— MuroTRON

Joana Capella – 26 de julio en el 4×4 de la Sala Taro 

TWORK és una investigació. Una manera de fer moure cossos. Una especulació sobre les memòries musculars col·lectives humanes i no-humanes. Una dansa folklòrica mainstream a ritme de Bad Gyal cantant el Ball de la civada. Un barbecho en mig d’un sobrelaboreo esquizo.

Un projecte que gira i es repeteix entorn les relacions entre la memòria muscular dels cossos feminitzats humans i no-humans que treballen i la memòria muscular dels sòls que són treballats immersos en el paradigma productivista agrilogístic. Des del guaret al camp llaurat. M’interessa experimentar una cosa com una memòria muscular no humana. La memòria dels camps i animals i objectes i cultius. La memòria muscular del sobrelaboreo global.

La peça que es presenta es resultat de la conglomeració de diverses pràctiques i moviments apropiats d’altres cossos que ballen com a práctica productiva i monetitzada, i composats en forma d’una espècie de dinàmica d’entrenament.

Un projecte de Joana Capella Buendia amb
VESTUARI: Helena Calafell
AGRAÏMENTS: Mar Pons, Sara Agave helloimagave, Grup de twork de EART.

Entradas: https://dice.fm/event/m7byv-4×4-twork-26th-jul-sala-taro-barcelona-tickets.

Del 14 de junio al 25 se septiembre en Arts Santa Mònica

Lleno de agujeros empieza en forma de pregunta: ¿cómo nos relacionamos con la imagen contemporánea?, ¿con la imagen que son muchas imágenes circulando sin parar todo el rato dejándonos electrificados y exhaustos?, ¿qué sucederá cuando las imágenes técnicas se coman definitivamente el mundo?, ¿por qué seguir haciendo exposiciones?, ¿no deberíamos más bien conjurar un apagón?

Centrándose en la mirada y los posibles de la imaginación, esta exposición se plantea, más que nunca, como una experiencia corporal, en la que las obras de los artistas se entremezclan con la arquitectura del edificio y los elementos expositivos, en un continuum que invita a pasar un rato deambulando, alejándonos de la ansiedad y la captura, reconciliándonos con la alquimia de la visión. Si la escritura fija la volatilidad de la lengua, querríamos hacer de la imagen oralidad y no escritura. Es decir, querríamos hacer de la imagen no solo una técnica, sino algo que se desborda, asilvestrándose, rozando la onomatopeya. Querríamos quedarnos entre los agujeros que son la posibilidad de toda imagen.

Que la dimensión temporal de la exposición sea igual de importante que la espacial, invita a que Lleno de agujeros pueda visitarse en diferentes ocasiones. En un juego de fade in y fade out, de apariciones y desapariciones, la imagen sónica y las posibilidades perceptivas de lo sonoro, poco a poco, ocuparán el Santa Mònica, evidenciando un deseo fundamental del proyecto: la imagen está entretejida de muchos lenguajes y materias. La imagen es tiempo, la imagen es piedra, la imagen son costuras, la imagen es máquina, la imagen es piel, la imagen es violencia, la imagen son códigos secretos, la imagen es ritual, la imagen es luz, la imagen es obstáculo, la imagen es lo popular, la imagen es deseo… La imagen habla en una lengua que se nos escapa, pero que al mismo tiempo nos maravilla en todo lo que se excede, y ahí es donde quedarse, y jugar.

En Lleno de agujeros conviven artistas nacionales con proyectos de nueva producción y artistas internacionales con obra ya producida. La metodología de trabajo que propone el Santa Mònica posibilita que en un proceso poroso artistas, comisarias y colaboradores se encuentren, dando forma colectivamente al proyecto, en unos tiempos dilatados que han permitido ir poco a poco descubriendo cómo contar nuestras preocupaciones y deseos en torno a la radicalidad de unas imágenes que sí desarticulan y contraconjuran la mirada automatizada y saturada. La exposición es también una serie de conversaciones y dos ciclos de actividades que interrumpen, desvían y acumulan experiencias y preguntas acerca de aquellas imágenes que, como perturbadores flashes de luz, interrumpen nuestro mundo para recordarnos que aún quedan posibles.

Estamos en lo que podríamos llamar un periodo de interregno, en el umbral entre un pasado y un futuro en el que la imagen dejará de ser lo que era, y lo que es, pero tampoco sabremos qué será. Entremos en los agujeros sin olvidar que tenemos párpados.

