— MuroTRON

De Annika Pannitto

31 de octubre en DT Espacio Escénico

Empiezo una práctica curiosa.

Entiendo los riesgos de entrenar la mente y la imaginación para ir a visitar la danza, para salir del camino conocido y encontrar lo inesperado.

Pedazos de espacio, pedazos de tiempo.

Ficha artística

Creación e interpretación: Annika Pannitto
Proyecto en residencia en el Centro de Artes La Praga
Gracias a Paula Cueto, Óscar Cornago, Javier Arbizu y Nazario Díaz

De Sergi Faüstino

10 y 11 de octubre en La Fundición (Bilbao)

Recorrido por la «historia» personal de un cuerpo. El cuerpo de Sergi Fäustino. Una «historia» personal que narra el desarrollo, a través del tiempo, de la conducta de este cuerpo, de sus luchas por sobrevivir, de su relación con el entorno; un espacio corporal que se expone –desde su naturaleza de espacio biológico deteriorable, vulnerable y caducable- junto con las huellas de la historia vivida, para mostrar lo que fue, lo que es, y para especular sobre lo que podrá ser.
La intención no es autobiográfica. Se ha utilizado información de primera mano para elaborar el contenido y después llevarlo a un general -o universal-, de forma que este cuerpo del cual se habla podría ser el de cualquier persona que lo esté observando mientras baila.
En el recorrido que proponemos, vamos a transitar por la memoria que queda inscrita en el cuerpo; tanto los cuerpos que hemos sido, que de alguna manera contenemos y nos conforman, como las huellas que deja la interacción con los espacios y las personas que nos rodean.
La propuesta pretende poner sobre la mesa una visión desde el cuerpo y a través del cuerpo, con la conciencia que es importante que esta visión exista -junto con otras muchas-, en un momento en que la tendencia es ir hacia una visión única. Resumiendo: es una celebración del cuerpo, del movimiento y de la danza.

Sergi Fäustino es uno de los creadores imprescindibles de la escena contemporánea nacional desde el estreno de ‘Nutritivo’ en 2002. Su investigación sobre el cuerpo, el cansancio y los límites físicos atraviesa de manera continuada su trabajo de los últimos 10 años con una profundidad, compromiso y coherencia difíciles de encontrar en el panorama actual y por eso mismo, extremadamente valiosas. Sergi ha pasado por muchas etapas como creador, ha presentado su trabajo en ‘Radicals Lliure’, en las programaciones y proyectos de La Porta Barcelona, en el festival «Citemor» de Portugal, o en el festival ‘El lugar sin límites’ del CDN. Como creador ha ido evolucionando, profundizando y clarificando sus líneas de interés hasta llegar a una depuración que va mucho más allá de la forma o del estilo, un posicionamiento ético como creador.

El miércoles 7 de octubre a las 20h arranca la temporada de artes en vivo de Azkuna Zentroa con el estreno de “Loser”, de la compañía OSA+MUJIKA, creado durante la Residencia de Danza Contemporánea 2019 en Azkuna Zentroa y en Dansateliers Rotterdam, a través del acuerdo de colaboración e intercambio con el centro de creación y exhibición de danza contemporánea holandés.

OSA+MUJIKA nace del encuentro artístico entre Jaiotz Osa y Xabier Mujika, y suma dos mundos creativos como la danza y la escenografía/vestuario. Su pieza “Loser”, es una reflexión sobre los milenials, sus relaciones sociales, su dependencia con las redes, y las expectativas de la sociedad: «Me dijeron que era especial, todo el tiempo. Me dijeron también que tendría todo lo que quisiera en la vida, solo por quererlo. Caí en el mundo real y en un instante supe que ni soy especial ni tendré todo lo que deseo solo por quererlo. La necesidad de mostrar una vida perfecta y sin problemas y la necesidad de aceptar un mundo que no es real, en busca de un camino que cubra el vacío infinito. Eso es lo que sentimos las personas Millenial, una generación criticada que oculta la verdad profunda: la insatisfacción».

A través de un lenguaje coreográfico muy físico y siempre partiendo del cuerpo, OSA+MUJIKA explora nuevas formas de expresión trabajando con mucho cuidado la dramaturgia, además del movimiento y la coreografía.

