— MuroTRON

Yo soy el monstruo que os habla de Paul B. Preciado | Del 24 al 26 de marzo en Condeduque, Madrid

En diciembre de 2019, Paul B. Preciado pronunció un discurso ante tres mil quinientos psicoanalistas reunidos para las Jornadas de l’École de la Cause Freudienne en París. Retomando el texto de Franz Kafka en el que un simio que ha aprendido el lenguaje humano se dirige a una academia de científicos, Paul B. Preciado se dirige como hombre trans y persona de género no binario a la asamblea de psicoanalistas no sólo para denunciar la violencia estructural que la psiquiatría, la psicología y el psicoanálisis llevan a cabo sobre las personas consideradas como homosexuales, trans, intersexuales, o de género no binario, sino también para invitar al psicoanálisis a abrirse a las mutaciones de género y sexuales que están teniendo lugar. El resultado es un monólogo al mismo tiempo íntimo y político que no sólo se dirige a los psicoanalistas sino a cada uno de nosotros y a nuestra capacidad para acoger el cambio e imaginar una nueva utopía.

Más información: Condeduque

Roger Bernat – 23h, noche del sábado 17 al domingo 18 de septiembre de 2022 en Conde Duque

Nombre, apellidos, domicilio y documento oficial de identificación del organizador:
Los dormifestantes no constituimos ninguna asociación ni grupo de presión. En todo caso somos un grupo de descompresión. Roger Bernat y el Centro Cultural Conde Duque somos los respondables de sedar a los dormifestantes. También están involucrados Núria Martínez Vernis, Oriol Sauleda y otros artistas invitados.

Fecha, hora y duración prevista:
La Dormifestación se celebrará el sábado 17 de Septiembre a las 11 de la noche y se prolongará sin desplazamiento hasta la salida del sol.

Objeto de la manifestación:
Porque dormir es la huelga más antigua, paramos y nos echamos a dormir.

Porque el frenesí de la producción nos lleva al desastre, reclamamos el derecho a ser improductivos.

Porque estamos hartos de crecer, decrecemos adoptando la posición horizontal.

Porque en casos de extremo peligro no hay otra, decidimos hacernos los muertos.

Porque no queremos seguir cerrando rejas, puertas y persianas, reivindicamos el derecho a ser vulnerables.

Porque estamos hartos de soledad, decidimos compartir sueños.

Porque la vigilia es enfermedad, reivindicamos el poder curativo del sueño.

Porque no nos asusta el ejército de insomnes, hacemos del sueño una arma política.

Porque ya no es posible pagar un techo bajo el que descansar, nos tumbamos en la calle y dormimos a la intemperie.

Porque ya no queremos ser actores de este drama, reclamamos el derecho a ser simplemente espectadores.

Los dormifestantes reclamamos el derecho a ser improductivos. Reclamamos el derecho a ser anónimos y ausentes, a deshacernos de profesiones y confesiones. Reclamamos el derecho a ser liberados de responsabilidades civiles, culturales e incluso morales. Reclamamos el derecho a desaparecer que es, al fin y al cabo, el gran privilegio de los espectadores.

Estirados en la cama, estirados boca abajo en el catre, sensibles pero ya no susceptibles, reclamamos el derecho a declararnos en huelga. Dormir es la huelga más antigua. Presentes, expuestos, vulnerables y quizá vulnerados, reclamos un teatro de víctimas antes que de actores y acciones. El teatro nació para sedar por la fuerza o sacrificio.

Dormir es la primera de las simulaciones del deceso, y reclamamos el derecho de hacernos los muertos. Reclamamos para nosotros la autoridad irrefutable y el mismo prestigio que los individuos y colectivos desaparecidos. Allí donde la lucha es generalmente inútil reclamamos la honradez de la lucha del durmiente por ser inútil.     Reivindicamos que, en casos extremos, hacerse el muerto es la única posibilidad de supervivencia. Y todo eso lo reivindicamos sin desplazarnos, sin alzar la voz, sin compartir consignas. Es nuestro cuerpo durmiente –las toneladas de carne y sueños dormidos– lo que se ocupa quizás de pedir por nosotros el miserable derecho de estar en stand-by.

Reivindicamos la insuperable resiliencia de una derrota tan cabalmente orgánica. Reclamamos el derecho a dormir, que es tal y como acaba invariablemente y a diario el drama de vivir. Porque despertar es, a diario e invariablemente, una mierda.