Artistas y obra expuesta:

Alejandra Riera: Le cinéma. De l’intérieur, instants précédant les images du 19 mars 1895 
Alex Palacín: Tot el que no tinc
Alexandre Chanoine / Cámara-madera-piedra
Anna Daučíková: Along the Axis of Affinity II., 2015-2019
Arthur Jafa: APEX
Arxiu Mas: Postales de la Semana Trágica
Beatriz Olabarrieta: Be careful, you are the staircase, can’t replicate
Ester Fleckner: Woodbeds, brimming
Eulàlia Rovira: Objecte de desviació / Manipular una branca
Fernando Gandasegui: Rompimiento embocadura
Francesc Ruiz con Aimarito Gato Grande, Belén Soto, Beltzito, Eskilu, Fernanda, Johan, Marc Gascón, Nacho Perra, Paquita, Roma, Synchro: Projecte còmic porno amateur
Hans Eijkelboom: Photo Notes
Laure Prouvost: It, Heat, Hit
Max Milà: Perseguint la llum
Museu Diocesà de Barcelona: Busto de Santa Florinda / Conjunto litúrgico
Paula Pérez-Roda: Variaciones para voz / Conversaciones sumisas
Rita Sala: Saltito / Objeto-Saltito
Rubén Grilo: Relieves
s2k2ky: Ressò
Sociedad 0: Bancos / Passarela
Sofía Montenegro: Llenar un vacío
Taller Sarandaca: Capgrossos

Actividades y activaciones de la exposición:

14.06 / 19:00 h: Inauguración Lleno de agujeros

Activar los poderes de otro cuerpo I / Ciclo comisariado por Garbiñe Ortega en colaboración con el alumnado de la Elías Querejeta Zine Eskola (Paul Bonnarme, Pol Crosas, Lucía Dellacha, Sara Domínguez López, Alejo Duclós, Lorena García y Deva Pereda):

10.06 / 19:00 h: Proyección de Parsi, de Eduardo Williams, y conversación con el cineasta
10-11.06 / 11:00 h, 12:30 h, 16:00 h, 17:30 h, 19:00 h: Masajes de la visión / Idoia Zabaleta y Leticia Morales

21.06 / 18:30h: Iconofàgia: l’era de les fotografies voraces / Joan Fontcuberta

27.06, 05.07, 13.07, 07.09 / 16:00 h: Rompimiento embocadura (Restauración de telones) / Fernando Gandasegui con Marta y Núria Castells y Helena Salvador

12.07 / 18:30 h: Imagen escena / Andrea Soto Calderón y Adnen Jdey

15.07 / 11:00 h: Rompimiento embocadura (Háptica teatral) / Fernando Gandasegui con Magdalena Garzón

13.09 / 18:30 h: No imatge / David Bestué y Marta Azparren

Activar los poderes de otro cuerpo II / Ciclo comisariado por Garbiñe Ortega en colaboración con el alumnado de la Elías Querejeta Zine Eskola
16.09 / 11:00 h: The World Wide Tuning Meditation, de la autora Pauline Oliveros, sesión guiada por Ximena Alarcón
16.09 / 11:30 h: Sesión de piezas audiovisuales y sonoras
16.09 / 13:00 h: Conferencia performativa de Rabih Mroué

Oïdes sense parpelles / Ciclo de conciertos comisariado por Joan Canyelles
20.09 / 20:00 h: Uriel Barthélémi + Okkre
21.09 / 19:00 h: Atrice

22.09 / 19:00 h: Performance sonora / Alexandre Chanoine

Domingos a las 12h: Visitas guiadas a la exposición.

Más información: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Ple-de-forats.

Con Rogério Nuno Costa, El Pollo Campero, Angélica Liddell, Silvia Real, Tiago Rodrigues y Tónan Quito, André e. Teodosio, Sónia Baptista, David Benito-Elena Córdoba-Luz Prado, Joãozinho da Costa, Jessica Pina, Genadzi Buto. 

Más información y programa completo: https://www.citemor.com/.

06.07 – 30.07 en Galeria Foco (Lisboa)

Novo Festival ignites the synergy between visual art, performance, and critical thought. In times of uncertainty, contemporary artistic production must aim to form hybrid communities as an act of political revolt. Novo Festival is open to all publics and against any form of discrimination and takes place at Galeria Foco from July 6-30, 2023.

