— MuroTRON

Artistas trabajando de Ana Ayuso | 3, 10 y 17 de mayo de 12 a 20h en la sala de exposiciones de la planta 2 de la Fabra i Coats: Centre d’art contemporani de Barcelona

Activación de obra vinculada a la exposición ‘¡Si llueve así, que no escampe!’

El espacio expositivo en el que se sitúa Artistas trabajando* deviene lugar de trabajo para la artista Ana Ayuso algunos viernes en el horario de apertura del Centro de Arte, de 12 a 20 h, con una pausa para comer allí mismo, delante del ordenador. La (des)activación es una muestra literal de aquello que la artista hacía durante el programa de residencia: ocupar el espacio de trabajo para trabajar algunos días de la semana y ausentarse muchos otros días para seguir trabajando.

Algunas intenciones de la intervención son: por un lado, el carácter ilimitado del trabajo, es decir, exponer un trabajo sobre el trabajo (que es trabajo) y el hecho de estar (y no estar) para poder trabajar; por otro lado, la imposibilidad de limitar la separación entre vida, arte y trabajo (incluso el trabajo «alimenticio», es decir, trabajar para comer y sobrevivir); y, finalmente, las dicotomías ficticias pero que tienen consecuencias reales, como cuando se dispone de tiempo y no de dinero (ni de tranquilidad mental) para poder dedicarse al arte, en contraposición a cuando se dispone de dinero (y tranquilidad mental) pero solo se puede trabajar para otros.

El título de la activación supone un guiño a diversos referentes:
Artist at Work (2015) es el título del libro de Bojana Kunst sobre el trabajo de lxs artistas.
Artist at Work (1978) es el título de la serie fotográfica de Mladen Stilinović en la que aparece él durmiendo.

* Nota: en el título de esta actividad, Ayuso añade la «s» a artista por considerar que «no somos unx sino muchxs quienes nos encontramos en esta situación».

Más información: Fabra i Coats

Bailar una partitura de Elisa Arteta | Viernes 3 de mayo a las 18.30h en la Casa de Cultura de Aoiz

Como parte de la expo bat bitan. Notas, borrones, partituras y otras escrituras al oído, comisariada por Xabier Erkizia para el programa Uholdeak del Centro Huarte.

Al ver la obra de Carlos Irijalba en la exposición de Uholdeak sentí un gran movimiento en mi interior. Me provocó lo que busco, cada vez más, en el arte, cualquiera que sea su manifestación: un estallido afectivo e intelectual de forma simultánea. Que, a través de la percepción, amplíe mi sensibilidad y mi mirada al mundo, para que se abran las puertas a nuevas posibilidades.

A pesar de tratarse de una fotografía y no de la pieza original, Pannotia me transmitió una gran sensorialidad y sensualidad, ganas de tocar esos cilindros acabados de forma irregular. Los palpé en mi imaginación suaves, pero a la vez robustos.

En esa materialidad, además, estaban recogidos miles de años, tal vez millones, o incluso miles de millones. Eón es la palabra que vino a mí en ese momento. Un vocablo que he descubierto recientemente y que, en términos geológicos, significa mil millones de años, aunque de forma indefinida.

Mi mente estalló, incapaz de concebir/sentir/proyectar/abarcar/asir esa otra temporalidad en la que cada una de nuestras vidas es tan solo una ínfima parte de un mecanismo perfecta y minuciosamente orquestado (¿tal vez con una gran partitura que se auto-transforma constantemente?).

‘Todo estado es transitorio’ dice Carlos en uno de sus textos descriptivos que acompañan la obra, y eso es lo que quiero bailar. Esa transición, ese espacio-tiempo que escapa a la cotidianidad, no para evadirla, sino para comprenderla desde un prisma más amplio. Cómo llevar esto al cuerpo y el movimiento supone ahora un reto. ¿Cómo conectar con esa eternidad/inmensidad/infinitud pese a mis propios límites físicos?

