— MuroTRON

Jacopo Jenna – 21 de noviembre en Azkuna Zentroa

Some Choreographies presenta un diálogo entre la bailarina Ramona Caia y una preciosa colección de videos de diferentes estilos de danza, editados y reelaborados. La coreografía se desarrolla en un proceso mimético de una multitud de fragmentos unidos en una secuencia rápida, desenterrados de la historia de la danza y el rendimiento según lo muestra el cine e internet, en busca de una materia cinética sensible. La bailarina encarna, transforma, conecta y da forma al cuerpo retratado en esas imágenes, analizando sus dinámicas, su libertad y su inmediatez lingüística desde una perspectiva neutral, desarraigando de la imaginación en la ejecución de una coreografía precisa. El montaje es una meta coreografía que explora la conexión entre la actuación en vivo y la danza en pantalla.

En la segunda parte, un vídeo original del artista Roberto Fassone muestra una secuencia de coreografías visuales. Se trata de un paisaje simbólico, sin huellas humanas, que busca una relación con el cuerpo en escena y reflexiona sobre la materia intangible de la que está hecha la danza.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/jacopo-jenna-algunas-coreografias/.

Javier Martín – 14 y 15 de noviembre en el Mercat de les Flors dentro del Festival IF Barcelona

Descuento 2×1 con el código TEATRON.

Una pieza que invita a la reflexión y a revisar la velocidad de nuestra era, instalada en nuestros cuerpos y que fragmenta nuestra atención. Javier Martín invoca el concepto de rituales ancestrales de “atravesar el umbral”, implicando al cuerpo en una danza social. El artista explica: “El famoso arquetipo del ‘guardián del umbral’ remite a aquellas figuras que adquieren las formas de nuestros miedos más íntimos: vigilan el umbral, pero no por negarnos la entrada, sino por animarnos a vivir el laberinto oportuno que posibilita la transformación y, por tanto, el paso”.

Javier Martín, coreógrafo con formación científica interesado en la filosofía, desarrolla un proyecto de investigación de corte epistemológico y crítico en torno a las artes del movimiento. Acomete su creación coreográfica de manera transdisciplinar, utilizando la escritura, conferencias performativas, grupos de investigación o el desarrollo de laboratorios y herramientas para la creación. Desde sus inicios en 2005, ha creado y presentado más de 30 piezas en España, Francia, Rusia, Portugal, Ucrania, México, Colombia, Guatemala o el Uruguay, con quince espectáculos escénicos y otras tantas piezas site-specífic o colaboraciones especiales.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/festival-if-figuras-del-umbral/.

Entrevista de Fernando Gandasegui: https://www.tea-tron.com/blog/2024/11/13/descuentos-para-figuras-del-umbral-de-javier-martin-y-war-maker-de-dafa-puppet-theater-en-el-mercat-de-les-flors-if-barcelona/.

Concepto y movimiento Javier Martín / Iluminación Octavio Más / Espacio y diseños Javier Martín / Piezas sonoras Abul Mogard, Philip Jeck y Leyland Kirby / Producción y acompañamiento teórico Sabela Mendoza / Técnica visuales Juanma Lodo / Vestuario Cremallera Studio, Álvaro M. Leiro, CCG / Vídeo y foto Leo López
Coproducción CCG Centro Coreográfico Galego / Residencia de investigación Teatro Leal, La Laguna / Agradecimientos Pep Ramis -L’animal a l’esquena, Javier Cuevas, Juanma Artigot, Laura Cedrón.

Escarlet es un proyecto de investigación y creación coreográfica, que vive entre lo performático y lo expositivo, a modo de lo que se deja observar como imagen y volumen. Se pregunta por la relación bidireccional entre cuerpo y voz, garganta y pelvis, partiendo de la idea de que nunca nada está quieto ni en silencio absoluto. Y se inserta en el marco conceptual de lo raro, como aquello que, perteneciendo a este mundo y siendo algo familiar, no termina de encajar.