06.07
Opening Party with Pambala
(Dj set by Circa Papi) 18h-22h
06.07 – 25.07
“I am Curious Blue”- Rui Palma x Kuril Chto (duo exhibition) 14h-19h
14.07 | 15.07
“Háblame, cuerpo”- Nazario Díaz (performance) 20h
16.07 | 17.07
“Aparição” – Luís Guerra
(performance) 19h-22h
19.07 | 20.07
“mínimo gesto comum”- Bruno Levorin
with Vinícius Possal (performance) 20h
21.07
“Bichxs de Merda: Aristóteles, fêmeas e outros monstros de-generativos” – p. feijó
(lecture) 20h
25.07
“traumacore. crónicas de una disociación feminista” – Núria Gómez Gabriel
(lecture) 20h
27.07 – 30.07
“All About Youth: Misunderstandings”- Leila Erdman-Tabukashvili with Metacontemporary Think Tank x Andrey Galmiza
(exhibition / talks) 14h-19h

Curated by Josseline Black, Julián Pacomio and Benjamin Gonthier
Documented by Pedro Leote

Support by República Portuguesa -Cultura / Direcçao-Geral das Arts, Pambala and Metacontemporary

More information:
www.focolisboa.com
Rua Antero de Quental 55A | 1150-041 | Lisboa

4 de junio en Foc, Barcelona

Cotita es un circuito de performance, video y archivo enfocado en la creación desde presencias travestis diaspóricas.

El día 4 de junio Cotita sucederá en Foc (c/de l’Encuny 24, 3a planta). Lyn Diniz y Personaje Personaje extienden una invitación a este evento articulado desde una ética de promiscuidad travesti.

Esta iniciativa es un medio de confluencia producciones  autónomas de los Sures, para generar una malla que, entre eslabón y eslabón, hace corporalidad, hace memoria y hace archivo: nos  encarna y nos reencarna.

Cotita se urde a partir de una ética de promiscuidad travesti y por ello, es un proceso de encuentro, recopilación y reconocimiento de presencias, así como también de las ausencias -aquellas de las que nos faltan, de las que nos han sido arrebatadas, de las que aún no llegan y de esas a las que les faltamos -.  

 presencias:

Alex Medina La Sudanesa

Gemma Rios y Ana Camil

Personaje Personaje

Lyn Diniz 

Bruna Kury

Vitoria Gabarda

✵ En Cotita, asumimos la posición de romper con los ciclos de precarización de las vivencias travestis y diaspóricas, por lo cual, establecemos un criterio de tarifa diferencial en los costes de entrada, para cubrir la remuneración de las presencias invitadas a participar y la producción del circuito.

Proponemos una entrada por el valor de 5EU para travestis/migras/racializades y otra de 10EU para público general. Reconózcanse todes invitades, les traverstis, priorizades.

<3*diseño de cartel de mikel iniesta, con imagen cedida por personajepersonaje, en colaboración a mercè ripoll y Noela Covelo Velasco*<3

Entradas: https://entradium.com/es/events/cotita-barcelona

5 de mayo en La Casa Encendida 

Los humanos convivimos en este planeta con una gran variedad de seres vivos e inertes o sin vida. El título de este encuentro pretende cuestionar la posible condición menor de la humanidad en este montaje. Si bien la serie propone considerar formas de vida y conocimiento fuera del estado humano clásico, nos preguntamos cómo sumar restando. Es decir, a través de ciertas renuncias en lugar de adquirir habilidades nuevas o adicionales. De ahí que propongamos less-than-human (lo inferior a lo humano).

Las tres invitadas al encuentro tienen una larga trayectoria en este sentido y mantienen inquietudes sobre este tema en sus proyectos actuales, que se pueden resumir en la propuesta general de descentralizar la condición humana clásica occidental hasta sus límites posibles. Amanda Piña trabaja en torno a la descolonización de la coreografía, introduciendo lo que ella llama Movimientos Humanos Amenazados en muchos niveles: el conocimiento oral, el chamanismo, los rituales diplomáticos o la sabiduría vegetal, entre otros. Paz Rojo trabaja sobre los restos de cuerpos extenuados tras lo que denomina el declive de la coreografía neoliberal, proponiendo operaciones concretas de resubjetivación a través del movimiento corporal. Victoria Pérez Royo investiga actualmente otras afectividades, centrando su mirada en lo que ella llama el cuerpo anacrónico, aquel movido por ritos como la magia, por ejemplo, o por cualquier modalidad ritual que contrarreste la corporalidad hegemónica moderno-colonial. Las tres invitadas dialogarán entre sí a través de un dispositivo de juego discursivo generado a partir de sus propias prácticas, entrelazadas y puestas en relación mutua.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/encuentros/less-than-human-amanda-pina-paz-rojo-victoria-perez-royo?eventId=191.

