— MuroTRON

Del 10 al 19 de enero en Burgos

Organizado por el Ayuntamiento de Burgos, la Universidad de Burgos y la Fundación Caja de Burgos, el Festival Escena Abierta se ha consolidado, después de 25 ediciones, como un acontecimiento imprescindible para el público burgalés y los visitantes de otras localidades, quienes año tras año acuden fielmente a las representaciones agotando las entradas en buena parte de sus funciones.

Del 10 al 19 de enero de 2025, el XXVI Festival Escena Abierta de Burgos nos invitará a compartir una experiencia intelectual, sensorial y emocional de la mano de artistas comprometidos con procesos creativos y complejos de eminente actualidad. Estos creadores evitan ideas explícitas para ceder al espectador un amplio margen de participación e interpretación.

Durante esta edición, nos encontraremos con obras y acciones que nos invitarán a reflexionar sobre la percepción misma, presentadas de manera transversal y recurrente. La atención se centrará en formas no convencionales de narración y comunicación; también en el manejo de herramientas para cuestionar nuestra percepción de la realidad contemporánea.

En esta edición, el Conde de Torrefiel abrirá el festival con su más reciente creación, La luz del lago. La compañía Susanna Barranco nos llevará a reflexionar con V7: El arte de silenciar. Producciones Kepler sorprenderá con OLM3DØ 3000, mientras que ARAWAKE Teatro ofrecerá la obra Aquí duermen ciervos de Nieves Rodríguez Rodríguez, Elisa Forcano presentará su evocadora Zorra dorada y Nilo Gallego inundará el ambiente con los sonidos de sus Orelles voladores. Finalmente, Rocío Márquez & Bronquio clausurarán esta vigesimosexta edición con Tercer cielo, poniendo el broche de oro al festival.

Las entradas podrán adquirirse, a partir de las 18 horas del martes 17 de diciembre, a través del servicio de TeleEntradas de Fundación Caja de Burgos y en las taquillas habituales del Teatro Principal, la Casa de Cultura de Gamonal, Cultural Cordón y CAB.

Podrán adquirirse abonos con un 30% de descuento para los siete espectáculos programados en el Teatro Principal, Fórum Evolución Burgos, Cultural Cordón y Centro de Arte de caja de Burgos (CAB) en las mencionadas taquillas presenciales, hasta el viernes 10 de enero de 2025.

PROGRAMA

XXVI FESTIVAL ESCENA ABIERTA. BURGOS 2025

Enero de 2025

Viernes 10. 20:30 h. El Conde de Torrefiel: “La luz de un lago”. Teatro Principal. Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet).

Sábado 11, 19:30 h.  Domingo 12, 18:30 h.  Producciones Kepler: “Olme3DØ 3000”. Cultural Cordón. Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet).

Sábado 11, 21:30 h.  Domingo 12, 20:30 h.  Compañía Susanna Barranco: “V7: el arte de silenciar”. Fórum Evolución Burgos (Sala de Congresos). Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet). Aforo limitado. Para mayores de 18 años.

Jueves 16 y viernes 17. 19:30 h. Arawake Teatro: “Aquí duermen ciervos”. Cultural Cordón. Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet). ESTRENO ABSOLUTO.

Viernes 17 y sábado 18. 21:30 h. Elisa Forcano: “Zorra dorada”. Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos) (acceso por C/ Burgense). Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet). Aforo limitado. Para mayores de 18 años. Duración aproximada: 1 h. 30 min.

Sábado 18, 13:00 y 19:30 h.  Domingo 19, 13:00 h.  Nilo Gallego: “Orelles voladores. Solo de percusión”. Centro de Arte de Caja de Burgos (CAB). Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet). Aforo limitado.

Domingo 19. 19:30 h. Rocío Márquez & Bronquio: “Tercer cielo”. Teatro Principal. Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet).

Entradas: https://bacantix.com/Entradas/?id=TeleEntradasCB.

