— MuroTRON

Mónica Valenciano – Del 4 al 6 de abril en Réplika Teatro

Hay un lugar de la memoria donde los pasos anteriores resuenan en presente,

un espacio potencial donde la presencia sucede como lugar de a-parición,

algo acude en esa trama palpitante…  entre los pasos que el tiempo suspende,

el cuerpo se mueve llevado por aquello que trae, una polifonía de voces en la voz.

Allí donde una llamada se juega en nosotros escuchamos la lengua que arde,

la pregunta en ruinas baila su extravío…

emergencias de un tiempo que a la vez ignoramos.

Y  la ocasión cantaba: entre todo la sed ladra en la saliva…

a patadas la melodía dejaba caer tres notas y un ciego en la voz…

duele lejos aquí, la otra cara del gesto ofrecido.

Entre todo la sed tiembla en agujero,

moviendo acentos a plena luz escucha

donde margulla el esqueleto…

¿A qué sabe ahora tu silencio?

Con la boca abierta… la curiosidad del cuerpo salvaje y

su abrevadero de ausencias tras la lengua,

no llega la pregunta a convertirse en nido

lo que sopla cruza la intemperie,

dejando ver la transparencia más antigua

pastaban los ojos de aquella noche,

en apenas un instante escupió el bosque.

Aún la imagen cuenta semillas… pasos de una multitud

en el fondo del rasguño.

De qué hablan los muertos…

lo que no sabes alcanza primeros pasos,

en el suelo de otra voz,

danza…

¿Es tiempo de qué?

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Entrevista de Fernando Gandasegui a Mónica Valenciano.

Mónica Valenciano, Premio Nacional de Danza 2012 en la modalidad de Creación. Licenciada en Danza y Arte Dramático por el Institut del Teatre y Danza de Barcelona y la RESAD de Madrid. Baila… como quien excava en el cuerpo, des-obstaculizando, abriendo nuevos circuitos que permitan acceder a la escucha de su voz, explora a través de la escritura corpo-gráfica – la respiración del movimiento – la acústica del gesto – la multifocalidad  del cuerpo – el cuerpo desplegable en su polifonía y posibilidades relacionales. Asistiendo al descubrimiento de texturas, tonalidades, cualidades y calidades que emergen de la visión de ensayo como continuo proceso de revelado. Sucede desde la práctica de captación misma, en esa escucha del cuerpo-movimiento como instrumento y lugar de resonancia, hacia la formulación de un lenguaje que no trata de explicar nada, sino de implicarnos en la convocación del encuentro, mediante el cultivo de un estado de presencia que resuene íntimamente a través del espectador. Explora la relación entre cuerpo, gesto y movimiento a través de la escritura corpo-gráfica y la investigación sobre el lenguaje escénico, generando un espacio de resonancia y encuentro con el espectador. Su obra combina técnicas multidisciplinarias y una intensa búsqueda de presencia en escena. Entre sus piezas destacadas figuran: Es luna llena en la cicatriz, en colaboración con la artista plástica Elena del Ribero y comisariada por Mateo Feijoo. El lugar de los pasos perdidos, Centro de la Imagen (La Virreina), Barcelona, en colaboración con la artista plástica Inmaculada Salinas. La serie Disparates, inspirada en Goya. Imprenta acústica en (14 borrones) de una aparición, producida por Naves Matadero. Mnemosyna, en colaboración con Patricia Caballero. También ha realizado obras en video como Srta. Nieve y La voz del cuerpo, además de publicar textos y dibujos en títulos como Disparates y La música en los huesos. Su trabajo ha sido presentado en festivales de España, Europa, Norteamérica y México. Actualmente, continúa investigando con el colectivo El Bailadero (G.I.B.), impartiendo talleres y colaborando con universidades como la Carlos III y Reina Sofía.

Las Nenas Theater – 6 de abril en BLV-ART

SINOPSIS
Divas desubicadas, artistas martirizadas. Cuatro personas interactúan con los mecanismos visibles de un teatro  como territorio de conflicto. Corporeizan el deseo de ser alguien diferente a lo que son, provocando juicios que lo rompen todo y celebran el fallo. Una conversación superficial y un discurso teórico interminable se superponen en capas que interactúan entre sí, dando lugar a una ilusión de pantalla dividida.

