— MuroTRON

El desenterrador – 23 y 24 de febrero

El taller és dimecres i dijous de 18:30 a 21:30. Cada sessió dura 3 hores.

“El desenterrador” posa la mirada en la paraula, la seva corpologia i la seva relació amb el cos i l’acció. Com el seu nom indica hem desenterrat paraules en sentit real i figurat. És a dir, hem treballat amb paraules en desús, paraules el significat de les quals ha canviat i paraules tabú. I sobretot amb “valors” del nostre sistema ètic que pensàvem que calia revisitar. La Corpologia de les paraules és aquella propietat que tenen no només de crear i designar el món físic, sinó la de generar un món ètic, un sistema polític i un ordre social.

Aquest projecte ha indagat en l’estreta i canviant relació que es produeix entre les paraules i el seu ús, i les accions que se’n deriven. Una relació d’anada i tornada que dóna sentit i cos a la nostra forma d’habitar el món.

“El desenterrador” és un projecte de creació i investigació escènica al voltant del cos i les paraules. Un procés d’investigació dut a terme per un equip multidisciplinari que s’ha implementat en una sèrie de residències-tallers a diferents indrets de Catalunya Espanya i Sud-Amèrica, en un camí des del més local fins a un àmbit més internacional.

Y los huesos hablaron – 25 de febrero

“Y los huesos hablaron” parteix del procés d’excavar antigues fosses per trobar els ossos dels desapareguts, dels assassinats. El procés d’excavar entre les paraules és molt similar i el que es busca és la veritat.

L’espectacle arriba per desenterrar i fer visibles conflictes que han quedat amagats pel discurs oficial a favor d’una suposada estabilitat política i social al llarg de la història.

Un espectacle que sí, parla de violència i de desaparicions, però especialment, d’aquelles violències i desaparicions que, com paràsits invisibles, de generació en generació, nien en els nostres cossos i s’estenen per tota la societat.

La posada en escena gira al voltant de com s’escriu la història. És una proposta escènica gestada en tallers i residències a Espanya i Mèxic que neix del procés d’investigació de El desenterrador, una experiència en la qual s’investigava la “Corpologia” de les paraules o, dit d’una altra manera, la capacitat que tenen les paraules de generar un món ètic, un sistema polític i un ordre social concret.

Societat Doctor Alonso, dirigida per Tomas Aragay (director de teatre i dramaturg) i Sofia Asencio (ballarina i coreògrafa), ha construït un llenguatge que troba una de les seves claus fonamentals en el concepte del desplaçament. De situar quelcom fora del seu lloc, àmbit o espai propi per indagar com aquest desplaçament modifica el llenguatge tant pel que fa a la seva gramàtica constitutiva com pel que fa a la lectura que un observador en pot fer. Desplaçar per desvetllar quelcom. Aquesta maniobra de desplaçament s’ha revelat com un eina eficaç per generar espais de discurs poètic que posi en qüestió l’estatus quo de la nostra comprensió de la realitat.

L△ST (aka La Santísima Trinidad) – 18 y 19 de febrero en el Teatro del Barrio 

Tiranas Banderas II habla desde la admiración absoluta de cómo las banderas consiguen con aparente facilidad todo eso que el teatro no llega a lograr nunca, utilizando los mismos recursos de los que disponemos en las artes escénicas; explica cómo las banderas son la semilla de una ficción que perdura para siempre en el imaginario popular; habla de cómo apelan a un sentimiento que permanecerá para siempre en el corazón de los suyos; y muestra cómo cuando intentan sublimar la complejidad de un país o de una ideología en tres colores mal combinados lo logran.

Nos flipa este carisma y el dominio de la gestión del capital emocional de su público. Y queríamos rendirle homenaje.

Pasa, pero, que tenemos también la sensación que la bandera convive en el universo del Cristo en la Cruz, el aura incorruptible de la izquierda y la manzanita del Mac, y que representa sin matices un símbolo de los poderes que se aprovechan de esta necesidad tan nuestra de pertenecer a un grupo, de tener un lugar donde volver cuando todo va mal, para sacar rédito de cualquier tipo. Y a algunos ya les parece bien y viven felices en su displicencia.

