— MuroTRON

Oihana Altube y Javier Vaquero 

del 4 al 6 de febrero en DT Espacio Escénico

“…quiero seguir haciendo tandues, vistiendome con banderas y bailando Rosalía… es mi manera de sobrellevar la barbarie.”

Rojo pandereta es una pieza de danza que toma como referencia la puesta en escena en 1869 de Don Quijote de la Mancha por el coreógrafo francés Marius Petipa. Un marco a partir del cual reflexionar y cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido nuestras identidades corporales.

Rojo pandereta toma como referencia la obra literaria de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha (1605-1615) y su puesta en escena en 1869 por el coreógrafo Marius Petipa con el Ballet Don Quixot en el Teatro Bolshói de Moscú (Rusia).

El proceso de creación de Rojo pandereta nace del deseo de cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido nuestras identidades corporales (nacionales, de género, de raza y profesionales) a lo largo de nuestras carreras. De esta manera pretende evidenciar que la danza, además de ser una manifestación estética, ha servido y sirve para escriturar las ideologías, identidades, emociones, simbolismos y fisiologías de los cuerpos; y que, a su vez, es un medio de constitución política, social, cultural y económica.

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30 y 31 de enero en La Fundición (Bilbao)

DEBUT es un solo donde la intérprete o performer atraviesa un acto de iniciación frente al público con el objetivo de ser aceptada, de ser amada a fin de cuentas. Atravesar la puerta, pasar el umbral, cambiar de cuerpo, espacio y estado para pasar a ser otra cosa, de sólido a líquido, de líquido a gaseoso. Esta obra, que no es más que un acto de iniciación que adopta la forma de una pieza escénica, es un deseo de pertenencia a la comunidad. Como en todo acto iniciático, la iniciada, en este caso Rosa, tiene que demostrar su valía enfrentándose a la comunidad con todo su cuerpo. Se para frente al público (la comunidad de la que depende su aceptación) y les dice: miradme.

Rosa Romero (1986) creadora escénica y actriz, Licenciada en Arte Dramático en la ESAD de Málaga. En esta misma ciudad junto con compañeros con los que compartía el interés por la creación y la experimentación escénica, trabaja durante años en varias compañías teatrales como La Caldera, Bajotierra o la mordiente. En esta ciudad también participa en la gestión de nuevas iniciativas como el festival de escena alternativa El Quirófano. Tras pasar por la escuela de interpretación de William Layton en Madrid, en 2013 vuelve a San Fernando, donde crea y gestiona “Estratería” un espacio donde empezó a darle forma a sus primeros proyectos personales. Actualmente vive en Sevilla trabajando en varios proyectos artísticos; “Estación espacial” con Alberto cortés y Alex peña, “Pelo de Trol” con Silvia Balvín y Debut, su primer solo.

Dirección e interpretación: Rosa Romero
Dramaturgia y ayudantía de dirección: Alberto Cortés
Acompañamiento del cuerpo: Patricia Caballero
Vestuario: Gloria Trenado (Nantú)
Paisaje sonoro: Pitu García
Iluminación: Carmen Mori

21 de enero en Azkuna Zentroa

La compañía de danza catalana Mal Pelo lleva 30 años investigando y creando un lenguaje propio. Su relación personal con la obra del compositor alemán Johann S. Bach comenzó con BACH, el espectáculo que en 2004 mostraron por todo el mundo. Una primera piedra como parte de un proceso de inmersión completo y profundo Bach Project, una trilogía que tiene como eje el estudio de la música de J. S. Bach y la relación con la escritura coreográfica.

On Goldberg Variations / Variations es un espectáculo basado en la propuesta musical Goldberg Variations / Variations del pianista y compositor franco-americano Dan Tepfer, donde éste interpreta las Variaciones Goldberg de J.S. Bach combinadas con sus variaciones improvisadas sobre las mismas armonías.

On Goldberg Variations / Variations es un entramado de líneas de lenguajes que convergen para construir un tejido alrededor de la obra de J.S. Bach. La danza, la voz de John Berger, algunos textos propios, el sonido manipulado y multifocal de la banda sonora, la voz en directo y las proyecciones de vídeo se unen para construir esta aproximación de Mal Pelo al universo de J.S. Bach.

La propuesta coreográfica apuesta por la musicalidad particular de cada intérprete y por el diálogo rítmico y dinámico entre el grupo y el espacio.

MAL PELO: Con dirección artística de María Muñoz y Pep Ramis, Mal Pelo es un núcleo creativo caracterizado por una autoría compartida y una trayectoria basada en la investigación sobre el movimiento y su diálogo con otras disciplinas. Desde 1989, han desarrollado su propio lenguaje artístico a través del movimiento, la palabra, el vídeo, el espacio sonoro y una especial visión sobre el espacio escénico. Durante treinta años de creación Mal Pelo ha mantenido el interés de colaborar con escritores como John Berger i Erri de Luca, y creadores como Baró d’Evel, Andrés Corchero, Steve Noble, Lisa Nelson, Niño de Elche, John Edwards, Alia Sellami, François Delarozière, Eduard Fernández, Leonor Leal, Marta Izquierdo, Faustin Linyekula, Cesc Gelabert, Carlota Subirós, Àngels Margarit, Lilo Baur, Cristina Cervià, Núria Font, Joel Bardolet, Nuno Rebelo, Agustí Fernández entre otros. Desde 2001 dirigen el Centro de Creación L’animal a l’esquena, en Celrà, Girona.

