Baile
Del 10 al 12 de febrero en el Mercat de les Flors
Olga de Soto es coreógrafa, bailarina e investigadora en danza afincada en Bruselas. Inicia su trabajo en 1992, centrado en la investigación y la escritura coreográficas, creando numerosas obras de diferente formato. A comienzos de 2000, inicia una serie de proyectos de creación cuya particularidad reside en estar íntimamente ligados a largos procesos de investigación y de documentación, al margen de las lógicas clásicas de los modos de producción. Su trabajo ha sido presentado en una veintena de países. Desde hace varios años, Olga es invitada con regularidad a intervenir en el marco académico compartiendo su metodología de investigación corporal y documental en universidades en Europa, América Latina y Estados Unidos.
Mirage – Displacement (Espejismo desplazado) – 10 de febrero
INCORPORAR | KIDS – 11 y 12 de febrero
INCORPORAR lo que queda aquí adentro en mi corazón – 11 y 12 de febrero
Selección de filmes de OLGA DE SOTO – 11 y 12 de febrero
Del 28 de enero al 5 de febrero en el Mercat de les Flors
Mette Ingvartsen es una coreógrafa y bailarina danesa. Empezó su formación en 1999 en Ámsterdam continuó en Bruselas, donde se graduó en P.A.R.T.S. en 2004. Distinguido por su carácter híbrido, su trabajo coreográfico fusiona la danza con otras disciplinas, especialmente las artes visuales, la tecnología y el lenguaje. Entre 2009 y 2012, The Artificial Nature Series (que comprende las piezas Manual Focus (2003) o 50/50 de 2004), desarrolló un ciclo de trabajo sobre las relaciones humanas/no humanas. Por contra, su última serie, The Red Pieces: 69 positions (2014), 7 Pleasures (2015), to come (ampliado) y 21 pornografías (2017), se centra en el desnudo, en la sexualidad y en cómo el cuerpo ha sido históricamente un lugar de luchas políticas.
50/50 + Manual Focus – 28 y 29 de enero
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Silvia Gribaudi – 27 al 30 de diciembre en el Mercat de les Flors
Monjour es un dispositivo performativo que propone una reflexión sobre el poder y el juego de manipulación entre el performer y el público. Dos bailarines, un clown/actor y dos acróbatas establecen prácticas coreográficas sobre la relación entre el cuerpo y la comicidad, y entre el diseño y la estética, así como en las relaciones entre el performer y el público. En la pieza, que cuenta con los dibujos pop de la artista Francesca Ghermandi, los protagonistas siguen las indicaciones del director de un circo moderno. Una propuesta que nos ofrece una diversión a la vez inteligente y liberadora.
La coreógrafa italiana Silvia Gribaudi pone en el centro del lenguaje coreográfico la comicidad y la relación entre el público y el artista. Su trayectoria se inicia en 2004, con espectáculos que se han podido ver en numerosos festivales tanto nacionales como internacionales que se han desarrollado partiendo de procesos creativos centrados en el diálogo y el encuentro poético con otros artistas, compañías y comunidades. Así mismo, es cofundadora, junto a Chiara Frigo y Giuliana Urciuoli, de la asociación cultural Zebra.
Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/monjour/.
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Norberto Llopis – 17 y 18 de diciembre en La Mutant
/ego/eco/hueco/
/ego/hueco/cueco/
/eco/zueco/tueco/
En occidente, el devenir de la significación, de la acción o el mismo suceso de un cambio ha sido leído siempre desde la perspectiva del trazo, desde la perspectiva de la figura que cambia frente a un fondo. Todo cambio depende de un acto, de un personaje que actúa, de una figura o héroe que opera una transformación. En nuestra pieza investigamos sin embargo el devenir, el cambio, no tanto desde el lado de la acción o el personaje que la acomete, sino desde el lado hueco, desde la perspectiva de la superficie en que se inscribe, como una negatividad que proviniera de un agujero, un especie de negatividad hueca. Irónicamente nuestro medio es el de la “performance”, es decir, en cierto modo s?u?c?e?d?e? a través de la a?c?c?i?ó?n?, luego, habrá que preguntarse ¿De qué modo s?u?c?e?d?e?n? las cosas cuando no suceden? ¿De qué modo s?u?c?e?d?e?n? las cosas bajo la lógica del lado hueco, de la superficie de inscripción?