Y eso no mola tanto, y nos cabrea un poco, o mucho, pero sobre todo nos cabrea el hecho indiscutible de que la bandera es, por definición, fea. Fea en su concepción, en su diseño, en su realización. Fea como hecha a disgusto, como pegar-a-un-padre, como los trajes del Macson.

Y eso es lo que nos putea más; que ya que pones a cuatro patas a una multitud y la sodomizas mientras le haces tragar doblada una historia sin sentido, al menos proporciónale a ese cuento un envoltorio bonito. Que no cuesta nada. Que estamos en la era del packaging. Aunque sepas que funcionará de cualquier manera, aunque nadie no lo reclame. No cuesta nada poner cariño a las cosas-ideologías-brainwashings. Falta cariño en las banderas. Y esto no lo aceptamos.

Y de esto va Tiranas Banderas, de cómo la falta de cariño no debería de permitirse nunca.

Texto de Rubén Ramos sobre la obra: http://www.tea-tron.com/rubenramos/blog/2021/03/08/notas-que-patinan-106-tiranas-banderas/. 

Más información y entradas: https://teatrodelbarrio.com/tiranas-banderas-ii/. 

Autoría: L△ST (aka La Santísima Trinidad)
Dirección: L△ST
En Escena: Gaia Bautista, Joan Martínez, José Velasco
Una producción de L△ST
Iluminación, escenografía, diseño de sonido y vestuario: L△ST
Audiovisuales: Marina Siero
Asesoramiento Artístico: Santiago Sierra
Compañía residente en Nau Ivanow
Agradecimientos: Eugenio Merino, Jordi Fondevila, Roberto Fratini, Ferran Dordal

Del 27 de noviembre al 4 de diciembre en el Mercat de les Flors

Deborah Hay (1941, Brooklyn, NY) es bailarina, coreógrafa, maestra y escritora, sin jerarquía entre estos aspectos de su ingente creación, a la vez que protagonista de algunos de los cambios artísticos más revolucionarios del siglo xx. En los años sesenta formó parte del colectivo de la Judson Church Theatre junto con Steve Paxton, Lucinda Childs, Trisha Brown, Simone Forti, Yvonne Rainer, Anna Halprin y otros artistas de varias disciplinas que rompieron las fronteras del movimiento danzado con gestos cotidianos y colaboraciones multidisciplinarias. También bailó en la compañía de Merce Cunningham en la su gira internacional de 1964, antes de retirarse en el campo, a vivir la experiencia de la vida comunitaria, las primeras drogas psicotrópicas y el camino de la introspección.

Todo esto le sirvió para liberarse de una danza prefijada y emprender la investigación de un arte que se cuestionaba a sí mismo, donde cada pregunta era la clave que abría un nuevo campo de investigación. Se interroga sobre los gestos domésticos y extrae un conocimiento precioso de la experiencia de bailar con no profesionales en sus Circle Dances, que después sintetiza en solos que ella baila; se pregunta hasta donde llega la libertad de no tener público que le permite pensar en un cuerpo que se deje mirar. Y, finalmente, ante la incógnita de qué mira quien es mirado, entrena un bailarín capaz de transformar su mirada en energía escénica. En resumen, Hay da un giro radical hacia la conciencia perceptiva de la danza que transforma absolutamente la danza y quienes la practican. Jérôme Belio, William Forsythe o Anne Teresa de Keersmaeker son algunos de los que han sido tocados por esta enseñanza.

A lo largo de su carrera ha escrito cuatro libros y una veintena de artículos. En My Body the Buddhist (2000), traducido al francés por su colaborador Laurent Pichaud, presenta su filosofía del cuerpo (un cuerpo que recibe energía en la rendición) y habla de transmisión y de nuevas herramientas de composición escénica, a la vez que es un proyecto de experimentación literaria con múltiples puntos de vista. La escritura tiene un papel potenciador dentro de su coreografía, más allá de ser una manera de documentarla y compartirla: sirve para profundizar en el conocimiento de aquello que hace, hasta el punto que podríamos hablar de coreografía del lenguaje. Deborah Hay es de las pocas artistas que han conseguido que la danza exista a través de las palabras y, con sus partituras —un código mixto entre el dibujo, el texto, el mapa y la poesía—, se fulmina la idea de un cuerpo representacional para abrirlo al infinito con una danza llena de sutilidades que no se asemeja a nada.