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Javiera de la Fuente

27 de enero en Bulegoa Z/B

Existe un momento en la temprana etapa musical de Violeta Parra en el que, motivada por su hermano y guía Nicanor, se dedica al género español de los años cuarenta, llegando a ganar un certamen de baile y canto español con el afamado pasodoble de Lola Flores La Zarzamora. Aquella desconocida anécdota dará el pie inicial para desarrollar una de las cápsulas escénicas que conformarán Envioletá, un proyecto híbrido situado entre la investigación íntima/personal de aquella universal artista, el pensamiento crítico, el flamenco, la canción, la tradición y la experimentación. En esta residencia se profundizará sobra las inquietudes o necesidades estéticas de Violeta Parra, que encontraron en el flamenco un código eficiente para expresarse. El objetivo central de este proyecto es remover, pensar, recitar, cantar y danzar esta parte oculta del legado poético, sonoro y performativo de Violeta Parra como un importante referente del arte contemporáneo, más allá de nuestro territorio y tiempo. (…)

Para participar en la sesión, escribir a bulegoa@bulegoa.org 

AFORO: máximo de 15 personas.

Javiera de la Fuente, chilena radicada en Sevilla, investigadora independiente y bailaora de flamenco. Desde una primera colaboración en Máquinas de Vivir de Pedro G. Romero (2014), trabajo lenguajes cercanos a la performance, en espacios escénicos no convencionales. Desde tal campo, busco unir pensamiento crítico y baile en formatos híbridos como la conferencia escénica, con recursos como el relato y la voz bailada, el flamenco, el ritual, la improvisación. Desde este prisma, últimamente he actuado en espacios como Bauhaus Dessau (La Frase), Bergen Assembly 2019 (Aire del Mar, Canciones de la Guerra Social Contemporánea) y European Forum For Advanced Practice en CA2M con mi conferencia El Drama de una Realidad Sur. Actualmente, en parte guiada por Pedro G. Romero y Belén Maya, preparo Envioletá, proceso iniciado en una reciente residencia en el espacio de creación Azala. Además, estoy inmersa en el proceso creativo de Luciérnagas, artefacto flamenco de live-cinema y baile, junto al artista visual Isaías Griñolo.

Más información: [www.bulegoa.org]

29 y 30 de diciembre en Azkuna Zentroa

Macarena Recuerda Shepherd presenta “¡AY! ¡YA!”, obra de danza performativa pensada para el público familiar. Una ilusión que lleva a percibir la realidad de diferentes maneras sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño del sentido de la vista.

“¡AY! ¡YA!” es un ejercicio sobre la mirada. Esa ilusión que se produce cuando la imagen que se tiene cada persona de sí misma se transforma en otra, se multiplica o toma formas imposibles. Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

Según explica la artista, «la ilusión, se trata de un efecto que pone de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos».

MACARENA RECUERDA SHEPHERD. Artista visual y bailarina. Ha realizado diferentes proyectos en colaboración con los artistas Txalo Toloza, Amalia Fernández, Amanda Pola y Vicente Arlandis. En el 2008 funda el Colectivo Estraperlo plataforma de nuevos creadores. Estos son sus trabajos: Sus piezas: Thatʼs the story of my life (2010), Greenwich Art Show (2012), Whose are those eyes (2013), El Experimento Ganzfeld (2015), Collage y Acción (2016), ¡AY! ¡YA! (2018).

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Idurre Azkue y Macarena Recuerda Shepherd
Autoría: Idurre Azkue, Alberto de la Hoz, Macarena Recuerda Shepherd y la colaboración de Sofía Asencio
Dirección: Macarena Recuerda Shepherd
Escenografía: Macarena Recuerda Shepherd
Vestuario: H-intercalada
Música (Banda Sonora): Alberto de la Hoz
Iluminación: Conrado Parodi
Una producción de: ANTIC TEATRE.
Con el apoyo de: Gobierno Vasco y el Departament De Cultura de la Generalitat de Catalunya
Colabora: GREC Festival de Barcelona, Festival BAD de Bilbao, El Graner – Mercat de les Flors, Sala Baratza, La Fundición Bilbao e Histeriak
Proyecto beneficiario del Proyecto de cooperación transfronteriza PYRENART, dentro del marco del Programa INTERREG V-A España-Francia-Andorra, POCTEFA 2014-2020 – Fondo Europeo de Desarrollo Regional (FEDER)

>Más información sobre el proceso de trabajo en el blog de La Praga en Teatron

12 de diciembre a las 17h en Tabakalera (Donostia)

Gure burmuinak irudiak gordetzen ditu eta bilatzaile moduan funtzionatzen du, zer gertatzen den ulertzeko estekak bilatzen ditu, Youtube mental mota bat eragiten duten estekak. Irudiak lotzeko eta buruko filmak eraikitzeko gaitasun horri “Kopfkino” deitzen diogu. Kontzeptu hori oinarritzat hartuta, Los detectives-eko kideek galdera bat egiten diote beren buruari: kontsumitzen ditugun fikzioek zenbateraino eragiten dute munduari eta geure buruari buruzko ikuspegian?