Más información: Centro Huarte

Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao inicia el 28 de septiembre la temporada 2023-2024 con AZzabalik, el Encuentro en torno a la Creación Artística para conocer, compartir y experimentar en torno a la producción contemporánea con artistas del Centro.

Hacer Hincapié, activación de la instalación de Mapa Teatro | Jueves 16 de marzo en el MACBA de Barcelona

Lectura performativa que activa el caminar y la palabra con la práctica de María Teresa Hincapié. Una reflexión en torno al archivo como material intangible, en constante cambio y mutación, al igual que la voz, con sus modulaciones, frecuencias y pausas. Una conversación con los textos y gestos sobrevivientes de una artistaa partir de un movimiento infinito que se hace tangible a través del cuerpo de Heidi y Rolf Abderhalden, de Mapa Teatro.

Mapa Teatro es un laboratorio de artistas dedicado a la creación artística transdisciplinar.

Más información: MACBA

16 de diciembre en El Pumarejo

@kenpolletofficial
@kimete
Berta Solé Rosell
@lorenaiglesiaslista
@bertajlzorzo & @jiggle.it
@salim_five_and_thursday
@irieix.irieix & @polclu
@elrossinyoljacanta

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El CREA , la fiesta del Distrito Cultural de L’Hospitalet, celebra una nueva edición los días 4 y 5 de noviembre en varios lugares creativos de la ciudad, donde se aglutinará todo el tejido artístico y creativo del Distrito Cultural. El Ayuntamiento de Hospitalet es el organizador de esta festividad que se celebra de forma anual desde hace cinco años. Este año, contará con muchas intervenciones artísticas en artes visuales, artes performativas, música y diseño.

En su sexta edición, el objetivo de esta fiesta es hacer trabajar conjuntamente espacios, colectivos, artistas y curadoras potenciando las acciones artísticas cruzadas, sacando a los artistas de su marco y haciendo que los espacios acojan nuevos talentos y disciplinas . El resultado se materializa en un programa de acciones artísticas que comprenden diversas disciplinas (artes visuales, artes performativas, música, diseño…), que se exhibirán en diferentes espacios de creación y producción de la ciudad, espacios privados que no suelen estar abiertos al público.

El CREA ha buscado la complicidad de siete curadores/as con alto conocimiento de los potenciales del Distrito Cultural, que han ayudado a conducir los procesos de trabajo ya mediar para que el resultado del CREA sea coherente, equilibrado, auténtico y de calidad.

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El viernes 4 de noviembre, de 17 a 23 h, y el sábado 5 de noviembre, de 11 a 24 h, nueve espacios de la ciudad se abrirán para acoger intervenciones artísticas de artistas y colectivos que han elegido L’Hospitalet por desarrollar sus proyectos. Todas las acciones artísticas están curadas por profesionales vinculados a espacios de creación de la ciudad.

PROGRAMA

El olor de tu pelo , performance a cargo de Julia Barbany y Carolina Olivares como curadora. Se podrá ver en Sociedad 0 (rambla de la Marina, 456, 5º). El viernes 4, a las 20 h, y el sábado 5, de 18 ha 20 h.

Al final de la escalera , intervención en artes visuales de Martín Vitaliti del espacio Salamina y Caterina Almirall como curadora. Tendrá lugar en Trama34, en la calle Isaac Peral, 7. El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Tengo el pelo de punta , instalación site-specific de Rodrigue Mouchez, y Danza en desarraigo, sesión de música techno a cargo de María Gatasanta. Ambos artistas, del espacio Trama34, llevarán a cabo su intervención en Fase (avenida del Carrilet, 183, local E). Curadora, Gisela Chillida. La instalación podrá visitarse el viernes 4, de 17 a 21 h, y el sábado 5, de 16 a 19 h. La sesión de techno será el viernes 4, de 21 a 23 h.