Según los artistas, «el objetivo de esta pieza es presentar al verdadero millenial, con todas sus características. Este personaje, luchará por sus sueños y objetivos, sintiendo al mismo tiempo una gran frustración y rabia. Los cambios en estos conflictos internos del personaje se reflejarán en las diversas escenas de la pieza. Así, mientras algunas están llenas de positivismo y euforia, en otras el fracaso será el protagonista».

La compañía OSA+MUJIKA está formada por Jaiotz Osa y Xabier Mujika. Osa es bailarín y coreógrafo y Xabier Mujika diseñador de vestuario y espacio escénico. Entre los dos crean un equipo cuyo objetivo es narrar historias visuales; la finalidad es crear todas esas imágenes que rondan en sus cabezas, darles forma y sentido, y llevarlas a cabo tanto a nivel de movimiento como en formato audiovisual.

Ficha artística:

Dirección: OSA + MUJIKA
Coreografía e interpretación: Jaiotz Osa
Vestuario y espacio escénico: Xabier Mujika
Iluminación: Alvaro Estrada
Fotografía y vídeo: Alvaro Sau
Loser canciones: Gartxot

De Laila Tafur

1, 2 y 3 de octubre en Teatro Pradillo

El baile es mi oficio, la cosa que yo practico, donde aspiro a cierta maestría. Deseo la aparición de una forma en un cuerpo, bailo en la brecha entre una u otra posibilidad, me muevo entre la abundancia y la falta, con todo, la chicha y la ficción. En el encuentro con la canción, la danzante se vuelve audaz en sus estudios de erudita ignorante, toda una osada que hace como si sí supiera hasta que lo consigue hacer. Como el ignorante de Ranciere, titila entre el saber y el no saber colándose en ambos, mezclando cosas estando atenta a los humores y su brújula es el placer contenido en el hacer. Si la vida grita ella canta la canción de la fricción entre formas y las fuerzas, entre la carne y el significado, entrando en la potencia del tutti froti, clamando la urgencia por encontrar otras prácticas y otros modos de producir conocimiento, agrietar los estatus y disciplinas gracias a aquello que está al alcance de la mano, sosteniéndose en el juego y el placer.

+ info y entradas

Sábado 5 de septiembre

Edades: Para todos los públicos, a partir de 6 años

Hora inicio: 18h

Lugar: Graner (c/Jane Addams 14-16, Barcelona) CÓMO LLEGAR

Entrada gratuita, aforo limitado y es necesario reservar escribiendo a info@granerbcn.cat 

Las aperturas de procesos en Graner siguen las medidas de seguridad recomendadas para la prevención de la covid-19.

Macarena Recuerda se encuentra en residencia técnica de su nueva pieza «The Watching Machine» (en residencia en el Graner por convocatoria pública) y abre su proceso de creación el día 5 de septiembre.

La máquina de mirar era el nombre que recibían aquellos objetos del siglo XIX que, a través de espejos y obturadores, creaban ilusiones. En la pieza «The Watching Machine» la máquina es la propia caja escénica, donde jugamos con la luz, las sombras y los reflejos para experimentar qué es ilusión, qué es representación y qué es convención teatral. Una pieza formada por pequeñas instalaciones donde se ficcionan la luz y las sombras a través de ilusiones ópticas.

Una pieza de Macarena Recuerda, con la colaboración de Jorge Dutor. Agradecimientos a Conchita Pons y Enara Aranbide. El estreno de la pieza será el 16 y 17 de octubre en La Fundición, dentro de la programación del BAD 2020.

Sergi Fäustino 

Del 28 de febrero al 1 de marzo en Teatro Ensalle

La propuesta escénica que voy a presentar en el Teatro Ensalle es fruto de un proceso de creación en continuidad que empezó en 2012. Este largo proceso es como un árbol que se ha ido dividiendo en ramas y estas han ido dando unos frutos. Estos frutos, algunas veces han estado vinculados a los encuentros con la mirada del otro y otras veces no. Cada rama y cada fruto ha tomado una forma concreta debido a dos razones, a saber: por un lado, el trabajo en continuidad, esto es el día a día en el estudio, el trabajo en mi casa, en la ciudad donde vivo. Básicamente se trata de plantear preguntas y meterse con el cuerpo a buscar respuestas. Algunas veces las encuentro y otras no, pero la búsqueda siempre enriquece la reflexión. Por otro lado, está el intercambio con el lugar de presentación y las personas que lo habitan, esto varía según las características de cada lugar, se trata de que el trabajo esté suficientemente abierto para dejarse traspasar y modificar por las características específicas del entorno en el que se presenta. El objetivo es que cada presentación tenga sentido para el lugar, para las personas del lugar, para el trabajo en sí y, por lo tanto, para mí.

