— MuroTRON

Sumario 3/94 – 7 y 8 de mayo 

El 25 de junio de 1995, Vicente Arlandis Ruiz, mi padre, fue detenido por la Guardia Civil acusado de asesinar a María Lidia Bornay, una señora de 84 años, vecina nuestra. Él mismo había denunciado su desaparición unas horas antes, extrañado de que María Lidia llevara varios días sin contestar a sus llamadas. Después de numerosas declaraciones de vecinos y testigos, mi padre, junto a dos personas más, es detenido y más tarde acusado de homicidio. Tras cinco años de juicios y recursos, es condenado a 29 años y  6 meses de cárcel. Cumplió condena en varias prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 2 meses meses y 10 días.

Más información y entradas: https://www.espacioinestable.com/espectaculo/3/sumario-3-94.html. 

El esfuerzo constante de ganarse la vida – 8 de mayo

El esfuerzo constante de ganarse la vida es una performance donde trato de trabajar lo mínimo, lo justo y lo que yo entiendo por razonable. Os voy a contar lo que pienso de la disciplina, del trabajo del bailarín y del secuestro de nuestro tiempo. Os voy a contar cómo se siente al repetir durante ocho horas al día la misma acción en una fábrica o cómo se queda el cuerpo al bailar el mismo espectáculo durante cinco años. Y para acabar os voy a contar unos chistes, os dejo uno como ejemplo.

Todos seríamos más felices si trabajásemos de lo que nos gusta. En mi caso es muy difícil encontrar trabajo de macarrones con queso.

Más información y entradas: https://www.espacioinestable.com/espectaculo/3/el-esfuerzo-constante-de-ganarse-la-vida-0334.html. 

Elena Córdoba – 30 de abril y 1 de mayo en Réplika Teatro

“En el año 2016 hice una obra íntima que partía de la observación del cadáver, una pieza con la que me acerqué al proceso de descomposición del cuerpo. Esta obra se llamó Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera y fue fruto de dos años en los que estudié, escribí y confronté mi cuerpo vivo a un cuerpo (su cuerpo) sin vida.
Siempre me ha asustado no poder identificarme con lo que hice, por eso no suelo mirar atrás. Revisar o revisitar me parece tentar a la melancolía, una amiga a la que suelo esquivar todo lo que puedo.
Pero Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera partía de un texto escrito que no había cambiado en estos años, que me había estado esperando. Quise prestarle el cuerpo a esas palabras para que volvieran a sonar. Igual ahora, en los tiempos que vivimos, estas palabras vuelven a ser pertinentes.
Nunca habría retomado estas reflexiones sola, mi amiga Luz Prado y mi compañero Carlos Marquerie me acompañaron en este viaje.”

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/pensamientos-de-una-bailarina-elena-cordoba/. 

Escritura y danza: Elena Córdoba
Música: Luz Prado
Iluminación: Carlos Marquerie

Pensamientos de una bailarina que entendió el ritmo al mirar un cadáver, se estrenó en La Casa Encendida el 19 de junio de 2021 dentro del Festival Domingo.

Elena Córdoba (Madrid, 1961). Su obra se construye a partir de la observación detallada del cuerpo, eje y materia de su trabajo. En el año 2008, inicia Anatomía poética, ciclo de creación sobre el interior del cuerpo humano, que comprende obras y estudios de distintos formatos y que aún se extiende en el tiempo. Se interesa especialmente en el acto humano de bailar, su necesidad y su pervivencia social, a él le dedica el proyecto de investigación colectiva Bailar ¿es eso lo que queréis?, que desarrolla junto con Ana Buitargo y Jamie Conde Salazar. También participa en el colectivo anatómico Déjame entrar y del proyecto ¿Bailamos? para la creación de grupos de baile.
Actualmente, Elena trabaja entre el cuerpo y la botánica en el marco de Ficciones Botánicas, un proyecto de estudio y ficción en torno al mundo vegetal y sus leyes coreográficas.

elenacordoba.net

Luz Prado (Málaga, 1985). Es musicao, violinista y performer. Trabaja en lo escénico desde el sonido y cree en la creación colaborativa. Su práctica parte de un diálogo constante con el violín y el encuentro con personas que ponen en valor el ser y el estar a través del folclore, el diy, el movimiento o el ruido.
Crece con músicos centrados en la improvisación como Wade Matthews o Julián Sánchez; expande lo sonoro con artistas como Violeta Niebla, Nilo Gallego, Elsa Paricio o Silvia Zayas, y comparte procesos con bailarinas como La Chachi, Elena Córdoba o Carlota Mantecón.

luzprado.com

Amalia Fernández – del 28 al 30 de abril en Conde Duque 

Amalia Fernández (Granada, 1970) se ha movido siempre en la experimentación, ese territorio híbrido donde se relacionan términos como performance, danza, teatro, música, acción, etc. No obstante, a causa de su formación de bailarina, la coreografía y los mecanismos que la hacen posible, siempre ha sido para ella el lugar desde el que concebir sus procesos de investigación.

