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Audiovisuales

23 y 24 de enero en el Xcèntric del CCCB

Este segundo encuentro sobre archivos cinematográficos relaciona el «cine de vanguardia» –el que mejor incluyó las diferentes disidencias históricas– con la permanente redefinición del pensamiento queer. Requisadas por las aduanas o destruidas en los laboratorios, la recuperación archivística de estas películas íntimas y subversivas, frecuentemente sometidas a la clandestinidad, conlleva tanto una singular preservación de la memoria personal y colectiva como la constante responsabilidad de reescribir la historia del cine.

Jueves 23 de enero:

10:30 h Bienvenida y presentación del programa, Gloria Vilches (Xcèntric)

11:00 h Queer: algunos problemas de la historia LGBTQI+. Antoine Idier (sociólogo e historiador)

Queer parece una palabra familiar, pero la noción sigue siendo ambigua: según quién la utilice y en qué contexto, su significado no es el mismo. El término forma parte de una larga tradición entre las minorías sexuales que consiste en cuestionar las palabras para nombrarse y pensarse a sí mismas, para conceptualizar su existencia. El término queer reflexiona sobre las identidades y subjetividades, la pluralidad de pertenencias, la dominación y la invisibilidad de las políticas de las minorías. Como todo concepto, aunque permite formular nuevos problemas, deja otros de lado. Esta charla retoma algunos de estos problemas, vinculados a la relación con el pasado y la escritura de la historia. Releer la historia desde una perspectiva queer plantea una serie de dificultades conceptuales, como la cohabitación de permanencia y discontinuidad, la atención a las diferentes experiencias de género y sexualidad y la necesidad de mantener abierta la interpretación.

12:30 h Archivo y contrarchivo queer: activismo, materia y memoria. Juan Antonio Suárez (investigador y profesor, miembro del proyecto Perverse Collections: Building Europe’s Queer and Trans Archives)

Esta intervención surge del trabajo en curso del proyecto de investigación Perverse Collections, que explora la historia y las políticas de los archivos queer y trans en Europa. La intervención abordará el material fílmico presente en distintos tipos de archivos queer, tanto en archivos activistas, directamente vinculados a la militancia queer y trans, como otros tipos de archivo que, sin estar vinculados al activismo, recogen la memoria colectiva de las sexualidades heterodoxas, como es el caso de las colecciones personales, los fondos de filmotecas y los archivos de artistas. La intervención incidirá particularmente en los llamados contrarchivos —archivos heterodoxos, personales, no (o anti-) institucionales— y en las posibilidades —y problemas— que estos ofrecen para la gestión y transmisión de la memoria, así como para la redefinición de lo queer como identidad en proceso.

17:30 h Nueva York (ca. 1966). El cine queer antes y después de Warhol (a. W./d. W.). Francisco Algarín Navarro (programador y editor)

En el verano de 1963 Andy Warhol comenzó a hacer películas abordando directamente la orientación y la identidad sexual. Este punto de inflexión dejó atrás varias décadas de subterfugios y veladuras representacionales (psicodramas, mitos y alegorías). Concentrado en torno a la ciudad de Nueva York, el cine queer alcanzó en esos años su culminación y anticipó los movimientos sociales de los años setenta. Sin embargo, también debió enfrentarse a los más radicales órganos censores, que imponían sus leyes de depravación y obscenidad haciendo desaparecer filmografías completas. Esta sesión propone confrontar el esplendor de esta etapa con sus oscuros vestigios: películas incautadas y mutiladas, proyectos abandonados, catálogos menguados, rincones vacíos en las distribuidoras. En el sombrío periodo actual, las paradojas derivadas de la preservación y las complejas condiciones de acceso a los principales archivos mundiales siguen condenando incluso al cine queer más canónico a una nueva fase de invisibilidad.

19:00h Proyección: “Anatomía Warhol. Boca, ojo, sexo.”