Vidas aisladas , instalación site-specific a cargo de Bel Mur de la Tonal’h y con Jordi Garrido como curador. Se podrá ver en el Edificio Freixas (calle de la Glòria, 7). El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado, 5 de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Prosperidad , proyecto escultórico de German Consetti, artista residente en el Edificio Freixas. Curador, Jordi Garrido. Se podrá ver en la nave Tonal’h, espacio de La Terca (calle de Juan Ramon Jiménez, 22). El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Número , performance y escultura, por Mònica Planas y Àlex Palacín de Drácula. Núria Gómez Gabriel, curadora. Tendrá lugar en la Infinita (avenida del Carrilet, 237, 3º) el viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

BAR1 , el bar como espacio lleno de intención artística, un proyecto   de Sociedad 0 y con Saúl Baeza como curador. Tendrá lugar en el espacio Drácula (calle de Leonardo da Vinci, 21). El 4 y 5 de noviembre de 19 a 22 h.

Jaleos y manduca , por Víctor Jaenada (Fase) y Pere Llobera (Salamina) y Zaida Trallero, curadora. Jaleos es un momento de conciencia colectiva del sitio, de los demás y de nosotros. El sábado 5 de noviembre, de 12.30 a 16 h, en la Bodega Salan (calle de la Ciudad Condal, 8), con la participación de Lara Fluxà (Fase), Marc Herrero (Fase), Marc Vives, Ana Brenes ( cantaora ) y la Rata de Bellvitge.

Para finalizar el fin de semana de actividades del CREA, El Pumarejo (avenida del Carrilet, 187, nave 4) ofrecerá dos sesiones con Dudu Bongo (22.30 h) y DJ siete por Alesh3000 (23.45 h).

Amalia Fernández

Del 4 al 6 de febrero en Azkuna Zentroa

El proyecto “Expografía retrospectiva” de la artista Amalia Fernández reflexiona sobre la transposición de los códigos del museo teatral y sobre lo que ocurre cuando el individuo (en este caso el performer) se convierte en objeto de exposición.

Este proyecto site-especific, está completamente ligado al lugar en el que tiene lugar, «como arquitectura material y física, como lugar de trabajo y de producción de obra», interpreta Isabel de Naverán, Investigadora asociada a Azkuna Zentroa.

Se trata de  una serie de situaciones-objeto, activadas por performers, cuyo contenido es, en versión instalativa, la retrospectiva de las piezas escénicas de la artista. Amalia Fernández lleva tiempo reflexionando a través de sus piezas ya realizadas. La artista «se resiste en cierto sentido a la tendencia proyectiva que va siempre hacia delante en la producción de obra nueva para, en su lugar, revisitar materiales trabajados y ver en ellos lo novedoso», explica Isabel de Naverán. Es «Un ‘ir hacia atrás’ que ya había explorado antes», añade.

Para desarrollar este proyecto, Amalia Fernández realiza un periodo de residencia entre el 22 de enero y el 6 de febrero, experimentando los tres edificios de Azkuna Zentroa, llenos de pasillos, crujías y numerosos rincones escondidos, desconocidos por el público. A partir de esa estancia e investigación de espacios, decide los fragmentos de sus anteriores piezas que se podrán revisitar en esos lugares.

Así, en esta pieza de siete horas de duración no consecutiva, los tres edificios del Centro se convierten en el espacio clave para la dramaturgia de la pieza, donde seis performers utilizarán estos espacios para activar varias obras en formato de instalación museística, por las que el público podrá deambular (entrar y salir) como si de un enorme museo se tratase.

AMALIA FERNÁNDEZ (Granada, 1970) vive en Madrid desde 1998. A pesar de haber aprendido de mucha gente, considera su maestra a Mónica Valenciano con la que trabajó durante 11 años en la Cía. El Bailadero. En 2005 comenzó a trabajar en solitario con piezas como Matrioshka, Kratimosha o En Construccion; El resistente y delicado hilo musical y Expografía, entre otros; y también en colaboración con artistas como Shichimi Togarashi con Juan Dominguez o Perrita China con Nilo Gallego. Amalia Fernández se dedica paralelamente a la docencia impartiendo laboratorios a artistas además de ser profesora de yoga Iyengar.