Sus producciones de los últimos años van desde la pieza escénica convencional (Matrioshka, Kratimosha, El resitentente y delicado hilo musical…) hasta el formato expositivo (Expografía). En este sentido, Neti Neti, a nivel dispositivo, es un paso más en esta exploración de las posibilidades temporales y de relación con el público de un hecho escénico. En esta ocasión, Amalia reflexiona sobre la danza como experiencia subjetiva, como acto social, como acto ritual (con lo cual, rascendente), y como acto exhibicionista (es decir, cuando ocurre en un espacio para que otras personas se sienten a mirarlo).

A través de diversas secciones, y a lo largo de cinco horas, desarrolla una exploración cuyo soporte es el cuerpo, y cuestiona el muro que separa a la persona que mira de la persona que ejecuta.

Para esta aventura, Amalia se acompaña de Mónica Muntaner, Catherine Sardella y Ohiana Altube, en parte por el puro placer de viajar en buena compañía, pero sobre todo porque ella considera que el individuo es importante solo en la medida en la que puede unirse a otros individuos para ir mas alla de su condición individual.

El término «Neti neti» proviene del hinduismo y significa algo así como «ni esto ni aquello». Supone un método para acercarse, por negación, a la experiencia de lo divino, como algo que, conteniéndolo absolutamente todo, no es concretamente nada. Esta comprensión no puede ser alcanzada por vía racional, sino más bien a través de un determinado estado de consciencia y de percepción que no es el común, es decir, que no es la forma común en la que los seres humanos nos relacionamos entre nosotros y con los fenómenos el mundo.

Amalia Fernández considera a Mónica Valenciano su primera y mas importante maestra (trabajó con ella durante 10 años en El Bailadero) ostenta una larguísima trayectoria, en la que destacan numerosas investigaciones y proyectos escénicos, entre los que cabría destacar Matrioshka (2005), Shichimi Togarashi (2007), Las Perras (2008), Kratimosha (2009), En Construcción (2013), Perrita China (2014), El resistente y delicado hilo musical (2017), Expografía (2019), Entre tú y yo (2020) etc. En numerosas ocasiones ha colaborado con creadores afines a su pensamiento como Juan Domínguez, Nilo Gallego, Cuqui Jerez, etc.

Más información: artículo de Rubén Ramos Nogueira sobre Neti neti  | entradas en la web de Condeduque

Miet Warlop – del 28 al 30 de abril en el Teatre Lliure

Vuelve al Lliure desde Bélgica Miet Warlop, una de las creadoras más vanguardistas del momento en las artes en vivo. Y lo hace con un espectáculo que hace explotar el imaginario de otro espectáculo suyo, Springville. En el escenario, de una casa sale una humareda de colores. De ella sale un hombre de color verde llevando una bolsa de basura y la deja fuera. La casa es una cama elástica, un trampolín para la imaginación. ¿Estamos preparados para el salto a lo desconocido?

Warlop estrenó Springville en 2009 (mejor espectáculo del Theaterfestival belga de 2010). Un juego de caos y sorpresas en las que le escenografía, el vestuario, los objetos y los personajes interactúan y se fusionan. Un parque de atracciones del desastre que ahora ha recuperado como quien regresa a una vieja y amada canción con nuevos músicos. En el mundo imaginario de Warlop, todo está en constante movimiento, todo es simbiosis y metamorfosis, todo adquiere vida propia, incluso los objetos inanimados. Un baile de imágenes alucinadas y humorísticas –como un slapstick mudo– que no buscan solo el impacto visual y la risa, también despiertan preguntas.

En After All Springville encontramos una casa viva y criaturas medio humanes-medio cosas para cuestionarnos el espacio que ocupamos, físico y mental; qué efecto tienen nuestros gestos; cómo nos relacionamos con los demás, cómo nos soportamos mutuamente en espacios pequeños, cómo podemos formar comunidades si prácticamente nunca nos vemos. Cuestiones que podrían ser trágicas si no fueran también muy divertidas. Y en esta brecha se encuentra la sorprendente propuesta de Warlop para todos los públicos.

Más información y entradas: https://www.teatrelliure.com/es/after-all-springville. 

