— MuroTRON

Del 20 de marzo al 20 de septiembre en Azkuna Zentroa

«Al igual que el famoso árbol que no sabía si haría ruido en caso de caer al suelo en un bosque sin gente, existe un modo de observar las cosas que las confiere la posibilidad de ser interpretadas». (Steve Paxton, 1967)

Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao presenta la exposición Steve Paxton: Drafting Interior Techniques, en colaboración con Culturgest Lisboa y comisariada por João Fiadeiro y Romain Bigé. Se trata de la primera retrospectiva dedicada a la obra y legado del coreógrafo norteamericano, creador de la técnica Contact Improvisation.

La exposición tiene como objetivo transmitir la idea de las prácticas, intuiciones y sensaciones de Paxton y está estructurada en ocho ‘estudios’, cada uno de los cuales responde a una ‘técnica interior’ aplicada al cuerpo en movimiento que improvisa. Gira en torno a una pregunta que Paxton se planteaba constantemente a sí mismo en su estudio: ¿Qué hace mi cuerpo cuando no soy consciente de él?

Así, centrándose en la danza como práctica y como representación, la exposición transforma los espacios de la sala de exposiciones de Azkuna Zentroa en estudios de danza contemporánea, donde se invita a público y profesionales a preguntarse acerca de sus propios movimientos. Steve Paxton: Drafting Interior Techniques se plantea como una muestra de imágenes en movimiento a través de piezas audiovisuales, entrevistas e instalaciones que presentan los cuestionamientos que el coreógrafo ha hecho a lo largo de su carrera.

Rindiendo homenaje a las múltiples facetas del coreógrafo, la exposición se completa con un programa público compuesto por un ciclo de representaciones, conferencias y seminarios dirigidos por artistas locales e internacionales, además de sesiones de Contact Improvisation impartidas por profesionales del sector.

Steve Paxton: Drafting Interior Techniques es una idea original de Culturgest Lisboa, donde se presentó por primera vez entre marzo y julio de 2019.

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La Cresta es un programa en torno a nuevos lenguajes de creación escénica contemporánea. El programa está diseñado para que artistas locales y nacionales puedan dialogar desde sus prácticas artísticas con el espacio museístico y el territorio. Desde TEA Tenerife Espacio de las Artes se abre un nuevo espacio para la exhibición, la creación y el pensamiento con una programación regular para el público en general.

La Cresta se ha gestado pensando en la composición ósea de un hueso, naturalmente sólida y flexible. El programa de La Cresta emerge de una estructura firme como la institución para, gracias a su elasticidad, dar soporte a las prácticas artísticas del cuerpo y ampliar maneras de habitar el espacio museístico.

Durante el 2020, la línea curatorial de La Cresta atiende a la idea de danza y performance como disciplinas expandidas que desbordan los límites tradicionales en su forma de exhibición y en sus prácticas, llevando así los trabajos escénicos fuera de sus espacios expositivos convencionales. De la caja negra al cubo blanco.

¿Cómo puede la danza ser presentada en el museo? ¿En que medida se modifica la experiencia del público cuando los trabajos se relacionan con el cubo blanco?  Y a su vez, ¿cómo alteran estas relaciones las lógicas del espacio museístico?

Para el diseño y la curaduría de este espacio de creación escénica contemporánea TEA ha invitado a la artista Carlota Mantecón, cuyo trabajo gira en torno a la coreografía y el cuerpo.

La selección de los once artistas invitados a formar parte de la programación de este año se configuró pensando en una idea de danza expandida, y en cómo estos trabajos investigan nuevos lenguajes coreográficos o performativos. El trabajo de algunos artistas estará atravesado por nociones de territorio, como el de Lara Brown, Nazario Díaz, Societat Doctor Alonso o Semolina Tomik. Otros, atienden a la performatividad del sonido, como el de Amaranta Verlarde y Luz Prado. Mientras que el trabajo de Teresa Lorenzo y Manolo Rodríguez gira en torno a la improvisación o el de Macarena ReExhibición

Nueve artistas, de los once que configurarán el programa, presentarán sus trabajos escénicos dentro del cubo blanco del nuevo espacio expositivo: El rectángulo.

