— MuroTRON

‘Zona grisa’ es un ciclo dedicado a la indeterminación, a la intuición y al descarte. Un contexto donde creadoras emergentes que están investigando pueden compartir los resultados de su trabajo y abrirse al encuentro, la reflexión y la crítica.  Con esta iniciativa La Mutant ofrece un espacio para explorar tentativas que no se pliegan a los formatos normativos de práctica escénica.

5 de abril

Oasis of serenity (ejercicio 1) – Laura Ramírez Ashbaugh

Oasis of serenity es un camino oblicuo, una decisión desviada. Un permanecer en la investigación mientras se va haciendo y el lenguaje se va torciendo. Aparecerán voces encarnadas y cuerpos sonoros que se hacen eco en el espacio a través de un avatar llamado serenity rave. ¿Dónde está el oasis ahora que vivimos un proceso de desertificación climática, social y política?
Usando la fragmentación y el desdoblamiento del cuerpo se abre un espacio intermedio para las narrativas e imágenes; para resignificar todo el rato. Tanto, que igual desaparezco. Un juego donde la ruina es el paisaje que invade desesperadamente el cuerpo de las expectativas, su velocidad y sus acciones.

Electromagnetic waves – Esther Rodriguez Barbero

Todo lo que está vivo conserva en su interior un estado de flujo, y todo, hasta la materia inerte, está vivo. Materia vibrante en estado oscilatorio. Universo fractal e infinito que habita en el ser desde el inicio de los tiempos. Partículas de la disolución de la última estrella. Electrones que orbitáis conformando la materia. Movednos. Este estudio trabaja con el espacio, el cuerpo se deja atravesar por sus corrientes, de ahí nace un primer impulso del ser para hacer vibrar la materia.
Un estudio de la ciborgmística.

Líneas de deseo – Isabela Rossi

Líneas de deseo es un sendero, una orientación, un camino alternativo, un camino desviado..
Es la construcción de una línea de pensamiento creada y siendo descubierta, a tiempo real, desde un momento de desorientación en un espacio no familiar y a través de la repetición.
La repetición como oportunidad para conocer y expandir estas líneas de deseo.

Más info y entradas: https://lamutant.taquillaunica.es/Eventos/VerEvento.aspx?idEvento=323.

Del 16 al 18 de febrero en La Casa Encendida

El programa Artistas en Residencia, que se lleva a cabo desde el año 2005 en La Casa Encendida, quiere ser más amplio en 2023, cuando se celebran los 20 años de La Casa Encendida de la Fundación Montemadrid.

Acento 2023 se articula a través de una serie de encuentros donde se convoca a lxs artistas que han realizado su residencia a lo largo de todos estos años, se mostrarán los procesos de lxs residentes actuales y se recibirá a los residentes entrantes. Esta invitación se extiende también al público general con la idea de aunar diferentes públicos en torno a esta celebración de las artes performativas, que concebimos como un regalo. Un encuentro que nos reúna y produzca las condiciones de estar juntxs. Acento 2023 será un presente en presente.

PROGRAMA ABIERTO AL PÚBLICO (Entrada libre hasta completar aforo):