Para las presentaciones en Ensalle va a haber una parte de documentación gráfica de distintas formas que ha cogido el trabajo según el momento y el lugar de presentación, un apartado audiovisual en el que se podrán ver y oír las ramificaciones del trabajo en este formato, y un espacio para la escena. En escena va a haber un cuerpo bailando junto con una voz en off de alguien que mira y analiza el cuerpo que se mueve, el cuerpo que baila; y que hace una inmersión en el interior de este cuerpo, en el interior de esta persona, para compartir todas aquellas vicisitudes de su vida que lo han llevado a estar delante nuestro moviéndose de una manera única. Partiendo así de lo estrictamente físico para llegar a algo que trasciende el cuerpo.
La propuesta pretende poner sobre la mesa una visión desde el cuerpo y a través del cuerpo, con la conciencia que es importante que esta visión exista -junto con otras muchas-, en un momento en que la tendencia es ir hacia una visión única.

Eszter Salamon

19 de febrero a las 19h en el Museo Reina Sofía

Las relaciones humanas son espacios radicales de resistencia. Muchos de mis trabajos se centran en subjetividades femeninas, genealogías feministas y relaciones multi-generacionales.

 M/Others explora la relación madre-hija. A través de modalidades de acción, sensación y percepción, la pieza abre una temporalidad inter-subjetiva, dando paso a un espacio singular de huellas y estados para juntarse.

 Es la segunda vez que le pido a mi madre que actúe conmigo. El dueto entre mi madre y yo produce empatía, cuidado y compasión, y, a través de la atención sensorial y sensual, permite experimentar ondulaciones poéticas de significados oscilantes. Esta co-habitación y constante reconfiguración del fraseo de nuestros cuerpos deviene en un proceso que hace y deshace la identidad, formulado un instante de co-emergencia: siendo y siendo-con, convirtiéndonos en testigos del espacio-tiempo más allá de la identidad.

 Mi plan es desarrollar M/Others con otras parejas de madres-hijas.

 Eszter Salamon

En diálogo con la exposición Musas insumisas. Delphine Seyrig y los colectivos de vídeo feminista en Francia en los 70 y 80, comisariada por Nataša Petrešin-Bachelez y Giovanna Zapperi, el Museo Reina Sofía presenta Monument 0.7: M/Others (2019), de la coreógrafa Eszter Salamon.

En 2018, la plataforma curatorial y editorial If I Can’t Dance I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution, de Ámsterdam, junto a la investigadora y comisaria Nataša Petrešin-Bachelez invitaron a Salamon a imaginar una performance que conversara con el proyecto inacabado de la actriz, vídeo-artista y activista feminista Delphine Seyrig (1932-1990): una película muda en blanco y negro iniciada en la década de 1980 que, bajo el título Calamity, se basaba en las cartas que Calamity Jane (1852-1902), conocida exploradora y pionera del lejano oeste americano, escribió a su hija Jean McCormick (1873-1951).

La respuesta a dicha invitación es Monument 0.7: M/Others, que es, a su vez, el séptimo gesto de la serie Monuments, iniciada por Salamon en 2014. Concebida como un proyecto a largo plazo que abarca una pluralidad de formatos y duraciones, esta serie se aproxima a distintas figuras de la historia de la danza y el arte, como la bailarina, artista y actriz Valeska Gert (1892-1978) o la también bailarina y actriz Valda Setterfield (1934). Su propósito no es tanto servir de homenaje como plantear distintos modos de aproximarse a la historia del movimiento para traerla al presente incorporando cuestiones relativas a la identidad, la memoria o la autenticidad.

Tras la pieza, tendrá lugar una conversación con la artista, presentada y moderada por Isabel de Naverán

12 de marzo en Azkuna Zentroa

El artista Ion Munduate presenta la pieza Goldberg Versions en el marco de la exposición Steve Paxton. Drafting Interior Techniques. Goldberg Versions es la exposición de un proceso de trabajo basado en la original de Steve Paxton que desarrolló a partir de improvisaciones bailadas entre los años 1985 y 1992.

