— MuroTRON

Cris Balboa | Del 25 de marzo el 20 de abril en el CDN (Teatro María Guerrero)

Imaginaos que estoy en escena sola con mi sinte y estoy acojonada. En realidad, hago de una tía muy nerviosa que se va a enfrentar a algo muy heavy. No hay nada heavy en mi selección musical, pero intento ser un poco punkarra porque eso siempre es aplaudido en las performances. Pienso en lo punki y solo veo al tío con cresta que se me quedaba mirando siempre en el Maycar. Estoy en escena sola, sin cresta y queriendo que la gente diga: «Esta tía es muy punki». Los punkis que he conocido no reciclaban, tiraban los pitillos al suelo y llevaban pantalones apretados con cadenas. A mí me gustan los pantalones flojos tipo slouchy y reciclo hasta mi regla, así que renuncio definitivamente a ser punki.

Imaginaos que empiezo excusándome, como cuando vas a hablar en inglés y dices sorry for my english, porque esto que me propongo es muy difícil. Entonces, imaginaos que yo lo sé y que vosotras lo sabéis, pero todas somos muy educadas y asumimos que puede darse el acontecimiento, y deseamos que suceda algo y que no nos entre el sueño.

Objetivo principal: que mi audiencia no se duerma. Entonces puedo optar por hacer algo entretenido, para que mi público no se duerma, o puedo generar un ritmo frenético hasta incluso crearles cierta ansiedad. Esto último no es un deseo muy noble para una artista que se considera hedonista y que solo quiere hacer que la gente se lo pase bien. El objetivo podría ser que el público saliera de verme con ganas de bailar y eso ya me gusta más. Que digan: «Salí de ver la movida esa de Roland mon amour con ganas de partir la pana y super concienciada».

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Rosa Muñoz y Mònica Muntaner – 28 de marzo en L’Estruch 

Coplas i Haikus de mares i amors es como un vodevil de origen francés del siglo XIX que se hubiera creado en la actualidad. Rosa Muñoz y Mònica Muntaner buscan en esta pieza la intersección entre la copla y el haiku desde la reinterpretación de ambos géneros a través del lenguaje corporal y del texto. Un concierto en movimiento, acústico, prácticamente a cappella, pensado y dedicado a sus madres a partir de la búsqueda de un lenguaje singular y propio.

Mònica Muntaner y Rosa Muñoz son dos bailarinas nacidas a finales de los años sesenta que rompieron con la forma convencional en la que los profesionales de su generación entendían la creación. Desde muy pronto sintieron la necesidad de encontrar su propio lenguaje y empezaron a generar proyectos en los que la cocreación se convertía en una nueva manera de actuar dentro de la escena más contemporánea. A partir de aquí, además, han impulsado proyectos de investigación, formación, marcos específicos para la exhibición, apoyo a la nueva creación y a las nuevas generaciones, siempre en torno a los nuevos lenguajes escénicos.

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Javiera de la Fuente – 26 de marzo en el CA2M dentro del ciclo de artes en vivo Ostro 

“A modo de un nuevo continente de experiencias de movimiento, CANTO A LO POETA refiere a una tradicional y popular forma chilena de improvisar, cantar, dialogar y versar, herencia mestizada de la colonización española. Sobre esta base, Javiera está produciendo encuentros con artistas y pensadores que dialogan, desde un lenguaje contemporáneo, con las tradiciones poéticas, sonoras y performáticas entre el sur de América y el sur de España.

Por el fin del mundo es uno de los asuntos o fundamentos sobre los que reflexionan y declaman los poetas. Volver a pensar, decir y mover el fin de lo que conocemos, vociferar la caída de las fracasadas estructuras de poder y sobre todo, proponer unas otras formas de hacer e imaginar. Durante la intervención en el Museo CA2M, la interacción de Javiera será con la exposición Jorge Satorre, Ría.