• Jueves 16 de febrero
  • 19 y 20:15 h. Nosferatu, de Sara Manubens. Patio
    El proyecto pone en relación el fenómeno vampírico expresionista con el cuerpo transfemenino y hormonado, actualizando las preguntas del film original en relación al deseo sexual, el terror al cuerpo, la cacería social y la reproducción del monstruo. Esta pieza es un ejercicio de re-apropiación de aquello que siempre fue nuestro, el género del terror, para una liberación queer.
    Dos vampiras trans-lesbianas, condenadas a vagar por un teatro en ruinas. Parece que juegan a enterrarse, a darse el pésame por el castigo de llevar su cuerpo. Recrean sus muertes, las fingen de nuevo para no olvidarse que en vida ya están muertas.
  • 21 h. Noir c’est pas noir, de Vicente Colomar y Talia de Vries. Patio
    Investigación artística sobre las relaciones cuerpo-arquitectura a través de la luz y el sonido. Este trabajo pretende demostrar que la arquitectura es un arte viva, quizá la más viva de todas; que la arquitectura es un arte sonora, quizá la más sonora de todas.
    Talia de Vries y Vicente Colomar se conocieron en el programa Research Studios en P.A.R.T.S, Bruselas. Desde entonces trabajan en colaboración sobre los conceptos ritmo, espacio y tiempo.
    Colaboradores: Ricardo Santana Raúl Marcos y Óscar Villegas.
• Viernes 17 de febrero
  • 17:30 h. Charla Amigos, disfraces y comunas, con Julia Ramírez-Blanco. Aulas
    Julia Ramírez-Blanco es investigadora Ramón y Cajal en la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo se sitúa en las intersecciones entre el arte, el activismo y la utopía. Su intervención, relacionada con su libro Amigos, disfraces y comunas. Las hermandades artísticas del siglo XIX (Cátedra, 2022) aborda  las potencias subversivas de la amistad y del anacronismo como inspiración política. También habla de género, performance y ritual, pensando las vinculaciones del pasado con aquellas historias que queremos articular en el presente.
  • 19:30 y 21 h. Las que bailan, de Clara Pampyn. Patio
    Las que bailan es una primera formalización para compartir parte del proceso de un proyecto de investigación y mediación llamado Las bailarinas no tocan el cielo. Este proyecto trata de poner en valor el trabajo de las bailarinas, de las personas que suelen trabajar para otros artistas en el campo de la danza, el movimiento y la performance. Se reúnen para cuestionar las estructuras, los modos de hacer, su relación afectiva con el trabajo, la idea de red o de gremio, el amor, la fe, la soledad, la manera en la que su trabajo conforma la idea que tienen de sí mismas. Las que bailan es un cuerpo que se pone al servicio de las palabras que Clara Pampyn ha compartido con otras bailarinas. También de sus vivencias, sus gestos y sus bailes.
    Clara Pampyn es bailarina y coreógrafa.
• Sábado 18 de febrero
  • 17:30 – 19 h. Procesión Descanse en flores (D.E.F) y atardecer en el cementerio, salida desde la puerta de La Casa Encendida.
  • 21 h. El vuelo del hipotálamo, de Osikan/ José Ramón Hernández. Patio
    El vuelo del hipotálamo es una ceremonia escénica para las muertas y los muertos en el mar. La pieza activa un ritual colectivo a partir de la instalación de un altar en el que se canta, evoca y celebra la vida. El mito de las muñecas Abayomis (palabra que significa encuentro precioso) se entrecruza con la experiencia de vida de adolescentes y jóvenes provenientes del Congo, Camerún, Marruecos, Liberia, Nigeria, Costa de Marfil y Senegal.
    José Ramón Hernández. Artista indisciplinar afrocubano, comisario, docente y gestor cultural. Estudió en el Instituto Superior de Arte de Cuba. Fundador, coordinador artístico y general de Osikán – vivero de creación contemporánea. Gestor y comisario de Zona Cero – taller de experimentación creativa desde el 2010 y de Habana Off – escala 1 desde 2017.