Rosa Romero – 8 de abril en la Fundació Suñol 

Como cierre de la exposición Veinte rostros y tres multitudes la Fundació Suñol organiza una performance artística en colaboración con La Caldera Les Corts, fábrica de creación dedicada a las artes del movimiento, y con quien la Fundació Suñol ya colaboró en 2019 en la performance We Can Dance a cargo del artista Esther Rodríguez Barbero, y que se presentó en el marco de las jornadas O-brim!

La artista Rosa Romero nos presenta una propuesta que nace de su propio cuerpo, con la voluntad de generar complicidades entre el cuerpo, el movimiento y la mirada en el marco de un espacio rodeado de obras de arte que nos miran y nos piden ser miradas.

El mira-mira es un movimiento extraído de “Debut”, el primer solo de Rosa Romero y el primer movimiento de su Catálogo de movimientos extraordinarios. El mira-mira funciona como un hechizo, porque en esta obligación de mirar se ocultan todas las artes oscuras de lo que llamamos teatro (o danza, o performance, ritual, juego). Rosa dice miradme y en esa orden se materializa la idea de que quizás nunca ha sido mirada, que quizás está siendo mirada por primera vez, como si hubiera estado siempre oculta y de luto preparando ese momento.

Más información y entradas: https://www.fundaciosunol.org/es/actividad/rosa-romero-mira-mira/. 

De Adriano Wilfert Jensen – Del 8 al 10 de abril en La Casa Encendida

Una pieza de danza performance del coreógrafo danés Adriano Wilfert que parte de analisys, un proyecto de investigación de largo recorrido sobre las políticas de los sentimientos.

feelings es una danza y una escena en la que los sentimientos son opacos y plásticos. Una pieza donde diferentes formas de sentimiento y los sentimientos que producen las formas se superponen, y donde no está claro si lo que se siente sale o se dirige hacia uno mismo.

Una mañana miras hacia una nube y ves una figura. Te das cuenta de que esa figura está en ti, así que piensas que es mejor hacerte su amigo. Al día siguiente, ves más figuras. ¡Hay figuras por todas partes! Te haces amigo de todas ellas y se convierten en una suerte de banda invisible. Te guían y no tardas en depender totalmente de ellas. Ya no puedes vivir sin ellas.

Sin embargo, algunos días, de hecho bastante a menudo, se contradicen. Así que su forma de guiarte se vuelve confusa. Otros días llegan a manipularte, te engañan o incluso te dejan de lado. Esos días sospechas que son una suerte de agente doble. Y empiezas a dudar de si son tus amigos invisibles o los amigos invisibles de otra persona.

La pieza nace a partir de analysis, un proyecto de investigación de largo recorrido sobre las políticas de los sentimientos que inició Adriano Wilfert en 2017. analysis tiene sus raíces en la práctica de la danza y se desarrolla en varios formatos, contextos y colaboraciones. Se pregunta por las relaciones entre los sujetos y los sentimientos; ya sean los sentimientos de los propios sujetos o de los demás. analysis parte de la suposición de que los sentimientos son opacos en lugar de transparentes, mediados en lugar de inmediatos, y que son algo que se hace y no simplemente algo que se tiene. A partir de ahí, traza un camino en el que trata de perfilar cómo tales premisas podrían informar las relaciones entre las personas en el contexto de la danza y más allá.

La pieza está acompañada de un taller gratuito que tiene lugar el viernes y el sábado por la mañana.

feeling fue presentada en la última edición de la bienal de SAAL, el festival internacional de performances de Tallin.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/feelings-adriano-wilfert-jensen-13554. 

Adriano Wilfert Jensen trabaja con la danza y la coreografía como forma de analizar y producir condiciones para relacionarse. Su práctica se materializa a través de la creación, la interpretación, la escritura, el comisariado, la representación y la comercialización de piezas coreográficas. También es performer en las piezas de otros artistas, convoca encuentros, edita publicaciones y está involucrado en proyectos de investigación y docencia. Junto a Simon Asencio dirige desde 2014 Galerie, una galería inmaterial para obras de arte inmateriales. Con Emma Daniel baila para los dinosaurios en Spending Time with Dinosaurs. Junto con Linda Blomqvist, Anna Gaïotti y Emma Daniel organiza Indigo Dance Festival, Magazine y Tink Thanks en Performing Arts Forum – PAF. En 2018 presentó en Madrid Dream works R&D, una colaboración con Simon Asencio como parte del programa Saliva.