Sobre Cullberg

Cullberg es la compañía de danza contemporánea de repertorio nacional e internacional de Suecia, una compañía que abraza continuamente la cocreación para hacer danza de vanguardia y conseguir que llegue al gran público. Junto con coreógrafos de todo el mundo, exploramos ideas sobre posibles maneras de definir, producir y presentar la danza. Esta investigación es el pilar fundamental de una compañía que siempre está presente en la escena internacional. Durante el periodo 2019-2021, Cullberg trabaja exclusivamente con tres artistas asociados: Alma Söderberg, Deborah Hay y Jefta van Dinther. El núcleo de la compañía está formado por diecisiete bailarines de primer nivel que tienen un papel central en todas las creaciones. Sus obras surgen de los tiempos en que vivimos, como parte del entorno sociopolítico, que entre otras cosas incluye cuestiones de igualdad, diversidad y sostenibilidad. Al frente de la compañía está el director artístico Gabriel Smeets y la gerente Stina Dahlström. Cullberg forma parte del Riksteatern, el Teatro Nacional de Suecia.

The Match (2004)

DEBORAH HAY presenta The Match (2004). 27 y 28 de noviembre

Figure a Sea (2015)

DEBORAH HAY presenta Figure a Sea (2015). Del 2 al 4 de diciembre 

my choreographed body… revisited (2015)

DEBORAH HAY presenta my choreographed body… revisited (2015). 4 de diciembre 

Instalación ‘Escribiendo como coreógrafa’, de Laurent Pichaud

DEBORAH HAY presenta Instal·lació ‘Escrivint com a coreògrafa’, de Laurent Pichaud. 27 y 28 novembre | 1, 2, y 3 diciembre 

A lecture on the Performance of Beauty

DEBORAH HAY presenta A lecture on the Performance of Beauty. 3 de diciembre 

Film ‘Alignement is Everywhere’ (2019)

DEBORAH HAY presenta Film ‘Alignement is Everywhere’ (2019). 27 y 28 de noviembre y del 2 al 4 de diciembre 

Conferencia performativa ‘Traduciendo como bailarín(na)’

DEBORAH HAY presenta Conferència performativa ‘Traduint com a ballarí(na)’. 2 y 3 de diciembre 

18 de noviembre en Azkuna Zentroa

Entre junio de 2020 y febrero de 2021, el artista holandés estadounidense Sands Murray-Wassink y Aimar Arriola se embarcaron en un intercambio epistolar por invitación de If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution, organización con sede en Ámsterdam dedicada al estudio de la performance. El intercambio fue un componente lateral de Gift Science Archive (GSA), una performance ‘monumental’ de Murray-Wassink, de 18 meses de duración, encargada por If I Can’t Dance; en ella, el artista y sus colaboradores socavaron, ordenaron y archivaron el inventario completo de materiales de su estudio como una performance duracional. En este contexto, el intercambio epistolar entre Murray-Wassink y Arriola exploró temáticas habituales en el arte y la vida del artista, incluidos temas de autocuidado, salud mental, género y sexualidad (el resultado del intercambio se puede consultar aquí).

Partiendo de elementos del intercambio epistolar, incluidos aquellos relacionados con lo que es o puede ser una ‘forma queer’, así como ideas sobre cambios culturales, migración, espiritualidad, estética, etnicidad, historias, género y sexualidad, estados mentales y cómo lidiar con ellos, en esta velada Sands Murray-Wassink presenta una nueva performance concebida para la ocasión. La performance se basará en estrategias recurrentes en el trabajo del artista, como la cita, el dibujo en vivo y el sostenimiento de algo, ya sea vida, pensamiento o acción, durante un periodo extendido de tiempo.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/sands-murray-wassink-working-title-shahzia-sikander-catalysis.