En este contexto, Javiera continúa investigando materiales con los que ha trabajado los últimos años: el flamenco como recurso y lenguaje, la palabra bailada, la voz como extensión del cuerpo y la memoria, el territorio (también el cuerpo) como espacio acotado y a la vez, des-delimitable. Un constante ensayo sobre cómo reconocer las fronteras, y cómo traspasarlas. Esta cuestión transfronteriza tiene una perspectiva sur. Un cuerpo venido del sur del sur que, dado el orden mundial, dice y baila situado en márgenes impuestos e imaginados, márgenes líquidos, migrables, campos sensibles que selecciona y archiva, al tiempo que olvida y descarta por supervivencia. A fin de cuentas, esto es una trova, un manoseo de información, de imágenes, de temporalidades y referencias: ¿Qué pueden contar/cantar los cuerpos sobre lo que acontece… y sobre lo que se desvanece? Ante la intuición (o certeza) de lo insostenible, de la inminente muerte… ¿Cuál y cómo sería la última danza? Y para salvarnos, ¿bailaríamos juntas?”.

Javiera de la Fuente Llovet (Santiago de Chile, Sevilla) Bailaora formada en la tradicional y contemporánea escuela sevillana del baile. Tras debutar en el Festival de Jerez 2013, ha bailado en emblemáticos escenarios, peñas y tablaos de todo el mundo. Desde que colabora en el proyecto Máquinas de Vivir de Pedro G. Romero (2014), trabaja lenguajes cercanos a la performance, en contextos y espacios no convencionales. Esto le ha supuesto unir pensamiento crítico y baile en formatos híbridos.

Sus últimas colaboraciones son el vídeo Las Trabajadoras en Museo Reina Sofía (Madrid 2021-22) y la performance Subir y bajar escaleras (MACBA 2022, IVAM 2023). También ha performado su conferencia bailada El Drama de una Realidad Sur en El Dorado o el Museo de la Virreina de Barcelona (2019). Junto al artista visual Isaías Griñolo, estrena en 2020 el artefacto flamenco Luciérnagas en Tabakalera, Donosti (2021). En 2022 dirige y baila la pieza Budapest 1934 en la Bienal de Flamenco de Sevilla. En 2023 estrena su espectáculo Envioletá en el Festival Flamenco de Nimes 2023, que ha estado presente en el Museo Reina Sofía (2022), el Centro Federico García Lorca (2022), el Museo Carmen Thyssen de Málaga (2023 y 2024), el Festival Wadi de Córdoba (dic. 2023) o el Centro Cultural Ex Hotel Royal en Valparaíso (Chile, 2024), entre otros. En 2024 interviene con su performance Exordio en la exposición “Aprendices Errantes” de Cristina Mejías en Patio Herreriano (Valladolid). Su nuevo proyecto en proceso es CANTO A LO POETA en referencia a un tipo de poesía popular chilena. Una primera instancia ha sido la presentación de work in progress en relación a la exposición Ecologías de la paz de Fundación TBA21, en C3A (Córdoba, 2024).

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Laia Estruch – Del 26 de febrero al 1 de septiembre en el Museo Reina Sofía 

Hello Everyone se configura como una gran instalación que reúne todos los trabajos producidos por Laia Estruch (Barcelona, 1981) desde 2011 hasta la fecha. El conjunto incorpora variaciones formales y conforma una suerte de archivo fragmentario y reverberante que incluye esculturas, sonidos, imágenes en movimiento, obra gráfica y partituras visuales. La muestra es, en parte, una exposición retrospectiva y, a su vez, un almacén transitable.

Laia Estruch emplea la voz humana como material esencial de su práctica, utilizando las cuerdas vocales como herramientas que proyectan una sonoridad más allá de la mera interpretación. Las palabras habladas y cantadas de cada uno de los proyectos vocales responden al marco escultórico producido por la artista específicamente para ellos.

Uno de los retos planteados por la muestra es la encarnación y performatividad de las obras en ausencia de la artista pues, solo en ocasiones contadas, las piezas serán activadas por ella. Si bien la experiencia de la obra de Estruch no se puede desligar de la corporalidad física de la propia artista, de los cuerpos de sus colaboradoras y de los cuerpos de los públicos que participan activamente de la exploración y el descubrimiento constantes, la modalidad de esta exposición es la de almacén-archivo de todos los ensayos y activaciones llevadas a cabo a lo largo de su carrera.

Laia Estruch es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (2010) y también ha cursado estudios en The Cooper Union de Nueva York (2010). Ha tenido exposiciones individuales en el Museu Nacional d’Art de Catalunya, MNAC (2023), la Fundació Joan Brossa (Barcelona, 2020-2021), La Capella de Sant Roc (Valls, 2019) y la Fundació Joan Miró (Barcelona, 2019).