Residencia

Se abrirá una plaza para que un artista de la danza o la performance forme parte de las residencias artísticas anuales de TEA durante el mes de septiembre. El artista dispondrá de cinco semanas de trabajo en el museo. Durante ese periodo la dirección artística del centro propone un estar compartido a modo de convivencia entre artistas con el fin de intercambiar miradas, modos y prácticas.

Pensamiento: Talleres / Charlas

Puntualmente, y a lo largo del año, algunos artistas invitados ofrecerán talleres específicos y charlas desde sus prácticas artísticas tanto para profesionales como para público en general.

DI-vagANDO

Se abre un pequeño oasis de pensamiento en medio de la estación estival invitando al artista local Adán Hernandez a re- pensar modos y maneras de estar. Con el objetivo de pensar, practicar y divagar en torno a estas preguntas: ¿Cómo podemos pensar nuevas formas de existir en el espacio museístico? ¿Cómo podemos vincular el territorio cercano de la ciudad con el propio museo?

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Cresta #1

Cresta #2

Del 16 al 19 de enero en el Teatre Lliure

Primera parte de Signat Patrick Watson, un proyecto conjunto de la compañía Atresbandes con Bertrand Lesca y Nasi Voutsas sobre la tensión entre el arte y lo que consideramos políticamente correcto.

Los proyectos de Atresbandes avocan por un teatro-laboratorio que ponga el acento en el proceso de creación para cuestionar el mundo que nos rodea. Han presentado Coda, All In (2017), Locus Amoenus (2014) y Solfatara (2012).
El colectivo escénico formado por Bertrand Lesca y Nasi Voutsas, que estuvieron en Gràcia la temporada 18/19 con Eurohouse / Palmyra, trabaja sobre la tensión Oriente – Occidente y los límites del odio y la violencia a partir del juego actoral.

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Dimecres 27 de noviembre a las 20h

Càpsules de Creació en Cru són moments de trobada amb els creadors residents al centre, pensats per compartir de manera confortable i distesa la seva pràctica artística, l’estat actual dels seus projectes, les matèries i qüestions que apareixen i nodreixen el seu treball. Mostres informals, presentacions amb diferents nivells d’exposició, sessions obertes d’estudi, projeccions, converses i altres dispositius per descobrir l’interior dels processos de creació.

Dimecres 27 de novembre, a les 20h Ohiana Altube i Javier Vaquero compartirà el seu projecte Rojo pandereta.

 Després parlarem al voltant del seu treball mentre prenem un vermut.

(Entrada lliure amb aforament limitat.)

Rojo pandereta pren com a referència l’obra literària de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha (1605-1615) i la seva suposada posada en escena el 1869 per al coreògraf Marius Petipa amb el Ballet Don Quixot en el Teatre Bolshói de Moscú (Russia). El procés de creació de Rojo pandereta neix del desig de qüestionar els paradigmes coreogràfics que com a ballarines han travessat i construït les nostres identitats corporals (nacionals, de gènere, de raça i professionals) al llarg de les nostres carreres. D’aquesta manera pretén evidenciar que la dansa, a més de ser una manifestació estètica, ha servit i serveix per a l’escriptura de les ideologies, les identitats, les emocions, els simbolismes i fisiologies dels cossos; i que, a la vegada, és un mitjà de constitució política, social, cultural i econòmica.

Durant el nostre període de residència a La Caldera, emfatitzarem en la investigació del que nosaltres hem anomenat ‘psicoballet’ i com això pot ser vist des de fora per un públic assistent. El psicoballet és una pràctica diària que portem fent des del principi del projecte. És el fer que ens acompanya en cada pas del procés. Un, fer que està amb nosaltres per una dependència a aquest mateix. Es tracta d’una barra de ballet acompanyada per una reflexió somàtica sobre com ens sentim aquell dia. Deixant-nos fluir i derivar per comunicar a l’altre l’estat anímic integral del nostre ser més profund a través dels exercissis de ballet.