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Sábado 3 de octubre, 18:00, Foyer del Mercat de les Flors
Gratuito. Aforo limitado

Con LAURENT PICHAUD y CARME TORRENT

(Traductora-intérprete: Emma Soler)

Dentro de la Constelación DEBORAH HAY

«Creo que toda mi experiencia como profesora y como coreógrafa ha sido una búsqueda: casi podría describir todo mi proceso como la búsqueda de un lenguaje que permita comunicar instrucciones de movimiento de la manera más simple, natural y rápida posible.» Esta cita de Deborah Hay resume una de las singularidades de la obra artística de esta coreógrafa: la creación de un lenguaje oral y escrito dentro del mismo proceso coreográfico. Por quien se interesen en esta singularidad, numerosos libros, artículos, cartas, grabaciones de audio y dibujos que forman parte de los archivos de Deborah Hay son una mina para comprender como una bailarina y coreógrafa compone un lenguaje que va más allá de las meras cuestiones coreográficas o literarias. Una coreógrafa-que-escribe, escribirá de manera diferente a una escritora? Una coreógrafa-que-habla, como predispondrá los bailarines en un estado imaginario determinado? Una coreógrafa-que-dibuja, como irá más allá de la simple práctica de la notación en danza? Los elementos que se presentan en la instalación Escribiendo como corèografa dan testigo de esta particular creatividad y permiten a los visitantes experimentar el lenguaje de Deborah Hay en su propio cuerpo.

Además de la instalación, la performance conferencia Traduciendo como bailarín(a), complementa este enfoque y examina la manera en la que los bailarines reciben y juegan con la “coreografía del lenguaje” que los ofrece Deborah Hay.

Laurent Pichaud es coreógrafo e intérprete de danza, director artístico de la compañía x-sur arte / site compañero y artista investigador invitado al Departamento de danza de la Universidad Paris 8.

El proceso de Laurent como creador y como investigador se centra en el uso del gesto coreográfico fuera de los contextos artísticos tradicionales o escénicos. Su obra incluye dos ejes principales. El primero trata prácticas site specific y proyectos comunitarios creados con no bailarines, como sus últimos proyectos: mon nom des habitants 2014·2018 2014·2018 -sobre monumentos conmemorativos de guerra- y … en jumelle -sobre ciudades gemelas-, que se estrenó en junio de 2019. El segundo eje corresponde a su polifacética colaboración con Deborah Hay, para quien ha sido intérprete en O, O (2006), asistente coreográfico (desde el 2008), co-coreógrafo en indivisibilities (2011) y archivero (desde el 2014). Más recientemente, también ha asumido el papel de traductor de la obra de Hay; su traducción ampliada de My Body, the Buddhist al francés fue publicada el 2017 y sirve para estudiar el funcionamiento de la escritura tanto para la documentación como para la transmisión en el proceso coreográfico.

El 2018 inició un doctorado creativo en la Universidad Paris 8 titulado Engaging-specificity site inside the work of another artist: Laurent Pichaud / Deborah Hay donde da un paso más en el desarrollo de la relación entre sus procesos creativos y de investigación, y su colaboración central.

Carme Torrent estudia arquitectura en la Universitat de Barcelona mientras trabaja en varios estudios, como el de Enric Miralles. Paralelamente, desarrolla su trabajo en el ámbito de la danza, en solitario y con otros artistas como: Min Tanaka, Carmelo Salazar y Xavier Le Roy.

Interesada por el trabajo del Body Weather (laboratorio de climatología corporal), desarrollado por Min Tanaka y Hisako Horikawa, viaja a Japón y entre el 2000 y el 2009 colabora regularmente con la compañía Tokason dirigida por Min Tanaka. Del 2012 al 2016, colabora con el coreógrafo Xavier Le Roy en propuestas para espacios expositivos.

Imparte talleres en el MACAP-Máster d´Artes Escénicas, Girona-Liubliana-Dartington (2008-2009) y dentro del programa de Máster E.X.E.R.C.E en Montpellier (2014-2020).

Más información: https://mercatflors.cat/es/activitat/conferencia-performativa-traduciendo-como-bailarina/