Alberto Cortés – 7 de abril en Espacio Inestable 

One night at the golden bar es una declaración de amor cursi desde una mirada queer. La búsqueda de un estado vulnerable que ponga en evidencia el poder de los afectos y la belleza que se esconde en la fragilidad. Desde el imaginario de la figura del ángel nos preguntamos qué masculinidad nos gobierna, qué fragilidades y grietas no se están mencionando, qué identidades están en un lugar vulnerable y cómo vamos a proteger a estos cuerpos cuando griten públicamente cómo se sienten cuando aman.

Más información y entradas: https://dv.ivc.gva.es/es/program/one-night-at-the-golden-bar-alberto-cortes/. 

Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol – 2 y 3 de abril en el TEA Tenerife Espacio de las Artes 

Diez años de¿Y por qué John Cage? es una performance sobre el sonido y el significado en un discurso dado, que versa sobre el poder del sonido de las palabras. En ella, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol se adentran en el terreno de lo sensitivo, de lo relacional, de lo perceptivo y de lo corpóreo. En este trabajo -explican sus creadores- el discurso puede ser cualquier discurso. Y es que en esta pieza no es importante lo que dicen sino cómo lo dicen, qué herramientas musicales y coreográficas utilizan para destrozar el texto y sumergirse en el trabajo del intérprete sugiriendo y surfeando por las olas del imaginario.

Más información y reservas: https://teatenerife.es/actividad/diez-anos-de-y-por-que-john-cage/2468. 

Jorge Dutor (Madrid 1979) estudió escenografía en la RESAD y ha trabajado como escenógrafo, diseñador de luces y vestuario en cine, teatro y televisión. En 2009 conoció a Guillem Mont de Palol y empezaron a trabajar juntos creando e interpretando sus propias piezas escénicas. Desde entonces, han estrenado una decena de obras en teatros, centros de arte y festivales de Europa y Latinoamérica. Su gran interés es la comunicación entre el espectador y lo que hay en escena, entendiendo la escena como canal.

Guillem Mont de Palol (Girona, 1978) es coreógrafo, performer e intérprete. Empezó formándose en flauta travesera en el Conservatorio y después se licenció en Magisterio Musical en la Universidad Autónoma de Barcelona. En 2002 se fue a la SNDO-School for New Dance Development en Ámsterdam. Desde 2009, junto a Jorge Dutor, ha creado piezas como Salir del armario (2020).

El programa Otros cuerpos comisariado por Masu Fajardo propone un conjunto global de piezas, artistas, procesos y encuentros en relación, que son expuestos dentro de una práctica de continuum. De esta manera, lo vivo como evento se diluye para entrar de lleno en prácticas compartidas y comprometidas en su hacer mundo.

De Cris Balboa – 1 de abril en la Sala BBK

Una pieza comunitaria de artes vivas sobre la cultura de la música electrónica y la fiesta. Un dispositivo de baile creado en site specific por el artista plástico Mauro Trastoy, donde el público participa activamente de la pieza con el centro en el baile y la energía colectiva.

Una hora surfeando el bit para celebrar la vida y poner el cuerpo.

Ficha técnica
Dramaturgia y Dirección: Cristina Balboa
Interpretes: Cristina Balboa, Elvi Balboa y Félix Fernández
Duración: 60’
Lengua: Gallego / Castellano
Edad: +16

Más info y entradas: https://salabbk.bbk.eus/bbk-off-festival-technocracia/. 

Teaser

Sandra Gómez – 7 de abril en La Mutant

Bailar al sonido es una propuesta que trata el sonido como una fuente energética, cuya propagación implica un trasvase de energía dirigido a alterar y afectar el cuerpo de forma que pueda modificar su estado y lugar. Es un ejercicio que pone en relación los elementos espacio, cuerpo, sonido y luz. Las acciones del cuerpo producen resonancias en el sonido y la luz que ocupan gradualmente el espacio produciendo una carga y una intensidad que afectan al cuerpo modificando su movimiento.

Sandra Gómez

De 2001 a 2012 trabaja como creadora en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos mostrados en festivales de ámbito nacional. Desde 2012 trabaja de forma independiente en propuestas centradas en el cuerpo y el movimiento, entre las que se hallan Volumen 2 (València, 2021), Preludio y fuga (València, 2019), Tot per l’aire (BAD, Bilbao, 2018), Heartbeat (València, 2017) y No soy yo (València, 2016).

Más info y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/bailar-el-sonido-sandra-gomez-dansa-valencia-2/.

FICHA ARTÍSTICA 

Concepto y dirección: Sandra Gómez

Creación: Javi Vela, Carlos Molina, Sandra Gómez

Intérprete: Sandra Gómez

Asistente de movimiento: Rocío Pérez

Espacio sonoro: Javi Vela

Asistente de sonido: Paco Fuentes

Luces: Carlos Molina