COMPAÑÍA
Las Nenas practican una forma radical de intrusismo profesional. Realizan las más profundas fantasías de rendimiento. Son creadoras, intérpretes, actrices, performers, directoras, productoras, docentes, guías espirituales, monitoras de ocio y tiempo libre, licitadoras de arte, marchantes, relaciones públicas, reporteras. A la cabeza de la vanguardia escénica. Les gusta ser aplaudidas. Lo más importante es que no saben hacer nada. Aun así, el público espera todo de ellas.

Dirección e interpretación: Las Nenas Theatre

Producción: Las Nenas Theatre

Apoyos: Programa Innova de Fundación Caja Navarra y Fundación “La Caixa”, Gobierno de Navarra, La Casa Encendida, Antartika Kultur Container, Centro de Arte Contemporáneo de Huarte, Ayuntamiento de Bilbao Artistas en Residencia.

Instagram: @lasnenastheatre

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Joaquín Collado – 13 de febrero en La Mutant

Con este trabajo me propongo como desafío colocar el cuerpo y sus bailes en el espacio, y nada más. Y que esté. Y que haga. Y que balbucee. Y que baile. Partiendo de esta proposición, algunas de las preguntas que me animan son: ¿Cómo, a través del gesto danzado, generar una presencia que escape de toda categorización, que emborrone las fronteras entre los géneros, que desoriente toda adivinación de lo que es, y que, afirmándose en ese inacabamiento, se mantenga alegremente presente y comprometida con su estar, con su bailar? ¿Cómo expandir la imaginación del que mira, produciendo un cuerpo hecho de trozos de otras muchas corporalidades, nombres y caras, y una danza impura hecha de múltiples gestos?

Ahora el baile todo (título provisional) se plantea como un proyecto de investigación y creación en solitario, con el que quiero reflexionar, a través del gesto del bailar y de mi cuerpo como bailarín hombre, sobre los procesos de construcción de una danza bastarda y plural, y sobre las ideas de categorización e identidad que operan en la danza y el bailarín, y por extensión, en todo cuerpo.

El proyecto se encuentra en una fase inicial de investigación.

Con el Apoyo de Graners de Creación, La Mutant de Valencia y La Caldera – centro de danza en Barcelona.

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Objeto de estudio de Raúl Alaejos | Del 31 de enero al 6 de marzo en cines

La sombra del objetivismo antropológico persigue a un torpe director que experimenta metodológica y formalmente alrededor del acto obsceno de rodar poblaciones nativas en el pueblo más septentrional.

Allí, Robert Peary, explorador norteamericano, pensó hace más de 100 años que la única manera de que un ser humano alcanzara el Polo Norte sería tener hijos con inuits para crear una super-raza que aunara la fortaleza esquimal y la clarividencia del occidental.

Tras los pasos de esta extravagante teoría camina este ensayo fílmico en busca de esa super-raza.

23 y 24 de enero en el Xcèntric del CCCB

Este segundo encuentro sobre archivos cinematográficos relaciona el «cine de vanguardia» –el que mejor incluyó las diferentes disidencias históricas– con la permanente redefinición del pensamiento queer. Requisadas por las aduanas o destruidas en los laboratorios, la recuperación archivística de estas películas íntimas y subversivas, frecuentemente sometidas a la clandestinidad, conlleva tanto una singular preservación de la memoria personal y colectiva como la constante responsabilidad de reescribir la historia del cine.

Jueves 23 de enero:

10:30 h Bienvenida y presentación del programa, Gloria Vilches (Xcèntric)

11:00 h Queer: algunos problemas de la historia LGBTQI+. Antoine Idier (sociólogo e historiador)

Queer parece una palabra familiar, pero la noción sigue siendo ambigua: según quién la utilice y en qué contexto, su significado no es el mismo. El término forma parte de una larga tradición entre las minorías sexuales que consiste en cuestionar las palabras para nombrarse y pensarse a sí mismas, para conceptualizar su existencia. El término queer reflexiona sobre las identidades y subjetividades, la pluralidad de pertenencias, la dominación y la invisibilidad de las políticas de las minorías. Como todo concepto, aunque permite formular nuevos problemas, deja otros de lado. Esta charla retoma algunos de estos problemas, vinculados a la relación con el pasado y la escritura de la historia. Releer la historia desde una perspectiva queer plantea una serie de dificultades conceptuales, como la cohabitación de permanencia y discontinuidad, la atención a las diferentes experiencias de género y sexualidad y la necesidad de mantener abierta la interpretación.