Hori da Kopfkinoren motorra, fikzioa eta errealitatea elkartzen direnean sortzen diren marjinetan sakontzeko gorputza ezinbesteko tresna gisa erabiltzen duen pieza.

17 de diciembre en Azkuna Zentroa

La artista Janet Novás y la compositora Mercedes Peón, colaboran en esta propuesta escénica sutil sobre lo común sensible. Juntas exploran las relaciones particulares que existen y se establecen entre “su danza y su música”.

Entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes afloran conceptos en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos, de gran contenido socio-político, están presentes en los materiales, desde los “objetos” musicales a los dancísticos o biográficos; otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas, aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas. Mercedes máis eu mira hacia lo colectivo y lo hace desde perspectivas y sensibilidades nada arquetípicas. La pieza, en femenino, es un híbrido dancístico musical plagado de imágenes evocadoras y seccionadas por cuadros, lo que le permite habitar en diferentes arquitecturas o marcos, desde contextos más escénicos a otros más museísticos.

Según las creadoras, «para definir Mercedes máis eu es inevitable hablar de deseo. Ese deseo que encuentra razones para proyectarse más allá del primer encuentro, y devenir re-encuentro, conversación, experiencia, afecto… Persistir en ese deseo, que se actualiza atravesando el proyecto, es incidir en aquello que nos acontece en cada encuentro. Pero también es indagar en lo que nos es propio y en lo que nos es común, que está más allá del sujeto y del territorio. Esa memoria o archivo vivo que se actualiza con el deseo, sustrayéndonos de nuestra propia inmanencia.»

Janet Novás: Bailarina, performer, coreógrafa y docente. Formada en danza contemporánea entre Madrid, Bruselas y Berlín, su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta de trabajo, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Actualmente colabora con diferentes artistas como Pablo Esbert, Mercedes Peón y las diseñadores Zap&Buj, con las que creó su última obra “Imaginé cinco cuerpos y ninguno era el mío”.

Mercedes Peón: Compositora, vocalista e instrumentista gallega, trabaja la música tradicional con múltiples herramientas tecnológicas. Tras profundizar durante 25 años en la tradición gallega, Peón grabó en el año 2000 su primer Álbum como solista, Isué. Le siguieron los trabajos Ajrú (2003), Sihá (2007), Sós (2011), Deixaas (2018), ganando varios premios por sus trabajos. Esta trayectoria hace de ella una de las artistas gallegas más destacadas de principios del siglo XXI.

Ficha artística: Dirección: Janet Novás / Creación e interpretación: Mercedes Peón y Janet Novás / Acompañamiento artístico: Ricardo Santana y Pablo Esbert / Composición musical, concepto y letras: Mercedes Peón / Asistencia en el movimiento: Victoria P. Miranda / Diseño de Iluminación: Cristina Bolívar / Sonido: Ezequiel Orol / Vestuario: Juanita Rodríguez / Producción: Adriana Reyes / Coproductores: Comunidad de Madrid / Con el apoyo: Centro Danza Canal, Graner Centro de Creació, Sede Losdedae

Juan Domínguez y Amalia Fernández

19, 20 y 21 de noviembre en Teatros del Canal

Podría entenderse como una acumulación de hechos reales que sacados de contexto se convierten en ficción. Una ficción que en cualquier caso se abre paso en la realidad a través del teatro. Entre tú y yo se convierte en un espacio de interpretación, de identificación, de pensamiento crítico, de placer, de contemplación, un espacio ya no del “tú” ni del “yo” sino del “entre”: del entretodo y del entretod@s.

A lo largo del 2019-20, hemos estado encontrándonos en diferentes ciudades, trabajando en varios espacios de residencia, en una práctica inusual, por el hecho de que el objetivo ha sido evitar a toda costa el objetivo. El no tener objetivo hacía que, de alguna manera, perdiésemos cierta lógica, cierta ambición, cierta proyección, cierto uso del tiempo tal y como lo vivimos normalmente. Eso generaba una libertad por la que nos veíamos afectados profundamente sin necesidad de profundizar demasiado en nada. Entre tú y yo se transforma y se abre ahora a través de su presentación pública. Nuestra práctica de proceso adquiere por esta razón otro procedimiento, en la necesidad de entender esa forma teatral que podría ser un relato ficticio basado en hechos reales y todas las vinculaciones que estos hechos conllevan.