En NO—HUECO las cosas sucederán en cierto modo sin suceder, no se trataría tanto de transformar las figuras efectivas que ponemos en escena, sino de provocar un desplazamiento o un deslizamiento en la superficie, en el plano sobre el que la figura se hace visible, un desplazamiento o suceso en cierto modo invisible, molecular. Como si se operara un crimen blanco, un asesinato invisible, un homicidio de fondo que apenas se percibe, un asesinato sin asesino ni cadáver.
Más información y entradas: https://lamutant.taquillaunica.es/Eventos/VerEvento.aspx?idEvento=275.
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Concepto y dirección: Norberto Llopis Segarra
Interpretación y colaboración creativa: Santiago Ribelles, Inka Romaní Escriva, Norberto Llopis Segarra
imágenes de poster: Juan Peiró
Foto y video: Nelson Lizana
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Del 12 de diciembre al 23 de enero en el IVAM
Radicantes se presenta como un espacio de experimentación, investigación, observación y debate sobre la práctica performativa.
Desde sus inicios en 2017, apuesta por visibilizar y compartir con los públicos los procesos de creación, otorgando valor y trascendencia a los momentos en los cuales se explora una idea.
Situando al cuerpo como epicentro de la acción, ideamos entornos relacionales alejados de las convenciones teatrales y/o artísticas dirigiendo el foco hacia la experimentación, la práctica y la reflexión del acto creativo, sus mecanismos de producción y de exposición, proporcionando a las artistas invitadas y al público, las condiciones adecuadas para compartir el acto creativo en vivo.
Una exploración abierta sobre la creación, desnudada de sus costumbres, hábitos e inercias, para ser pensada desde otros ángulos. Un encuentro con la mirada de otros cuerpos.
Las artistas invitadas a esta edición de Radicantes 2022-23 serán Laura Ramírez, Paz Rojo y Elena Córdoba.
El viernes 20 de enero de 2023 está programada una conversación entre/con las tres invitadas
Oasis of Serenity. Laura Ramírez
Del 12 al 16 de diciembre de 2022. El viernes 16 realizará una muestra de su investigación.
Morir bien. Paz Rojo
Del 9 al 13 de enero de 2023. El viernes 13 realizará una muestra de su investigación.
Durante su estancia trabajará con un grupo inter-generacional de personas. Se abrirá convocatoria para formar parte del laboratorio.
Una vez vi un cerebro en un tupper. Elena córdoba
Del 16 al 21 de enero de 2023. El sábado 21 realizará una muestra de su investigación.
Durante su estancia trabajará con un grupo de personas. Se abrirá convocatoria para formar parte del laboratorio.
Conversación entre/con Laura Ramírez, Paz Rojo y Elena Córdoba
20 de enero de 2023, 18 h
Cris Blanco, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol – 17 y 18 de diciembre en Conde Duque
lo pequeño es un divertido espectáculo para todos, pero todos los públicos, en el que pasan muchas cosas como por arte de magia y a la vez no pasa nada. Tres personas extrañas parecen preparan algo parecido a pequeños espectáculos entre el musical y una trama de suspense de lo más absurda.
Es un lugar en el que sublimar lo cotidiano y lo pequeño, un espacio de extrañezas que explota en situaciones llenas de humor y de absurdo.
lo pequeño es jugar al como si: como si inventamos canciones, como si jugáramos a adivinar lo que el otro piensa, como si pudiéramos convertirnos en cualquier cosa, como si hiciéramos mega espectáculos. Jugamos a conciencia, sin miedo al ridículo, en un acto de creación política para todos los públicos. Un ejercicio de mirar las cosas como por primera vez para los mayores que los pequeños disfrutarán y reconocerán como propio.
Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/jorge-dutor-guillem-mont-de-palol-y-cris-blanco-lo-pequeno.
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Proyección de Terra incógnita de Lluís Escartín junto a una intervención de Paula Pérez-Roda.
13 de diciembre en Arts Santa Mònica – 19h – Sala Bar – Actividad abierta a todo el mundo y gratuita con aforo limitado a 55 personas
Terra Incógnita captura unos minutos de vida-tierra en el Penedés, unos veinte años atrás. Detenida en una sincronía de fin de era, muestra espacios y haceres en el resquicio último del trabajo manual del campo. Una escala a medida del cuerpo a la que siguió la regularización del campo convertido en industria. Hoy, a las puertas de imaginar una destecnificación plausible del mundo, Terra Incógnita puede convertirse en el documento de una memoria colectiva de múltiples interpretaciones. Por probar, (re/des)comprender, (re/des)colocar, (re/des)absorber:
~ re-comprender, re-colocar y re-absorber. En este camino nos preguntamos en torno a lo ajeno de aquello que asumimos como propio: occidentalidades.
~ des-comprender, des-colocar y des-absorber. En este camino comprendemos lo posible y propio de aquello que sentimos como ajeno: un cuerpo en su hacerse a lo rural.
~ ~ ~ En otros, igual dejamos de cuestionarnos a través de categorías muy funcionales para el capitalismo de nichos y optamos por quedarnos en la posibilidad de los haceres-pensares que nos hacen, por animales, menos humanxs; y por oyentes, menos letradxs.
La proyección de esta pieza vendrá acompañada de una intervención de Paula Pérez-Roda, que partirá de Terra Incógnita para hacer un ejercicio especulativo en torno a las posibilidades de articulación de memoria, percepción & futuro ajenas a los discursos identitarios.
«Leí una entrevista en la que la más famosa teórica cuir dijo: “vivimos tiempos anti-intelectuales”. Creo que no se refería a una toma de la esfera pública por parte de los cuerpos no educados, sino a la manera en la que en la última década los cuerpos educados se educan enfurecidamente en una forma de pensamiento con pretensiones de totalidad y culpa propia y ajena. Que el avance del conocimiento no disminuya la extensión de lo desconocido significa que la diferencia y el desplazamiento están en constante suplementariedad, como diría Derrida, y son por tanto irreductibles a los grandes marcos. Más como la relación microscopio-telescopio: las estrellas no niegan la existencia de las células.»
Paula Pérez-Roda es investigadora, editora y crítica cultural. Hace una tesis doctoral en la Universidad de Princeton sobre prácticas y teorías de lo verbal desarrolladas en España entre 1909 y 1936. Ha escrito ensayos y artículos en torno a las tecnologías, las percepciones y las interfaces de los órdenes letrados y las artes verbales y performativas en publicaciones especializadas y generales, como Revista Concreta, BeatBurguer, el Anuario de Literatura Comparada, el Anuario de Glotopolítica, Kamchatka o L/E/N/G/U/A/J/E/o, así como diferentes libros de arte. Es parte del colectivo de selección de voces y sonidos tacoderaya y del proyecto de pensamiento público BOYA~célula.
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Las actividades de Motors de Creació al IVAM se articulan como la materialización a partir de un diálogo con las artistas elegidas para la edición, sobre sus procesos de creación, que incluye diferentes formatos.
Este diálogo se ha establecido entre el comisario del proyecto en Valencia, Santiago Ribelles, y las dos artistas o colectivos de artistas valencianas elegidas: por un lado, Julia Irango y Jorge Nieto, y de otra, Norberto Llopis. A la vez, se ha establecido otro diálogo menos intenso con una de entre las cuatro creadoras elegidas por los comisarios del AdC, quien participará también en Valencia: Azkona & Toloza.