Viernes 24 de enero:

10:30 h Palabras y archivos: nombrar disidencias a través del tiempo. Equipo de Hamaca (Eli Lloveras, Belén Soto y Elena Lasala) con Ros Murray (investigadora y profesora) y Julia Cortegana (archivista)

El fondo de audiovisual experimental de Hamaca reúne más de un millar de producciones videográficas significativas, contrahegemónicas, históricas y artísticas, realizadas desde finales de los sesenta hasta la actualidad en el contexto estatal. A día de hoy, el archivo sigue creciendo exponencialmente, acogiendo múltiples formas de expresión audiovisual y mutando, del mismo modo que lo hacen las palabras que lo nombran, hacia las polisemias del presente. En 2024 Hamaca convoca un grupo de investigación aplicada con el fin de realizar una revisión de la taxonomía que organiza y hace accesible el fondo de vídeos. Una puesta al día del tesauro, metodologías de catalogación e infraestructuras que abarca las propias coyunturas del archivo, a mano de investigadorxs, activistas, programadorxs y archiverxs. En esta jornada, se compartirán reflexiones acerca de la revisión taxonómica —¿faltan o sobran palabras?, ¿qué fugas despiertan los propios contenidos del archivo?, ¿quién etiqueta y desde dónde?, ¿sobre qué estructuras técnicas y reproductivas construimos el fondo?—, a partir del trabajo que han llevado a cabo el propio equipo técnico de Hamaca junto a las pensadoras y archivistas Ros Murray y Julia Cortegana, en relación con su investigación semántica situada en ontologías feministas y queer.

12:30 h Mesa redonda abierta al público. Se suman a la conversación con el equipo de Hamaca Rebeca Tolosa, del archivo de Ca la Dona (Barcelona), y Alba Villarmea y Alejandro Artime, de Ciclo Pulga, una iniciativa reciente que trata de recuperar la historia de cineastxs queer asturianxs.

17:30 h El cine queer como archivo vivo. yann beauvais (cineasta, programador y archivista)

Ante la polarizada escena formalista del cine de vanguardia del París de los años setenta, en 1982, el cineasta, programador y escritor yann beauvais fundó junto a Miles McKane la distribuidora Light Cone. Esta nueva cooperativa abrió su espectro para reflejar la diversidad de temas, movimientos y prácticas fílmicas del cine de vanguardia, priorizando el cine queer de una manera interseccional, acogiendo todo tipo de disidencias estéticas y formales no solo vinculadas con la orientación y la identidad sexual. Como programador, beauvais trabajó en un archivo vivo, mostrando a la vez que distribuyendo y preservando estas películas tanto en Francia como en el resto del mundo y posibilitando la creación de nuevas comunidades. Su activismo también se ha desarrollado en otras facetas como la escritura, a través de sus fundamentales textos sobre cine gay y queer, o sobre todo en su trabajo como cineasta, por ejemplo en sus diferentes películas sobre la crisis del sida.

19:00h Cuerpo, sexualidad y deslocalización de lo queerDiálogo con yann beauvais y Francisco Algarín Navarro, ilustrado con proyecciones

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Queer falafel – Del 9 al 11 de enero en Periferias Cimarronas

Una manifestación individual, un collage interseccional de visuales, música en vivo, cuerpo y texto.

Que te ofendas cuando decimos que eres blancx es pura fragilidad blanca.

No me digas que no eres racista, háblame cuando seas radicalmente antirracista.

Yo no inventé el sistema que estoy denunciando.

Yo no inventé la jerarquía piramidal que coloca tu identidad en lo más alto.

Tan pronto como te lo tomes como algo personal, tan rápido como hagas gaslighting y no

reconozcas que tu blanquitud está en un trono.

Lo pobre no te quita lo blanco, lo trans no te quita lo blanco.

En esta sesión, la blanquitud recibirá un Arabsplaining adecuada sobre la verdadera historia.

Desmontando el neoliberalismo y las rastas rubias.

Estarás incómodx.

Aprenderás con hechos, detalles, archivos y experiencias vividas.

Aprenderás cómo el hombre blanco impuso los binarismos capitalistas en el mundo.

Aprenderás que sin nuestras disidencias, fruto del colonialismo eurocéntrico,

no tendrás tus privilegios, fruto del colonialismo eurocéntrico.

PALESTINA LIBRE

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Biografía

Queer Falafel

Un artista multidisciplinar del Líbano.

Denuncia la supremacía blanca desde una perspectiva decolonial y no binaria.

Los Papeles – 2018 cuenta la historia de una relación queer en Beirut y el injusto proceso de inmigración a la Europa “utópica” con pasaporte libanés.

