auteurs Français, el Grand Prix de l’Association des critiques de danse français, con Caterina Sagna, y el premi Ciutat de Barcelona per la Dansa con Germana Civera. Ha publicado los libros A Contracuento. La danza y las derivas del narrar (Ediciones Poligrafa, 2012) y Filosofía de la danza (Edicions UB, 2015) con Magda Polo Pujadas i Bàrbara Raubert.

Malcolm McCarthy – BMS studio | 7 y 8 de noviembre en el Antic Teatre 

¿Qué hace a un hombre un «hombre»? ¿Qué hace a un hombre pelear, follar, sostener las lágrimas, ser fuerte? ¿Qué hace a un hombre engañar, amar, alejarse del miedo?

Black Man Solo, de Malcolm McCarthy, nos lleva en un viaje personal e íntimo que habla de algunos de los detonantes de la masculinidad tóxica, sí, pero también explora el posible viaje de redención, de cambio… ese que marca la vulnerabilidad que aparece cuando el espejo se gira y te vuelves padre, o cuando se distorsiona al perder a tu propio padre.

Malcolm McCarthy es un artista de origen afrocubano residente en Barcelona. En 2011 comienzas sus estudios de interpretación en el Col·legi de Teatre de Barcelona. Su debut como actor profesional lo hizo con la obra de teatro LÓ nada en el Teatre Lliure. Desde entonces ha trabajado como actor en diferentes proyectos tanto de teatro como de cine y televisión. Entre ellos destacamos su participación en obras como Temps Salvatge en el Teatre Nacional de Catalunya; Adam i Eva en la Seca, Espai Brossa; Gazoline, en la gira nacional del proyecto; y en los últimos dos proyectos de la directora Isabel Coixet Nieva en Benidorm y Foodie Love.También cuenta con estudios de dramaturgia con la dramaturga y directora Denise Duncan. Es miembro fundador del colectivo “Tinta Negra”.

Novena edición del KONVENT A L’ANTIC, la oportunidad anual para conocer en Barcelona creaciones de artistas residentes en el Konvent de Cal Rosal, un antiguo convento de finales del XIX reconvertido en un centro artístico pluridisciplinario, autogestionado.

Como el Antic Teatre, el Konvent es un revulsivo cultural: un espacio para el arte y, a su vez, una manera de hacer y entender la cultura enraizada en el territorio. Rastrear y observar constantemente el entorno artístico, potenciar y dar visibilidad, son algunas de las tareas obligadas de ambos espacios. Del binomio Antic Teatre-Konvent han salido muchos proyectos con un amplio recorrido, como Rebota rebota y en tu cara explota, de Agnés Mateus y Quim Tarrida, Premio de la Crítica Nuevas Tendencias 2017, Premio FAD Sebastià Gasch Aplauso 2018 i Premio Butaca 2018 Nuevas Aportaciones Escénicas.

PIEZA SIN MÍ es una pieza caleidoscópica, plástica, misteriosa y circular. Funciona como un microcosmos de citas, fragmentos, referencias y auto-referencias que conforman el mapa –siempre en proceso– de una identidad perpleja, dispersa, en tránsito, en descomposición. En una yuxtaposición vertiginosa de signos –imágenes, cuerpos, acciones, palabras– esta tragedia, atravesada por un humor desconcertante, plantea una pregunta irresuelta como si se tratara de la investigación de la escena de un crimen: sin mi cuerpo, sin mis objetos, sin mis imágenes, sin el lugar conocido, sin tiempo, sin voz… ¿Qué queda?

Constanza Brnčić. Bailarina y coreógrafa. Doctora en filosofía. Combina su tarea artística con la investigación en el ámbito de la danza y las artes vivas, con especial interés en la relación del arte con los contextos. Ha llevado a cabo numerosos proyectos –entre los cuales destaca el proyecto comunitario pi(è)ce (2011_2022), el reciente trabajo escénico Registres Evanescents (Auditori 2023), y el proyecto de investigación Prácticas laterales. En el ámbito de la docencia es profesora de composición, improvisación y técnicas de movimiento en el conservatorio superior de danza (CSD/Institut del Teatre de Barcelona), y es directora del posgrado en artes vivas y contextos del Institut del Teatre, así como profesora en el posgrado de artes escénicas y acción social del Institut del Teatre de Barcelona.