Javier Vaquero i Oihana Altube

Javier Vaquero i Oihana Altube són ballarines ibèriques amb cossos que han performat dansa clàssica, el Graham, el Flying Low, el Relehase, la Macarena, el Pilates, el Movimient Auténtic, el Ioga occidental, el Quiromassatge, les Danses de Caràcter, el Horton, el Body Mind Centering, Feldenkrais, el Neoclàssic, el Forshyte, el Jazz, l’Aeròbic, l’Aurresku, les Sevillanes, el Voguing, el Cunningham, la Composició en Temps Real, la Danza Movimiento Terapia i la Sardana, entre altres.

Aimar Pérez Galí

30 de noviembre en Azkuna Zentroa

Conmemorando el Día Internacional de la Lucha contra el Sida, AZ presenta The Touching Community, una pieza del coreógrafo Aimar Pérez Galí que aborda la relación entre la danza y el sida/VIH.

A finales de 2015, Aimar Pérez Galí inicia una investigación acerca del impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza en el contexto español y latinoamericano. Apropiándose de la práctica del Contact Improvisation, este trabajo se construye como un diálogo con los fantasmas de aquellos que se fueron. Esta práctica de danza, iniciada por Steve Paxton, en la que el movimiento se improvisa a partir del contacto físico entre dos cuerpos, contrasta con las políticas de inmunidad que trajo el VIH/sida.

The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que aborda una época que aún a día de hoy debemos seguir dando visibilidad y afrontando con la sensibilidad que requiere. Un trabajo sobre la memoria, sobre los bailarines que dejaron de bailar demasiado pronto; sobre una comunidad que se construyó fuerte en un momento de gran debilidad; y sobre el tacto y el contacto como herramienta de supervivencia. Pero sobretodo es un trabajo que habla del amor, del cambio y del miedo.

Si en su trabajo anterior, Sudando el discurso, utilizaba el sudor como herramienta para afirmar la danza como discurso legítimo, en este nuevo trabajo se convierte en el punto de partida para entender un contexto complejo y dramático. Durante los años 80 y 90 el VIH se expandió hasta convertirse en una epidemia. El virus sigue expandiéndose aunque los medios para paliarlo han cambiado mucho y hoy en día ya no se considera una enfermedad mortal. The Touching Community parte de una investigación sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza durante esas dos décadas para producir una acción performática donde se invite al espectador a ser tocado a un nivel sensible y afectivo.

Ficha artística
Idea, dirección y textos: Aimar Pérez Galí
Danza: Óscar Dasí, Jesús Bravo, Jaime Conde-Salazar, Aimar Pérez Galí
Dramaturgia: Jaime Conde-Salazar y Aimar Pérez Galí
Apoyo en la investigación: Aimar Arriola
Diseño espacial y de luces: Cube.bz
Banda sonora: Tirso Orive
Ilustración y fotografía: Jordi Surribas
Producción: ANTES / Aimar Pérez Galí
Con el apoyo de: Becas de investigación de la Generalitat de Catalunya; Graner – Centre de Creació del Cos i el Moviment (Barcelona); Programa de Ayudas IBERESCENA; CaixaForum Barcelona; Tabakalera (San Sebastián); L’animal a l’esquena (Celrà, Girona); PAR – Programa Artistas en Residencia (Montevideo); Centro Cultural de España en Montevideo; CEPRODAC (Ciudad de México); Museo del Chopo (Ciudad de México); Espacio Práctico (Barcelona).

Aimar Pérez Galí desarrolla su práctica artística en el campo de la danza y las artes en vivo como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor. Estudió danza contemporánea en la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam (Holanda) y ha cursado el Máster en teoría crítica y estudios museológicos en el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Es co-fundador y director de Espacio Práctico desde 2010. Profesor en el Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre de Barcelona desde 2014 y coordina colectivamente el grupo de lectura ‘¡Encarna!’ en el MACBA desde 2017.  Desde el 2016 forma parte del Consejo de Cultura de Barcelona como persona de reconocida válida.

Carlota Mantecón

29 de noviembre en La Mutant (Valencia)

Si suena me incita a mover. Si me muevo suena. Cuerpo. Cuerpo. Cuerpo. Si lo escucho me modifica. Tiempo, beat o resonancia. Si lo escuchas, te modifica. Martillo, yunque, estribillo. Si lo activo construyo. Si lo conecto se amplifica. Si me voy se acopla.