Más información y entradas: https://dice.fm/event/53wbbd-4×4-ngela-millano-escarlet-13th-nov-sala-taro-barcelona-tickets.

Juan Domínguez – 16 de noviembre en La Casa Encendida

Dirty es la performance número 24 de Juan Domínguez en lo que va de siglo. Como aún es un asomo de la obra completa, Domínguez muestra en esta apertura de proyecto la primera de las tres fases de exploración.

Según el artista vallisoletano, “este proyecto trabaja la idea de cambio de paradigma, tocar con el lenguaje, escuchar con el tacto”. Y deja, por escrito, como avance, algunas palabras que pretenden sugerirlo: “Piel, epidermis y cartílago, antena parabólica, melanina, ondas, sin ondas, tímpano, membrana ovalada y flexible, martillo, yunque, estribo, folículos pilosos…”.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/dirty-de-juan-dominguez.

Juan Domínguez (Valladolid, 1964), que se define a sí mismo como “payaso conceptual, poeta-modelo, narrador desatado y curador del placer”, pertenece a la generación de la danza española que debutó a finales de los años 80, junto a creadoras tan destacadas como Blanca Calvo, La Ribot, Olga Mesa y Ana Buitrago.

Formado en danza clásica, contemporánea y vídeo en España y Estados Unidos, introdujo el vídeo en su práctica escénica y cuestionó los códigos coreográficos. A partir de 1999 abrazó lo conceptual con The taste is mine, una creación sobre la propia danza, y con la performance Todos los buenos espías tienen mi edad, de 2002, donde permanecía sentado ante una mesa exhibiendo cartones escritos que los espectadores veían proyectados en una pantalla. “Antes, mi gran tema era el movimiento, la danza pura, la abstracción. Ahora he incorporado la palabra, la frontera entre danza y teatro es mucho más permeable”, declaró en una entrevista.

Nicola Galli – 7 de noviembre en Azkuna Zentroa

Tras su estreno en Oriente Occidente, el Festival de Danza Contemporánea de Rovereto (Italia), el coreógrafo Nicola Galli presenta “Deserto tattile” el segundo episodio de su investigación coreográfica en torno al desierto y la noción de paisaje.

Israel Galván y Marlene Monteiro Freitas – Del 13 al 16 de noviembre en el Teatro Central de Sevilla 

Marlene e Israel son dos artistas rodeados de un aura fuera de lo común, dos seres solitarios, dos solistas que sacuden sus campos artísticos para sacar a relucir nuevas formas. Israel Galván va más allá del flamenco y lo conmueve. Ya no solo es andaluz, es Galván. Y esto es lo que hace único a este artista, un bailarín de soledades según Georges Didi-Huberman. Por su parte a Marlene Monteiro Freitas nada le gusta más que la mezcla de géneros, la confusión de códigos con un marcado gusto por las transgresiones de todo tipo. Para ella, Galván es un pájaro, un cuervo, creo. En cuanto él baila, me hace bailar. Reunirlos para este “Retrato” dedicado a la coreógrafa caboverdiana era, por tanto, una obviedad, pero también un riesgo. De hecho, ¿qué podría ser más explosivo que dos personalidades, cada una tan radical como la otra?

Su título un tanto misterioso, RI TE nos permite seguir algunas pistas. Ri-te significa “reír” en portugués, el idioma de Marlene Monteiro Freitas. Un título de oro para quien le gusta reírse de todo y distorsionar su rostro haciendo jugar sus huesos cigomáticos. Pero de Galván, quien la temporada pasada nos ofreció su Consagración de la primavera, podríamos esperar ver emerger de su cuerpo algunos ecos nijinskianos… o quizás no.

Estos dos artistas comparten una cierta musicalidad, profundamente anclada en sus cuerpos.