Se trata de abrir un espacio sensible en la comunidad artística y a la ciudadanía en forma de un monstruo, de una amalgama heterogénea de planos de afecto de las artistas que nos acerca al mundo de la creación, pero sin cerrarlo en una síntesis rumiada, analítica y desconectada de los motores complejos de los procesos de creación artísticos.
Miércoles, 23 de noviembre, a las 17:30 h
Inauguración – Mapa de afectos
Con el momento de inauguración de las jornadas, Jorge Nieto, Julia Irango y Norberto Llopis pondrán en común una serie de acciones, no estrictamente relacionadas entre ellas, que ponen de manifiesto algunos de sus afectos al momento de la creación y que pueden articularse en relación con los conceptos de operación, ensamblaje y ritual.
Jueves, 24 de noviembre, a las 17:30 h
En esta conferencia-performance, Norberto Llopis, al hilo del material de archivo de su trabajo anterior, a través de acciones, el uso de objetos y discursos, intentará caracterizar su práctica artística desde la noción de Operación.
Viernes, 25 de noviembre, a las 18:30 h
Jorge Nieto y Julia Irango esbozarán un dibujo de su convivencia transdisciplinaria y su creación artística en común, a través de la conversación entre prácticas, referentes dispares y objetos. Entienden su trabajo conjunto como algo que queda en medio de ambas, poniendo en valor el hecho que no pertenezca enteramente a ninguno de las dos. El que compartirán es precisamente este camino de ida sin vuelta.
Sábado 26 de noviembre a las 12:00 h
Tras años sumergidos entre archivos a la búsqueda de las historias y los datos que narran las antiguas colonias repartidas por Latinoamérica y África, esta vez, AzkonaToloza ha decidido zambullirse en sus propios archivos. Pero no desde la contemplación del fetiche intocable y sagrado, sino desde la vitalidad de la acción que implica bucear entre las cajas que dan cuenta de sus últimos viajes. Desde los mapas geográficos y mentales que señalan las rutas seguidas, a los álbumes que reúnen las fotos tantas veces reconstruidas con sus propios cuerpos, los audios con las conversaciones que se han transformado en los verbatín llevados a escena o los archivadores que contienen los documentos, fanzines y publicaciones que han sido la base de sus proyectos documentales. La invitación es a recorremos de forma conjunta.
Sábado 26 de noviembre a las 17:30 h
Los tres creadores/colectivos de creadores establecerán, en diálogo con el comisario, algunas ideas sobre cómo razonar la creación artística desde su propia perspectiva y en relación con las de las demás.
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Ligia Lewis – 19 y 20 de noviembre en La Casa Encendida
Concebida originalmente en 2020 para el Hammer Museum, la creación de esta pieza comenzó con una investigación basada en la intriga sobre el deadpan, un manierismo impasible desplegado de forma cómica para ilustrar la distancia emocional. Utilizando esta expresión como un tipo de inmovilidad, Lewis desarrolló inicialmente una coreografía para diez bailarines que permanecía expresivamente plana o muerta, resistiendo a cualquier asidero narrativo o representativo ligado a una construcción o progresión climática.
Debido al estallido de la pandemia, Lewis redujo el reparto a cuatro intérpretes, transformándolo en una presentación más tradicionalmente teatral. En esta nueva obra, los bailarines utilizan el soliloquio culminante de Macbeth (“Mañana, y mañana, y mañana”, una reflexión sobre la repetición y el sinsentido) como inicio de una obra que se desarrolla en partes modulares, cada una de ellas una ilustración o parodia de la muerte, la inmovilidad y el vacío, cada una de ellas ligada a su propia banda sonora o muestra cuidadosamente seleccionada.
