— MuroTRON

10, 11 y 12 diciembre en el IVAM

Pasado continuo: tiempo verbal de la lengua inglesa que describe acciones realizadas en un momento del pasado que luego continuaron.

De Ángela Millano y Julián Pacomio / del 2 al 4 de diciembre en Teatro Pradillo

Make It, Don’t Fake It invita al espectador a habitar un espacio donde se van sumando, poco a poco, distintas capas de significado. Las imágenes, la voz, el recuerdo, el cuerpo, el movimiento, el cansancio y el sudor se entrecruzan con las miradas y los cuerpos de los espectadores para compartir, durante un espacio de tiempo único, un universo común.
¿Qué significa apropiarse del lenguaje cinematográfico atendiendo al guion, a la banda sonora y a los silencios? Make It, Don’t Fake It forma parte del proyecto Asleep Images que se pregunta: «¿Puede una persona en sí almacenar/ser/representar/reproducir contenidos cinematográficos?».

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/make-it-dont-fake-it/. 

De El Pollo Campero / 11 de diciembre en La Térmica de Málaga

Las actrices siempre mienten es una investigación escénica que parte del estereotipo y los tópicos asociados al universo de la actriz (¿qué sabe hacer una actriz por el hecho de serlo?), para utilizarlo como excusa, trascenderlo y hablar de los temas que nos interesan como creadoras y como individuas (oficio, género, precariedad).

Todos los castings, pruebas, cursos, talleres que hemos hecho a lo largo de nuestra vida con el objetivo de ser actrices solventes no nos han servido para
eso, cierto es, pero con todo ello hemos construido esta pieza de teatro contemporáneo.

En este segundo montaje continuamos investigando alrededor de estas tres líneas de trabajo:

– Reflexionar sobre el hecho escénico y los elementos teatrales convencionales.Desdibujar la línea que separa lo real de lo ficticio.

– Privilegiar el texto de creación propia elaborando textos de ficción a partir de pre-textos autobiográficos.

– Conjugar el lenguaje del cabaret con los lenguajes escénicos contemporáneos (danza, teatro, performance).

Más información y entradas: https://www.latermicamalaga.com/actividades/las-actrices-siempre-mienten-de-cia-pollo-campero. 

Alice Ripoll

4 y 5 de diciembre en Conde Duque

Para entender lo que es el passinho debes situarte en un punto geográfico y una cultura muy específicos: las favelas de Río de Janeiro. Universo cerrado con normas y reglas personalizadas, en estas enormes extensiones de casas marginales se ha configurado una cultura autóctona que tiene en la danza urbana una de sus señas de identidad. Un hip hop contaminado y (de)construido con retazos de samba, funk brasilero, break, dance, funk, twerk, popping y otras tantas corrientes, que terminó bautizado como passinho. La tendencia se institucionalizó durante las llamadas bolas funk, macrofiestas populares, hoy prohibidas.

Pero el passihno no ha tardado en trascender las fronteras de las favelas. Su inclusión en la fastuosa ceremonia de apertura olímpica en 2016 fue su carta de presentación en sociedad y ahora Alice Ripoll, una aspirante a psicoanalista que terminó raptada por la danza y que simultáneamente dirige su compañía REC, ha visto claramente (y explotado) las posibilidades escénicas de esta danza de calle.

Su primer contacto lo tuvo en 2014 participando en un programa social del Festival Panorama (el más destacado evento de danza contemporánea en Brasil) que ponía a coreógrafos en contacto con bailarines espontáneos de las favelas.

De esa experiencia nació Suave, una obra que terminó en la programación oficial del festival y fue el germen de la compañía del mismo nombre. Aunque influenciada por los modos y usos de la danza contemporánea, Suave tenía como columna vertebral el passinho, siendo la primera vez que esta danza urbana subía al escenario en forma de coreografía.