RI TE es un espectáculo inventado a partir de sus fricciones y fusiones, de seducciones y fascinaciones mutuas. Lo cierto es que se trata de una producción que se sumerge en lo desconocido.

Más información y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/ri-te.

Carmelitas Clown – Del 30 de octubre al 3 de noviembre en Periferias Cimarronas

La obra Travesía narra las violencias históricas hacia los cuerpos que están fuera de la hetero-cis-norma y que no son tan lejanas de las que vivimos hoy en día.

Las Carmelitas taconean, corren, suspiran poemas, bailan y cantan recorriendo en cada momento el manifiesto de su existencia.

El espectáculo es ejecutado por un dúo de payasas travestis creado en 2013 por Gemma Ríos y Carmín Lupe. A partir de su subjetivación como femeneidades contra-hegemónicas, Carmelitas Clown ocupa los escenarios a sabiendas de que históricamente las disidencias sexo-genéricas fueron silenciadas y desterradas de los espacios escénicos -en especial la escena del humor- donde el macho tuvo siempre un papel protagónico. Iniciaron su travesía en varietés del under porteño (Buenos Aires), donde fueron ganando el cariño del público a fuerza de verdades incómodas.

Esta experiencia también se tradujo a obras de teatro donde cristalizaron su pensamiento, su herencia, sus deseos y sus luchas.El dominio en la técnica y lenguaje en el arte del clown las puso en complicidad al instante, empezando así, una dialéctica de actrices, de payasas, de quienes eran en su cotidiano. Una dialéctica asociativa, alternativa, autogestiva, disidente, de barrio entre la calma altiplánica de la payasa Lupe (Carmín Lupe) y la euforia irreverente de la payasa Frenesí (Gemma Ríos); riendo con ternura públicos misóginos cuando todavía no era peculiar ver payasas travestis en escena provocando a la cultura transfobia y cisexista.

Entradas aquí.

Santiago Ribelles – 26 de noviembre en La Mutant

‘Per tal d’acabar finalment amb mi mateix’ fue y era primeramente el proyecto de investigación de un solo. Se presentaba como una acumulación de gestos y acciones con o sobre el cuerpo del performer, o con o sobre algunos objetos y elementos escenográficos. Un recorrido de imágenes triviales, absurdas, fetiches, infantiles… como pequeños rituales que no pretenden ninguna trascendencia, ninguna sublimación, ninguna exhortación. Un intento de desaparecer detrás de afectos recurrentes que permanecen a pesar de cualquier deseo creativo que quisiera imponerse como revelador. Todo esto, en un planteamiento, eminentemente físico, sustentado en el tocar, en aquello sensitivo de tocar y ser tocado, con el cuerpo, con la voz, con los objetos.

La Zona Gris que aquí se presenta es la síntesis por fragmentos, por cuadros, por diferente derivas, de la experimentación de este solo que deshace el yo a través del encuentro con otros cuerpos, con diferentes materiales, con elementos lumínicos, con la imagen, etc. En definitiva, tocar, tocarse, tocarnos en toda la amplitud del sentido para no reencontrarnos.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/acabar-mateix-santiago-ribelles/.

María Jurado – 9 y 10 de noviembre en Réplika Teatro 

SPOOKY es una lucha contra el individuo o una performance en la que 2 performers crean un dispositivo escénico a partir de los códigos del cine de suspense y del cine «trash»: los medios y estética «handmade» intervienen directamente en el espacio creando una trama fragmentada que genera una sensación de incertidumbre que dialoga con el público y plantea grietas entre la realidad y la ficción.

El espacio teatral se representa como metáfora de un cerebro, a este llegan la información, patrones y proyecciones que las creencias sobre el individuo levantan sobre nosotros mismos, generando una “campana de cristal” aparentemente impenetrable pero aceleradamente tortuosa.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/spooky-maria-jurado/.