12:30 h Archivo y contrarchivo queer: activismo, materia y memoria. Juan Antonio Suárez (investigador y profesor, miembro del proyecto Perverse Collections: Building Europe’s Queer and Trans Archives)

Esta intervención surge del trabajo en curso del proyecto de investigación Perverse Collections, que explora la historia y las políticas de los archivos queer y trans en Europa. La intervención abordará el material fílmico presente en distintos tipos de archivos queer, tanto en archivos activistas, directamente vinculados a la militancia queer y trans, como otros tipos de archivo que, sin estar vinculados al activismo, recogen la memoria colectiva de las sexualidades heterodoxas, como es el caso de las colecciones personales, los fondos de filmotecas y los archivos de artistas. La intervención incidirá particularmente en los llamados contrarchivos —archivos heterodoxos, personales, no (o anti-) institucionales— y en las posibilidades —y problemas— que estos ofrecen para la gestión y transmisión de la memoria, así como para la redefinición de lo queer como identidad en proceso.

17:30 h Nueva York (ca. 1966). El cine queer antes y después de Warhol (a. W./d. W.). Francisco Algarín Navarro (programador y editor)

En el verano de 1963 Andy Warhol comenzó a hacer películas abordando directamente la orientación y la identidad sexual. Este punto de inflexión dejó atrás varias décadas de subterfugios y veladuras representacionales (psicodramas, mitos y alegorías). Concentrado en torno a la ciudad de Nueva York, el cine queer alcanzó en esos años su culminación y anticipó los movimientos sociales de los años setenta. Sin embargo, también debió enfrentarse a los más radicales órganos censores, que imponían sus leyes de depravación y obscenidad haciendo desaparecer filmografías completas. Esta sesión propone confrontar el esplendor de esta etapa con sus oscuros vestigios: películas incautadas y mutiladas, proyectos abandonados, catálogos menguados, rincones vacíos en las distribuidoras. En el sombrío periodo actual, las paradojas derivadas de la preservación y las complejas condiciones de acceso a los principales archivos mundiales siguen condenando incluso al cine queer más canónico a una nueva fase de invisibilidad.

19:00h Proyección: “Anatomía Warhol. Boca, ojo, sexo.”

Viernes 24 de enero:

10:30 h Palabras y archivos: nombrar disidencias a través del tiempo. Equipo de Hamaca (Eli Lloveras, Belén Soto y Elena Lasala) con Ros Murray (investigadora y profesora) y Julia Cortegana (archivista)

El fondo de audiovisual experimental de Hamaca reúne más de un millar de producciones videográficas significativas, contrahegemónicas, históricas y artísticas, realizadas desde finales de los sesenta hasta la actualidad en el contexto estatal. A día de hoy, el archivo sigue creciendo exponencialmente, acogiendo múltiples formas de expresión audiovisual y mutando, del mismo modo que lo hacen las palabras que lo nombran, hacia las polisemias del presente. En 2024 Hamaca convoca un grupo de investigación aplicada con el fin de realizar una revisión de la taxonomía que organiza y hace accesible el fondo de vídeos. Una puesta al día del tesauro, metodologías de catalogación e infraestructuras que abarca las propias coyunturas del archivo, a mano de investigadorxs, activistas, programadorxs y archiverxs. En esta jornada, se compartirán reflexiones acerca de la revisión taxonómica —¿faltan o sobran palabras?, ¿qué fugas despiertan los propios contenidos del archivo?, ¿quién etiqueta y desde dónde?, ¿sobre qué estructuras técnicas y reproductivas construimos el fondo?—, a partir del trabajo que han llevado a cabo el propio equipo técnico de Hamaca junto a las pensadoras y archivistas Ros Murray y Julia Cortegana, en relación con su investigación semántica situada en ontologías feministas y queer.

12:30 h Mesa redonda abierta al público. Se suman a la conversación con el equipo de Hamaca Rebeca Tolosa, del archivo de Ca la Dona (Barcelona), y Alba Villarmea y Alejandro Artime, de Ciclo Pulga, una iniciativa reciente que trata de recuperar la historia de cineastxs queer asturianxs.

