— MuroTRON

Archive
Baile

Annika Pannitto y Julián Pacomio

DT Espacio escénico, 28, 29 y 30 de marzo a las 20.30

The third table es un objeto coreográfico, cuyo propósito, es exceder cualquier significado específico. Un objeto, existente, autónomo, como “algo” en sí mismo. El proyecto pone el acento sobre la performance como un encuentro entre la obra y el público, jugando con la pluralidad de significados y experiencias que se generan durante un encuentro en vivo, donde todos los puntos de vista son reales y verdaderos.

Idea: Annika Pannitto
Creacion y danza: Annika Pannitto y Julián Pacomio
Diseño de Luz: Victor Colmenero Mir

Gracias a: Ca La Praga y DT Espacio Escenico
Y a Susanne, Paula, Blanca, Angela por sus preciosas observaciones.

>Entrevista a Julián Pacomio y Annika Pannitto

>Entradas

Read More

VICENTE ARLANDIS // TALLER PLACER

7, 8 y 9 de marzo a las 20h en Conde Duque

Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza. Una obra que tiene mucho de instalación visual. Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

>Entradas

Read More

Boris Charmatz

9 y 10 de marzo en el Mercat de les Flors

La fugacidad llevada al extremo: numerosos bailarines interpretarán diez mil gestos, todos ellos diferentes, que sólo serán visibles una sola vez y desaparecerán así que se hayan ejecutado, como una oda a la impermanencia de la danza. La obra produce una hipnosis visual en el espectador en esta peculiar secuencia de movimientos.

Des de Aatt enen tionon (1996) hasta 10000 gestes (2017), el bailarín y coreógrafo Boris Charmatz ha presentado una serie de piezas realmente memorables. A pesar de mantener una extensa actividad de gira, periódicamente también forma parte en improvisaciones con Saul Williams, Archie Shepp y Médéric Collignon, y continúa colaborando como bailarín con Anne Teresa De Keersmaeker y Tino Sehgal. Charmatz fue artista asociado del Festival de Aviñón en 2011. En 2013 fue artista invitado al MoMA de Nueva York, donde concibió el programa de danza Musée de la danse: Three Collective Gestures, un proyecto de tres semanas que se desarrrolló en el Marron Atrium en el museo. En 2015 fue invitado de la Tate Modern en Londres en el marco de la exhibición If Tate Modern was Musée de la danse?, un programa intensivo de actuaciones que tuvo lugar por todas las galerías del museo. Aquel mismo año, Charmatz presentó 20 bailarines para el siglo XX en el Palacio Garnier, la Ópera Nacional de París. Desde 2009 es director del Centro Nacional Coreográfico de Rennes y la Bretaña, que ha transformado en un museo de la danza (Musée de la danse) de nueva concepción. Ha sido artista asociado de la Volksbühne en Berlín durante la temporada 2017/2018. Actualmente está preparando una nueva creación llamada infini que se estrenará en verano de 2019.

Coreografía Boris Charmatz / Interpretación Djino Alolo Sabin, Salka Ardal Rosengren, Or Avishay, Régis Badel, Jessica Batut, Nadia Beugré, Alina Bilokon, Nuno Bizarro, Matthieu Burner, Dimitri Chamblas, Olga Dukhovnaya, Sidonie Duret, Bryana Fritz, Alexis Hedouin, Kerem Gelebek, Rémy Héritier, Samuel Lefeuvre, Johanna-Elisa Lemke, Maud Le Pladec, Mani Mungai, Noé Pellencin, Solène Wachter, Frank Willens / Producción Musée de la danse – Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne / Coproducción Volksbühne Berlin, Manchester International Festival (MIF), Théâtre National de Bretagne-Rennes, Festival d’Automne à Paris, Chaillot – Théâtre national de la Danse (Paris), Wiener Festwochen, Sadler’s Wells London, Taipei Performing Arts Center / Con el apoyo del Institut français d’Espagne

Read More

Esther Rodríguez Barbero

Sábado 2 de marzo en L’estruch Sabadell a las 21:00 h.