Un solo de danza. Un dúo sonoro.

¿Cómo escuchamos la imagen de un cuerpo en movimiento? ¿Cómo visibilizar el sonido que nos percute? ¿Cómo lo acústico condiciona lo visual? La compañía canaria Carlota Mantecón presenta en La Mutant “Esto no es una prueba de sonido”, una creación que pasa por la auto-exploración corpóreo-sonora; la construcción del sonido en movimiento hecha imagen; y la ausencia, como fuerza generadora de algo que va más allá del propio cuerpo.

La pieza viene de la mano de Circula! Tren de Creación en Danza, un proyecto estatal promovido por siete asociaciones de profesionales de la danza nacionales y cuyo fin es promover el movimiento y la circulación de compañías, coreógrafas y bailarinas asociadas entre las diferentes comunidades autónomas.

Ficha técnica

Creación y concepto · Carlota Mantecón

Performer y bailarina · Carlota Mantecón

Sonido y concepto · Luz Prado

Diseño de Iluminación · Cristina Bolivar y David Picazo

Fotografía · Javier Pino

Vídeo · Sergo Méndez

Agradecimientos · L’estruch (Fabrica de creacio de las arts en viu), Centro Párraga (Murcia), Teatro Victoria (Tenerife), Laura Llaneli y Daniel Rosado.

Macarena Recuerda Shepherd 

30 y 31 de octubre en La Casa Encendida

¡AY! ¡YA! es una ilusión que nos lleva a percibir la realidad de diferentes formas sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño de la vista. Un efecto que pone de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos.

¡AY! ¡YA! es un ejercicio sobre la mirada. Esa ilusión que se produce cuando la imagen que tenemos ante nosotros se transforma en otra, se multiplica o toma formas imposibles. Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

¡AY! ¡YA! es un ejercicio de la mirada hacia el cuerpo. Un obra que a través de la ilusión óptica genera un universo donde todos los cuerpos son posibles. Es una pieza compuesta por poemas visuales abiertos que puede evocar diferentes significados e invita a estimular la imaginación y el pensamiento, apta para todos los públicos. No es una pieza infantil, no es una pieza únicamente para público adulto, no es una pieza de entretenimiento ni educativa (que es donde se suelen instalar las piezas de público familiar), es una pieza de teatro contemporáneo que enfrenta al público a una experiencia estética e imaginativa, y nos preguntamos por qué no ofrecer este tipo de experiencias desde temprana edad.

¡AY! ¡YA! es un simple juego que muestra todo el tiempo ambos planos. El plano real donde vemos a los performers accionar, y el plano ficcional donde el espectador decide componer las imágenes que se les sugiere. ¡AY! ¡YA! son doce poemas visuales que sin contexto genera discursos sobre el cuerpo. Una pieza vacía que el público ha de completar.

Macarena Recuerda Shepherd es un seudónimo de la artista Lidia Zoilo González con la que lleva un recorrido de casi diez años. Macarena Recuerda se presenta como una artista visual y escénica que ha creado piezas muy diferentes.

Idea: Macarena Recuerda Shepherd.

Interpretación: Idurre Azkue y Macarena Recuerda.

Creación: Macarena Recuerda Shepherd, Idurre Azkue, Alberto de la Hoz y la

colaboración de Sofía Asencio.

Banda sonora: Alberto de la Hoz.

Vestuario: H-intercalada.

Iluminación: Conrado Parodi.

Ilustración: Josunene.

Una producción de Antic Teatre.

Colabora el Gobierno vasco, Festival Grec y Festival BAD, El Graner, Sala Baratza, La Fundición Bilbao e Histeriak.

Espectáculo beneficiario del proyecto de cooperación transfronteriza PYRENART, como parte del programa Interreg V-A España-Francia-Andorra POCTEFA 2014-2020. Fondo Europeo de Desarrollo Regional (FEDER).

Fundación La Posta (Valencia) 20 de octubre a las 20:30h

“Silencio” de Norberto Llopis. Un programa en colaboración con Miguel Angel Baixauli y la Fundación La Posta dentro del ciclo Variaciones sobre el plano, comisariado por Juan Luis Toboso y Ángela Montesinos, de la línea de programación IVAM Produce.