Del 9 de octubre al 10 de marzo en el Museo Reina Sofía 

Esta exposición aborda el concepto de «esperpento» como un núcleo de pensamiento estético susceptible de ofrecer una nueva perspectiva para entender la realidad. Formulado por el escritor Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) como herramienta de cuestionamiento crítico, en reacción al atraso y la desesperanza moral que asolaba España en el primer tercio del siglo XX, el esperpento confrontó el encorsetamiento social, político y cultural del país, insistiendo en el distanciamiento de la mirada y en una serie de estrategias estéticas que desplegaron su máxima eficiencia en la deformación.

A diferencia de otras manifestaciones culturales de lo grotesco que emergieron en Europa, en las que la distorsión monstruosa encarnó lo absurdo de la vida durante esa época, el esperpento propuso una nueva estética que conllevó un compromiso de renovación de las estructuras sociales. A través de una amplia selección de documentos y obras artísticas de diversa índole, esta exposición examina los principales temas y estrategias que articulan el esperpento, poniendo de relieve que es una propuesta estética que ha sobrevivido el tiempo y pensamiento de Valle-Inclán.

La exposición se articula en ocho grandes secciones. Comienza en las últimas décadas del siglo XIX con Antes del esperpento, donde se muestra una selección de la prensa satírica del momento, pinturas y dispositivos ópticos populares que fueron un antecedente de las técnicas de deformación. Luego, ya en el siglo XX, Visión de medianoche se adentra en obras artísticas relacionadas con los efectos de la Primera Guerra Mundial, el espiritismo y los estados alterados de conciencia que evidencian el impacto de una realidad que se descomponía. Tablado de marionetas y El honor de don Friolera/Martes de carnaval convocan elementos y formas literarias de la tradición popular para denunciar abiertamente el desacuerdo de Valle-Inclán con los poderes fácticos. Luces de bohemia incluye referencias explícitas al momento de revuelta social y decadencia de la bohemia en el que transcurre la obra homónima. Por su parte, Retablos se adentra en obras de artistas, que convergen con los relatos del escritor, donde se mezcla la religiosidad con la tradición popular para mostrar instintos, pecados y pasiones. Tirano Banderas presenta la encarnación del esperpento en la figura del tirano que retrató el escritor (y que permanece el día de hoy): un líder político grotesco, la degradación de un héroe en el que bullen la crueldad, la soberbia y el miedo. Por último, El ruedo ibérico, título tomado del proyecto de novelas inconcluso de Valle-Inclán, cierra la exposición con la metáfora de la historia de España como una gran plaza de toros, donde violencia, política y espectáculo revelan las tensiones previas que devinieron en la Guerra Civil.

Durante el periodo expositivo, la compañía Lagartijas tiradas al sol presenta una revisión contemporánea de la novela Tirano Banderas (Valle-Inclán, 1926), a partir de la versión en bululú —género teatral en el que un solo comediante representa la totalidad de la obra— ideada por el director de escena Cipriano Rivas Cherif. Con No tengo por qué seguir soñando con los cadáveres que he visto, el colectivo cede el espacio de representación a las mujeres rebeldes y luchadoras, ausentes en el relato del escritor, pero víctimas por igual de la tiranía y violencia que la novela describe. La instalación escénica es activada los siguientes días:

Jueves 10, viernes 11 y sábado 12 de octubre – 18:45 y 19:45 h
Domingo 13 de octubre – 12:00 y 13:00 h
Interpretada por Luisa Pardo

Lunes, miércoles y viernes, del 14 de octubre, 2024 al 10 de marzo, 2025 – 18:45 y 19:45 (excepto el miércoles 16 de octubre, pase solo a las 19:45 h)
Interpretada por Delia Pacas y Laura Pacas.

Más información sobre la exposición y las actividades relacionadas: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/esperpento.