Entrevista de Fernando Gandasegui a María Jurado sobre Spooky: https://www.tea-tron.com/fernandogandasegui/blog/2024/09/05/entrevista-a-maria-jurado/.

→ Dirección: María Jurado + Creación colectiva
→ Performers: Macarena Bielski López y María Jurado
→ Espacio escénico e Iluminación: David Corral Lamelas
→ Creación y diseño de visuales: Manuel Pita-Romero
→ Diseño sonoro: Bielski + Kora
→ Vestuario: 3formas / Diseño y confección de vestidos + Annexia T-shirts
→ Mirada externa: María Jeréz
→ Coproducción: Antic Teatre – Barcelona
→ Apoyo de residencias artísticas: Graner – Barcelona; Réplika Teatro – Madrid; TenerifeLAV – Tenerife; Corralito CCA – Terrassa; Festival TNT – Terrassa; L’Estruch – Sabadell.
→ Agradecimientos: A Maca, Nina, David, Manu, Irene y María Jeréz, por la confianza y el trabajo. A Roberto Fratini. A Guillem Jiménez. A la familia de Réplika Teatro.
→ Fotografía: Helena Garriga / @tinydotsx; Alessia Bombaci

María Jurado es una artista, coreógrafa, performer e investigadora residente en Barcelona. Navega entre los límites de la danza conceptual y la performance. Cada creación le obliga a pensar de manera diferente, investigando los límites del formato. Estudió en el Institut del Teatre. En 2022 estrenó la pieza Black Sun en el Festival Grec de Barcelona. Participó en el proceso de creación de la pieza Mágica y elástica de Cuqui Jerez y como performer en la pieza Japan de Mabel Olea, de quien ha sido mirada externa para su último solo, Cut one’s teeth. En 2023 estrena su última pieza/solo: Dancing with my abjection en colaboración con Hadren en el Festival CLUBSCLUBSCLUBS (Barcelona) y recibe la Beca CAMPING – CND y la Beca Danceweb 2023 Impulstanz. Spooky nace como proyecto de residencia en El Graner gracias a la colaboración de la artista Macarena Bielski López y más tarde, la suma de un equipo multidisciplinar. El deseo del proyecto es poder investigar y profundizar desde la creación, la acción y el pensamiento continuo.

Macarena Bielski es bailarina, performer, músico y creadora nacida en Madrid. En julio de 2022 se graduó con un BA en danza en p.a.r.t.s, escuela fundada por Anne Teresa de Keersmaeker en Bruselas, Bélgica. Allí desarrolló e investigó no solo la relación entre danza y performance sino también la producción musical, el vídeo, el uso del texto y la manipulación de tecnologías en el escenario. Desde el fin de sus estudios ha trabajado en diferentes proyectos como: “Una imagen interior” de El Conde de Torrefiel (Kunstenfestivaldesarts), “Renacimiento” de La Tristura (Theatre du Liege) y en diversos montajes con la Compañía de Didier Theron (Montpellier). Es artista residente en Réplika Teatro, donde desarrolló el proyecto “Cuando ya no esté” y “MORFIA”, creada junto a Manuel Pita-Romero y presentada en el marco del Festival IN-SONORA. Realiza el diseño sonoro para la obra de Zoe Lakhnati “This is la mort” (Teatro Ateliersi, Bologna; BUDA, Kortrijk), cuyo estreno está previsto en Charleroi Danse en diciembre de 2024. Este septiembre 2024 ha estrenado la obra “SPOOKY” dirigida por María Jurado en el Antic Teatre, Barcelona.