Sands Murray-Wassink (1974, Topeka, Kansas). Figura de culto queer en la escena artística de Ámsterdam durante casi dos décadas, Murray-Wassink es pintor, artista del cuerpo, escritor y coleccionista de perfumes deudor con diversas formas y permutaciones del arte interseccional feminista y queer, con las artistas Carolee Schneemann, Hannah Wilke y Adrian Piper sirviendo como coordenadas clave de su práctica. Sus exposiciones recientes incluyen: Auto Italia, Londres (enero de 2022), Rijksakademie y mistral (ambas, Ámsterdam, 2021), todas como parte de Gift Science Archive (GSA). Tras estudiar en el Instituto Pratt (1992-1994) en Brooklyn, Nueva York, Murray-Wassink se mudó a los Países Bajos en 1994 para un programa de intercambio en la Academia Rietveld de Ámsterdam. Durante los dos siguientes años (1995- 1996) estudió en De Ateliers, Amsterdam, ciudad donde vive y trabaja desde entonces.

De Cambaleo Teatro

8 y 9 de octubre en Teatro Pradillo 

n junio de 2020, en plena pandemia, y en respuesta a una propuesta de Teatro Ensalle, escribí un pequeño texto que titulé: A propósito de la incertidumbre.
El texto es una pequeña reflexión, salpicada de poemas, que parte de la premisa de que todo nuestro comportamiento social e individual depende fundamentalmente de cómo cada persona, o grupo de personas, gestionan el asunto de la incertidumbre.
Esta reflexión es la que sustenta la base textual del espectáculo Manual de comportamiento cuando todo está perdido.
La propuesta escénica vive paralela al texto y a partir de la idea de movimiento continuo.
Carlos Sarrió

ambaleo Teatro. Nace como compañía en 1982 en Madrid. En estos 37 años de existencia, hemos realizado trabajos de Teatro de calle, Teatro de interior tanto para adultos como dirigido a la infancia y a la juventud, acciones escénicas, instalaciones escénicas, coproducciones con otras compañías y Pedagogía Teatral.
A lo largo de este tiempo, hemos desarrollado con nuestro trabajo una apuesta artística basada en la continuidad del equipo de trabajo, y en la búsqueda de un lenguaje teatral propio, reflexionando siempre sobre el mundo que nos rodea.
Hemos presentado nuestras producciones en España, Portugal, Alemania, Francia, Polonia, Bolivia, Venezuela, Nicaragua, México.
www.cambaleo.com

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/manual-de-comportamiento-cuando-todo-esta-perdido/

Luz Broto

Del 15 de septiembre al 30 de octubre en etHALL

Descargar Publicación con textos de Èlia Bagó, Berta Gutiérrez, Sonia Fernández Pan, Helena Grande y Lucía Jalón

Cuatro paredes se necesitan para construir un espacio interior que te refugie del afuera, con un tejado, una puerta, una ventana. Como mínimo, y ya es mucho. El espacio de la galería tiene tres puertas de entrada. También tres ventanas cerradas, que no se usan, y otras aberturas de diferentes tamaños y formas.  La exposición Cuatro paredes modifica la forma de percibir, transitar y usar el espacio de la galería, una antigua nave de L’Hospitalet de Llobregat, a medio camino entre un espacio industrial y un interior doméstico.

Se trata de una intervención específica para el espacio de la galería que ha sido construida a partir de uno de sus elementos estructurales: los ocho pilares que soportan el peso de la construcción. A partir de la prolongación de cada pareja de pilares se han construído cuatro nuevas paredes, las cuales han dado lugar a una sucesión de cinco espacios interiores.
Esta nueva disposición espacial hace evidentes las aberturas construidas en el espacio, sus puertas, ventanas y claraboyas, como vehículos necesarios que permiten la conexión con el afuera, y questiona el rol de la pared en un espacio interior, un elemento que aún separando no deja de señalar qué hay a un lado y al otro de sí misma.

En la exposición se presentan también cinco textos, a modo de hojas de sala, uno para cada nueva estancia. En ellas Èlia Bagó, Sonia Fernández Pan, Helena Grande, Berta Gutiérrez y Lucía Jalón Oyarzun, cinco autoras del ámbito del arte, la arquitectura y el diseño, reflexionan sobre el rol de la pared como espacio intermedio, invocando otros espacios posibles.

Este nuevo trabajo sigue indagando en el vínculo entre espacio interior y espacio exterior, tema presente a lo largo de la producción de la artista, y en la forma de acercarse al entorno construido, como es la arquitectura, tratándola como material maleable, que puede ser transgredido para posibilitar nuevas formas de experimentar, habitar y usar el espacio.