Onishka | Émilie Monnet & Waira Nina – 21 de noviembre en Teatro del Canal dentro del Festival de Otoño

Émilie Monnet es una artista indígena de ascendencia anishinaabe (una tribu amerindia del norte de América) y francesa. Ha realizado vídeos, teatro, performances en torno a la identidad, la memoria, la herencia y el lenguaje. Waira Nina proviene de la nación Inga, en La Amazonia colombiana, creó la red de radio Emisora Comunitaria Ingakuna, y ha trabajado en el reconocimiento de la riqueza cultural, la educación y los derechos de su comunidad. Monnet y Nina son amigas desde hace años y desde 2014 han estado recogiendo materiales de activistas ambientales y líderes indígenas de La Amazonia, de Canadá, de la Guayana Francesa. El proyecto lo titularon Nigamon/Tunai y lo han estrenado este año. Que su dimensión trasciende lo escénico, lo explica que la presentación en Montreal estuvo arropada por una serie de conferencias que abordaban los temas de la obra (la lucha indígena, la acción contra el extractivismo y la devastación del medio ambiente americano) y por una campaña para recabar fondos con los que sufragar la radio comunitaria de Waira Nina.

¿Cómo definir Nigamon/Tunai? No es propiamente teatro, aunque contenga elementos del teatro documental. Denominarlo experiencia sensorial y visual podría dar cierta orientación sobre lo que pretenden Monnet y Nina: una denuncia, ciertamente, contra el extractivismo, la explotación de sus territorios: en Canadá hay compañías mineras y petroleras que socavan la tierra colombiana para extraer sus recursos, entre ellos el cobre, mineral central en la cultura anishinaabe. Y una defensa de la protección de las aguas, la tierra y la fauna de estos territorios.

El espectador tiene frente a sí, en un escenario que podría evocar La Amazonia o un bosque tropical, a Monnet y Nina, ataviadas con hábitos indígenas. Rodeándolas: objetos, estructuras metálicas de cobre, agua circulante. Sus acciones van acompañadas de sonidos procedentes de objetos inventados por el artista visual colombiano Leonel Vásquez, y de donde surgen los cantos de las piedras, del agua, de los troncos de los árboles.

Voces de líderes espirituales indígenas, de activistas, de ancianas y de niños se escuchan en ese espacio: voces de protesta y defensa del territorio atacado por la deforestación y la acción de las empresas mineras y petroleras. Émilie Monnet reivindica la escucha de estas voces, especialmente las de los líderes indígenas, “los depositarios del conocimiento, los que luchan por defender la tierra y preservar la vida. Voces que muchas veces hemos erradicado, oprimido, intentado matar. Y hoy, más que nunca, es importante escucharlas, porque ahí están las respuestas”.

Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2024/nigamon.html.

Stefan Kaegi y Gina Surià, El Conde de Torrefiel, Ari Benjamin Meyers, Begum Erciyas y Daniel Kötter, Emilie Rousset, Chiara Bersani y Marco D’Agostin y Sofía Dias y Vitor Roiz – 5, 6, 12 y 13 de octubre en Temporada Alta

Paisajes compartidos es un espectáculo que tendrá lugar los días 5, 6, 12 y 13 de octubre entre campos y bosques de Celrà. Se enmarca dentro de un proyecto europeo en el que Temporada Alta ha participado, junto con festivales y equipamientos europeos, como el Festival de Aviñón, Zona K y Piccolo Teatro di Milano o el Théâtre Vidy-Lausanne de Suiza.

Es un espectáculo que busca sacar las artes escénicas de los equipamientos convencionales y explorar el vínculo entre cultura y naturaleza. De esta forma, propone un recorrido en un entorno natural donde, a lo largo de un día, el público podrá ver hasta siete espectáculos diferentes de diversos artistas y creadores internacionales. El artista del país que participó, propuesto por Temporada Alta, fue El conde de Torrefiel.

Toda la información y entradas: https://temporada-alta.com/es/shows/paisatges-compartits/.