PAREMEU – 2019, una obra de teatro documental corta, un retrato de su padre, que habla de su relación, la masculinidad, la homosexualidad y la guerra civil libanesa.

TECNÒCRATA – 2021 reflexiona sobre la imagen proyectada en las redes sociales, la fetichización de las identidades árabes feminizadas queer y el auto-orientalismo.

En 2022, junto a Mad Monkey, crearon BLAST, un dúo electroárabe. Sin género, libre, rudo y violento, con contenido queer/decolonial.

FALAFEL también actúa como personaje Jodegénero que recorre el mundo, apareciendo en lugares y colectivos politizados queer y migrantes/racializadas. Creando espacios y referencias para personas árabe queer.

Ficha artística

Autoría, dirección y performance: Queer Falafel

Visuales y diseño de sonido: Queer Falafel

Diseño de luces: Roc Lilith

Montaje: Xar Sid

Vestuario: Branqui4s

Video trailer: Queer Falafel

Operadora de cámara: Epi Copel

Fotografía: Gabriel Venzi

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Alberto Cortés – 17 y 18 de enero en el Teatro Central de Sevilla

Como dramaturgo, intérprete, inventor absoluto de artefactos escénicos y colaborador de creadoras y creadores andaluces, Alberto Cortés es un habitual de nuestra oferta por derecho propio.

En 2018, junto a Juan Luis Matilla, dejó su discreta tarjeta de presentación con Error; en 2019 Silvia Balvín acudió a él para que colaborase como dramaturgo en Hovering y en 2021 hizo lo propio en Mi madre muerta de Greta&Anna.

Posteriormente, en febrero 2021 y noviembre 2022 se puso a los mandos de sus propias creaciones e interpretaciones presentando El ardor One night at the golden bar, respectivamente. Sus personalísimos trazos artísticos van quedando dibujados así en la trayectoria artística del Central.

Llega ahora con una nueva propuesta en la que le acompañan un buen puñado de coproductores y colaboradores de primera: Festival TNT (Tarrasa), Centro Condeduque (Madrid), FITEI (Oporto), Azala Espacio de Creación (País Vasco), Graner (Cataluña), Goethe-Institut (Madrid), Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, Escena Patrimonio dentro de La Noche del Patrimonio, Programa de Residencias Artísticas de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y Ayuntamiento de La Rinconada.

Las expectativas despertadas antes de su estreno nos hacen preguntarle por la trama, ya sabemos… siempre en proceso, de esta nueva creación.

Esto es lo que nos cuenta: Al atardecer, después de que una pareja discuta fuertemente en la playa de Gulpiyuri, un fantasma romántico llamado Analphabet aparece sobre el mar a narrar su historia y cantar canciones a la pareja.

Analphabet es la invención de un mito: la de un espíritu romántico que se manifiesta a las parejas en los entornos naturales y que vive atrapado en la herida de la carne; su aparición pone de manifiesto el barranco al que llamamos “pareja de amantes” y los maltratos a los que nos sometemos dentro de esa estructura amatoria. Su historia personal abre la caja de las violencias intragénero y expone la necesidad de extremar también los cuidados en las relaciones maricas atravesadas por la herencia patriarcal.

Como espíritu atormentado bebe de la poesía del romanticismo alemán y sus paisajes (Goethe, Hölderlin o Novalis han acompañado esta escritura), pero también se sirve de la idiosincrasia andaluza y de la herida mortal de un amor en Euskadi.

Analphabet, aunque viene moribundo y herido sobre un caballo, trae consigo una esperanza: lo que puede hacer la poesía por la herida.

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Hilomental & Estela Ortiz – 19 de diciembre en La Capella

En el marco del Festival Panoràmic, dedicado este año a los extremos, presentamos otra sesión de HILOMENTAL (sesiones videológicas), esta vez con ESTELA ORTIZ (analista cultural interesada en los arquetipos, las tensiones culturales , los imaginarios, los deseos… en fin, todo lo que representa y al mismo tiempo alimenta la forma como pensamos). verán vídeos sobre los extremos, tanto políticos como estéticos.

Hemos titulado la velada “POV: in extremis”. Será una noche divertida, densa y, tal vez, escandalosa. Hacia el final, como siempre, pediremos sugerencias al público asistente.