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Taller Placer – 28 de febrero y 1 y 2 de marzo en Espacio Inestable

UNA IDEA INACABADA es la nueva creación escénica de Taller Placer que sigue la línea de otros proyectos anteriores, explorando las formas que adopta nuestro trabajo, las identidades y los imaginarios que estas generan, y el papel del cuerpo como eje central en todo este entramado.

Desde el inicio, nos hemos propuesto mantener una voluntad abierta y en constante evolución, planteando el proyecto como un diálogo interminable en el que teoría, acción, idea y forma se entrelazan en una tensión dinámica, nunca cerrada. El espacio que habitamos para esta exploración es la maqueta de un teatro que hace mucho tiempo fue un cine. Un lugar que rehúye las convenciones tradicionales de la caja escénica, invitándonos a repensar sus posibilidades y a seguir imaginando infinitamente dentro de unos límites.

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FITXA ARTÍSTICA

Direcció i concepte: Vicente Arlandis // Assistència de direcció: Paula Miralles // Creació: Paula Pachón,  Lucía Jaén, Paula Miralles, Vicente Arlandis // Intèrprets: Paula Miralles, Lucía Jaén i Vicente Arlandis // Espai sonor: Adolfo García i Taller Placer // Confecció d’escenografia: Los Reyes del Mambo // Disseny de Maqueta: Victor Colmenero // Vestuari: Paula Miralles // Producció: Paula Rausell.

Col.laboren: Ajuntament de València, Institut Valencià de Cultura IVC.

Agraïments: La Mutant Espai d’Arts Vives, Espai La Granja i El Consulado.

Claudia Castellucci – 21 y 22 de febrero en Teatros del Canal

Crear algo a partir de la nada es la secreta ambición del arte. El desierto, con su extrema monotonía espacial y temporal, pone a nuestro alcance condiciones que permiten proponer otro modo de hacer y demostrar que es posible generar otro mundo incluso cuando la única materia prima de la que se dispone es el propio ser.

El instrumento único –primero y último– de la danza es el propio cuerpo. Así, las formas inexistentes e irreproducibles solo pueden realizarse a través de uno mismo. Pero el desierto es también un lugar en el que se extiende una larga sombra que parece nunca acabar, pues no es otra que la nuestra, siempre presente. Y es, además, un lugar rebosante de compañía, pues la propia mente produce, de forma incesante, imágenes y pensamientos que es imposible ahuyentar. El cuerpo físico y la mente metafísica no son lugares exclusivamente propios y el desierto los transforma en refugios siempre abiertos… El desierto contiene en sí todas las fantasías, su entorno está falsamente vacío, poblado, como está, de imágenes mentales de todo tipo. Bien lo sabían los anacoretas de antaño, que precisamente acudían a él para combatir las imágenes del mundo… Antes incluso de ser una situación espacial, el desierto impone una condición temporal profundamente elástica: momentos de espera exasperante se alternan con momentos de repentina prontitud, todo ello dictado por la música, compuesta ad hoc para la ocasión.

En las anteriores danzas de Claudia Castellucci, la tensión mental de los intérpretes estaba implícita en la representación de un esquema coreográfico riguroso que debía ser despertado. Aquí, sin embargo, la danza está más inclinada a afirmarse a sí misma como un arte de la flagrancia, en el que gran parte del esfuerzo se expresa mediante una decisión inmediata de cada intérprete, muy a menudo abandonado consigo mismo, y despojado de cualquier modelo. Es una danza que busca una sencillez extrema. El desierto, por su parte, no facilita esta sencillez; es más, la perturba al máximo. La danza, así, prescinde de cualquier tipo de molde en el que apoyarse.

