— MuroTRON

De Paulina Chamorro y Pablo Zamorano / 10, 11 y 12 de junio en DT Espacio Escénico

Mi cuerpo está sentado sobre una silla mientras camino por los pasillos de la Tate Modern mientras escucho la pieza sonora de mi amigo Dani mientras un recuerdo trae al presente una presencia no material que me toca el hombro…

Formas De Estar Siendo es una pieza coreoaudiovisual sobre el hecho de movernos, de bailar y de entender lo coreográfico como una forma del pensamiento. Es también el descubrimiento de un cuerpo de espíritu incierto, un cuerpo movido por el inconsciente, un cuerpo médium, que se aventura a difuminar sus propias fronteras, multiplicándose en simultánea convivencia con los infinitos desplazamientos de sus presencias virtuales.

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Creación y ejecución: Paulina Chamorro y Pablo Zamorano

Edición de vídeo: Paulina Chamorro

Acompañamiento: Luis Moreno

Citas audiovisuales y sonoras: Bodysong de Jonny Greenwood, Non consumiamo Marx de Luigi Nono. Elephant de Gus Van Sant, Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni, Verso la specie – Mòra de Claudia Castellucci, Watermotor de Trisha Brown, Mío de Myriam Hernández y Me into de Bruce Nauman

Agradecimientos: Javi Pardo

Alberto Cortés

28 y 29 de mayo en La Mutant

El  Ardor  parece  un  discurso donde  una  sombra habla  sobre  la  necesidad  de  convertir en  inmortales a las comunidades outsiders, adolescentes, viejas, queers y cuerpos al margen,  hacer  de  ellos  bandas  callejeras  que  vivan  el  deseo  como  un  estado  romántico  inmortal,  contra  el  consumo  rápido,  como  herramienta  de  destrucción  de  la  sociedad  afectivocapitalista.  Sueño  con  un ardor  que es el  deseo  puesto en  crisis,  no  limitado a  la pornografía sino a la posibilidad de engendrar un estado casi santo, de entusiasmo eterno.  Sueño con ocupar las calles con pasión. Hay algo de incendiario en el discurso de la pieza y mucho  de  poética influenciado  por las  teorías  postanarquistas  de Hakim Bey, la  narrativa salvaje y queer de William Burroughs o Arthur Rimbaud y la idea de la inmortalidad de los cosmistas  rusos  (exigimos  al  biopoder  que  haga  inmortales  a  los  desheredados,  ya  son vampiros). Desde el escenario se mira de lejos el concepto de revolución, de un modo que  refleja la óptica contemporánea desde la que miramos el cambio en la sociedad actual: como  un romanticismo cinematográfico imposible (estamos encarnando Lo Romántico). Al final del  todo lo que parecía un discurso era un poema dedicado a la calle y a mis padres. Y lo que  parecía un monstruo era un marica.

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Juan Carlos Lérida 

6 de junio en el Mercat de les Flors

En este evento artístico de 12 horas, creado a partir del encuentro del coreógrafo con gremios, trabajadores y colectivos, podremos ver seis cuadros itinerantes inspirados conceptualmente en el número doce y dramatúrgicamente en el recorrido de Jesucristo, desde la Santa Cena hasta la Resurrección. Todo esto en clave de flamenco y desde la cotidianidad de los oficios artesanos y que tendrá lugar en el Mercat de les Flors y en espacios cercanos del barrio, el MNAC, el teatro Grec o el Hotel Catalonia Plaza. Los diferentes fragmentos de este espectáculo, en el cual el artista trabaja desde 2018, se han representado en espacios como el Mercat durante la temporada pasada, la Fira Mediterrània de Manresa y el Sismògraf d’Olot. Ahora se presenta en un único día para mostrarnos el recorrido completo.

Juan Carlos Lérida es bailarín, coreógrafo y pedagogo del flamenco, Premio Extraordinario 2007 del Institut del Teatre de Barcelona. Desde el año 2002 es profesor de Flamenco, Danza contemporánea y Composición del Institut del Teatre. Ha codirigido espectáculos de creadores como Joaquín Cortés y Belén Maya y también ha creado diferentes piezas en solitario. Ha sido comisario del ciclo Flamenco Empírico del Mercat de les Flors. Se le reconoce como uno de los representantes actuales del flamenco de vanguardia.