Medidas de seguridad previstas o que se pide a la autoridad gubernativa:
La organización proveerá camastros, aseos y agua corriente. Los dormifestantes traerán mantas, almohadas y ositos de peluche. En caso de que se acaben los camastros disponibles, tiendas de campaña, colchonetas y otros aperos para pasar la noche son bienvenidos.

La autoridad gubernativa notificará al Ayuntamiento afectado los datos contenidos en el escrito de comunicación[1].

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[1]. La autoridad gubernativa notificará al Ayuntamiento afectado los datos contenidos en el escrito de comunicación. La autoridad gubernativa tiene el deber de proteger el ejercicio de este derecho frente a quienes traten de impedirlo, perturbarlo o menoscabarlo. Los que impidieren el legítimo ejercicio de las libertades de reunión o manifestación, o perturbaren gravemente el desarrollo de una reunión o manifestación lícita, serán castigados (Artículo 514.4 del Código Penal).

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/roger-bernat-dormifestacion.

Javier J Hedrosa – 9 de abril en Espacio Inestable

La naturaleza del espectáculo vivo es morir, desaparecer. El espectáculo se produce, se estrena, se repite y después no queda nada, salvo la memoria de los espectadores. Pero la memoria es una ficción, no nos recordamos de todo, entonces, ¿qué recuerda el espectador?

Más información y entradas: https://dv.ivc.gva.es/es/program/fosc-javier-j-hedrosa/. 

Una producción de Javier J Hedrosa
Concepto: Javier J Hedrosa y Néstor García
Creada por Néstor García, Javier J Hedrosa, Rafael Ridaura, José Julián
Intérpretes: Javier J Hedrosa, Néstor García, Rafael Ridaura, José Julian
Con el acompañamiento de Sofía Asencio y Tatiana Clavel.

De Azkona & Toloza – 26 de marzo en el Teatro Municipal de Girona 

Teatro Amazonas és un projecte documental en l’àmbit de les arts vives que forma part de la sèrie documental PACÍFIC. Una trilogia centrada en les noves formes de colonialisme, la barbàrie sobre el territori i els pobles originaris de Llatinoamèrica i la seva estreta relació amb el desenvolupament de la cultura contemporània.

A través d’una sèrie de protagonistes i llocs i unes quantes històries, unides totes elles per la idea del deliri de grandesa, Azkona & Toloza proposen un relat coral que busseja en els últims cinc segles d’història del territori amazònic brasiler. Amb rigor documental i un subtext molt irònic, expliquen el greu conflicte entre la natura i els seus habitants, i la implacable explotació capitalista. Unes desavinences barrejades amb la bogeria que genera aquest entorn tan aclaparador, com ara construir un luxós teatre d’òpera enmig de la selva.

Situades a mig camí entre el mar Mediterrani, els Pirineus i el Desert d´Atacama, Azkona & Toloza són una parella d’artistes dedicada a la realització de projectes d’arts vives. Interessades en les infinites possibilitats de la poesia i l’antropologia visual, la vídeocreació lo-fi, la performance i el moviment, les seves darreres creacions se centren en la relectura de la història oficial i la creació documental pensada per a escena. Entenent com a escena des de la sala d’una casa d’òpera fins a la immensitat d´un salar altiplànic.

Más información y entradas: https://www.girona.cat/teatremunicipal/cat/programacio_fitxa.php?id=3111. 

El desenterrador – 23 y 24 de febrero

El taller és dimecres i dijous de 18:30 a 21:30. Cada sessió dura 3 hores.

“El desenterrador” posa la mirada en la paraula, la seva corpologia i la seva relació amb el cos i l’acció. Com el seu nom indica hem desenterrat paraules en sentit real i figurat. És a dir, hem treballat amb paraules en desús, paraules el significat de les quals ha canviat i paraules tabú. I sobretot amb “valors” del nostre sistema ètic que pensàvem que calia revisitar. La Corpologia de les paraules és aquella propietat que tenen no només de crear i designar el món físic, sinó la de generar un món ètic, un sistema polític i un ordre social.

Aquest projecte ha indagat en l’estreta i canviant relació que es produeix entre les paraules i el seu ús, i les accions que se’n deriven. Una relació d’anada i tornada que dóna sentit i cos a la nostra forma d’habitar el món.

“El desenterrador” és un projecte de creació i investigació escènica al voltant del cos i les paraules. Un procés d’investigació dut a terme per un equip multidisciplinari que s’ha implementat en una sèrie de residències-tallers a diferents indrets de Catalunya Espanya i Sud-Amèrica, en un camí des del més local fins a un àmbit més internacional.