Marc O’Callaghan | Del 26 al 28 de septiembre en la Fundación Joan Brossa

Disperses pel Born hi ha un seguit de capelles urbanes dedicades a diversos sants de la cristiandat. És el Santoral Exterior, que configura el mapa de la religiositat popular a la nostra ciutat. A cada sant, la tradició li ha dedicat un seguit de cants coneguts com a goigs i, a través del projecte CSFCMMCAB, Marc O’Callaghan n’ha versionat les melodies en estil màkina fent un encreuament entre el simbolisme catòlic i l’exploració de la materialitat i la funcionalitat del so.
Durant la rave itinerant CSFCMMCAB: Ruta Santoral Exterior del Born us convidem a ser testimonis d’un exercici musicològic samplejat a temps real en què escoltarem sons nous per a les velles melodies de cada sant, davant de cada capella urbana corresponent.

Más información y entradas: https://fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/santoral-exterior-born/.

SOBRE EL PROJECTE CSFCMMCAB
La sigla CSFCMMCAB és l’abreviació de Correspondències simbòliques entre folklore catòlic i música màkina al casc antic de Barcelona, el títol del projecte d’investigació de Marc O’Callaghan que parteix dels pressupòsits heretats del pensament simbòlic i desenvolupa una fórmula compositiva amb la qual tradueix conjunts iconogràfics religiosos a produccions d’estil màkina. El projecte va formar part del programa BCN Producció 2019-2020 del centre d’art La Capella.
Lloc web del projecte

MARC O’CALLAGHAN (Barcelona, 1988)
Llicenciat en Belles Arts i màster en Producció i Recerca en Art, ambdós a la Universitat de Barcelona. El seu recorregut artístic s’ha anat vertebrant, d’una banda, a partir d’una línia central de peces autònomes en formats d’instal·lació i performance situada en el circuit de l’art contemporani pròpiament dit i, de l’altra, amb una altra línia més perifèrica de projectes ubicats en altres nínxols disciplinaris com el de la música o el de les arts gràfiques. Més enllà dels temes i les tècniques específiques de cada cas, la constant que caracteritza la totalitat del seu treball és que totes les obres són d’una manera o una altra exercicis que posen a prova el principi de correspondència —simbòlica, referencial o formal— entre determinats elements pertanyents a diferents àmbits. Posant-lo a prova, es generen automàticament interrogants relatius als àmbits i elements concrets que en cada obra s’hagin combinat. En alguns casos, la combinació només assenyala unes correspondències que ja eren allà, posant en relleu obvietats ignorades; en d’altres, la combinació implica en si mateixa unes correspondències inèdites que, en demostrar-se plausibles, revelen un cert potencial per suggerir la corroboració de determinades hipòtesis. Així, aquests exercicis funcionen com a metodologies de recerca metacultural a través de la pràctica artística.
Entre els seus treballs artístics destaquen Coàgul (2009-fins a l’actualitat), un projecte de música industrial en solitari amb el qual ha publicat 23 discs en diferents segells independents; el treball gràfic Revelacions automàtiques, amb què ha fet un seguit d’exposicions i murals en contextos independents i ha parasitat puntualment el món de la il·lustració per encàrrec; El palau de la memòria (2017), un sistema de classificació virtual allotjat a la seva pròpia web que servirà per ordenar la totalitat del seu treball previ segons diversos paràmetres distribuïts en quatre “pavellons”. Des de l’any 2014 està vinculat al festival deslocalitzat Ex Abrupto, i des del 2018 ha anat desenvolupant una discreta carrera com a DJ, principalment a través del col·lectiu Hardcore Wizards.
Lloc web de l’artista

Silvia Albert Sopale – Del 13 de septiembre al 27 de octubre en Periferias Cimarronas

Sílvia acaba de cumplir los 48 años y lejos de la talla 48. Pero no quiere esperar a cumplir los 56 para hablar de su cuerpo, un cuerpo político, campo de batalla, cuerpa de resistencia.