Lía Rodrigues – 27 y 29 de abril en el Mercat de les Flors

«En la favela la gente ha aprendido a reinventarse cada día, a decir que sí cuando la vida no deja de decirles que no. La solución a los problemas de nuestra sociedad puede venir de la periferia». La que declara es Lia Rodrigues, una artista de Brasil, una privilegiada si se la compara con cualquiera de las 170.000 personas que viven en Maré, un intrincado y laberíntico complejo de chabolas con la densidad poblacional de una ciudad, que conforma una de las favelas más grandes, más complejas y peligrosas de Río de Janeiro. Pero dentro del grupo de los privilegiados, ella es única. No solamente por la conciencia sino por la voluntad y necesidad auténtica de hacer de la danza un camino expresivo, constructivo y liberador para la gente de este complicado lugar.

Allí instaló la sede de su compañía en 2004. En 2009 fundó el Centro de Artes Maré y en el 11 arrancó su Escuela de Danza, que mantiene hasta 350 alumnos aprendiendo a bailar. Pero en los años ochenta del siglo pasado, Rodrigues estaba muy lejos de la favela, viviendo experiencias intensas en el París cosmopolita, donde se integró al elenco del clásico May B, de Maguy Marin, pionera la nouvelle danse francesa, que ha sido inspiración hasta hoy. A su vuelta a Río, fundó Panorama, en 1992, que sigue siendo el festival de danza más importante del país. Pero, en lo personal, su labor más relevante es la de su compañía.

Con ellos (más de la mitad son residentes de Maré) ha creado un catálogo de coreografías relevantes, que le han servido para edificar una estética y un modo escénico sustentado en la supervivencia y la emergencia, que saca belleza de los elementos de desecho que usa como escenografía y atrezzo en sus producciones. Fúria es ejemplar de su lenguaje.

Con su título tan ilustrativo, la obra fue creada durante nueve meses en 2017, coincidiendo con la campaña electoral que llevó a Bolsonaro al poder. En su línea de danza de la resistencia, trabajaron a fondo sobre el pensamiento del escritor afro-brasileño Conceição Evaristo, que se plantea reflexiones muy pertinentes a la actual situación del país con preguntas como: ¿Quién puede hablar? ¿Quién tiene el derecho a hablar? ¿Por qué no se escuchan ciertas voces y cómo podemos hacer que se escuchen?…

La estética de la propuesta sigue su línea habitual. Hay referencias al poder, a los oprimidos y a las carrozas festivas del carnaval. Hay bailarinas negras pintadas como esculturas doradas, hay materiales de desecho fingiendo ser lujosos. Hay danza enérgica, hay palabras, canciones y gritos pero, sobre todo, hay furia.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/espectacle/constellacio-lia-rodrigues-brasil-next-furia/.

Del 4 al 6 de mayo en la Cidade da Cultura de Santiago de Compostela con Las Huecas, Nazario Díaz, Alberto Cortés, Matías Daporta o Matarile en otras.

Programa completo y más información: https://escenasdocambio.org/es/programa-es/.

Søren Evinson – 29 y 30 de abril en Réplika Teatro 

A NATION IS BORN IN ME ocupa el encuentro mismo entre intérprete y público transformando nuestra presencia en un resbaladizo campo de batalla. Y a base de perforar ese encuentro, construye una forma irreemplazable. Algo que desactiva cualquier resistencia. Algo contra lo que no se puede luchar. Algo por lo que vale la pena rendirse.

A la luz del resurgimiento y fortalecimiento progresivo de los movimientos nacionalistas e identitarios en el siglo XXI, A NATION IS BORN IN ME extrae dinámicas que operan en dichos movimientos y los combina con aspectos asociados a las políticas de identidad, la cultura mediática, la cultura deportiva, la cultura del esfuerzo, la espiritualidad, la brutalidad y la híper-presencia, provocando una extraña cercanía entre estas estéticas. A través de las diferentes presentaciones del cuerpo, el texto , la música, el canto y los objetos, A NATION IS BORN IN ME construye un intenso y delirante paisaje en el que estas dinámicas aparentemente desconectadas se fortalecen mutuamente en una relación directa aunque de proposición incierta.