Y los huesos hablaron – 25 de febrero

“Y los huesos hablaron” parteix del procés d’excavar antigues fosses per trobar els ossos dels desapareguts, dels assassinats. El procés d’excavar entre les paraules és molt similar i el que es busca és la veritat.

L’espectacle arriba per desenterrar i fer visibles conflictes que han quedat amagats pel discurs oficial a favor d’una suposada estabilitat política i social al llarg de la història.

Un espectacle que sí, parla de violència i de desaparicions, però especialment, d’aquelles violències i desaparicions que, com paràsits invisibles, de generació en generació, nien en els nostres cossos i s’estenen per tota la societat.

La posada en escena gira al voltant de com s’escriu la història. És una proposta escènica gestada en tallers i residències a Espanya i Mèxic que neix del procés d’investigació de El desenterrador, una experiència en la qual s’investigava la “Corpologia” de les paraules o, dit d’una altra manera, la capacitat que tenen les paraules de generar un món ètic, un sistema polític i un ordre social concret.

Societat Doctor Alonso, dirigida per Tomas Aragay (director de teatre i dramaturg) i Sofia Asencio (ballarina i coreògrafa), ha construït un llenguatge que troba una de les seves claus fonamentals en el concepte del desplaçament. De situar quelcom fora del seu lloc, àmbit o espai propi per indagar com aquest desplaçament modifica el llenguatge tant pel que fa a la seva gramàtica constitutiva com pel que fa a la lectura que un observador en pot fer. Desplaçar per desvetllar quelcom. Aquesta maniobra de desplaçament s’ha revelat com un eina eficaç per generar espais de discurs poètic que posi en qüestió l’estatus quo de la nostra comprensió de la realitat.

L△ST (aka La Santísima Trinidad) – 18 y 19 de febrero en el Teatro del Barrio 

Tiranas Banderas II habla desde la admiración absoluta de cómo las banderas consiguen con aparente facilidad todo eso que el teatro no llega a lograr nunca, utilizando los mismos recursos de los que disponemos en las artes escénicas; explica cómo las banderas son la semilla de una ficción que perdura para siempre en el imaginario popular; habla de cómo apelan a un sentimiento que permanecerá para siempre en el corazón de los suyos; y muestra cómo cuando intentan sublimar la complejidad de un país o de una ideología en tres colores mal combinados lo logran.

Nos flipa este carisma y el dominio de la gestión del capital emocional de su público. Y queríamos rendirle homenaje.

Pasa, pero, que tenemos también la sensación que la bandera convive en el universo del Cristo en la Cruz, el aura incorruptible de la izquierda y la manzanita del Mac, y que representa sin matices un símbolo de los poderes que se aprovechan de esta necesidad tan nuestra de pertenecer a un grupo, de tener un lugar donde volver cuando todo va mal, para sacar rédito de cualquier tipo. Y a algunos ya les parece bien y viven felices en su displicencia.

Y eso no mola tanto, y nos cabrea un poco, o mucho, pero sobre todo nos cabrea el hecho indiscutible de que la bandera es, por definición, fea. Fea en su concepción, en su diseño, en su realización. Fea como hecha a disgusto, como pegar-a-un-padre, como los trajes del Macson.

Y eso es lo que nos putea más; que ya que pones a cuatro patas a una multitud y la sodomizas mientras le haces tragar doblada una historia sin sentido, al menos proporciónale a ese cuento un envoltorio bonito. Que no cuesta nada. Que estamos en la era del packaging. Aunque sepas que funcionará de cualquier manera, aunque nadie no lo reclame. No cuesta nada poner cariño a las cosas-ideologías-brainwashings. Falta cariño en las banderas. Y esto no lo aceptamos.

Y de esto va Tiranas Banderas, de cómo la falta de cariño no debería de permitirse nunca.

Texto de Rubén Ramos sobre la obra: http://www.tea-tron.com/rubenramos/blog/2021/03/08/notas-que-patinan-106-tiranas-banderas/. 

Más información y entradas: https://teatrodelbarrio.com/tiranas-banderas-ii/. 