Ion Munduate trabaja en torno al video que graba Patxon ese último año junto a Walter Berdin, en colaboración con la coreógrafa Ana Buitrago. Esta artista debe su formación a la escuela Movement Research de Amsterdam, vinculada al trabajo de Paxton y que asistió a la presentación de las Variaciones de Paxton en 1992, cuando las ejecutó y las filmó dejándolas archivadas.

Tal y como describe el artista, «en Goldberg Versions hay una serie de elementos comunes con mi anterior proyecto Translation, que forman la base de esta nueva pieza: la idea de la anotación del movimiento y de las indicaciones concretas para llegar a producir lo que se persigue y, por último, la de apoyarme en una pieza pre-existente para elaborar el material coreográfico».

La música de las Variaciones Goldberg de Bach, la pieza de movimiento de Steve Paxton sobre las Variaciones y la interpretación al piano por Glend Gould son, según añade, los tres elementos principales de reflexión y búsqueda. «Entre esos tres momentos se desata algo, entre lo extremadamente técnico en la manera de entender la música de Bach, en el caso de Gould y la manera de entender el movimiento, la improvisación y la música en el caso de Paxton, con una sencillez, una ligereza y una fluidez que ambos hacen que parezca que estuvieran saltando la dificultad de su ejecución», detalla.

Ion Munduate (Donostia, 1969). Artista formado en San Sebastián, Madrid y París. Junto a Blanca Calvo inicia en 1994 una intensa colaboración artística de la que surgen diversas obras. En paralelo, conciben Mugatxoan en 1998, un proyecto de formación dedicado a la investigación y creación. Sus performances y vídeos se han presentado en diversos espacios europeos y son: GoGo, Caja Roja y lucía con zeta (1998), Flyball, Boj de largo (2000), ASTRA TOUR (2003-2004), Extras de artificio (2005), BAT, Beautiful Animals Trying (2006), y Sin título, en colores (2010), Translation (2013-2016) Las plumas (2017) Alfabeto Móvil (2017). En 2015 reciben por Mugatxoan el premio Gure Artea como reconocimiento a la actividad realizada en el ámbito de las artes visuales. Ha impartido numerosos talleres y seminarios y ha sido tutor de diversas piezas de jóvenes artistas.

Ficha artística:
Con Ion Munduate
Asistente de movimiento: Ana Buitrago
Asistencia artística y producción: Blanca Calvo

21 de febrero en Azkuna Zentroa

En el marco de la exposición Steve Paxton. Drafting Interior Techniques, presentamos tres obras históricas del artista, retomadas por el coreógrafo y bailarín esloveno Jurij Konjar.

Las dos primeras pertenecen a sus años iniciales en el mítico Judson Dance Theatre y se centran en una de las preguntas principales planteadas por este colectivo: ¿qué es el baile? En este breve solo, Flat (1964), Steve Paxton explora acciones sencillas como andar, sentarse, adquirir posturas o centrar la atención. Satisfyin Lover (1967) continúa dicha exploración mediante la invitación a 42 personas a caminar de un lado a otro del escenario siguiendo una serie de pautas sencillas.

La obra Goldberg Variations surge de un periodo posterior, tras el desarrollo de la famosa Improvisación de Contacto. En esta obra improvisada, Paxton incorpora algunas de las principales preocupaciones del baile posterior a Cunningham, en un diálogo en movimiento con la composición homónima de Bach interpretada por Glenn Gould.

En 2007, Jurij Konjar descubrió el video de Walter Verdin, Goldberg Variations, basado en la actuación de Steve Paxton “The Goldberg Variations de J.S. Bach, interpretado por Glen Gould, improvisado por Steve Paxton”. En 2009, a través de una cadena de hechos y elecciones, comenzó a ensayar regularmente; bailó la pieza completa, durante  todos los días del año siguiente. El estreno oficial de Goldberg Variations fue en Viena, en octubre 2010.

Jurij Konjar retoma la obra original a partir de sus observaciones, de las grabaciones de vídeo y una práctica diaria prolongada, parcialmente acompañada por Steve Paxton y Lisa Nelson. En sintonía con el legado de Paxton, la obra se recrea cada vez que se presenta, como un encuentro entre el intérprete, la música y el público.

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