Lötò aborda diversos temas que atraviesan a la artista como la presión estética, la gordofobia o el edadismo. Este ritual performativo que nos presenta Silvia Albert Sopale, es un intento de hacer las paces con el cuerpo y brindarse la oportunidad de resarcirse y prestarle homenaje.

Esta es probablemente la pieza más íntima y personal de la artista, utilizando su propio cuerpo como archivo personal de memoria. Aunque ya sabes lo que se dice. “Puedes sacar a la chica del activismo pero no el activismo de la chica”.

Más información y entradas: https://periferiacimarronas.es/saber-mas-loto.

Silvia Albert Sopale, nacida en San Sebastián en 1976, es hija de una mujer bubi de Guinea Ecuatorial y un hombre igbo de Nigeria. Es actriz graduada por la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia en 2002, dramaturga y directora teatral.

Ha participado en espectáculos como “No es país para negras”, “Blackface y otras vergüenzas”, “Parad de pararme”, “Cuentos desde la periferia” y “La moreneta”.

También, ha trabajado en “Síndrome de gel” dirigido por Xicu Masó, “Grrrls” dirigido por Carlota Subirós, “Kill Agamenón” dirigido por Carla Rovira y “L’amansiment de la fúria” de la cia. Parking Shakespeare.

Albert es, además, activista afrofeminista, impulsora de Periferia Cimarronas, cofundadora de Tinta Negra, y miembro de diversas asociaciones afroespañolas.

Ficha artística

Autoría e interpretación: Silvia ALbert Sopale

Mirada externa: Carla Rovira Pitarch

Espacio escénico/instalación: Agnes Essonti Luque

Realización de Esculturas: Oriol Texidor

Construcción escenografía: LLuís Anglès Marimóm

Espacio Sonoro: Mani Tapes

Vestuario: Amada Sumonte

Foto Cartel: Laurent Leger Adame

Trabajo Físico y Movimiento: Rogelio Lorda

Producción: Arelis Benítez

Agradecimientos: Metáfora Studio Arts,Victorinos Bolekia Bonay.

La Barrejada, laboratorio culinario-recreativo, proyecto deslocalizado ganador de la beca de Barcelona Producció de La Capella | 7 de junio en el Solar de la Puri de Barcelona

La Barrejada es una suma de ingredientes, de personas, lenguajes e historias que se mezclan en una olla revuelta o en un sancocho para crear un territorio común. Durante dos meses desarrollamos un laboratorio culinario-creativo donde pensamos la cocina como un espacio de reflexión y acción comunitaria; un dispositivo de procesos para la investigación y creación colectiva. A través de las narrativas que atraviesan los alimentos, el acto de cocinar y la comensalidad y de diversos lenguajes artísticos derivados de la palabra, el sonido, la imagen y el cuerpo generamos un espacio de experimentación y juego en el que las acciones culinarias, poéticas, visuales, escénicas y sonoras sucedieron al tiempo que exploramos algunas preguntas-detonante.

Lxs invitamos a la exposición del laboratorio el día 7 de junio en el Solar de la Puri.

Viernes 7 de junio, 2024
de 19h30 a 23h00
Solar de la Puri, Carrer de la Puríssima Concepció, 22. Poble Sec 08004.

Apertura de puertas: 19h30
Activación + cena: 21h30
✨¡Si puedes trae tu recipiente o tupper!

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Proyecto ganador de la Beca de Barcelona Producción del Centro de Arte La Capella para proyectos Deslocalizados 2023-2024 @lacapellabcn impulsado por Lina Ruiz @linaruiz2405 @miceliocultural , Columba Zavala @coozaaa y Raúl M. Candela, con Adriano Galante @_adrianogalante_ e Ina Olavarría @___mardeolas

Más información: La Barrejada

Constelaciones y asterismos, imaginar juntxs el cielo de Taller Placer |Noche del 8 al 9 de junio en La Mutant de València

CONSTELACIONES & ASTERISMOS es un espacio de arte y pensamiento comunitario sostenido entre diferentes agentes a lo largo de 5 meses: de febrero a junio de 2024.