“Silencio” es una práctica o actividad que será desarrollada en colaboración con la Fundación La Posta. Consistirá en abrir un espacio de reflexión en que practicar la escritura, la escritura en un sentido amplio, escritura sobre papel, pero también escritura de espacios, de espacios públicos, de espacios privados.

En relación al barrio del Carmen, de lo ahí sucedido se podrían extraer diversas lecturas, una de ellas sería que se quiso poner el espacio fuera de juego, que el espacio y su escritura cayera destruyendo su propia actividad. Con nuestra investigación no pretendemos dar pié a un discurso de frustración, no porque creamos poder producir cambios visibles, sino por todo lo contrario. Nuestra investigación, nuestro discurso tendrá en mente otro tipo de protesta, otro tipo de resistencia, la protesta de lo que a veces se ha llamado el estilo femenino, el estilo de la escritura, el estilo silencioso del texto.

Se pretende investigar un tipo de “revolución” que nuestra cultura de la imagen siempre ha relacionado con lo femenino, con prácticas de oposición silenciosas, pero que no por ello dejan de ejercer sobre el espacio una cierta violencia invisible. Pensar un espacio a la vez para el secreto común y para la secreción del espacio. Un espacio en el que, en un sentido derridiano, pueda darse la hospitalidad, es decir, un espacio que para ofrecer hospitalidad deba poner en juego, deba poner en riesgo el espacio mismo, el espacio publico, el espacio privado. Un espacio que, aunque suceda en silencio, en secreto, no puede ser puesto fuera de juego.

Durante el periodo de octubre a enero 2019-2020, se plantearán una serie de actividades directamente relacionadas con la temática propuesta, algunas llevadas a cabo por mí propia práctica artística y otras comisariadas en colaboración con el director de La Posta, Miguel Ángel Baixauli. Las actividades podrán suceder tanto en La Posta como en otros espacios privados, públicos o en la calle.

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Noberto Llopis Segarra, artista que trabaja en el linde entre la coreografía, la performance y el pensamiento. Nacido en Valéncia en 1977, se gradúa en la Escuela Superior de Danza y Coreografía en el Institut del Teatre de Barcelona, en 2007 recibe un Master en Performing arts por el AHK Amsterdamse hogeschool voor de kunsten, bajo el programa DasArts. En 2016 recibe un grado en filosofía por UNED y en 2018 se gradúa en el Master Estudios avanzados en filosofía por la Universidad complutense de Madrid, con una investigación final de Master sobre el concepto de Mímesis en Derrida. Su practica artística va desde el trabajo con y sobre el cuerpo, al uso de objetos y materiales para la construcción y reflexión sobre el espacio, en su acercamiento a la filosofía intenta desarrollar una práctica de pensamiento no teorizante sobre el espacio y los signos bajo los cuales este se instituye. Ha desarrollado su trabajo artístico en forma de: piezas escénicas, performances, instalaciones, conferencias y textos, entre España, Bruselas y los Países Bajos. Como intérprete, ha participado en diversos procesos creativos con artistas como Carolien Hermans, Paz Rojo, Diego Gil, Jefta Van Dinther y Nada Gambier, entre otros.

Bajo el título el IVAM produce, el Instituto Valenciano de Arte Moderno ha puesto en marcha un proyecto con el que se va a promover la producción de obra de diferentes artistas. Esta línea de actuación se plantea con la intención de que el museo no se limite a exhibir exposiciones, sino que genere producción artística nueva, además de poner en valor proyectos site specific. Esta línea de actuación artística se inició en febrero de 2015 con la exposición Francesc Ruiz. Les esses en la galería 6 [que coincidió con el trabajo de Be Andr “Disruption (Go Ogle Me)” en La Posta], una línea de actuación que ahora se extiende por el barrio del Carmen.

Quim Bigas / Del 17 al 20 de octubre en el Mercat de les Flors

DV (Desplaçament variable) es una pieza de danza documental que toma como punto de partida el registro audiovisual de un centro de danza. En este caso, nos hemos centrado en algunos de los trabajos en solitario de este recurso.