PALABRA Y VISIBILIDAD – Ciclo de actividades paralelas alrededor de las presentaciones de PIEZA SIN MÍ de Constanza Brnčić

ANTIC TEATRE del 10 al 20 de octubre 2024

En el marco de las presentaciones de PIEZA SIN MÍ en Antic Teatre, hemos organizado un pequeño ciclo de actividades paralelas alrededor de la relación entre palabra y visibilidad, relación que vertebra y moviliza este trabajo. ¿Puede la palabra devenir testigo poético de aquello que no vemos? ¿Puede aquello visible ocultarse a través de la palabra? ¿Qué relaciones de esclavitud y libertad se juegan entre el lenguaje y aquello visible en la escena? ¿Se pueden tener imágenes sin verlas? ¿Se pueden ver imágenes sin palabras?

• Lunes 7 octubre >

De 17:00 a 20:00 h (actividad fuera del Antic Teatre) > taller-performance en La Capella con Constanza Brnčić, Magdalena Garzón y el grupo de investigación con personas con diversidad visual en el marco de las actividades del ciclo «Cinema Cec» coordinado por Marta Azparren.  Taller abierto previa inscripción en: lacapella@bcn.cat especificando el día del taller (7/10)

• Viernes 11 de octubre >

Charla posfunción con Bàrbara Raubert, Albert Tola y Jordi Alomar.

Albert Tola es dramaturgo, escritor, poeta y traductor.

Jordi Alomar es musicólogo, músico y gestor cultural, actualmente es director del Museo de la Música de Barcelona.

Bàrbara Raubert es historiadora del arte, crítica de danza, comisaria y docente en el Instituto del Teatro de Barcelona.

• Viernes 18 de octubre >

Charla posfunción con Roberto Fratini y Constanza Brnčić.

Roberto Fratini es dramaturgo y profesor de teoría de la danza.

• Sábado 19 de octubre >

De 16:00 a 18:00 h: taller abierto a todas aquellas personas interesadas en conocer de cerca el trabajo de Constanza Brnčić y la práctica de audiodescripción del espectáculo. Con la participación del grupo de investigación sobre audiodescripción con personas con diversidad visual, coordinado por Magdalena Garzón, y acompañará la actividad Beatriz González Magadán, ayudante de dirección. Entrada libre previa inscripción en el email: produccion.constanzabrncic@gmail.com

20:00 h: Función especial con audiodescripción.

21:00 h: Conversatorio con Mauricio Sierra, Magdalena Garzón, Fortià Prat Planas, Marta Azparren y Constanza Brnčić

Mauricio Sierra es bailarín y performer, colaborador en el proyecto sobre audiodescripción con Magdalena Garzón.

Magdalena Garzón es bailarina y coreógrafa, coordinadora del proyecto de investigación “Aproximación al lenguaje de la danza experiencia y creación para personas con diversidad visual”.

Fortià Prat Planas es acupuntor, practicante de reflexología y shiatsu. Invidente de nacimiento es colaborador del proyecto de investigación coordinado por Magdalena Garzón.

Marta Azparren es artista visual. Se mueve entre el cine experimental, la performance y el dibujo.

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/peca-sense-mi-la-sospechosa-constanza-brncic/?lang=es.

Esta serie de encuentros en torno a la exposición Esperpento. Arte popular y revolución estética ofrece presentaciones de la muestra a cargo del equipo curatorial y dos piezas de teatro que reflexionan sobre la noción de esperpento, realizadas por las compañías Lagartijas tiradas al sol y ButacaZero.