Nos encontramos en un presente tecnológico, dominado por una ciencia supuestamente objetiva hecha tan solo por unos pocos expertos. Nos planteamos revisar algunos dogmas de la física y la astrofísica cuestionando su hegemonía a partir de la elaboración de nuevos imaginarios populares, identitarios, ficciones tecnocientíficas y métodos conceptuales que sean más amantes de la vida.

Lo que os proponemos es un grupo de estudio, una conferencia-performance y una observación estelar que llevaremos a cabo en grupo, poniendo en el centro el valor y la legitimidad de nuestros propios conocimientos.

• MIRAR JUNTXS el cielo, noche del 8 al 9 de junio organizado por TALLER PLACER. Una excursión a Aras de los Olmos (Valencia) con observación nocturna del cielo en colaboración con la Asociación AstroARAs. Inscripción solicitando invitación en el botón o enviando un email a tallerplacer@gmail.com (máximo 2 invitaciones por email) con tu nombre, apellidos y número de teléfono. La plaza quedará reservada cuando te respondamos al mail.Quedaremos en el Planetario de Aras de los Olmos por la tarde, cada unx acudirá por sus medios. Cenaremos , dormiremos al raso en sacos de dormir y después de desayunar volveremos (hay posibilidad de reservar habitación en Aras Rural si no deseas dormir a la intemperie).Recuerda traer todo lo que consideres necesario para dormir y ropa de abrigo ya que en Aras de los Olmos refresca por la noche.

Con este ciclo nos planteamos abrir vías hacia otras formas de comprender el universo, dejar de observarlo como una máquina fría hecha de materia que evoluciona de manera ciega y mecánica y pensar el cosmos y los misterios del firmamento desde otros campos. Tratar, desde nuestras modestas posibilidades, de hacer una ciencia más libre y creativa que nos permita abordar preguntas fundamentales de nuestro tiempo con más consistencia y haciéndolas propias.

Más información: La Mutant

Irene Mahugo – 11 de enero en Hangar

El jueves 11 de enero se compartirán los avances de Revolución Horizontal, primera parte de la residencia de investigación curatorial realizada por Irene Mahugo en Hangar, como beneficiaria de la beca Encura VI, que continuará posteriormente en Casa Velázquez, Madrid, hasta febrero de 2024. La apertura del proceso de investigación curatorial será en clave performativa y poética y contará con la participación de Miriam Ballesi, Antonio Centeno, Asun Pié Balaguer, Stella Rahola Matutes, Milena Rossignoli y Bella Báguena.

Comisariada por Irene Mahugo, Revolución Horizontal surge del interés por diseñar estrategias o metodologías para generar otras formas de reivindicación alejadas de la violencia o la fuerza, planteando, en este caso, el perfil curatorial como la conexión y el vínculo necesarios en contextos y realidades sociales complejas. Nace del deseo y la urgencia de crear espacios de reflexión desde un crip time o tiempo lento en torno al reposo, el pensamiento creativo, las prácticas artísticas y el compartir las experiencias propias y la información como estrategias mismas de reivindicación; priorizando así el bienestar y valorando las necesidades de accesibilidad de cada unx.

Se plantea una forma radical de subversión, el desacato apacible contra las leyes. La aparente mansedumbre es ahora mismo el anhelo de ser isla, la existencia horizontal. Contra el tránsito forzado de la vida y la andadura -erguida- constante, proponer el quietismo del cuerpo o la diversidad de ritmos y de formas. Porque sabemos de la razón de occidente fundada en la renuncia al propio cuerpo, nosotres nos negamos a dar una zancada más; para pensar en un devenir disca y frágil.