Desierto, caverna, sabana… son palabras hiperbólicas y simbólicas para estos fragmentos de hechos silenciosos, pero son las que mejor representan la condición de estos intérpretes de una nada basal, del bajo continuo de la vida, y también de la inmensa fragilidad de tal condición, cuando, desde lejos, la vemos fluir… Parientes cercanos que compran huevos en un supermercado y que ignoran que son observados, como estrellas fijas, por hijos o padres profundamente conmovidos, al borde del llanto, por el misterio de su simple presencia más que por su luz y su grandeza… Y entonces sucede algo también parecido a lo que ocurre en el cielo: sobrevienen ciertos encuentros que la propia inercia prepara desde la oscuridad. Corrientes magnéticas que nos llevan a sentir el mismo impulso; uno que no nos hace más semejantes ni nos iguala; uno que simplemente explica el amor más profundamente oculto.

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Mónica Valenciano – 25 y 26 de enero en La Fundición (Bilbao)

Hay un lugar de la memoria donde los pasos anteriores resuenan en presente, un espacio potencial donde la presencia sucede como lugar de a-parición, algo acude en esa trama palpitante… entre los pasos que el tiempo suspende,
el cuerpo se mueve llevado por aquello que trae, una polifonía de voces en la voz.
Allí donde una llamada se juega en nosotros escuchamos la lengua que arde, la pregunta en ruinas baila su extravío…
emergencias de un tiempo que a la vez ignoramos.

Y la ocasión cantaba: entre todo la sed ladra en la saliva…
a patadas la melodía dejaba caer tres notas y un ciego en la voz…
duele lejos aquí, la otra cara del gesto ofrecido.
Entre todo la sed tiembla en agujero,
moviendo acentos a plena luz escucha
donde margulla el esqueleto…
¿A qué sabe ahora tu silencio?
Con la boca abierta… la curiosidad del cuerpo salvaje y
su abrevadero de ausencias tras la lengua,
no llega la pregunta a convertirse en nido
lo que sopla cruza la intemperie,
dejando ver la transparencia más antigua
pastaban los ojos de aquella noche,
en apenas un instante escupió el bosque.
Aún la imagen cuenta semillas… pasos de una multitud
en el fondo del rasguño.
De qué hablan los muertos…
lo que no sabes alcanza primeros pasos,
en el suelo de otra voz,
danza…
¿Es tiempo de qué?

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Entrevista de Fernando Gandasegui.

Dejabu – 23 de enero en Azkuna Zentroa

En esta obra de autoficción los miembros de la compañía cuestionan el sentido de su creatividad e identidad. La compañía cuenta su viaje a México en 2024 y cómo un incidente inesperado en el lugar cambió el rumbo de su aventura.

La obra tiene la estructura de una road movie en directo y juega constantemente entre la realidad y la ficción. Además de actores de escena, un cineasta crea y proyecta imágenes en directo convirtiendo cada función en una experiencia irrepetible. Un cuento en el que se difuminan los límites entre lo representado y lo vivido, y en el que se invita al público a formar parte de ese viaje y de su resultado.

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Ainara Gurrutxaga, Miren Alcalá, y Urko Redondo, componentes de la compañía Dejabu y en crisis creativa, emprenden un viaje a México para grabar un documental. Un incidente inesperado cambiará por completo el rumbo del viaje. ¿Cuál es la verdadera esencia de la vida? ¿Cómo encontrar tu propio camino? ¿Tiene sentido hacer creaciones/arte en un mundo que camina hacia la extinción? ¿Hay esperanza? Son solo algunas de las cuestiones que se plantean en esta aventura profesional y personal.

Malcolm McCarthy – Del 16 de enero al 2 de febrero en Periferias Cimarronas

¿Qué hace a un hombre pelear, follar, sostener las lágrimas, ser fuerte? ¿Qué hace a un hombre engañar, estimar, alejarse del miedo?

Malcolm McCarthy nos propone Black Man Solo, qué es una pieza unipersonal que indaga en la relación que se establece entre el hombre negro y la sociedad. Plantea un viaje personal y íntimo que expone algunos de los detonantes de la masculinidad tóxica, pero también el posible viaje de redención, de cambio, de esta vulnerabilidad que aparece cuando el espejo se gira y te vuelves padre, o cuando se distorsiona cuando pierdes a tu padre. ¿Qué hace que un hombre sea un “hombre”?

Más información y entradas: https://periferiacimarronas.es/saber-mas-black-man-solo.