*PROGRAMA DESTINADO A RESIDENTES

• Jueves 16 de febrero
  • 11 h. Taller Descanse en flores (D.E.F)
    Las flores, arreglarlas y ofrecerlas es una tradición que nos acompaña desde antes del Neolítico.
    Descanse en flores (D.E.F) es un recorrido compartido por la tradición floral vinculada especialmente al duelo y a lo funerario. A través de varias sesiones, teórico-prácticas, exploraremos las reminiscencias históricas y culturales de esta costumbre, así como su arraigo y vigencia en nuestros días. Como parte del “ritual funerario” abriremos la experiencia a la reflexión y creación grupal de una pieza con material vegetal y floral.
    KOKON es el proyecto personal de la artista floral y arquitecta María Eugenia Diego (1989, Zamora), que revisa el vínculo del ser humano con la belleza y la naturaleza, especialmente en el necesitado ámbito urbano.
  • 16 h. Sociotécnicamente paliatives, con Jara Rocha
    Necesitamos dotarnos de espaciotiempos para identificar y comenzar a experimentar el duelo colectivo y transversal que nos constituye. Si el hope punk ha sido uno de los términos más al alza en esa curiosa máquina de medición de capital semiótico que es la literatura especulativa reciente, agitémonos. No por los indicadores que vayan a colocar un tipo u otro de subjetividad en los rankings de realismo para hablar del presente en el presente, sino porque la combinación del individualismo feroz y de esperanza buenista (hope?) con actitudes antagónicas y de protesta (punk?) es especialmente preocupante en un momento de profundo duelo y de reparaciones considerables solo a veces y siempre parciales. Urge pensar transversalmente las condiciones semióticas y materiales de posibilidad para una justicia regenerativa. Urge abolir un macro-régimen de opresión, limitación, exclusión, extracción y explotación que aunque depende de la modernidad ya la ha desbordado (véase el paradigma de la nube, su economía, su socialidad). Una justicia social que pase por dejar de celebrar así nomás los cuidados como forma relacional, y por incorporar en el cotidiano los cuidados paliativos, si queremos, de lo que necesita abolirse: este sistema tecnopolítico de centralización del poder y esquilme absoluto que configura los modos de existencia de todo el mundo, de modos dispares y desiguales. Acompañarlo a terminar. Esta se plantea como una sesión de probaturas para imaginar la potencia de la co-existencia paliativa. Y no solo en relación a la politización de la captura y retirada de carbono después del último informe del IPCC, pero también.
    Jara Rocha hace investigación inter-dependiente y para-académica. Casi siempre trabaja desde las tecnociencias trans*feministas y en conversación con otres. Su práctica toma formas diferentes como la escritura, la docencia, la curaduría, la manufactura de piezas online, el inventariado, la asesoría, el podcast o el reporte de errores. Acaba de publicar junto a Femke Snelting el libro Volumetric Regimes: material cultures of quantified presence (OHP, 2022). Es Fellow 2023 de InfraMantenimiento en Hangar (Barcelona), y miembro asociado de TITiPI (The Institute for Technology in the Public Interest). 
• Viernes 17 de febrero
  • 10 h. D.E.F. (Descanse en flores).
  • 11 – 14 h. Taller Rondando los buitres, con Catalina Insignares.
    Relacionarnos con lxs muertxs como entidades invisibles que nos acompañan constantemente. Hacer presente su aparente ausencia a través de nuestros cuerpos sensibles.
    Practicamos formas de mantener vivas estas relaciones mediante la atención, amplificando la capacidad de percibirlas. Algunas de estas prácticas se parecen al trabajo del duelo, y otras se parecen más a volver a despertar relaciones que han estado dormidas.
    Catalina Insignares es una coreógrafa colombiana viviendo en Bruselas. Le interesa cómo utilizar los medios sensoriales y ficticios del cuerpo y del tacto para desarrollar formas de comunicación con lo invisible. Siempre trabaja a través de la colaboración, sus principales compañeras en el arte son Myriam Lefowitz y Carolina Mendonça.
• Sábado 18 de febrero
  • 11 – 14 h. Taller Rondando los buitres, con Catalina Insignares.
• Domingo 19 de febrero
  • 6:30 h. Amanecer con Edurne Rubio y María Jerez.
    Hace mucho tiempo, se pensaba que el sol era la rueda de un carro que cruzaba el cielo de Este a Oeste.
    Día tras día, noche tras noche, hay un ciclo de atardeceres y amaneceres. Siempre iguales, siempre diferentes. Cambiando los colores del cielo, afectando a la temperatura, el sonido, la condensación; alterando la energía de las plantas, los animales y la tierra; suscitando diversas historias, creencias y teorías.
    ¿Qué ocurre en ese momento de transición? ¿Se repetirá mañana la salida del sol? ¿Estaremos aquí para verlo? Os invitamos a contemplarlo juntos, a experimentarlo, a centrar nuestra atención en este fenómeno natural.
    Unx astrofísicx en conversación con Edurne y Maria y todxs lxs asistentes compartirá con nosotrxs sus conocimientos y experiencias.

Comisarixs: Ignacio de Antonio Antón y María Jerez.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/acento-2023-14401. 

Alberto Cortés – 11 y 12 de febrero en Réplika 

El Ardor parece un discurso donde una sombra habla sobre la necesidad de convertir en inmortales a las comunidades outsiders, adolescentes, viejas, queers y cuerpos al margen, hacer de ellos bandas callejeras que vivan el deseo como un estado romántico inmortal, contra el consumo rápido, como herramienta de destrucción de la sociedad afectivocapitalista. Sueño con un ardor que es el deseo puesto en crisis, no limitado a la pornografía sino a la posibilidad de engendrar un estado casi santo, de entusiasmo eterno. Sueño con ocupar las calles con pasión. Hay algo de incendiario en el discurso de la pieza y mucho de poética influenciado por las teorías postanarquistas de Hakim Bey, la narrativa salvaje y queer de William Burroughs o Arthur Rimbaud y la idea de la inmortalidad de los cosmistas rusos (exigimos al biopoder que haga inmortales a los desheredados, ya son vampiros).