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Del 7 al 29 de mayo en el Centro Federico García Lorca (Granada)

Proyecto: Amelie Aranguren

EN OTROS FORMATOS consiste en invitar a creadores granadinos a compartir su trabajo de manera directa con el público, compartiendo con ellos su obra y sus procesos creativos a través de paseos, talleres, juegos, conferencias, microexposiciones, recitales, conciertos y otras formas que ellos mismos inventen. Propuestas cuyos métodos de producción y reproducción estén basados en el intercambio social, abriendo nuevas posibilidades de expresión, análisis, cooperación y compromiso.

Sin perder de vista el carácter social y emancipatorio que Federico García Lorca otorgaba al arte, este proyecto tendría que suponer un reto para los participantes, entre los que nombres consolidados compartan espacio con otros menos reconocidos contando con otros agentes no habituales en el escenario artístico y sobre todo con el público, cuya presencia será, repetimos, indispensable.

Las ocho acciones de En otros formatos serán gratuitas y tendrán lugar en diferentes espacios del Centro Federico García Lorca (Teatro, Sala Talleres, Hall, etc.) y en lugares como el Barranco de Víznar y el Valle de Monachil, entre el 7 y el 29 de mayo de 2021.

Plataforma es un proyecto que quiere tender puentes entre las artes visuales y las artes vivas, las artes escénicas, la literatura, la arquitectura y el diseño, invitando a reflexionar sobre el espacio público e integrando servicios e instituciones de la ciudad para actuar como motor para el desarrollo y la cohesión social.

Plataforma es un festival de ciudad, transversal, comprometido con el urbanismo y la riqueza patrimonial material e inmaterial de Compostela, con su diversidad, con la igualdad, con la ecología, con la tradición y con la innovación cultural, convencidos de que es desde la creatividad desde donde podemos construir un futuro más amable y responsable.

Plataforma es un festival ideal para este momento de restructuración cultural, por su transversalidad y la descentralización de sus localizaciones, por su escala, por su programación pensada para espacios singulares, por la posibilidad de seguir con facilidad los debidos protocolos de sostenibilidad y de seguridad para la salud en las acciones propuestas.

Norberto Llopis / 30 de abril, 1 y 2 de mayo en Espacio Inestable (Valencia)

NO—HUECO

/ego/eco/hueco/

/ego/hueco/cueco/

/eco/zueco/tueco/

En occidente, el devenir de la significación, de la acción o el mismo suceso de un cambio ha sido leído siempre desde la perspectiva del trazo, desde la perspectiva de la figura que cambia frente a un fondo. Todo cambio depende de un acto, de un personaje que actúa, de una figura o héroe que opera una transformación. En nuestra pieza investigamos sin embargo el devenir, el cambio no tanto desde el lado de la acción o el personaje que la acomete sino desde el lado hueco, desde la perspectiva de la superficie en que se inscribe, como una especie de negatividad hueca. Irónicamente nuestro medio es el de la “performance”, es decir, en cierto modo sucede a través de la acción, luego, habrá que preguntarse ¿De qué modo suceden las cosas cuando no suceden? ¿De qué modo suceden las cosas bajo la lógica del lado hueco, de la superficie de inscripción?. En NO—HUECO cosas sucederán en cierto modo sin suceder, no se trataría tanto de transformar las figuras efectivas que ponemos en escena, sino de provocar un desplazamiento o un deslizamiento en la superficie, en el plano sobre el que la figura se hace visible, un desplazamiento o suceso en cierto modo invisible. Como si se operara un crimen blanco, un asesinato invisible, un homicidio de fondo que apenas se percibe, un asesinato sin asesino ni cadáver.

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Concepto y dirección; Norberto Llopis Segarra Interpretación y colaboración creativa; Santiago Ribelles, Inka Romaní Escriva, Norberto Llopis Segarra. imágenes de poster; Juan Peiró Foto y video; Nelson Lizana.

Esta pieza ha sido producida gracias a; Programa de residencias de producción “Cultura resident” del “Consorci de museus de la comunitat valenciana” en colaboración con el centro cultural “Las Cigarreras” (Alicante); Así como las ayudas para la producción escénica del “Ayuntamiento de Valencia”; y residencias de creación de La Caldera (Barcelona).

8 y 9 de mayo en La Casa Encendida

Silvia Zayas trabaja entre las fronteras de las artes escénicas, el vídeo y la coreografía expandida. Para esta pieza ha contado con la colaboración de Ana Cortés, Miguel Aparicio, Luz Prado y Nilo Gallego.

Silvia imagina una coreografía conjunta entre humanos y objetos activados por una máquina-teclado que se expande como un bicho. La banda sonora que aparece es un animal multiforme, ancestral, por veces futurista, por veces doméstico y familiar.