Más información: https://www.lacapella.barcelona/es/pov-extremis.

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Blackhaine – 20 y 21 de diciembre en Réplika Teatro 

El artista británico Tom Heyes, conocido como Blackhaine, llega a Réplika Teatro para presentar su inclasificable directo por primera vez en Madrid.

La obra de Blackhaine combina música experimental, danza, performance y poesía explorando temas atravesados por la violencia, la vulnerabilidad y el realismo social, con una presencia ecléctica en el escenario que evoca los fantasmas de Jean Genet y Sarah Kane. Originario de Preston, Lancashire (UK), ha trabajado con músicos como Blood Orange, Bad Bunny (coreografía del vídeo Where she goes), Playboi Carti y Ye (Kanye West), para quien ha coreografiado los listening events de Donda, Donda 2 y Vultures 2. Su estilo se caracteriza por una fusión de géneros como el drill, el noise, el punk y el ambient, junto con movimientos de baile erráticos inspirados en el hardcore donk, el butoh japonés y las corporalidades de usuarios de drogas como el “k2/spice”.

Blackhaine debutó con su EP Armour durante la cuarentena y ha seguido con proyectos como And Salford Falls Apart y Armour II. Sus actuaciones, como la presentada en el festival Berlin Atonal en 2023, destacan por su intensidad física y emocional, evocando la idea de descifrar el sufrimiento a través del cuerpo, en un exhibicionismo atroz de jouissance, violencia, vulnerabilidad y honestidad que recuerda al Teatro de la Crueldad de Artaud.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/user-blackhaine/.

Blackhaine es un artista británico cuya aproximación radical a la música drill & noise y a la performance se extiende hacia la coreográfico y a instalaciones audiovisuales inmersivas, lo que le ha hecho trabajar en la dirección de movimiento y el diseño de puestas en escena para raperos de renombre mundial como Ye (Kanye West) o Playboi Carti.

Surgida en medio de la ansiedad estática de 2020, la obra multidisciplinar de Blackhaine expresa una transición visceral desde el miedo opresivo hasta un agotador éxtasis negativo.

Su dramaturgia híbrida de voz, movimiento y puesta en escena continúa el camino marcado por el Teatro de la Crueldad de Antonin Artaud, y está moldeada por una conciencia política surgida de la vida y la cultura del norte de Inglaterra, de donde Blackhaine es originario.

Impulsado por la búsqueda del nihilismo como forma de honestidad, sus directos son físicamente extremos —dejándolo a menudo ensangrentado y magullado— y emplean técnicas de larga duración y opresión capaces de diluir los géneros artísticos y conformar atmósferas a la vez íntimas y confrontativas.

En sus directos, Blackhaine descompone su obra con nuevos materiales en proceso. Cada actuación es única, pero todas comparten una convicción persistente de experimentar con formas en constante cambio, entre el noise, el punk, el ambient, la danza y la poesía.

Su práctica tempestuosa se ha consolidado en colaboraciones grabadas con Croww, Space Afrika y Blood Orange, y más recientemente en su transición hacia la producción, dirección y composición de videos promocionales, como ‘Armour Freestyle’ y ‘Be Right Now / We Walk Away’, que han acumulado más de 2 millones de vistas.

La versatilidad inimitable y no convencional de Blackhaine, junto con su rigor metódico, han desembocado en la dirección y producción de espectáculos a escala masiva como la gira mundial de Playboi Carti y los “listening events” Donda, Donda 2 y Vultures 2 de Ye (Kanye West), así como en la performance site-specific ‘Berg’, diseñada para la feria Paris+ Art Basel en el Centro Pompidou.

Tras ‘Miasma’ (2022), una co-producción junto a la diseñadora 3D Hannah Rose Stewart, en el espacio de arte Trauma Bar de Berlín, en 2023 Blackhaine estrenó con un rotundo éxito el proyecto Paith en el Berlin Atonal. Posteriormente, en 2024, ha producido performances site-specific como «CONSUMER» en EXPOP (Berna) y para Sonar (Barcelona).