El proceso de creación distaba mucho de la manera, más convencional, con la que Ripoll trabajaba con su compañía REC. Los chicos de la favela no eran profesionales, no bailaban pensando en un escenario. La coreógrafa optó por sesiones en las que cada uno de ellos le mostraba sus posibilidades y lo que sabía hacer dentro del lenguaje que dominaba. A partir de todo lo que le fueron enseñando creó una dramaturgia y el resultado final es una pieza que, sobre la base del passinho, intenta hablar también de la vida en la favela, de las vivencias y aspiraciones de todos estos jóvenes, de futuro, de política, de exclusión…

Sorprendidos a sí mismos con los resultados de la coreografía se formalizaron entonces como Compañía Suave. Durante aquel primer proceso de trabajo, Ripoll había quedado fascinada con una propuesta que quedó fuera, una corriente del passinho conocida como danzinha. A ella por completo dedicaron su nueva PAÍS Brasilcreación Cria, en la que resaltan la sensualidad intrínseca de la danzinha y evocan su carácter mestizo desde esos trajes mínimos y extravagantes que mezclan sin pudor terciopelo, lentejuelas y lycra.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/alice-ripoll-suave. 

11 y 12 de noviembre en DT Espacio Escénico

Coreografía y danza: Annika Pannitto
Texto: Óscar Cornago
Supervisión musical: Rodrigo Faina
Proyecto en colaboración con el CA La Praga

Imaginamos esta danza cómo un espacio común que emerge a partir de unas pocas reglas sencillas. Un encuentro, un ejercicio compartido, una conversación sobre lo que acontece.
Cada vez, nos damos unas pautas que son más un pretexto para dialogar a través de nuestras prácticas y compartir algunos pensamientos con el público.
Un lugar de calma y atención para compartir tiempo.
Una invitación a entrar y salir, a estar y no estar, según cómo cada uno lo desee.

Más información y entradas: https://dtespacioescenico.com/temporada-2021-2022/sobre-lo-incierto/. 

10 y 11 de diciembre en La Casa Encendida

Perpetua Felicidá es un tríptico de agonías, decesos y resurrecciones. Tres pasiones encarnadas por cada una de las intérpretes con la ayuda de sus compañeras y de las santas Perpetua y Felicidad, extrañas mártires del siglo III d.C. en la romana Cartago. Ama y esclava; blanca y negra; lactante y embarazada, respectivamente. Moreau, Keisanen y Morales usan la danza (sí, la usan: le dan utilidad: creen en su potencia aniquilador de privilegios) como la ganzúa que revienta las puertas de sus saberes; la danza como saqueadora de los estados físicos y mentales que los regímenes tiene tan bien custodiados.

Una investigación acerca del martirio y su estetización, con el objetivo de aplicar sus resultados a una pieza de danza que reflexiona y crea paralelismos entre el hecho dancístico y el fenómeno martirológico.

El colectivo Iniciativa Sexual Femenina nace en 2017 en el centro social autogestionado Can Vies, en Barcelona, ​​con el deseo de aproximarse a la danza contemporánea desde una perspectiva feminista, libertaria y antiacademicista. Está integrado por Élise Moreau (Francia, 1992), Elisa Keisanen (Finlandia, 1988) y Cristina Morales (España, 1985).

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/perpetua-felicida-iniciativa-sexual-femenina-13066. 

20 y 21 de noviembre en Teatro de la Abadía

Durante el tiempo de la pandemia, en la primavera de 2020, la coreógrafa madrileña Elena Córdoba y los componentes de su compañía recogieron flores que miraban a través de un microscopio, como una manera de atravesar aquel tiempo de zozobra. De ello dejaron constancia en un blog. Y de esa experiencia surgió Criaturas del desorden, el espectáculo de danza que presentan en el Festival de Otoño. A partir de la observación de las flores, Córdoba y su equipo fueron elaborando una serie de ficciones, en las que, a través de la danza contemporánea, confrontan sus cuerpos, la materia única del trabajo de la coreógrafa, con las formas paisajísticas de las flores.

Elena Córdoba trabaja en Madrid desde el año 1990. Su obra se construye a partir de la observación detallada del cuerpo, eje y materia de su trabajo. En el año 2008 inicia Anatomía poética, un ciclo de creación sobre el interior del cuerpo humano, que comprende obras y estudios de distintos formatos y que aún se extiende en el tiempo. Se interesa especialmente en el acto de bailar, en su necesidad y su pervivencia social. Al baile, entendido como una manifestación humana, le dedica distintos proyectos colectivos como Bailar, ¿es eso lo que queréis?, Déjame entrar o ¿Bailamos? Su mirada sobre el cuerpo ha acompañado algunas obras de Antonio Fernández Lera, Rodrigo García, Carlos Marquerie, Silvia Pérez Cruz o Rocío Molina. Además, ha publicado relatos, diarios de trabajo y ensayos breves. Actualmente trabaja en el proyecto Ficciones Botánicas que pretende construir coreografía a partir de las formas de las plantas.

Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2021/criaturas.html

©Virginia Rota

Luz Arcas/La Phármaco

Del 27 al 31 de octubre en Conde Duque

Nuestros cuerpos tienen una carga histórico-cultural. Sobre esto lleva tiempo reflexionando la bailarina y coreógrafa malagueña Luz Arcas, directora de la compañía La Phármaco que ahora, en Bekristen/Cristianos. Capítulo II. Somos la guerra, da continuidad a lo que aspira ser una trilogía sobre estas inquietudes que surgieron de su experiencia personal, tras cinco años de proyectos de danza en países de Asia, África y América. Percibió en los cuerpos y gestos de muchos de sus habitantes el peso de la herencia cristiana hoy cómodamente reconvertida en capitalismo neoliberal.

En sus reflexiones, el cristianismo, que da título genérico a su trilogía en construcción, se alza como el primer proyecto económico, político y social de alcance global, el mismo que talló el marco en el que se mueven hoy el capitalismo y el neoliberalismo, que imponen sus criterios desde una violencia totalitaria, a veces muy sutil. Además fue ese mismo cristianismo el que propició y potenció las élites a través de las figuras segregacionistas de colonizadores y colonizados.

Bailar esta problemática es su cometido en la trilogía Bekristen. En La domesticación (2019), el primer capítulo estrenado, apuntaba hacia la asimilación de valores que generan una necesidad extrema e impuesta de consumo y triunfo, y también hacía referencia a lo que ella llama la «herida histórica de los cuerpos». Ahora en la continuación, aborda otros derroteros de la misma problemática. Así lo explica: «Somos la guerra es una obra rota, hecha de fragmentos, un evangelio apócrifo que recoge otra visión del mito, un relato no-oficial del cuerpo que espera el milagro. El discurso es puramente físico, intuitivo, inspirado en anécdotas, imágenes y referencias concretas de mi vida. La música electrónica, la influencia del folclore, de las imágenes marianas veneradas en mi tierra, Andalucía, el deseo de bailar más que de hacer danza, lo que el cuerpo que baila convoca o el impacto en mi cuerpo del nacimiento de mi hija: la anunciación, que lleva implícita la esperanza, y sus primeros años, la necesidad de afrontar el proyecto de domesticación de la civilización humana. Somos la guerra es una obra sobre el sudor y las lágrimas, sobre las aguas del cuerpo».

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/luz-arcasla-pharmaco-somos-la-guerra.

Del 28 al 31 de octubre en el Mercat de les Flors 

Sònia Gómez ha invitado a cinco intérpretes excepcionales y con un gran bagaje creativo y escénico a responder a la pregunta: ¿qué piensa el intérprete cuando está actuando en escena? La propuesta para Magí Serra, Núria Guiu, Elisa Keisanen, Guillem Mont de Palol y Pere Jou es escenificar “la representación dentro de la representación”, en la que Sònia Gómez busca como coreografía un encuentro entre bailarines y performers. Y lo hará con un recurso híbrido de movimiento al que ha llamado zoom.

La bailarina, performer y coreógrafa Sònia Gómez estudió en el Institut del Teatre y en la escuela P.A.R.T.S de Bruselas. Desde el año 2004 trabaja en proyectos que tienen como ejes temáticos la construcción identitaria, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales a través del arte y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance. Sus creaciones, Mi madre y yo, Experiencias con un desconocido, etc, son montajes multidisciplinares que recorren un amplio abanico de lenguajes, estéticas y referencias.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/the-black-body-the-blue-mind-and-the-fluorescente-guts/

Dirección Sònia Gómez / Con la colaboración Núria Guiu, Magí Serra, Elisa Keisanen, Guillem Mont de Palol, Pere Jou / Feldenkrais Ohad Nachmania / Asesor artístico Txalo Toloza / Espacio sonoro Carles Parra / Espacio escénico Gómez & Broessel / Diseño 3D Renderfields / Diseño iluminación Anna Rovira / Asistencia plástica Jorge Dutor / Fotografía Tristán Pérez-Martín /Producción ejecutiva elclimamola
Coproducción Mercat de les Flors / Residencia Graner fábrica de creación, WP Zimmer / Con el apoyo Institut Ramon Llull