Autoría: L△ST (aka La Santísima Trinidad)
Dirección: L△ST
En Escena: Gaia Bautista, Joan Martínez, José Velasco
Una producción de L△ST
Iluminación, escenografía, diseño de sonido y vestuario: L△ST
Audiovisuales: Marina Siero
Asesoramiento Artístico: Santiago Sierra
Compañía residente en Nau Ivanow
Agradecimientos: Eugenio Merino, Jordi Fondevila, Roberto Fratini, Ferran Dordal

Del 27 de noviembre al 4 de diciembre en el Mercat de les Flors

Deborah Hay (1941, Brooklyn, NY) es bailarina, coreógrafa, maestra y escritora, sin jerarquía entre estos aspectos de su ingente creación, a la vez que protagonista de algunos de los cambios artísticos más revolucionarios del siglo xx. En los años sesenta formó parte del colectivo de la Judson Church Theatre junto con Steve Paxton, Lucinda Childs, Trisha Brown, Simone Forti, Yvonne Rainer, Anna Halprin y otros artistas de varias disciplinas que rompieron las fronteras del movimiento danzado con gestos cotidianos y colaboraciones multidisciplinarias. También bailó en la compañía de Merce Cunningham en la su gira internacional de 1964, antes de retirarse en el campo, a vivir la experiencia de la vida comunitaria, las primeras drogas psicotrópicas y el camino de la introspección.

Todo esto le sirvió para liberarse de una danza prefijada y emprender la investigación de un arte que se cuestionaba a sí mismo, donde cada pregunta era la clave que abría un nuevo campo de investigación. Se interroga sobre los gestos domésticos y extrae un conocimiento precioso de la experiencia de bailar con no profesionales en sus Circle Dances, que después sintetiza en solos que ella baila; se pregunta hasta donde llega la libertad de no tener público que le permite pensar en un cuerpo que se deje mirar. Y, finalmente, ante la incógnita de qué mira quien es mirado, entrena un bailarín capaz de transformar su mirada en energía escénica. En resumen, Hay da un giro radical hacia la conciencia perceptiva de la danza que transforma absolutamente la danza y quienes la practican. Jérôme Belio, William Forsythe o Anne Teresa de Keersmaeker son algunos de los que han sido tocados por esta enseñanza.

A lo largo de su carrera ha escrito cuatro libros y una veintena de artículos. En My Body the Buddhist (2000), traducido al francés por su colaborador Laurent Pichaud, presenta su filosofía del cuerpo (un cuerpo que recibe energía en la rendición) y habla de transmisión y de nuevas herramientas de composición escénica, a la vez que es un proyecto de experimentación literaria con múltiples puntos de vista. La escritura tiene un papel potenciador dentro de su coreografía, más allá de ser una manera de documentarla y compartirla: sirve para profundizar en el conocimiento de aquello que hace, hasta el punto que podríamos hablar de coreografía del lenguaje. Deborah Hay es de las pocas artistas que han conseguido que la danza exista a través de las palabras y, con sus partituras —un código mixto entre el dibujo, el texto, el mapa y la poesía—, se fulmina la idea de un cuerpo representacional para abrirlo al infinito con una danza llena de sutilidades que no se asemeja a nada.

Sobre Cullberg

Cullberg es la compañía de danza contemporánea de repertorio nacional e internacional de Suecia, una compañía que abraza continuamente la cocreación para hacer danza de vanguardia y conseguir que llegue al gran público. Junto con coreógrafos de todo el mundo, exploramos ideas sobre posibles maneras de definir, producir y presentar la danza. Esta investigación es el pilar fundamental de una compañía que siempre está presente en la escena internacional. Durante el periodo 2019-2021, Cullberg trabaja exclusivamente con tres artistas asociados: Alma Söderberg, Deborah Hay y Jefta van Dinther. El núcleo de la compañía está formado por diecisiete bailarines de primer nivel que tienen un papel central en todas las creaciones. Sus obras surgen de los tiempos en que vivimos, como parte del entorno sociopolítico, que entre otras cosas incluye cuestiones de igualdad, diversidad y sostenibilidad. Al frente de la compañía está el director artístico Gabriel Smeets y la gerente Stina Dahlström. Cullberg forma parte del Riksteatern, el Teatro Nacional de Suecia.

The Match (2004)

DEBORAH HAY presenta The Match (2004). 27 y 28 de noviembre

Figure a Sea (2015)

DEBORAH HAY presenta Figure a Sea (2015). Del 2 al 4 de diciembre 

my choreographed body… revisited (2015)

DEBORAH HAY presenta my choreographed body… revisited (2015). 4 de diciembre 

Instalación ‘Escribiendo como coreógrafa’, de Laurent Pichaud

DEBORAH HAY presenta Instal·lació ‘Escrivint com a coreògrafa’, de Laurent Pichaud. 27 y 28 novembre | 1, 2, y 3 diciembre 