Desde el escenario se mira de lejos el concepto de revolución, de un modo que refleja la óptica contemporánea desde la que miramos el cambio en la sociedad actual: como un romanticismo cinematográfico imposible (estamos encarnando Lo Romántico). Al final del todo lo que parecía un discurso era un poema dedicado a la calle y a mis padres. Y lo que parecía un monstruo era un marica.

Alberto Cortés

Soy Alberto Cortés. Inicié mi formación como director y dramaturgo en Málaga, donde también estudio Historia del Arte. Estoy en la escena porque en cierto modo la detesto y en esa guerra encuentro mi lugar. En 2009 comencé mi camino en lo escénico desde la dirección y la dramaturgia bastarda y se ha ido transformando con los años en un proceso largo de asalvajamiento desde la periferia andaluza. Me encuentro con diversos creadores que han formado parte de mi formación y que en algún momento han influido en mi modo de mirar la escena (Gabriela Carrizo, Rodrigo García, David Fernández, Patricia Caballero, etc…) hasta desarrollar un camino que me hace colocarme sobre el escenario en primera persona. Sigo sosteniendo mis ganas de continuar porque tengo esperanza en lo innombrable, lo intangible y lo humano. Desarrollo mis propias creaciones, comparto mis inquietudes en forma de talleres y acompaño el trabajo de otras creadoras. A día de hoy desarrollo mi identidad siendo creador, director, dramaturgo, acompañante, performer, docente, hijo, tío, amante, amigo.

→ Creación y dramaturgia: Alberto Cortés
→ Iluminación: Benito Jiménez
→ Música: Pablo Peña
→ Asistenta corporal: Patricia Caballero
→ Vestuario: Gloria Trenado
→ Fotografía y vídeo: Manu Rosaleny
→ Agradecimientos a Rebeca Carrera, Rosa Romero, Bárbara Sánchez, Cris Balboa, Cris Celada, Miguel Marín, Isaac Torres, Marco Michelângelo y Dianelis Diéguez.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/el-ardor-alberto-cortes/.

João Lima – 16 y 17 de febrero en el Mercat de les Flors

En el portugués de Brasil, cavalo do cão (“caballo del perro”) es una expresión que se refiere a diferentes cosas: a un insecto, cuya picada provoca un dolor terrible, a una persona indomable y al caballo que monta el diablo. El término sugiere un tipo de animalidad en transformación. En este solo, João Lima pone en juego diversas relaciones entre la voz y el movimiento, el lenguaje oral y el coreográfico. Cavalo do cão busca una respuesta escénica a una interrogación contemporánea: para entender el presente, es necesario reflexionar sobre el gran marco histórico de la modernidad: el colonialismo y sus repercusiones en la actualidad.

João Lima (Brasil, 1980) es performer, coreógrafo y educador en diversas organizaciones artísticas. Estudió en el Curso de Formación de Actores de la Fundación Joaquim Nabuco, en el Curso de Investigación y Creación Coreográfica en el Fórum Dança y en la formación ESSAIS, en el Centre National de Danse Contemporaine d’Angers. Ha colaborado con artistas como Azkona & Toloza, Cecilia Colacrai, Marcela Levi, Vitor Roriz & Sofia Dias, entre otros. Sus piezas se han presentado en contextos como el Centro Cultural de Belém (Lisboa), Sala Hiroshima, Antic Teatre, Dansa Metropolitana y Mercat de les Flors.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/cavalo-do-cao/. 

Del 10 al 12 de febrero en el Mercat de les Flors

Olga de Soto es coreógrafa, bailarina e investigadora en danza afincada en Bruselas. Inicia su trabajo en 1992, centrado en la investigación y la escritura coreográficas, creando numerosas obras de diferente formato. A comienzos de 2000, inicia una serie de proyectos de creación cuya particularidad reside en estar íntimamente ligados a largos procesos de investigación y de documentación, al margen de las lógicas clásicas de los modos de producción. Su trabajo ha sido presentado en una veintena de países. Desde hace varios años, Olga es invitada con regularidad a intervenir en el marco académico compartiendo su metodología de investigación corporal y documental en universidades en Europa, América Latina y Estados Unidos.