Un acto de celebración, un solo, un solo acompañado, una invitación al baile. Esto es We can dance. Parte del primer paso que se da antes de bailar en una discoteca, el templo del baile; aquel primer movimiento que, sin saber cómo, acaba siendo una danza desenfrenada. Se puede bailar en todas partes? ¿Qué relación se establece con las normativas y convenciones del uso del espacio? Coreógrafa, creadora escénica y arquitecta, Esther Rodríguez-Barbero desarrolla su actividad entre Bruselas y Madrid. Con We can dance propone un recorrido entre lo posible y lo prohibido, cuestionando dónde están, realmente, los límites propios y ajenos.

Creación: Esther Rodríguez-Barbero

Música: Lautaro Reyes / Vitaly Franco

Iluminación y escenografía: Víctor Colmenero Mir

Organización:

Ayuntamiento de Sabadell

Con la colaboración de:

LEAL.LAV Tenerife

Centro Danza Canal

La Caldera Barcelona

L’Estruch, Fábrica de Creación de las Artes en Vivo

Con el apoyo de: Comunidad de Madrid

Agradecimientos: Javier Cuevas, Adán Hernández, Laura Kumin, Pablo Sacristán, Marialena Marouda, Clara Pampyn, Alberto Alonso, Lara Brown, Xiri Noir, Lilia Mestre, Veridiana Zurita, Shervin Kiarnesi, Óscar Dasí y Carmen Fuentes.

Read More

Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante

2 de marzo en Naves Matadero

“Los Tablaos de CARMEN//SHAKESPEARE han sido siempre circunstancias inacabadas: impromptus performáticos, charlas, tráficos de materiales brutos, pataletas estruendosas, rabietas cantarinas e impurezas de todo tipo. Ocasiones de degradación saludable (“todavía más abajo”), de alianzas provisorias con el polvo, con las ratas y con el vasto retumbar de los zapatos que prospera en las fisuras entre tablones”, describe el dramaturgo y teórico de la danza Roberto Fratini Serafide.

Pero en este TABLAO DE LA TOTAL (TENSION), Olga, Francisco, Carmen, Don José, los Toreadores, los Replicantes, los Matadores y otros invitados van a correr riesgos inauditos para compartir un ruidoso Crash_test*fabricado a partir de las dudas y certezas acumuladas a lo largo de su residencia de trabajo en Naves Matadero.

Retomando los restos naufragados de los dispositivos tecnológicos (la chatarra de las diferentes piezas escénicas de la tetralogía CARMEN // SHAKESPEARE y de la exposición-laberinto Presagios del Deseo (presentada en Madrid, en Tabacalera Promoción de Arte durante el verano 2018) se propondrán una serie de módulos narrativos para compartir un acontecimiento tal vez imposible de nombrar: el amor.

* CRASH-TEST: Prueba de resistencia crítica realizada con prototipos de máquinas con capacidad de autopropulsión (coche, avión, tren…). El crash-test, tras analizar los lugares más frágiles del choque, permite reforzar el prototipo.

HORS CHAMP // FUERA DE CAMPO

La coreógrafa y artista visual Olga Mesa (Avilés, 1962), afincada en Francia desde hace más de una década, es una de las figuras claves de la danza contemporánea española. Su trabajo, de carácter experimental, se sitúa en los límites de la danza, la performance y las artes visuales. En los años noventa, en su labor creativa de coreógrafa y de bailarina, se decanta por la cámara, dando a la imagen un lugar central en sus piezas. Su obra, representada en centros tan importantes como el Théâtre de la Ville (Paris, Francia), el Théâtre de la Bastille (Paris, Francia), el Festival la Bâtie (Ginebra, Suiza) o el Festival Culturgest (Lisboa, Portugal), es una indagación sensible y poética sobre las relaciones entre el cuerpo, la imagen y el espacio.