17:30 h El cine queer como archivo vivo. yann beauvais (cineasta, programador y archivista)

Ante la polarizada escena formalista del cine de vanguardia del París de los años setenta, en 1982, el cineasta, programador y escritor yann beauvais fundó junto a Miles McKane la distribuidora Light Cone. Esta nueva cooperativa abrió su espectro para reflejar la diversidad de temas, movimientos y prácticas fílmicas del cine de vanguardia, priorizando el cine queer de una manera interseccional, acogiendo todo tipo de disidencias estéticas y formales no solo vinculadas con la orientación y la identidad sexual. Como programador, beauvais trabajó en un archivo vivo, mostrando a la vez que distribuyendo y preservando estas películas tanto en Francia como en el resto del mundo y posibilitando la creación de nuevas comunidades. Su activismo también se ha desarrollado en otras facetas como la escritura, a través de sus fundamentales textos sobre cine gay y queer, o sobre todo en su trabajo como cineasta, por ejemplo en sus diferentes películas sobre la crisis del sida.

19:00h Cuerpo, sexualidad y deslocalización de lo queer. Diálogo con yann beauvais y Francisco Algarín Navarro, ilustrado con proyecciones

Queer falafel – Del 10 al 26 de abril en Periferias Cimarronas

Una manifestación individual, un collage interseccional de visuales, música en vivo, cuerpo y texto.

Que te ofendas cuando decimos que eres blancx es pura fragilidad blanca.

No me digas que no eres racista, háblame cuando seas radicalmente antirracista.

Yo no inventé el sistema que estoy denunciando.

Yo no inventé la jerarquía piramidal que coloca tu identidad en lo más alto.

Tan pronto como te lo tomes como algo personal, tan rápido como hagas gaslighting y no

reconozcas que tu blanquitud está en un trono.

Lo pobre no te quita lo blanco, lo trans no te quita lo blanco.

En esta sesión, la blanquitud recibirá un Arabsplaining adecuada sobre la verdadera historia.

Desmontando el neoliberalismo y las rastas rubias.

Estarás incómodx.

Aprenderás con hechos, detalles, archivos y experiencias vividas.

Aprenderás cómo el hombre blanco impuso los binarismos capitalistas en el mundo.

Aprenderás que sin nuestras disidencias, fruto del colonialismo eurocéntrico,

no tendrás tus privilegios, fruto del colonialismo eurocéntrico.

PALESTINA LIBRE

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Biografía

Queer Falafel

Un artista multidisciplinar del Líbano.

Denuncia la supremacía blanca desde una perspectiva decolonial y no binaria.

Los Papeles – 2018 cuenta la historia de una relación queer en Beirut y el injusto proceso de inmigración a la Europa “utópica” con pasaporte libanés.

PAREMEU – 2019, una obra de teatro documental corta, un retrato de su padre, que habla de su relación, la masculinidad, la homosexualidad y la guerra civil libanesa.

TECNÒCRATA – 2021 reflexiona sobre la imagen proyectada en las redes sociales, la fetichización de las identidades árabes feminizadas queer y el auto-orientalismo.

En 2022, junto a Mad Monkey, crearon BLAST, un dúo electroárabe. Sin género, libre, rudo y violento, con contenido queer/decolonial.

FALAFEL también actúa como personaje Jodegénero que recorre el mundo, apareciendo en lugares y colectivos politizados queer y migrantes/racializadas. Creando espacios y referencias para personas árabe queer.

Ficha artística

Autoría, dirección y performance: Queer Falafel

Visuales y diseño de sonido: Queer Falafel

Diseño de luces: Roc Lilith

Montaje: Xar Sid

Vestuario: Branqui4s

Video trailer: Queer Falafel

Operadora de cámara: Epi Copel

Fotografía: Gabriel Venzi

Alberto Cortés – 27 y 28 de febrero en Conde Duque 

“Al atardecer, después de que una pareja discuta fuertemente en la playa de Gulpiyuri, un fantasma romántico llamado Analphabet aparece sobre el mar a narrar su historia y cantar canciones a la pareja”.

Analphabet es la invención de un mito: la de un espíritu romántico que se manifiesta a las parejas en los entornos naturales y que vive atrapado en la herida de la carne; su aparición pone de manifiesto el barranco al que llamamos “pareja de amantes” y los maltratos a los que nos sometemos dentro de esa estructura amatoria. Su historia personal abre la caja de las violencias intragénero y expone la necesidad de extremar también los cuidados en las relaciones maricas atravesadas por la herencia patriarcal. Como espíritu atormentado bebe de la poesía del romanticismo alemán y sus paisajes (Goethe, Hölderlin o Novalis han acompañado esta escritura), pero también se sirve de la idiosincrasia andaluza y de la herida mortal de un amor en Euskadi. Analphabet, aunque viene moribundo y herido sobre un caballo, trae consigo una esperanza: lo que puede hacer la poesía por la herida.