Blackhaine ha presentado obra en la Bienal de Venecia (2019); «Resilient Responses» en la Tate Modern de Londres como parte de Terra Foundation for American Art (2021); la instalación / performance «Hotel» en Lafayette Anticipations de París (2022); en el Unsound Festival de Cracovia (2022); en el Primavera Sound de Barcelona (2023); en el Palais de Tokyo de París dentro de Art Basel, junto al Centre Pompidou (2023); en el Berlin Atonal (2023); en el Dark Mofo de Hobart, Tasmania (2023); los iLL Studios de Tokio (2023); en Stavanger Seccession en Noruega (2022-2024) o en el Festival Sónar de Barcelona (2024).

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Monte Isla  – 7 de diciembre en La Mutant 

Cargado de trastos, arrastra un oficio milenario de pueblo en pueblo y de plaza en plaza, levantando y desmontando cada día retablos efímeros, sumando lentamente kilómetros de un viaje hacia ningún lugar.

Monte Isla, que en el TNT 2022 se propusieron meter un paisaje en un teatro (Donde empieza el bosque acaba el pueblo), ahora meten todo lo que se pueda imaginar dentro de una furgoneta, dedicando esta nueva creación a la figura del titiritero: un constructor obstinado de ficciones en un mundo que no las pide, un vendedor de humo en tiempos de aires acondicionados, un cuerpo invisible que carga sobre sus espaldas el peso simultaneo de la precariedad y la tradición.

Preparaos para uno de los espectáculos más fecales que habéis visto. Un cuerpo sin talento es un despliegue de humor indigesto y metáforas crueles sobre cómo sobreviven las artistas, vomitando confeti y bailando en un campo minado. El dolor de barriga y la defecación ofician como maestros de ceremonias un juego de teatro dentro del teatro. Algo huele mal en el reino de Dinamarca…

Un cuerpo sin talento es una reflexión sobre las condiciones existenciales del artista que parte del diagnóstico de un mundo cansado y saturado. La explosión visual a la que nos invitan recuerda a esos comensales hartos de los Monty Python. Detrás de la ilusión del teatro y el entretenimiento nos acecha el fantasma del burnout… It’s a kind of magic.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/cuerpo-talento-monte-isla/#tab-id-2.

FICHA

Idea y creación: Monte Isla. Dirección y dramaturgia: Andrea Pellejero, Adrià Girona. Interpretación: Andreu Martínez. Dirección técnica y maquinaria: Roberto Baldinelli. Diseño de la iluminación: Gabriela Bianchi. Diseño del sonido: Uriel Ireland, Adrià Girona.  Diseño de la escenografía: Marta Lofi Construcción: Miquel Grima, Marta Lofi.  Vestuario y espacio escénico: Marta Lofi. Ingeniero de artefactos lumínicos: José Luis Salmerón (Cube Peak). Producción ejecutiva: Rut Girona.  Administración, comunicación y distribución: Monte Isla. Agradecimientos: David Marin, Carlota Grau, Neus Masdeu, Pep Arumí, Tanya Beyeler, Heartbreak Hotel, Lisandro Marquez, Pol Pare, Alejandro Santaflorentina, Lara Hereu, Sandra Bonillo, Serrucho, Mikolaj Bielski, Vilma López.

Una coproducción del Grec 2024 Festival de Barcelona, El Canal Centre de creació d’arts escèniques, Festival TNT y Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque.

Con el apoyo del Teatro La Mutant, l’Abri (Suiza), Teatro municipal de Girona, Teatro municipal de Lloret, l’Animal a l’esquena, Antic Teatre, Konvent.0, El Galliner, Ajuts Girona Crea 2023, Institut Ramon Llull, Goethe-Institut Madrid i Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.Con el apoyo de la residencia creativa de intercambio con National Theater and Concert Hall (Taiwan) de las Ayudas a la Creación Carlota Soldevila del Teatre Lliure, temporada 23/24; y del programa de residencias internacionales de la Nau Ivanow.Monte Isla es compañía residente de la Nau Ivanow.

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Macarena Bielski y Manu Pita-Romero – 30 de noviembre y 1 de diciembre en Réplika

Macarena Bielski y Manu Pita-Romero re-estrenan su perfomance audiovisual MORFIA, cuya primera aproximación tuvo lugar en marzo de 2024 dentro del Festival de arte sonoro e interactivo IN-SONORA 13.