Malcolm McCarthy es un artista de origen afrocubano residente en Barcelona. En 2011 empieza sus estudios de interpretación en el Colegio del Teatro de Barcelona. Su debut como actor profesional lo hizo con la obra de teatro “La Oleada” en el Teatro Lliure. Desde entonces, ha trabajado como actor en diferentes proyectos tanto de teatro como de cine y televisión. Entre ellos destacamos su participación en obras como “Tiempo Salvaje” al Teatro Nacional de Cataluña; “Adam y Eva” a la Seca, Espacio Brossa; “Gazoline”, a la gira nacional del proyecto; y en los últimos dos proyectos de la directora Isabel Coixet, “Nieva en Benidorm” y “Foodie Love”. Este último año, está trabajando en la creación de una serie de tres obras multidisciplinars de carácter sanador con que pretende crear un viaje energético que plantee un nuevo paradigma en las maneras de relacionarse que tiene la sociedad catalana con la comunidad afrodescendiente que es parte. También cuenta con estudios de dramaturgia con la dramaturga y directora Denise Duncan. Es miembro fundador del colectivo “Tinta Negra”.

La Chachi, “Lâs alegrías” – 17 de enero en Conde Duque 

En el flamenco todos los palos están asociados a un determinado compás y estructura rítmica, pero también a una emoción, una teatralidad, un estado vital. Las alegrías son un ejemplo de esquema fijo y repetitivo, cuya codificación para el baile además siempre implica la misma secuencia (salida, llamada, escobilla con zapateado, silencio, final por bulerías de Cádiz). El tono es siempre brillante, luminoso; la manera de bailar está basada en el compás ternario de la jota (presente en casi todas las danzas preindustriales de la Península Ibérica) pero más pausado, más pegado a la tierra. Al mar, mejor dicho, al mar de la Bahía de Cádiz. Se trata de un vaivén que alterna la seducción amorosa con las bombas bélicas: por eso encontramos tantas letras de la Guerra de Independencia. Según uno de los muchos mitos que circulan en el flamenco, esto es debido a la presencia de soldados navarros. De ahí las referencias al Ebro, la jota, la Virgen del Pilar.

En Lâs alegrías, La Chachi explora este compás festero alterando su estructura tradicional de baile para tablao a partir de acciones aleatorias. Este trabajo pertenece a una serie de piezas de investigación sobre los palos flamencos. Con Taranto Aleatorio, el primero de la serie, la bailaora desgranó el ritmo que le daba título, entendiendo que podía aplicar una misma fórmula de improvisación y experimentación extrapolable a todos los compases. Huyendo de un flamenco esencialista, La Chachi abre un espacio propio donde el cuerpo entra en otro estado, a través de una alteración física de la cadencia musical, la sonoridad del cante y el orden de cualquier narrativa convencional.

Así, su flamenco camp, muy próximo a la parodia y a la ironía, deconstruye toda esa tradición para demostrar que el flamenco no es algo inmutable: se trata de un lenguaje en permanente transformación. Estas Alegrías aleatorias beben de la sutileza de La Niña de los Peines, la improvisación del tirititrán del cantaor Ignacio Espeleta (1871–1938), las macetas de la Plaza de las Flores, la olla en la Caleta; el tarratán tarratán tarratán de Niña Pastori, el temple de La Perla y, por supuesto, también el plumas sin abrochar de Rosalía, otra motomami como La Chachi, malagueña y ravera.

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María del Mar Suárez, La Chachi, comienza en 2008 a distorsionar el flamenco y el gesto en la búsqueda de un lenguaje propio. En febrero de 2017 estrena su primer largo en solitario: La gramática de los mamíferos. En 2019 su segundo trabajo, La Espera,  forma parte de las Residencias de Investigación 2019 en los Teatros del Canal de Madrid.

En 2021 presenta Merdellona junto a Alberto Cortés como laboratorio de creación en Teatro Pradillo. Bajo la dirección de Fernando López y acompañada por Belén Maya presentan la pieza El Movimiento para Surge Madrid y El Último acto de fe para la programación 2021-22 del Teatro Central de Sevilla, capitaneada por Laura Morales.

Su tercera pieza, Los inescalables Alpes, buscando a Currito se estrena en el 39º Festival de Otoño de Madrid, recibiendo el  Premio Godot a “Mejor espectáculo de danza 2022”,  programado también en el Teatro Central de Sevilla.