Pone sonido a su imaginario fragmentado e infantil: el animismo de los muebles que se desplazaron por la noche, macumba, videoclips ochenteros, las novelas pulp del abuelo, el loro que dijo “restaurante” y nunca más habló, Fátima santera, crujido de coles, Cousteau, la noche con búhos, búzios y máscaras angolanas. Todos los gallos a la vez: el gallo negro del vudú, el de Barcelos y el de la caja de cereales; sonidos metálicos de la guerra colonial, los accidentes de los eucaliptos, reírse, sin parar, hasta morirse.

U es un título polisémico: la imagen literal del imán que conecta de forma invisible cosas y seres, un sonido grave, también un vientre o cavidad de resonancia que contiene otras prácticas. Una de las experiencias fue el programa de radio en directo Sonic Collider junto con el físico Óscar Hernández sobre la capacidad del sonido de afectar a la materia, y la próxima será un taller con la coreógrafa Mar Medina.

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Ficha artística

Idea: Silvia Zayas.

Creada en colaboración con Luz Prado, Ana Cortés, Miguel Aparicio y Nilo Gallego.

Performance: Silvia Zayas, Luz Prado y Nilo Gallego.

Programación, robótica y electrónica: Miguel Aparicio.

Mecanismos y construcción: Ana Cortés.

Colaboración musical beat: Miguel Serra Iosupastar.

Iluminación: Víctor Colmenero.

Colaboraciones y actividades durante el proceso: Óscar Hernández, Mar Medina, Marta Badiola, Espacio LaHipoteca y residencia So Far en Conde Duque, Madrid.

Agradecimientos: Jacobo García Fouz, María Salgado, Lorenzo García-Andrade y Raúl Alaejos.

Silvia Zayas (León, 1978) trabaja en los límites de las artes en vivo, el cine y la coreografía expandida. Busca formas híbridas de investigación y producción artística, como Jumping Scales, Matadero-Madrid. Sus piezas más recientes son: Parallax (2016), CA2M-La Casa Encendida; The Boogie-Woogie Ghost (2018) con María Jerez; Talking pictures-una película hablada (2018), con Esperanza Collado; Brilliant Corners (2021) y Brillante (2020) con el colectivo Orquestina de Pigmeos. Acaba de terminar la película Puebla (2021,) junto con María Jerez, y está trabajando en una nueva película acerca de percepción subacuática, junto con dos biólogos marinos titulada ê. Ha colaborado con diferentes artistas como Alejandra Pombo, Víctor Colmenero o Societat Doctor Alonso.

Para esta pieza trabaja con Ana Cortés, que forma parte de los colectivos Serrín.tv y Serrucho.org; con Miguel Aparicio; Luz Prado y Nilo Gallego.

Esther Rodríguez-Barbero

Del 22 al 24 de abril en Teatro Pradillo

We Can Dance es un acto de celebración, es un solo acompañado o, más bien, una invitación al baile o tal vez, perhaps, también una discoteca. Esta pieza hace un recorrido entre lo posible y lo prohibido a través de leyes que regulan o prohíben el acto de bailar en diferentes lugares, cuestionando dónde están los límites propios y ajenos. Parte de ese primer paso que se da antes de vernos bailando. Una vez que empieza, es difícil pararlo, te metes en el meneo, en ese tic discotequero. ¿En qué momento un movimiento se convierte en baile? ¿Qué pasa cuando se da en lugares donde está prohibido? Un juego escénico construido mediante un engranaje entre tres cuerpos en escena: el cuerpo que pincha, el cuerpo que ilumina y el cuerpo que baila.
En 2016 empecé esta pieza, me preguntaba si podía construir con mi cuerpo un disco space a la vez que investigaba sobre leyes un poco absurdas. De repente un día desaparecieron todos los espacios para el baile y la pieza cobró otro sentido y se resignificó. Últimamente pienso que igual sólo hago esta pieza en mi vida, la pieza de bailar, y que lo que pasa es que se va transformando, que cada vez que la hago es diferente porque todo ha cambiado, mi cuerpo, la música, el espacio, la disposición, quienes me acompañan, el exterior. Que a pesar de todos esos cambios hay algo que permanece, una especie de esencia que la mantiene con vida porque nunca sé qué es lo que va a suceder. Que siempre es una aventura hacia lo desconocido, en la que voy poco a poco e insistentemente abriendo un agujero hacia el desborde. Que mi misión es mantenerla viva, aunque todo lo de alrededor se desmorone. Y que al final es una representación de la vida. Que si la puedo seguir haciendo es porque sigo viva. Y porque soy de coño alto y hago grand battements versión cabaret discotequero. Que no es un solo porque en ella invoco a todas esas personas con las que alguna vez hemos bailado, a todas esas personas con las que compartimos ese momento de intimidad que es el baile, para bailar de nuevo, juntas. Los presentes con los ausentes. Y convocar ese momento en que por unos segundos fuimos profundamente libres.