Søren Evinson investiga con el cuerpo, la palabra, el canto, los materiales y objetos para construir trabajos que reflexionan sobre la idealización de la cultura contemporánea. Se abastece de motivos e imaginarios desprendidos de la vida contemporánea y de la sociedad de consumo. Utiliza el medio de la performance para filtrarse en lo teatral para generar nuevas fantasías de lo espectacular. Los trabajos se muestran intensos, exuberantes, complejos, delirantes y en constante especulación con la realidad. Søren Evinson estudió en el Institut del Teatre de Barcelona y más tarde realizó un Máster en la Universidad de Londres en estudios de performance graduándose con honores. En Homage to the Idiot (2014), colabora con Bernat de Gispert, un performer con diversidad funcional; su colaboración con el artista visual Charlie Hope resulta en dos trabajos autoproducidos en Londres: Hello World!!! (2014), una performance fabricada a través de la acción, la poesía y la catarsis al ritmo de las señales captadas de los teléfonos del público, y ATOEWEFTR (2015), una instalación y performance que lleva a los límites la percepción del público, mostrada en multitud de espacios privados y públicos. A Nation Is Born In Me es su primer solo, se estrenó en el Festival TNT de Terrassa en 2018 y se ha mostrado en el Centro Nacional de Danza de París (CN D, París), Next Festival, Grec Festival, Goethe Institut Madrid, MUSAC de León entre otros. Just Desire, su último trabajo, se estrena en Salmon Festival 2021, ha pasado por Espace Pasolini en el marco del festival Cabaret de Curiosités de Le Phenix Valenciennes, La Quincena de Danza Metropolitana entre otros.

Más info y entradas: https://replikateatro.com/evento/a-nation-is-born-in-me-soren-evinson/.

Lía Rodrigues – 22 y 23 de abril en Conde Duque

«En la favela la gente ha aprendido a reinventarse cada día, a decir que sí cuando la vida no deja de decirles que no. La solución a los problemas de nuestra sociedad puede venir de la periferia». La que declara es Lia Rodrigues, una artista de Brasil, una privilegiada si se la compara con cualquiera de las 170.000 personas que viven en Maré, un intrincado y laberíntico complejo de chabolas con la densidad poblacional de una ciudad, que conforma una de las favelas más grandes, más complejas y peligrosas de Río de Janeiro. Pero dentro del grupo de los privilegiados, ella es única. No solamente por la conciencia sino por la voluntad y necesidad auténtica de hacer de la danza un camino expresivo, constructivo y liberador para la gente de este complicado lugar.

Allí instaló la sede de su compañía en 2004. En 2009 fundó el Centro de Artes Maré y en el 11 arrancó su Escuela de Danza, que mantiene hasta 350 alumnos aprendiendo a bailar. Pero en los años ochenta del siglo pasado, Rodrigues estaba muy lejos de la favela, viviendo experiencias intensas en el París cosmopolita, donde se integró al elenco del clásico May B, de Maguy Marin, pionera la nouvelle danse francesa, que ha sido inspiración hasta hoy. A su vuelta a Río, fundó Panorama, en 1992, que sigue siendo el festival de danza más importante del país. Pero, en lo personal, su labor más relevante es la de su compañía.

Con ellos (más de la mitad son residentes de Maré) ha creado un catálogo de coreografías relevantes, que le han servido para edificar una estética y un modo escénico sustentado en la supervivencia y la emergencia, que saca belleza de los elementos de desecho que usa como escenografía y atrezzo en sus producciones. Fúria es ejemplar de su lenguaje.

Con su título tan ilustrativo, la obra fue creada durante nueve meses en 2017, coincidiendo con la campaña electoral que llevó a Bolsonaro al poder. En su línea de danza de la resistencia, trabajaron a fondo sobre el pensamiento del escritor afro-brasileño Conceição Evaristo, que se plantea reflexiones muy pertinentes a la actual situación del país con preguntas como: ¿Quién puede hablar? ¿Quién tiene el derecho a hablar? ¿Por qué no se escuchan ciertas voces y cómo podemos hacer que se escuchen?…

La estética de la propuesta sigue su línea habitual. Hay referencias al poder, a los oprimidos y a las carrozas festivas del carnaval. Hay bailarinas negras pintadas como esculturas doradas, hay materiales de desecho fingiendo ser lujosos. Hay danza enérgica, hay palabras, canciones y gritos pero, sobre todo, hay furia.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/lia-rodrigues-furia.