En MORFIA la máquina y el cuerpo humano crean una obsesión por el retrato, lo inmortal y la imagen recreada, desafiando las posibilidades de la máquina de capturar la esencia del cuerpo humano mediante su deformación deliberada. MORFIA es un testimonio sobre la visión del cuerpo y su capacidad de estar compuesto por fragor, sobre cómo visibilizar un imaginario corporal distorsionado que fusione la dicotomía entre lo real y la manipulación.

Las siluetas de Macarena Bielski y Manuel Pita-Romero son captadas y reproducidas haciéndolas partícipes de un cuerpo compuesto de ruido, de código, de deformación errática. Un cuerpo híbrido como imaginario; una exposición digital y virtual donde el cuerpo como contenedor aborda el ruido y la luz.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/morfia-macarena-bielski-manuel-pita-romero/.

Macarena Bielski es bailarina, performer, músico y creadora nacida en España. En julio de 2022 se graduó con un BA en danza en p.a.r.t.s escuela fundada por Anne Teresa de Keersmaeker en Bruselas, Bélgica. Allí desarrolló e investigó no solo la relación entre danza y performance sino también la producción musical, el vídeo, el uso del texto y la manipulación de tecnologías en el escenario. Desde el fin de sus estudios ha trabajado en diferentes proyectos como: “Una imagen interior” en el Kunstenfestivaldesarts con El conde de torrefiel, “Renacimiento” con la compañía española La tristura en el Theatre du Liege y en diversos montajes con la Compañía de Didier Theron en Montpellier, Francia. En enero del 2023 estuvo de residencia en Réplika Teatro para continuar con su proyecto personal “Cuando ya no esté”. En abril se unió a la residencia en Graner de “Spooky”, obra de María Jurado. En septiembre formó parte de la residencia de “Arnold” obra de Zoe Lakhnati en el Teatro Ateliersi en Bologna, donde estuvo realizando la música en directo y cuyo estreno está previsto para diciembre de 2024. En marzo de 2024 formó  parte de la programación del Festival Internacional de arte sonoro e interactivo IN-SONORA 13, en Madrid, con su proyecto “Morfia” en colaboración con Manuel Pita-Romero y este septiembre 2024 ha estrenado la obra “SPOOKY” dirigida por María Jurado en el Antic Teatre, Barcelona.

Manuel Pita-Romero es un artista visual, cineasta y creador nacido en Madrid, España. Estudia la artesanía tecnológica generativa y las artes digitales performáticas. Ha formado parte de varias exposiciones en Cruce Arte y Pensamiento Contemporáneo con el colectivo de La Llave en 2023. Formó parte del festival Puwerty en La Casa Encendida junto con Nina Emocional presentando un concierto musical y visual. Amplió su trabajo haciendo el diseño visual y lumínico de la ópera Babel 46 en el Auditori de la ESMUC y en el Teatro de Sarriá. También en 2023 estuvo en la Sala La Riviera de Madrid con un proyecto visual, y en 2024 inició una residencia en El Graner en Barcelona para la creación de una pieza de María Jurado y Macarena Bielski. En marzo de 2024 formó parte de la programación del Festival Internacional de arte sonoro e interactivo IN-SONORA 13, en Madrid, con su proyecto “Morfia” en colaboración con Macarena Bielski López y este septiembre del 2024 estrenó la obra “Spooky” dirigida por María Jurado en co-creación con Macarena Bielski y todo el equipo en el Antic Teatre, Barcelona.

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Del 18 al 24 de noviembre en el Antic Teatre 

Undécima edición del festival, dedicado a las artes escénicas audiovisuales.

INFLUX es un festival interdisciplinario de nuevas tendencias escénicas donde se utiliza el vídeo y el mundo digital como herramienta fundamental de expresión artística.

INFLUX quiere potenciar el trabajo de artistas visuales, músicos, poetas, bailarines, performers y creadores escénicos que, partiendo de diferentes lenguajes contemporáneos, utilizan la interdisciplinariedad del vídeo y las posibilidades de los entornos digitales y de los sitemas interactivos para desarrollar sus proyectos escénicos.

Los artistas que participan en esta edición de INFLUX son Trans-Aeolian Transmission, The Julandrons, Alba G. Corral / Björt Rùnars, Jaume Clotet, Aldo Aranda, Acoustic Heritage Collective Barbara Ghidini / Antonio Bértolo / Alfredo Costa Monteiro.