En 2005 se instala en Estrasburgo donde conoce al artista vasco Francisco Ruiz de Infante (Vitoria-Gasteiz, 1966) cuyo inquietante universo, creado por frágiles construcciones, dispositivos, recorridos de instalaciones, imágenes fijas, films, sonidos, dibujos, textos, performances o espectáculos, sumerge al espectador en una intensa experiencia física y mental. Ruiz de Infante pertenece a una generación de artistas marcados por el descubrimiento de las tecnologías de lo audiovisual. Y expuesto su trabajo en lugares como el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía (Madrid), el Museo Guggenheim (Bilbao).

Mesa y Ruiz de Infante trabajan juntos impulsando la compañía Hors Champ // Fuera de Campo desde 2011 y despliegan un universo artístico donde dialogan sus respectivos lenguajes, preocupaciones y experiencias. Echan mano de las herramientas tecnológicas audiovisuales, de las interfaces de imágenes corrientes de la vida cotidiana y examinan la relación de los humanos con la tecnología (que viene a ser una relación con una gigantesca máquina y un entorno “conectado”).

Juntos crean obras coreográficas para el escenario, obras performativas para espacios no escénicos, exposiciones y sesiones de investigación. Su proyecto es totalmente transversal y más que generar ‘objetos artísticos’, destinados a integrarse en un escenario cultural (a menudo muy sometido a normas), crean contextos artísticos singulares, para todo tipo de público, de duración variable, adaptables a cualquier entorno, para ampliar las prácticas artísticas y pensarlas como territorios por compartir.

>Más información y entradas.

Ficha artística

Concepción: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante
En el escenario: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante. Replicantes: Félix Ramon y Francisco Blanes Iglesias a.k.a Blanesi. Toreros: Francisco Blanes Iglesias a.k.a Blanesi, Sara López, Javier Muñoz, Jimena Pérez Salerno, Santi T. Grech y Nathanaël Ruiz de Infante.
Dirección técnica: David Benito
Luz: Xulia Rey Ramos
Sonido: Frédéric Apffel
Producción: Hors Champ // Fuera de Campo – Pierre Kiener
Administración: Machette Productions – Mathias Gauthier-Lafaye
Coproducción: Naves de Matadero
Colaboradores: Ministère de la Culture (DRAC Grand Est – conventionnement), Région Grand Est (ayuda a la creación), Ville et Eurométropole de Strasbourg (conventionnement)
Idioma: español y francés, con subtítulos en español

Read More

El Conde de Torrefiel

Del 28 de febrero al 2 de marzo en Teatros del Canal

Guerrilla cierra un ciclo y abre otro en el camino creativo de Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, responsables de las dramaturgias y las puestas en escena de El Conde de Torrefiel. Vital y profesionalmente son otros y Guerrilla supone una apertura a trabajar con otros cerebros, desde otros cerebros, para otros cerebros.

En cada ciudad en la que se representa la pieza, se selecciona un grupo de personas que aportan sus palabras, pensamientos y cuerpos, en una suerte de teatro documental basado en esa colaboración. Nunca antes lo habían hecho así.

El espectáculo se compone de tres partes, como si fueran tres movimientos de una composición musical. No en vano, la música tiene un papel decisivo que va más allá de lo que supone crear un marco intangible de emotividad. El primer movimiento es una conferencia; el segundo, una clase de thai-chi; el tercero es una sesión de música electrónica. Las situaciones de partida son las mismas, pero nunca son iguales porque están íntimamente ligadas a la ciudad en la que se hace la pieza y a sus habitantes.

Guerrilla se nutre del universo interior, confuso y contradictorio, de esas personas que comparten espacio y tiempo y las consecuencias de vivirlos juntos sin conciencia de estarlo. Guerrilla asiste al incendio silencioso de Europa, el que acontece en las mentes de cada cual desde sus cómodos presentes. “Si todo avanza en una aparente paz en la que nos encontramos seguros, ¿por qué dentro de nuestras cabezas involuntariamente invocamos la guerra?”, se pregunta El Conde. Ahí apunta también el dramaturgo italiano Roberto Fratini: “La guerra no ha parecido nunca tan pacífica. La paz no ha parecido nunca tan aterradora”.