Algunos de sus proyectos recientes exploran la idea de espacios interiores interconectados, como en ‘Tensar una línea entre dos interiores paralelos’ (Flora, Bogotá, 2018) instalación donde conecta dos espacios desconocidos separados por tres calles de distancia con un cable tensado de 130 m; ‘Ir de un lado al otro’ (Casa Encendida-ETSIDI, Madrid, 2019) acción donde propone a dos grupos de personas mirarse a través de las ventanas de edificios enfrentados antes de intercambiar sus posiciones; o ‘Contactar cristales enfrentados’ (2021), proyecto en proceso donde pone en contacto los cristales de ventanas vecinas. En ellos el espacio exterior deviene un canal entre espacios interiores. Con este nuevo proyecto sigue pensando sobre el espacio interior, sobre la necesidad de hacer paredes y aun así de habitar un espacio común sin ellas.

Luz Broto (Barcelona, 1982) es diplomada en estudios avanzados en Arte en la era digital. Creación Intermedia por la Universidad de Barcelona y post-máster Crítical Habitats del Royal Institute of Art, Estocolmo.
Sus trabajos surgen de la exploración de los condicionantes de un lugar o situación, como son los elementos arquitectónicos e infraestructuras, su entorno urbanístico o posición en el territorio, sus estructuras organizativas, normas y protocolos. A partir de ellos propone mínimas operaciones que modifican la forma de funcionar de estos espacios y posibilitan nuevos usos y relaciones. Sus propuestas suelen activar dimensiones desconocidas y requieren delicados procesos de diálogo y negociación.  Ha desarrollado proyectos de intervenciones específicas, en colaboración con instituciones y en diferentes contextos y países durante casi quince años. Ha recibido becas de investigación y producción del Royal Institute of Art, BCN Producció o Blueproject Foundation, los premios Art Nou y Premi Miquel Casablancas y participado en las residencias LIPAC de Buenos Aires o FLORA de Bogotá. Su obra forma parte de colecciones como MUSAC, MACBA o MAMBO

Océanomar es una colectiva performativa que se plantea como un día de playa durante el que un seguido de eventos, aparentemente inconexos, se irán desencadenando a lo largo del día sin principio ni final, como un continuum entrelazado donde cada mecanismo remite a otro. Todo lo que pasará podría estar pasando en cualquier otro sitio o ya podría haber pasado en otro momento; incluso puede ser que en este día de playa nadie se de cuenta de lo que sucede.

Con Álvaro Chior, Maria Diez, Anna Dot, Sofía Montenegro, Milena Rossignoli, Marcel Rubio, Anna Irina Russell, Alba Sanmartí, Anna Sevilla y Cristina Spinelli.

Comisariado por Dràcul.la (local de Mònica Planes y Alejandro Palacín) junto a Margot Cuevas en el marco de Art Nou 2021

Fecha: Sábado 4 de Septiembre

Horario: 12h – 19h

Localización: Playa de Gavá (Entrada 17, entrada por C/ Blanes) concretamente en este punto: https://goo.gl/maps/F8ZkD4BYFkUqwZpa7

Para ir se puede coger los buses L94 o el L95 en Ronda Universitat o desde Plaza Espanya, son unos 40 minutos aproximadamente de viaje.

Justo en esta zona hay un par de chiringuitos y a diez minutos una zona con restaurantes, bares y supermercados https://goo.gl/maps/6rPb79ydtWSdAJzR6

Muy importante! Acordaos de traer auriculares y toalla 😉

15 y 16 de abril en Azkuna Zentroa

El actor y director Oscar Gómez Mata estrena en Euskadi junto al actor Juan Loriente “Makers”, la pieza resultado de su proyecto como Artista Asociado a Azkuna Zentroa.

“Makers” es una obra sobre la luz, el tiempo y el amor, viajando entre desbordamiento cómico y la contención emocional, entre el disparate y la verdad. Un espectáculo que mezcla lo poético y lo filosófico, en una especie de manual para sobrevivientes que trata de aportar soluciones a nuestro tránsito en la realidad.