Mirage – Displacement (Espejismo desplazado) – 10 de febrero

INCORPORAR | KIDS – 11 y 12 de febrero

INCORPORAR lo que queda aquí adentro en mi corazón – 11 y 12 de febrero

Selección de filmes de OLGA DE SOTO – 11 y 12 de febrero

Del 28 de enero al 5 de febrero en el Mercat de les Flors

Mette Ingvartsen es una coreógrafa y bailarina danesa. Empezó su formación en 1999 en Ámsterdam continuó en Bruselas, donde se graduó en P.A.R.T.S. en 2004. Distinguido por su carácter híbrido, su trabajo coreográfico fusiona la danza con otras disciplinas, especialmente las artes visuales, la tecnología y el lenguaje. Entre 2009 y 2012, The Artificial Nature Series (que comprende las piezas Manual Focus (2003) o 50/50 de 2004), desarrolló un ciclo de trabajo sobre las relaciones humanas/no humanas. Por contra, su última serie, The Red Pieces: 69 positions (2014), 7 Pleasures (2015), to come (ampliado) y 21 pornografías (2017), se centra en el desnudo, en la sexualidad y en cómo el cuerpo ha sido históricamente un lugar de luchas políticas.

50/50 + Manual Focus – 28 y 29 de enero

Silvia Gribaudi – 27 al 30 de diciembre en el Mercat de les Flors

Monjour es un dispositivo performativo que propone una reflexión sobre el poder y el juego de manipulación entre el performer y el público. Dos bailarines, un clown/actor y dos acróbatas establecen prácticas coreográficas sobre la relación entre el cuerpo y la comicidad, y entre el diseño y la estética, así como en las relaciones entre el performer y el público. En la pieza, que cuenta con los dibujos pop de la artista Francesca Ghermandi, los protagonistas siguen las indicaciones del director de un circo moderno. Una propuesta que nos ofrece una diversión a la vez inteligente y liberadora.

La coreógrafa italiana Silvia Gribaudi pone en el centro del lenguaje coreográfico la comicidad y la relación entre el público y el artista. Su trayectoria se inicia en 2004, con espectáculos que se han podido ver en numerosos festivales tanto nacionales como internacionales que se han desarrollado partiendo de procesos creativos centrados en el diálogo y el encuentro poético con otros artistas, compañías y comunidades. Así mismo, es cofundadora, junto a Chiara Frigo y Giuliana Urciuoli, de la asociación cultural Zebra.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/monjour/.

Norberto Llopis – 17 y 18 de diciembre en La Mutant

/ego/eco/hueco/

/ego/hueco/cueco/

/eco/zueco/tueco/

En occidente, el devenir de la significación, de la acción o el mismo suceso de un cambio ha sido leído siempre desde la perspectiva del trazo, desde la perspectiva de la figura que cambia frente a un fondo. Todo cambio depende de un acto, de un personaje que actúa, de una figura o héroe que opera una transformación. En nuestra pieza investigamos sin embargo el devenir, el cambio, no tanto desde el lado de la acción o el personaje que la acomete, sino desde el lado hueco, desde la perspectiva de la superficie en que se inscribe, como una negatividad que proviniera de un agujero, un especie de negatividad hueca. Irónicamente nuestro medio es el de la “performance”, es decir, en cierto modo s?u?c?e?d?e? a través de la a?c?c?i?ó?n?, luego, habrá que preguntarse ¿De qué modo s?u?c?e?d?e?n? las cosas cuando no suceden? ¿De qué modo s?u?c?e?d?e?n? las cosas bajo la lógica del lado hueco, de la superficie de inscripción?

En NO—HUECO las cosas sucederán en cierto modo sin suceder, no se trataría tanto de transformar las figuras efectivas que ponemos en escena, sino de provocar un desplazamiento o un deslizamiento en la superficie, en el plano sobre el que la figura se hace visible, un desplazamiento o suceso en cierto modo invisible, molecular. Como si se operara un crimen blanco, un asesinato invisible, un homicidio de fondo que apenas se percibe, un asesinato sin asesino ni cadáver.

Más información y entradas: https://lamutant.taquillaunica.es/Eventos/VerEvento.aspx?idEvento=275.

____

Concepto y dirección: Norberto Llopis Segarra

Interpretación y colaboración creativa: Santiago Ribelles, Inka Romaní Escriva, Norberto Llopis Segarra

imágenes de poster: Juan Peiró

Foto y video: Nelson Lizana