En definitiva, “Guerrilla –escribió Rubén Ramos Nogueira– es un concienzudo electroshock al que nos somete una gente que lleva años intentando gritar desesperadamente desde los escenarios con toda la rabia acumulada por una generación”.

>Programa de mano de Fernando Gandasegui.

>Más información y entradas.

 

Read More

23 de febrero de 16.30 a 20h en el IVAM

Boris Charmatz / Terrain

20 Bailarines para el siglo XX presenta un archivo vivo. Veinte artistas de diferentes generaciones interpretan, recuerdan, se apropian y transmiten obras en solitario, aclamadas pero olvidadas, del siglo pasado que fueron concebidas o interpretadas originalmente por algunos de los más significativos bailarines, coreógrafos y artistas de performance, modernistas y posmodernistas, más relevantes de la escena.

Cada artista presenta su propio museo, donde el cuerpo es el espacio definitivo para el museo de la danza. Por lo tanto, no hay ni un escenario ni una demarcación del espacio de actuación, sino todo lo contrario, los artistas circulan libremente entre las diferentes salas del museo y los espacios. Así, entre obras de la colección del IVAM, 20 bailarines interpretarán piezas de Merce Cunningham, Sanja Iveković, Michael Jackson o Pina Bausch entre otras.

Con la participación de: Djino Alolo Sabin, Boris Charmatz, Ashley Chen, Olga Dukhovnaya, Jacquelyn Elder, Tim Etchells, João Fiadeiro, Letizia Galloni, Nestor García Díaz, Laurence Laffon, Filipe Lourenço, Mackenzy, Fabrice Mazliah, Vera Mantero, Julien Monty, Sonja Pregrad, Marlène Saldana, Sonia Sánchez, Asha Thomas, Javier Vaquero Ollero.

Proyecto: Boris Charmatz / Terrain

Producción : Terrain – con  el apoyo del Ministerio de Cultura y la Région Hauts-de-France.Culturesfrance contribuye en la gira internacional de la compañía. Musée de la danse / Centre chorégraphique national de Rennes y de Bretañadirigido por Boris Charmatz.

Read More

Amalia Fernández

17, 18 y 19 de enero en los Teatros del Canal

Amalia Fernández es toda una personalidad en la escena experimental. Aparte de sus proyectos personales, en el que destacan En construcción 2 (que también forma parte de la programación de Teatros del Canal esta temporada) y El resistente y delicado hilo musical, ha colaborado con los proyectos de creadores como Cuqui Jerez o Mónica Valenciano, para quien ha bailado muchas de
sus obras de la serie Disparates.

Amalia Fernández fue invitada como performer por el comisario Mathieu Copeland en la experiencia Una exposición coreografiada, que la mantuvo bailando durante todo el mes de septiembre de 2017 en el CA2M de Móstoles. La propuesta exploraba cómo se comportaban los conceptos de coreografía y dramaturgia en el contexto de un museo. La experiencia, que le resultó fascinante, abrió una línea de investigación personal que devino en la propuesta Expografía, un término que cruza los conceptos de exposición y coreografía, haciéndolos coincidir en un mismo espacio-tiempo. La danza en los museos ha sido una práctica habitual de la danza posmoderna norteamericana, que albergó en los espacios expositivos de los sesenta desde los happenings de Merce Cunningham hasta las performances de Yvonne Reiner.

Desde entonces y hasta ahora, es habitual la presencia de la danza en los museos y la idea ha sido investigada a fondo por creadores de nuestro tiempo como el francés Boris Charmatz. Para Amalia Fernández supone la oportunidad de dar respuesta a los interrogantes ¿cómo afecta a la obra viva la temporalidad del museo?, ¿hasta qué punto se convierte en una mezcla de coreografía y reality show?, ¿cómo afecta al performer un marco diseñado para objetos inanimados?, ¿cómo se comporta el público cuando se da  ese choque de formatos?, ¿qué se espera de él? o ¿cuál es la convención a la que debe responder? El proyecto se concreta en dos formatos: el que aquí presentamos en la Sala Negra y otro que se podrá ver en el CA2M, el sábado 12 de enero, jugando con la temporalidad museística, por lo que se pide a cada espectador el compromiso de permanecer en la sala durante las ocho horas consecutivas que dura la performance.