A lecture on the Performance of Beauty

DEBORAH HAY presenta A lecture on the Performance of Beauty. 3 de diciembre 

Film ‘Alignement is Everywhere’ (2019)

DEBORAH HAY presenta Film ‘Alignement is Everywhere’ (2019). 27 y 28 de noviembre y del 2 al 4 de diciembre 

Conferencia performativa ‘Traduciendo como bailarín(na)’

DEBORAH HAY presenta Conferència performativa ‘Traduint com a ballarí(na)’. 2 y 3 de diciembre 

18 de noviembre en Azkuna Zentroa

Entre junio de 2020 y febrero de 2021, el artista holandés estadounidense Sands Murray-Wassink y Aimar Arriola se embarcaron en un intercambio epistolar por invitación de If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution, organización con sede en Ámsterdam dedicada al estudio de la performance. El intercambio fue un componente lateral de Gift Science Archive (GSA), una performance ‘monumental’ de Murray-Wassink, de 18 meses de duración, encargada por If I Can’t Dance; en ella, el artista y sus colaboradores socavaron, ordenaron y archivaron el inventario completo de materiales de su estudio como una performance duracional. En este contexto, el intercambio epistolar entre Murray-Wassink y Arriola exploró temáticas habituales en el arte y la vida del artista, incluidos temas de autocuidado, salud mental, género y sexualidad (el resultado del intercambio se puede consultar aquí).

Partiendo de elementos del intercambio epistolar, incluidos aquellos relacionados con lo que es o puede ser una ‘forma queer’, así como ideas sobre cambios culturales, migración, espiritualidad, estética, etnicidad, historias, género y sexualidad, estados mentales y cómo lidiar con ellos, en esta velada Sands Murray-Wassink presenta una nueva performance concebida para la ocasión. La performance se basará en estrategias recurrentes en el trabajo del artista, como la cita, el dibujo en vivo y el sostenimiento de algo, ya sea vida, pensamiento o acción, durante un periodo extendido de tiempo.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/sands-murray-wassink-working-title-shahzia-sikander-catalysis.

Sands Murray-Wassink (1974, Topeka, Kansas). Figura de culto queer en la escena artística de Ámsterdam durante casi dos décadas, Murray-Wassink es pintor, artista del cuerpo, escritor y coleccionista de perfumes deudor con diversas formas y permutaciones del arte interseccional feminista y queer, con las artistas Carolee Schneemann, Hannah Wilke y Adrian Piper sirviendo como coordenadas clave de su práctica. Sus exposiciones recientes incluyen: Auto Italia, Londres (enero de 2022), Rijksakademie y mistral (ambas, Ámsterdam, 2021), todas como parte de Gift Science Archive (GSA). Tras estudiar en el Instituto Pratt (1992-1994) en Brooklyn, Nueva York, Murray-Wassink se mudó a los Países Bajos en 1994 para un programa de intercambio en la Academia Rietveld de Ámsterdam. Durante los dos siguientes años (1995- 1996) estudió en De Ateliers, Amsterdam, ciudad donde vive y trabaja desde entonces.

De Cambaleo Teatro

8 y 9 de octubre en Teatro Pradillo 

n junio de 2020, en plena pandemia, y en respuesta a una propuesta de Teatro Ensalle, escribí un pequeño texto que titulé: A propósito de la incertidumbre.
El texto es una pequeña reflexión, salpicada de poemas, que parte de la premisa de que todo nuestro comportamiento social e individual depende fundamentalmente de cómo cada persona, o grupo de personas, gestionan el asunto de la incertidumbre.
Esta reflexión es la que sustenta la base textual del espectáculo Manual de comportamiento cuando todo está perdido.
La propuesta escénica vive paralela al texto y a partir de la idea de movimiento continuo.
Carlos Sarrió

ambaleo Teatro. Nace como compañía en 1982 en Madrid. En estos 37 años de existencia, hemos realizado trabajos de Teatro de calle, Teatro de interior tanto para adultos como dirigido a la infancia y a la juventud, acciones escénicas, instalaciones escénicas, coproducciones con otras compañías y Pedagogía Teatral.
A lo largo de este tiempo, hemos desarrollado con nuestro trabajo una apuesta artística basada en la continuidad del equipo de trabajo, y en la búsqueda de un lenguaje teatral propio, reflexionando siempre sobre el mundo que nos rodea.
Hemos presentado nuestras producciones en España, Portugal, Alemania, Francia, Polonia, Bolivia, Venezuela, Nicaragua, México.
www.cambaleo.com

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/manual-de-comportamiento-cuando-todo-esta-perdido/