La exposición está dedicada a la fortuna artística de esta categoría de crítica social fundado en lo grotesco, en la parodia y en la deformación. Aborda el concepto de esperpento como un núcleo de pensamiento estético que propone una nueva manera de mirar la realidad. Formulado por el escritor Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) como reacción al atraso y la desesperanza moral que asolaba a España en la primera mitad del siglo XX, el esperpento confronta el encorsetamiento social, político y cultural del país, e insiste en el distanciamiento de la mirada y en una serie de estrategias estéticas que despliegan su máxima eficiencia en la deformación. La exposición está estructurada en ocho grandes secciones; las intervenciones de las compañías teatrales se centran en las salas de la tercera sección (Tablado de Marionetas), en la que se explora el esperpento en relación con el teatro popular que abarca elementos como los títeres, guiñoles y marionetas, el carnaval y los romances de ciego.

La compañía Lagartijas tiradas al sol presenta desde el 9 de octubre al 10 de marzo una revisión contemporánea de la novela Tirano Banderas (Valle-Inclán, 1926), a partir de la versión en bululú —género teatral en el que un solo comediante representa la totalidad de la obra— ideada por el director de escena Cipriano Rivas Cherif. Por su parte, ButacaZero estrena el 16 y 17 d octubre Melón pelado, una farsa no infantil para caja de muñecas basada en “las rapadas del franquismo”, refiriéndose a las mujeres republicanas vejadas al término de la Guerra Civil, quienes eran exhibidas en procesiones públicas con la cabeza rasurada, tras ser obligadas a ingerir aceite de ricino, un potente laxante.

Más información e inscripciones: https://www.museoreinasofia.es/actividades/esperpento-arte-popular-revolucion-estetica.

Félix Fernández – Del 27 al 29 de septiembre en Teatro Ensalle 

“Xavier a través de min” es un proyecto de artes vivas de corte autobiográfico y no documental con el que quiero traer al presente el legado inmaterial que mi hermano Xavier Fernández me dejó en vida, y dejar al descubierto todo el sedimento de la vida de mi hermano en mí.
Las principales herramientas para vehicular este contenido tan emocional son la danza, el espacio sonoro-musical, la voz, el texto y la instalación, que mezcladas componen una experiencia vivencial muy próxima a un lugar de intimidad casi confesional, donde encontrar un espacio de liberación energético poco habitual.
Xavier Fernández trabajó hasta la muerte en relación a la Consciencia, era psicólogo, criminólogo, investigador y psiconauta, profesor de yoga, de meditación, y también guía en procesos de búsqueda interior.

Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/xavier-a-traves-de-min/?event_date=2024-09-27.

Creación, dirección y performer: Félix Fernández
Asesora de coreografía y movimiento: Rut Balbís
Coach y arteterapeuta: Raquel Calvo
Textos: Xavier Fernández, Félix Fernández
Proyecciones: Xavier Fernández

Escenografía y selección sonoro-musical: Xavier Fernández e Félix Fernández
Documentación en vídeo: Henrique Lamas
Este trabajo se pudo llevar a cabo gracias al apoyo de A Casa Vella a través de una ayuda PICE, de la convocatoria de residencias artísticas Atopémonos Bailando, del MUSEO MIHL de Lugo, del Festival Escora, de la plataforma galega para artes performativas contemporáneas De Corpos Presentes y del Espacio de intervención artística de la Universidad de A Coruña, NORMAL.

Los Torreznos – 4 de octubre en el Teatro del Barrio 

Nos planteamos explorar de manera directa o indirecta la relación entre el arte y la vida cotidiana.
No hay más remedio. Abarcar un concepto tan amplio nos permite abordar toda una serie de tópicos sociales y personales que traman una visión crítica de lo que hay.
Partimos de la situación concreta que vivimos aquí y ahora: dos individuos observados por espectadores en una sala.
Desde esa posición recorremos diferentes formas de experimentar lo que nos está ocurriendo.
Hace nueve años realizamos una pieza sobre “La Cultura” y consideramos que ya va siendo hora de desarrollar una pieza sobre “La Realidad”.

Más información y entradas: https://teatrodelbarrio.com/la-realidad/.