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Hilomental & Estela Ortiz – 19 de diciembre en La Capella

En el marco del Festival Panoràmic, dedicado este año a los extremos, presentamos otra sesión de HILOMENTAL (sesiones videológicas), esta vez con ESTELA ORTIZ (analista cultural interesada en los arquetipos, las tensiones culturales , los imaginarios, los deseos… en fin, todo lo que representa y al mismo tiempo alimenta la forma como pensamos). verán vídeos sobre los extremos, tanto políticos como estéticos.

Hemos titulado la velada “POV: in extremis”. Será una noche divertida, densa y, tal vez, escandalosa. Hacia el final, como siempre, pediremos sugerencias al público asistente.

Más información: https://www.lacapella.barcelona/es/pov-extremis.

Blackhaine – 20 y 21 de diciembre en Réplika Teatro 

El artista británico Tom Heyes, conocido como Blackhaine, llega a Réplika Teatro para presentar su inclasificable directo por primera vez en Madrid.

La obra de Blackhaine combina música experimental, danza, performance y poesía explorando temas atravesados por la violencia, la vulnerabilidad y el realismo social, con una presencia ecléctica en el escenario que evoca los fantasmas de Jean Genet y Sarah Kane. Originario de Preston, Lancashire (UK), ha trabajado con músicos como Blood Orange, Bad Bunny (coreografía del vídeo Where she goes), Playboi Carti y Ye (Kanye West), para quien ha coreografiado los listening events de Donda, Donda 2 y Vultures 2. Su estilo se caracteriza por una fusión de géneros como el drill, el noise, el punk y el ambient, junto con movimientos de baile erráticos inspirados en el hardcore donk, el butoh japonés y las corporalidades de usuarios de drogas como el “k2/spice”.

Blackhaine debutó con su EP Armour durante la cuarentena y ha seguido con proyectos como And Salford Falls Apart y Armour II. Sus actuaciones, como la presentada en el festival Berlin Atonal en 2023, destacan por su intensidad física y emocional, evocando la idea de descifrar el sufrimiento a través del cuerpo, en un exhibicionismo atroz de jouissance, violencia, vulnerabilidad y honestidad que recuerda al Teatro de la Crueldad de Artaud.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/user-blackhaine/.

Blackhaine es un artista británico cuya aproximación radical a la música drill & noise y a la performance se extiende hacia la coreográfico y a instalaciones audiovisuales inmersivas, lo que le ha hecho trabajar en la dirección de movimiento y el diseño de puestas en escena para raperos de renombre mundial como Ye (Kanye West) o Playboi Carti.

Surgida en medio de la ansiedad estática de 2020, la obra multidisciplinar de Blackhaine expresa una transición visceral desde el miedo opresivo hasta un agotador éxtasis negativo.

Su dramaturgia híbrida de voz, movimiento y puesta en escena continúa el camino marcado por el Teatro de la Crueldad de Antonin Artaud, y está moldeada por una conciencia política surgida de la vida y la cultura del norte de Inglaterra, de donde Blackhaine es originario.

Impulsado por la búsqueda del nihilismo como forma de honestidad, sus directos son físicamente extremos —dejándolo a menudo ensangrentado y magullado— y emplean técnicas de larga duración y opresión capaces de diluir los géneros artísticos y conformar atmósferas a la vez íntimas y confrontativas.

En sus directos, Blackhaine descompone su obra con nuevos materiales en proceso. Cada actuación es única, pero todas comparten una convicción persistente de experimentar con formas en constante cambio, entre el noise, el punk, el ambient, la danza y la poesía.

Su práctica tempestuosa se ha consolidado en colaboraciones grabadas con Croww, Space Afrika y Blood Orange, y más recientemente en su transición hacia la producción, dirección y composición de videos promocionales, como ‘Armour Freestyle’ y ‘Be Right Now / We Walk Away’, que han acumulado más de 2 millones de vistas.

La versatilidad inimitable y no convencional de Blackhaine, junto con su rigor metódico, han desembocado en la dirección y producción de espectáculos a escala masiva como la gira mundial de Playboi Carti y los “listening events” Donda, Donda 2 y Vultures 2 de Ye (Kanye West), así como en la performance site-specific ‘Berg’, diseñada para la feria Paris+ Art Basel en el Centro Pompidou.