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24 y 25 de abril en el Mercat de les Flors

La colaboración entre una compañía de danza integrada de largo recorrido internacional, Dançando com a Diferença, y el imaginario creativo de La Ribot han dado lugar a una pieza comprometida y humanista que desafía las ideas preconcebidas de las personas con discapacidad física y mental. Un grito a la vida desde la  diferencia, reforzando la autonomía y la capacidad de desear de las personas con discapacidad.

Dançando com a Diferença es una compañía de danza inclusiva de Madeira fundada en 2001; gran referente internacional, está dirigida por Henrique Amoedo, que propuso a La Ribot la creación de una pieza; la artista no sólo aceptó el reto, sino que después de trabajar un tiempo es implicó directamente en la coproducción de la misma. Happy Island plantea un contexto completamente nuevo para ambas compañías, la culminación de un largo trabajo que resultó ser un viaje interior, en el que se cuestionaron límites y prejuicios gracias a la creación artística y a una visión profundamente humanista sobre la condición de las personas con discapacidad.

Maria Ribot, La Ribot, vive y trabaja en Ginebra; es una de las artistas españolas más internacionales. Su trabajo, que conjuga el vocabulario de la danza, el teatro, la imagen, la performance y las artes visuales, se ha podido ver en escenarios como la Tate Modern de Londres, el Centro Pompidou de París, el Museo Reina Sofía de Madrid o la Trienal de Aichi en Japón, entre muchos otros espacios. Hace dos temporadas el Mercat presentó Panoramix, espectáculo que reorganiza algunas de sus Piezas distinguidas. La Ribot ha sido galardonada con el León de Oro de Danza de la Bienal de Venecia 2020.

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Israel Galván y Niño de Elche 

29, 30 de abril y 1 de mayo en Conde Duque

«Abstenerse puristas». Un cartel con una advertencia así deberíamos colgar a las puertas del Centro Condeduque estos días en los que su escenario será habitado por Israel Galván y El Niño de Elche. Principalmente para salvaguardar la integridad física de los dos artistas, que vienen a confirmarnos el titular de una noticia que ya corría por los mentideros. Son hermanos mellizos. Y allí los dos prometen conducirnos hacia el flamenco por caminos que ni siquiera habíamos imaginado. Eso sí, hay que viajar por el borde de un precipicio por el que puristas tienen mayor propensión a despeñarse. De allí la advertencia.

En Mellizo Doble los dos huracanados artistas se embarcan en un viaje con billete de regreso hacia los orígenes del baile y el cante flamencos, pero nunca como un fin en sí mismo sino como un impulso, usándolos como el único resorte posible que les traerá de nuevo, pero por otra ruta, hacia su hábitat natural ubicado en la ruptura y la reinvención. Una manera nueva de entender el flamenco, de bailarlo y cantarlo, que ellos mismos llaman «traicional» porque sienten que se gesta en la traición a la tradición.

Hacer añicos el imaginario flamenco, recoger los trozos y recomponerlo desde una sensibilidad única pero emanada de dos artistas, es el principio del que parte esta propuesta, que los arroja al escenario como mellizos salidos de un mismo vientre. El Niño desde la voz. Galván desde su cuerpo. Cante trasgresor y baile sin ataduras. De esa fusión explosiva sale Mellizo Doble, donde la locura ahora es compartida.

Sus éxitos han corrido en paralelo. Galván es considerado El Niño de Elche de la danza. El Niño es el Galván del cante. Los dos siempre han estado conectados, vinculados e identificados con las vanguardias, donde pisan firme y nadan a sus anchas. El bailaor invitó al cantaor a su espectáculo La fiesta. El cantaor se llevó al bailaor en la promoción de su disco Antología del cante flamenco heterodoxo. Juntos ya habían ideado Las coplas mecánicas, una performance de infarto alojada en un festival tan, en apariencia, ajeno a su mundo como el Sónar. Así que ya venía siendo hora de verlos en una colaboración conjunta de envergadura como Mellizo Doble, espectáculo que encandiló a los japoneses en su estreno en Tokio en 2019. Ahora nos toca a nosotros.