A través de 3 intérpretes que nos narran con sus cuerpos los desplazamientos de 38 solos, aparecen en escena distintas gramáticas corporales. Estos desplazamientos, dan continuidad y añaden nuevos afectos a eso que ya se ha realizado y guardado en el registro. Aquí, el concepto de archivo se desvela como una entidad en movimiento continuo y como un lugar desde donde disparar los sentidos.

Una propuesta donde lo visible y lo invisible van de la mano; donde las referencias van tomando espacio y presentan posibles órdenes que reformulan nuestras maneras de ver y de generar sentido.

Idea, dirección y coreografía Quim Bigas / Creación e interpretación Søren Linding Urup, Aina Alegre, Sílvia Sant Funk / Equipo discursivo Ana Buitrago, Carme Torrent, Jorge Blasco / Documentación archivística Raquel Tomàs / Espacio escénico Ángela López / Diseño iluminación y jefe técnico Toni Ubach / Espacio sonoro Pau Matas / Diseño vestuario Søren Linding Urup / Documentación gráfica Guillem Pacheco y Aessia Bombaci / Producción Anna Bohigas / Agradecimientos Manel Alcobé

Coproducción Mercat de les Flors / Con la colaboración Graner fábrica de creación, La Caldera Arts del Moviment, Cal Gassol Centre d’arts escèniques de Mataró, La Poderosa, L’Estruch-Ajuntament de Sabadell / Con el apoyo Generalitat de Catalunya, Departament de Cultura. 

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Alessandro Sciarroni | 20 y 21 de julio en el Mercat de les Flors

La necesidad que todos tenemos de sentirnos queridos incondicionalmente, pero también el dolor, son temas centrales de un espectáculo que se basa en la risa, pero no siempre en el humor. Tiene como título el nombre de uno de los arquetipos del payaso, aquel que, con su nariz roja, todo lo complica y todo lo estropea. Nombre curioso, distinguido e imperial, para un personaje que se considera loco y sinónimo de la idiotez, y que quizás oculta la amargura detrás de la risa. Este personaje da título a un montaje donde los nueve intérpretes en escena se comunican única y exclusivamente, mediante la risa. ¿Expresan alegría? Sí, emociones positivas y a veces euforia, pero también miedo, sufrimiento, e incluso rabia y violencia… ¿Por qué se ríen? No busquéis una razón, solo vedlos proferir sonoras carcajadas o dibujar sonrisas tímidas mientras andan, mientras corren, cuando se abrazan o cuando se ponen de acuerdo para reírse de forma organizada… Es un proyecto del European Creative Hub que ha implicado centros de creación de distintos puntos del continente, entre ellos el Grec Festival de Barcelona, la Biennale de la danza de Lyon, el Théâtre de Liège y el Teatro Municipal do Oporto.

Ha imaginado el montaje Alessandro Sciarroni, un creador italiano con una larga experiencia en las artes escénicas que acaba de recibir el premio en reconocimiento al conjunto de su trayectoria en la Bienal de Venecia 2019. En contacto con todo tipo de disciplinas o casi, Sciarroni supera las fronteras entre géneros para utilizar en sus espectáculos desde elementos de la danza a otros procedentes del circo o incluso algunos del mundo del deporte. Explora las obsesiones, miedos y fragilidades inherentes al arte de la representación y busca siempre la máxima empatía entre el público y los intérpretes que están en el escenario.

Una producción del Grec 2019 Festival de Barcelona, Marche Teatro Teatro di Rilevante Interesse Culturale, corpoceleste_C.C.00#, European Creative Hub – French Minister of Culture/Maison de la Danse grant for Biennale de la danse de Lyon 2018, Théâtre de Liège, Teatro Municipal do Porto, Centquatre-Paris, apap – Performing Europe 2020.

Un proyecto cofinanciado por el Creative Europe Programme of the European Union, Snaporazverein, Theaterfestival Boulevard, Theater Freiburg (Alemania).

Coproducido por Tanzfabrik Berlin, Centrale Fies, L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino.

Alessandro Sciarroni es artista asociado al Centquatre-París y cuenta con el apoyo, en calidad de “focus-artist”, de apap – Performing Europe 2020.