Tras ‘Miasma’ (2022), una co-producción junto a la diseñadora 3D Hannah Rose Stewart, en el espacio de arte Trauma Bar de Berlín, en 2023 Blackhaine estrenó con un rotundo éxito el proyecto Paith en el Berlin Atonal. Posteriormente, en 2024, ha producido performances site-specific como «CONSUMER» en EXPOP (Berna) y para Sonar (Barcelona).

Blackhaine ha presentado obra en la Bienal de Venecia (2019); «Resilient Responses» en la Tate Modern de Londres como parte de Terra Foundation for American Art (2021); la instalación / performance «Hotel» en Lafayette Anticipations de París (2022); en el Unsound Festival de Cracovia (2022); en el Primavera Sound de Barcelona (2023); en el Palais de Tokyo de París dentro de Art Basel, junto al Centre Pompidou (2023); en el Berlin Atonal (2023); en el Dark Mofo de Hobart, Tasmania (2023); los iLL Studios de Tokio (2023); en Stavanger Seccession en Noruega (2022-2024) o en el Festival Sónar de Barcelona (2024).

Monte Isla  – 7 de diciembre en La Mutant 

Cargado de trastos, arrastra un oficio milenario de pueblo en pueblo y de plaza en plaza, levantando y desmontando cada día retablos efímeros, sumando lentamente kilómetros de un viaje hacia ningún lugar.

Monte Isla, que en el TNT 2022 se propusieron meter un paisaje en un teatro (Donde empieza el bosque acaba el pueblo), ahora meten todo lo que se pueda imaginar dentro de una furgoneta, dedicando esta nueva creación a la figura del titiritero: un constructor obstinado de ficciones en un mundo que no las pide, un vendedor de humo en tiempos de aires acondicionados, un cuerpo invisible que carga sobre sus espaldas el peso simultaneo de la precariedad y la tradición.

Preparaos para uno de los espectáculos más fecales que habéis visto. Un cuerpo sin talento es un despliegue de humor indigesto y metáforas crueles sobre cómo sobreviven las artistas, vomitando confeti y bailando en un campo minado. El dolor de barriga y la defecación ofician como maestros de ceremonias un juego de teatro dentro del teatro. Algo huele mal en el reino de Dinamarca…

Un cuerpo sin talento es una reflexión sobre las condiciones existenciales del artista que parte del diagnóstico de un mundo cansado y saturado. La explosión visual a la que nos invitan recuerda a esos comensales hartos de los Monty Python. Detrás de la ilusión del teatro y el entretenimiento nos acecha el fantasma del burnout… It’s a kind of magic.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/cuerpo-talento-monte-isla/#tab-id-2.

FICHA

Idea y creación: Monte Isla. Dirección y dramaturgia: Andrea Pellejero, Adrià Girona. Interpretación: Andreu Martínez. Dirección técnica y maquinaria: Roberto Baldinelli. Diseño de la iluminación: Gabriela Bianchi. Diseño del sonido: Uriel Ireland, Adrià Girona.  Diseño de la escenografía: Marta Lofi Construcción: Miquel Grima, Marta Lofi.  Vestuario y espacio escénico: Marta Lofi. Ingeniero de artefactos lumínicos: José Luis Salmerón (Cube Peak). Producción ejecutiva: Rut Girona.  Administración, comunicación y distribución: Monte Isla. Agradecimientos: David Marin, Carlota Grau, Neus Masdeu, Pep Arumí, Tanya Beyeler, Heartbreak Hotel, Lisandro Marquez, Pol Pare, Alejandro Santaflorentina, Lara Hereu, Sandra Bonillo, Serrucho, Mikolaj Bielski, Vilma López.

Una coproducción del Grec 2024 Festival de Barcelona, El Canal Centre de creació d’arts escèniques, Festival TNT y Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque.

Con el apoyo del Teatro La Mutant, l’Abri (Suiza), Teatro municipal de Girona, Teatro municipal de Lloret, l’Animal a l’esquena, Antic Teatre, Konvent.0, El Galliner, Ajuts Girona Crea 2023, Institut Ramon Llull, Goethe-Institut Madrid i Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.Con el apoyo de la residencia creativa de intercambio con National Theater and Concert Hall (Taiwan) de las Ayudas a la Creación Carlota Soldevila del Teatre Lliure, temporada 23/24; y del programa de residencias internacionales de la Nau Ivanow.Monte Isla es compañía residente de la Nau Ivanow.