También es una meditación sobre el juego, o la actuación, así como sobre los ciclos recurrentes de la tragedia y la familiaridad dentro de la experiencia negra; sobre el tiempo, en forma de bucle; sobre la actuación; sobre el tacto, como un acto tanto de cuidado como de violencia.
La obra está construida en forma de lamento musical, una queja prolongada en bucle ejecutada ad infinitum, descomponiéndose en el camino.
Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/deader-dead-ligia-lewis-13848.
Ligia Lewis (n. 1983, República Dominicana) trabaja como coreógrafa y bailarina, concibiendo y dirigiendo espectáculos experimentales. A través de la coreografía y la práctica corporal, desarrolla conceptos expresivos que dan forma a los movimientos, pensamientos, relaciones y los cuerpos que los sostienen. Lewis crea espacios para lo emergente y lo indeterminado mientras se ocupa de lo mundano en sus actuaciones, que se mantienen unidas por la lógica de la interdependencia, el desorden y el juego. En su obra, las metáforas sonoras y visuales se encuentran con el cuerpo, materializando lo enigmático, lo poético y lo disonante. El trabajo de Lewis evoca continuamente los matices de la encarnación.
Su trabajo se presentó en múltiples lugares de Europa y Estados Unidos, como HAU Hebbel am Ufer, Berlín; Tanzquartier, Viena (2022); Museo de Arte Contemporáneo MCA, Chicago; Museo Hammer, Los Ángeles; Walker Art Center, Minneapolis (2020); Kaaitheater, Bruselas ; Arsénico, Lausana; High Line Art, Nueva York; Performance Space, Nueva York (2019); OGR Turín (2018); Stedelijk, Ámsterdam ; TATE moderno, Londres; (2017). También ha sido presentada en festivales y bienales como la Ruhrtriennale, Bochum, Alemania; Tanzplattform, Alemania; Festival de Teatro Politik im Freien, Frankfurt (2022); Bienal de Liverpool (2021); el Festival Side Step, Helsinki; Bienal de Imágenes en Movimiento / Centre D’Art Contemporain, Ginebra; Festival de buceo, Tel Aviv (2018); American Realness, Nueva York; The Donaufestival, Krems, Austria y Julidans, Ámsterdam (2017). Recibió el Premio Tabori en la categoría de Distinción, un Premio de Becas de la Fundación para las Artes Contemporáneas y un Premio Bessie a la Producción Sobresaliente.
*Idioma: inglés sin sobretítulos.
Ficha artística:
- Idea, dirección artística, coreografía y escenografía: Ligia Lewis.
- En colaboración con los performers: Ligia Lewis, Jasper Marsalis, Jasmine Orpilla, Austyn Rich.
- Performers en Europa: Corey Scott-Gilbert, Cassie Augusta Jørgensen y Damian Rebgetz.
- Dramaturgia sonora, diseño y banda sonora: Slauson Malone, con extractos de S. McKenna.
- Vestuario: Marta Martino.
- Textos: Ligia Lewis, Ian Randolph, Shakespeare e Ian McKellen sobre Shakespeare.
- Canción: Guillaume de Machaut, Complainte: Tels rit au main qui au soir pleure (Le remède de Fortune), ca. 1340s.
- Pelucas: Gabrielle Curebal.
- Técnico de iluminación: Joseph Wegmann.
- Producción y administración: Sina Kießling.
- Producción y distribución: Nicole Schuchardt.
- Asistente de producción en gira: Julia Leonhardt.
- Encargado y producido por: Made in L.A. 2020 / Hammer Museum.Made in L.A. 2020, una versión organizada por el Museo Hammer en asociación con la Biblioteca Huntington, el Museo de Arte y Jardines botánicos.
- Con los apoyos de: Human Resources, Los Angeles y del Fondo de Coproducción de Danza NATIONALES PERFORMANCE NETZ, financiado por el Comisionado de Cultura y Medios del Gobierno Federal Alemán.