Read More

19 de enero a las 20h en Azkuna Zentroa

‘The Big Game’ propone una versión coreográfica libre y desplazada de un Ajedrez Viviente. 32 intérpretes en escena habitan el número de piezas del juego.

Una obra que se apoya en la coreografía espacial, la convivencia de muchos cuerpos y la construcción de un sistema colectivo que se mueve orquestando mil y un movimientos posibles. Una representación de la representación.

El proceso de creación se ha desarrollado con un grupo núcleo de bailarinas y en la fase final se ha completado con un grupo de alumnos/as de Dantzerti (Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Euskadi) para su próximo estreno en Azkuna Zentroa.

Este trabajo es una continuación a la búsqueda iniciada con la pieza ‘The Endgame’ que recibió el apoyo del programa Amphitryon de Azkuna Zentroa en 2016.

Además, el 17 de enero habrá un pase para centros escolares.

Ficha artística
Dirección y coreografía: Olatz de Andrés
Asistente de dirección y coreografía: Robert Jackson
Creación e interpretación: Pilar Andrés, Natalia G. Muro, Isabel Álvarez, Aiala Etxegarai
Intérpretes de Dantzerti: Unai Álvarez, Pilar Blanco, Elene Carreto, Dairi Martínez, Maddi Argote, Sara Calderón, Zoemar Marínez, Marta Ortega, Iratxe Bilbao, Amaia Cabero, Laura Morán, Graciela Orio, Iligo Rementeria, Leire Sanjurjo, Nahia Corrihons, Alejandro Gibaja, Paula Gereñu, Iñigo Gerrico, Nagore Andrés, Gaël Sacanell, Aitor Vildosola, Aitzol Villahoz, Marina Yañez, Sofía María Zallio
Iluminación: Octavio Más
Sonido: Marc Cano
Vestuario: Xabier Mujika
Producción: Vanessa Fuentes
Diseño de comunicación y fotografía: Ainara Ipiña
Distribución: Lŏkke
Proyecto subvencionado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco. Con el apoyo de Azkuna Zentroa y Dantzerti.
Colaboradores: La Fundición, Punto de Fuga, Arropaineko Arragua, Kurtzio Kultur Etxea, Arriola Antzokia, UPV Bizkaia.

Después de un recorrido como bailarina y coreógrafa, Olatz de Andrés crea la compañia Lŏkke, una estructura para el desarrollo coreográfico. Lŏkke es un lugar imaginario donde habitan los posibles. La búsqueda en sus propuestas artísticas se focaliza en crear situaciones coreográficas no cotidianas, relacionar la quietud con el movimiento y jugar con la tensión que existe entre lo individual y lo colectivo.

Algunas de sus creaciones son: ‘The Big Game’ (2019), ‘Eu Sou Passageiro’ (2018), ‘The Endgame’ (2016), ‘The Game’ (2015), ‘Bardo’ (2015), ‘Esfera’ (2015), ‘El Cielo Ahora’ (2014), ‘Privolva Landing’ (2013), ‘Privolva’ (2011), ‘dA CAPO’ (2009), ‘Yo soy una cosa que dura’ (2007). Estos trabajos se han presentado en Euskadi, España, Francia, Inglaterra, Alemania e Italia.

Read More

Sandra Gómez 

28 y 29 de noviembre en Carme Teatre (Valencia)

Apartar el cuerpo,
desplazarlo a un lado,
pasar el testigo de su protagonismo.
El sonido y la luz como objetos centrales de la escena,
ya no el cuerpo.
El espacio, su reverberancia y los elementos que están en él en primer plano,
y el cuerpo
a un segundo plano.
La temporalidad suspendida de los acontecimientos como ama de la escena
y el cuerpo ya no en el centro,
el cuerpo a un lado.

>Artículo de Óscar Cornago sobre la obra

>Entradas.

 

 

 

Read More