Amaranta Velarde – 2 y 3 de noviembre en Réplika Teatro 

El proyecto indaga en la necesidad humana de evasión y la producción de identidades alternas como vía de escape a los límites cotidianos y la condición de vacío humano. A través del exceso, la artificialidad y la indulgencia sus personajes chocan con una realidad que no son capaces de contener, en una constante búsqueda de fantasía e irrealidad. El proyecto indaga así en los
conceptos de desbordamiento y contención en relación a la estética escénica, la corporalidad y el lenguaje coreográfico. Se cuestiona los límites de lo que es armonioso, comedido y apropiado apostando por un derrame físico y estético en tiempos de contención y austeridad.
Como punto referencial de inspiración el proyecto Desbordes mira hacia la estética kitsch y el camp así como el movimiento efímero de los años 80 llamado New Romantics.
La mezcla de elementos que lo comportan, su estética kitsch, su optimismo y exuberancia, las características andróginas y la teatralización que implica la desnaturalización y artificialidad a través del exceso y la evasión son el punto de partida del trabajo.

Citando a Susan Sontag en sus notas sobre Camp “la esencia de lo camp es el amor a lo no natural: al artificio y la exageración. El gusto camp vuelve la espalda al eje bueno-malo del juicio estético corriente. El camp no invierte las cosas; No sostiene que lo bueno es malo, o que lo malo es bueno. Se limita a ofrecer un conjunto de normas para el arte (y la vida), diferente, complementario (…) no se trata de amor a lo viejo como tal, se trata, simplemente, de que el proceso de envejecimiento o deterioro proporciona la distancia necesaria, o despierta la necesaria simpatía… El tiempo libera a la obra de arte del contexto moral, entregándola a la sensibilidad camp y reduce el ámbito de la banalidad. Percibir lo camp en los objetos y las personas es comprender el Ser-como-Representación-de-un-Papel. Es la más alta expresión, en la sensibilidad, de la metáfora de la vida como teatro. En lo camp ingenuo, o puro, el elemento esencial es la seriedad, una seriedad que fracasa. No toda seriedad que fracasa puede ser reivindicada como camp. Sólo aquélla que contiene la mezcla adecuada de lo exagerado, lo fantástico, lo apasionado y lo ingenuo”.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/desbordes-amaranta-velarde/.

→ Concepto y dirección: Amaranta Velarde
→ Coreografía, en colaboración con los performers:  Amaranta Velarde, Guillem Jiménez y Juan Cristóbal Saavedra
→ Asesoría artística: Cris Blanco
→ Asesoría de movimiento: Oihana Altube
→ Música original: Juan Cristóbal Saavedra
→ Diseño de iluminación: Horne Horneman
→ Dramaturgia: Roberto Fratini
→ Vestuario y asesoría: Sau-Ching Wong & Aleix Mart
→ Estudiantes en prácticas: Vera Palomino & Julia Romero

Amaranta Velarde trabaja en el campo de las artes escénicas como bailarina, coreógrafa y pedagoga. Se gradúa en CODARTS (Universidad de Danza de Rótterdam) en 2004 y desde entonces trabaja intensamente con el coreógrafo Bruno Listopad entre otros creadores. Después de su actividad profesional en Holanda se muda en el 2011 a Barcelona donde inicia sus propias piezas coreográficas: Lo Natural, Hacia una estética de la buena voluntad, Mix-en-scene y Apariciones Sonoras. A parte de realizar sus proyectos trabaja con creadores como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y Ola Maciejewska y ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa (2013-2016). Sus trabajos coreográficos se han presentado en contextos como Alt Vigo, MUSAC de Leon, Secció Irregular del Mercat de las Flores, MACBA es Viu, Sala Hiroshima (BCN), Brigittines (Bruselas), CA2M, Teatro Pradillo, Museo Reina Sofía, Festival Eufònic y Festival Grec.