Desde mi cuarto y desde mi cama con sábanas de algodón con estampados florales, danzo distopías ajenas y futuribles, pasados imposibles y presentes ingrávidos: agujeros de gusano que me tragan y me pierden, embudos por los que caigo, pasarelas que rescinden los marcos antropomórficos. Caigo en vertical por el puente y recojo los despojos de los otros cuerpos que me voy encontrando. Soy un repositorio somático de procesos culturales y de discursos políticos.

Para el proceso de investigación se ha contado con artistas, activistas e investigadorxs que están atravesadxs de alguna manera por la discapacidad, la enfermedad, el dolor, la vulnerabilidad y/o la accesibilidad en relación con el entorno artístico y cultural. Se trata de presencias que ponen de manifiesto la vulnerabilidad de lo común.

Durante la residencia de investigación se han desarrollado conversaciones que son grabadas y registradas. Funcionarán como semillas para seguir reflexionando en torno a la accesibilidad en el entorno cultural, para desplegar un “kit de supervivencia” dedicado a la institución. Algunas de las preguntas que giran en torno a estas conversaciones son: ¿Podremos aplicar un crip time en la institución? ¿Queremos formar parte de las instituciones cisheterocentradas? Si quisiéramos, ¿cómo podríamos hacerlo? ¿Qué representación tienen actualmente las historias de vida y arte disca/divergente en las instituciones? E independientemente de la discapacidad, ¿planteamos realmente un no-movimiento, un descanso o un hacer más lento? ¿Cómo podemos luchar para que la desviación de la norma no sea castigada (a menos que sea explotable)?

Por otra parte, en el encuentro presencial, estas especulaciones serán transformadas en formatos híbridos de representación artística y performativa. El jueves 11, comenzaremos a las 19 h desplegando las ideas y procesos trabajados. Compartiremos experiencias plásticas y creativas en torno a la vulnerabilidad, el dolor, la transformación del cuerpo, los apoyos. Para finalizar, nos dedicaremos a un baile descansado y gozoso, a una escucha de techno ambient que terminará por trasladarnos al lugar cómodo que deseamos y soñamos, al disfrute como forma de resistencia. Daremos espacio a la rabia, el cuidado, el anhelo, el descanso, el aislamiento, el movimiento, la quietud, el dolor, el bálsamo… Las palabras que aún no tenemos, las que sí tenemos y las que estamos esperando lanzar.

Información práctica
Día: 11 de enero
Hora: 19 h
Lugar: Sala Ricson, Hangar
Entrada libre

Accesibilidad
La Sala Ricson es accesible para sillas de ruedas.
Baño accesible y de género neutro.
La sesión se desarrollará en presencia de intérprete de lengua de signos catalana, LSC (Asociación Inclusivxs).
¿Quieres asistir y tienes otras necesidades de acceso que no están aquí detalladas? No dudes en ponerte en contacto con veronica(at)hangar.org

Frances Ribes Renshaw y Núria Corominas Pérez – 18 de enero en Arts Santa Mònica

Lumpen del amor es una investigación sonora y literaria, encarnada en escena por la figura del bufón depresivo. Si la voz de la melancolía es monocorde, atonal e incluso silente, la del bufón presenta un espectro infinito de formas expresivas. ¿Qué pasa cuando la libertad vocal y verbal del bufón sufre las consecuencias de la melancolía?

Más información: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dijous-de-veu-i-paraula-00003.

Frances Ribes Renshaw (Madrid, 1993) es una artiste multidisciplinar angloespañola que se dedica principalmente al trabajo escénico en los ámbitos de la música, la voz y el movimiento. Ha trabajado como intérprete en obras de Martin Creed, Rui Horta o Marnia Santo, a la vez que desarrolla sus propias obras performáticas como “there is a room for everything” (Galería Pradiauto, 2022) o su proyecto grunge-pop St. Frances.

Núria Corominas Pérez es actriz, directora, dramaturga y docente. Cofundadora de la compañía teatral LasHuecas, combina el acompañamiento artístico en contextos comunitarios, la docencia en el ámbito teórico y la investigación escénica.