La pieza nace de la función esencial de los ‘makers’: investigar para hacer la luz. «Somos detectives, tratamos de buscar lo sensible bajo lo sensible, encontrar una solución poética a la realidad», explica el artista asociado a Azkuna Zentroa. El resultado es una puesta en escena en la que este «dúo cómico» aborda temas clásicos como el amor, el tiempo y la luz, mezclado con humor emotivo. Nos dan así otro punto de vista sobre lo cotidiano de esta época fragilizada, de contornos borrosos e inciertos.

En su propuesta escénica diferencian su lado más épico, en el que el teatro es «una es una forma de espionaje, de investigación para vigilar al mundo», y la parte más íntima «tratando de detectar lo sensible escondido bajo lo sensible». Un espectáculo en la línea de los trabajos de la compañía L’Alakran, dirigida por Óscar Gómez Mata.

Así los ‘makers’, crean protocolos para espiar la realidad. «La obra es una historia de capas que se superponen, deshojamos lo que damos como cierto para descubrir lo que no esperábamos sentir». En “Makers”«hay sorpresa y sospecha. La actitud propicia de los makers se define en la frase de Daniel Innerarity (filósofo): “…la realidad es compleja, y cuando alguien la plantea de forma binaria tenemos la obligación de sospechar”».

+ info y entradas

Ficha artística / Créditos del proyecto:

Concepción y dirección: Oscar Gómez Mata

Interpretación: Juan Loriente y Oscar Gómez Mata

Textos: Agustín Fernández Mallo, Rodrigo García y Oscar Gómez Mata

Colaboración artística: Delphine Rosay

Colaboración juego actoral: Espe López

Creación luz y dirección técnica: Leo García

Creación sonido: Aymeric Demay

Espacio escénico: Vanessa Vicente

Vestuario: Doria Gómez Rosay

Producción y administración: Aymeric Demay

Difusión Compagnie L’Alakran/ Carlota Guivernau

Coproducción: Compagnie L’Alakran, Azkuna Zentroa Alhóndiga-Bilbao, Théâtre Saint-Gervais-Genève, Théâtre populaire romand – La Chaux-de-Fonds.

Apoyos: Pro Helvetia, Loterie romande, Fondation Ernst Göhner

L’Alakran es una compañia concertada con la Ciudad de Ginebra, la República y el Cantón de Ginebra y la Fundación Arc en Scènes (2019-2021).

Oscar Gómez Mata es artista asociado a Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao (2019-2021).

Azkuna Zentroa – AlhóndigaBilbao – 15 y 16 de abril 2021

TPR – La Chaux-de-fonds – Del 20 al 22 de mayo 2021

Arsenic – Lausanne – Del 25 al 30 de mayo 2021

Teatro La Abadia – Madrid – Del 7 al 17 de octubre 2021

Festival Internacional de Teatro – Vitoria – 28 de octubre 2021

Muestra de teatro contemporáneo – Universidad de Santander – 22 de noviembre 2021

Théâtre Saint-Gervais – Genève – Del 2 al 7 de noviembre 2021

Les Subsistances – Lyon – Enero 2022

OSCAR GÓMEZ MATA. Actor, director y también autor y escenógrafo, Oscar Gómez Mata empieza sus actividades teatrales en España donde, en 1987, es cofundador de la Compañía Legaleón-T, con la cual crea espectáculos hasta el 1996. En Ginebra en 1997, funda la Compañía L’Alakran por la cual firma la dirección, la concepción, la dramaturgia o los textos de varios espectáculos. Desde 2013, es profesor regular en la Manufacture – Escuela de teatro de Suiza francesa. (HETSR) Premio Nacional Suizo de teatro en 2018.

JUAN LORIENTE. Actor cántabro, más conocido en el teatro ya que es un habitual de los montajes de Rodrigo García y La Carnicería Teatro. También ha trabajado de manera esporádica en cine, en películas entre las que hay que mencionar La espalda de Dios (Pablo Llorca) o Smoking Room (Cesc Gay).

CONFERENCIAS PERFORMATIVAS

22 y 23/01
David Espinosa – Conferència espectacular  
Núria Guiu – Likes

24 y 29/01
Eina Idea – Antropologies de la caixa negra  

29 y 30/12
Alexandra Laudo – Com observar un cel nocturn

30 y 31/12
Adriano Galante – Entrar a vivir

CON LA COLABORACIÓN DE

Fundació Eina

MESA REDONDA PERFORMATIVA