Guillem Jiménez Con el estudio del movimiento como eje que atraviesa toda su producción artística, Guillem Jiménez trabaja a partir de la coreografía de cuerpos, vídeos y otros medios. Estudia en el Conservatorio Superior de Danza de Barcelona a la vez que desarrolla una línea de trabajo independiente. Su proyecto en activo laSADCUM incorpora las producciones ‘THE UNCANNY VALLEY’ (2019), premiada con una residencia artística en La Caldera en el Certamen Coreográfico de Madrid, ‘THE LESSON’ (2020) premiada con el premio del jurado del Festival 10 sentidos y su próxima pieza ‘ACLUCALLS’ (2022) que se estrenará en el Teatro del CCCB. Su trabajo en solitario indaga sobre los diferentes lenguajes de la coreografía y de su propio cuerpo: ‘DANCE LESSON’ (2018 – 2020), ‘duquela’ (2018) y el solo en proceso ’TWINK’ (2022). Su trabajo ha sido mostrado en espacios como La Casa Encendida, Museo Guggenheim Bilbao, Espacio Inestable, MAC Festival, Sala Ars, TKM Room / Maricas Maricas, la Fundación Mies van der Rohe o el Centro Cultural Conde Duque. Ha participado de procesos colaborativos con artistas e instituciones como Reece Cox, JazzBetween, BlueProject Foundation, Pedro Torres el Amor Projects, Amalia S. de Nieves y Albert Riera entre otros, y en calidad de intérprete ha trabajado con creadores como Mar Aguiló, Candela Capitán, Javier Guerrero, Aimar Pérez Galí, Claudia Mirambell, Hanna Tervonen o Ester Guntín.

Juan Cristóbal Saavedra a.k.a Equipo es músico y productor musical de origen chileno afincado en Europa desde 2001. Estudia Sonido y Gestión Cultural para luego partir a Berlín a perfeccionarse como productor musical. En el año 2004, Saavedra viaja a Barcelona donde funda el colectivo Dpendiente y trabaja en diversos proyectos musicales. En el área de la producción musical trabaja principalmente en el campo de la música electrónica, especializado en Mastering, Sound consulting y producción para numerosos proyectos musicales. En el área de las artes escénicas trabaja como músico, diseñador sonoro y técnico de espectáculos con artistas como Roger Bernat, Sonia Gómez, y Azkona/Toloza. Actualmente trabaja con La Veronal en las creaciones Pasionaria, Sonoma, Opening Night y la producción Folka de Marcos Morau para NDT2 en Holanda.

Roberto Fratini Dramaturgo y profesor de Teoría de la Danza en el CSD de Barcelona (Institut del Teatre). Ha sido profesor de la Università Statale de Pisa y de la Aquila. Imparte workshops, clases magistrales y conferencias en diversas entidades académicas y teatrales de España y del extranjero (CCCB, Université de Lyon, ADC de Ginebra, Mercat de les Flors de Barcelona, Pôle Sud Strasbourg UFR Arts Strasbourg, Hochschule der Kunst de Zurich y Berna). Es colaborador y asesor con más coreógrafos de España, Francia, Italia y Suiza de Caterina Sagna Dance Company, Germana Civera cie. Inesperada, Cie. Philippe Saire, Juan Carlos García cia. Lanónima Imperial, Lipi Hernández cia. Malqueridas, Agrupación Sr. Serrano, Silvano Voltolina, Rocío Molina, Roger Bernat, Taiat Dansa, La Veronal y Alexandra Waierstall. También es profesor de talleres de dramaturgia en ESAD de Galicia, La Caldera, Société des Auteurs Suisses, TanzHaus Zurich, L’Usine Genève, Hochschule der Kunst Bern y Modul Dance Europe. Sus piezas han sido representadas en los principales festivales de danza europeos y ha obtenido diversos premios, entre ellos el Prix de la Société des Auteurs Français, el Grand Prix de l’Association des critiques de danse français, con Caterina Sagna, y el premi Ciutat de Barcelona per la Dansa con Germana Civera. Ha publicado los libros A Contracuento. La danza y las derivas del narrar (Ediciones Poligrafa, 2012) y Filosofía de la danza (Edicions UB, 2015) con Magda Polo Pujadas i Bàrbara Raubert.