INFLUX se centra en los creadores locales, vinculados a la ciudad de Barcelona y por extensión a Catalunya, pero también está abierto a la posibilidad de traer artistas de fuera que por su relevancia y por ser poco conocidos aquí puedan ser de interés para al público y la escena local.

INFLUX quiere ser una plataforma estable que dé proyección a muchos creadores que se mueven en los espacios fronterizos que aparecen con el cruce de los nuevos formatos expresivos. Un festival como este contribuye a ofrecer una visión más completa sobre la diversidad de la creación contemporánea.

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/festival-influx-2024/?lang=es.

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Lola Arias – 16 y 17 de noviembre en el CCCB dentro del festival L’Artenativa 2024 

Yoseli tiene un tatuaje de la Torre Eiffel en la espalda y siempre ha querido viajar, pero fue arrestada en el aeropuerto por tráfico de drogas. Nacho es un hombre trans que fue detenido por estafa y fundó una banda de rock en la cárcel. Gentiles o rudos, rubios o afeitados, cis o trans, reclusos de larga duración o recién ingresados: en este musical híbrido, todos recrean sus vidas en una prisión de Buenos Aires.

Lola Arias rompe con las convenciones del musical al fusionar realidad y ficción, y utiliza el género como herramienta para explorar la memoria de los protagonistas y transformar sus vivencias en la ficción. A diferencia de otros dramas carcelarios, su enfoque destaca las posibilidades de salir adelante al centrar la narrativa en la resiliencia que nace de la comunidad.

Más información y entradas: https://alternativa.cccb.org/2024/es/so/film/reas.

Lola Arias (Buenos Aires, 1976) es escritora, performer y directora de teatro y de cine. Estudió Letras en la Universidad de Buenos Aires y Dramaturgia en la Escuela de Artes Dramáticas (Buenos Aires), y ha participado en residencias de dramaturgia en el Royal Court Theatre (Londres) y en la Casa de América (Madrid). Fundó la Compañía Postnuclear, un colectivo interdisciplinario de artistas con el que trabaja en el teatro documental desde 2007, y ha creado más de doce obras en colaboración con personas que han vivido diferentes acontecimientos y experiencias históricas.

Su primer largometraje, Teatro de guerra (2018), fue seleccionado en el Forum de la Berlinale, y la llevó a participar en numerosos festivales internacionales y a ganar varios premios. Compitió en la sección oficial de l’Alternativa en 2018. Su segundo largometraje, Reas (2024), también se ha estrenado mundialmente en la Berlinale antes de presentarse en l’Alternativa 2024. La obra de teatro Los días afuera, que pudo verse en la última edición del festival Grec de Barcelona, es la segunda parte de la película. La obra nos muestra a los mismos protagonistas recreando escenas de su vida en libertad.

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Phonophobia – Del 3 al 6 de octubre en el Antic Teatre 

Cuerpos, un aro aéreo y bolsas de plástico dibujando un mar negro. ¿Qué es un cuerpo sumergido en las aguas y qué es un cuerpo entre la basura? Se abordan ambas texturas, las consiguientes calidades corporales y la musicalidad de los materiales.

Se cuestionan los estereotipos de la belleza y sus límites, donde alguna cosa deja de ser bonita para convertirse en fea y viceversa.

Des-harmonía e imperfección.

La búsqueda de la apariencia y la pretensión de mantener una imagen compuesta cuando todo se hunde.

El reciclaje en el uso de los materiales (el aro es una herramienta de circo pero también es un espejo, una luna, una escenografía; las bolsas de basura son un mar de plástico pero después se convierten en un vestido elegante o en un monstruo).

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/fast-food-emotion-phonophobia/?lang=es.

Phonophobia. Fast Food Emotion es su segunda creación. Artistas queer, disidentes y multidisciplinares, Karita y Maristella recorren diferentes formas de arte escénico como el circo, el canto, el teatro físico, la moda y la danza, para contribuir a una misma escritura dramatúrgica. Phonophobia trabajó durante su primer espectáculo en una creación sonora de circo, Responsabilitè (il)limitè d’un concert physique – (2018-2021), una mezcla de voces y cuerpos donde el lado grotesco acompaña el momento compartido con el público.

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