— MuroTRON

Cómo podemos atravesar las despedidas con mayor presencia, dignidad y ternura? ¿Cómo nos acompañamos en momentos de extrema vulnerabilidad? ¿Cómo podemos prepararnos para este tránsito? Tanatolab es un encuentro para compartir experiencias, prácticas y perspectivas críticas en torno a la muerte

Politizar los procesos de enfermedad, muerte y duelo pasa por articular y fortalecer las redes comunitarias. Este espacio busca ser un dispositivo político, somático y espiritual que nos ayude reconciliarnos con la muerte desde la interdependencia, el cuidado mutuo y la justicia social.

Sesión 1

Miércoles, 26 de febrero de 17:30 a 20h | Idioma: castellano / inglés

En una primera parte, DU-DA abrirá su investigación ‘aprendizajes colectivos para rediseñar la muerte’ a través de una presentación guiada por el relato y las imágenes íntimas de su road trip con una death doula en EEUU, en el verano 2023. El viaje compartido nos llevará a conocer algunos proyectos inspiradores en relación a la ecología y el cuidado de la muerte.

En una segunda parte, tendremos una conversación sobre el acompañamiento al final de la vida. Participarán Cristina Lasmarias, enfermera especializada en cuidados paliativos y Sarafina Landis, doula de muerte especializada en acompañamientos VSED (voluntary stop eating and drinking) y comunidad queer.

Sesión 2 — Túneles de luz – Morir antes de morir

Jueves, 27 de febrero de 17:30 a 20h | Idioma: inglés

Sarafina Landis y la artista sonora Shoz ofrecerán una práctica y una performance sonora que invitará a las personas a acercarse a su propia mortalidad y a contemplar la fecundidad regenerativa de la descomposición y sus misterios espirituales. Compartirán, también sus experiencias desde el activismo en las comunidades de cuidados queer en los márgenes de los sistemas de opresión de EEUU.

bios

DU-DA es un colectivo de mediación, investigación y producción artística. Morir Guay nace en 2019 gracias a la beca de la Escocesa, y dio como resultado el libro Morir guay. Voces y relatos para no tener miedo. Esta línea de investigación en torno a los discursos y protocolos imperantes sobre la muerte y sus contra-relatos, se articula alrededor de una serie de experimentos metodológicos que parten de la hipótesis de que si creamos un espacio cuidado para romper el tabú alrededor de la muerte, podemos iniciar un cambio de paradigma para potenciar la soberanía y la ecología en el morir. +info

Sarafina Landis (elle) comenzó su camino en el trabajo con la muerte en la Península Olímpica, después de una experiencia íntima acompañando a un ser querido a morir. En ese proceso ritual, planificado y conectado con la tierra, descubrió su vocación como acompañante de la muerte. Este camino llevó a Sarafina de costa a costa de Estados Unidos, trabajando en entierros ecológicos, cuidados funerarios en el hogar, acompañamiento en procesos de VSED (suspensión voluntaria de la alimentación e hidratación) y organización comunitaria en el final de la vida, incluyendo la fundación de la organización sin ánimo de lucro Dying Matters Guild. Tiene un trabajo de tesis sobre la intersección entre el cuidado de la muerte, la sanación ancestral y la liberación colectiva, titulado Body As A Future Offering. Además, facilita piezas de performance interactivas con el proyecto Tunnels of Light. +info

Cristina Lasmarias es enfermera y Doctora en Cuidados Integrales y Servicios de Salud por la Universidad de Vic. Es la responsable de la planificación de geriatría y cuidados paliativos del área de atención intermedia del Departament de Salut. Es activista de cuidados paliativos en diversas sociedades científicas.

Shauna Frantz (Shoz) es artista sonoro/a y psicoterapeuta somática radicada en el Valle de Shenandoah, Virginia, EE. UU. Su trabajo surge de una escucha profunda del entorno y una conexión íntima con la tierra. Su práctica, inspirada por el paisaje sonoro y la geografía circundante, es tanto una respuesta como una invitación a la quietud y la percepción sensorial. A través de grabaciones de campo, ritmos crudos y procesados, texturas y melodías, crea composiciones experimentales que invitan a sumergirse en una experiencia sonora contemplativa. +bandcamp | +info

Festival d’arts vives a comarques gironines

1 de febrer, 23 de març, 11 d’abril, 30 i 31 de maig / 2025
Olot · Mieres · Porqueres · Banyoles · Girona · Lloret de Mar · Celrà · La Jonquera · Pontós · Figueres

Això al poble no li agradarà, vol convertir-se en un punt de trobada entre públics i creació contemporània. Un espai capaç de generar noves formes de relació entre els espectadors i espectadores i aquelles pràctiques artístiques contemporànies que dialoguen amb el context. El festival proposa un desplaçament del pol cultural, un exercici de reterritorialització que posa en valor la creació híbrida connectant artistes, espais i públics.

Teatre Municipal de Girona
01/02/25

Programació doble que inicia l’itinerari d”Això al poble no li agradarà’ a l’hivern. Us convidem a una jornada festiva on us explicarem què, qui i com serà el festival d’aquest 2025, gaudint d’una peça i un concert que marquen l’identitat del festival. ‘Això al poble no li agradarà’ s’activarà durant quatre mesos als municipis que en formen part, per acabar desenvocant al festival del 30 i 31 de maig.
Save the date!

PEQUEÑO CÚMULO DE ABISMOS

Cristina Blanco
DS. 01/02/25 – 19 H

La comèdia surrealista, l’autobiografia, la paròdia i la ciència-ficció es donen la mà en aquest homenatge, amb consciència de classe, a la imaginació i al teatre, dirigit per Cris Blanco

És el mateix un forat negre que un forat de cuc? Es tracta de la mateixa diferència que hi ha entre el brogit d’un càntir i la boca d’un porró? Què hi ha dins dels forats negres? Què hi ha darrere de la paret del teatre? És la nostra infància aquest lloc feliç al qual voldríem tornar? Arribarem vives a fer els 80? Serà possible tenir als 80 algun tipus de privilegi si no en vam tenir als anys 80? Com sap una persona que no té privilegis? L’accés a la cultura és un privilegi? Hi ha res que no sigui diferent del que ens van fer creure als 80? Són les preguntes petits actes revolucionaris? Són aquests actes revolucionaris suficients per generar un petit cúmul d’abismes?

BLUE SCREEN

B1n0
DS. 01/02/25 – 21 H

B1n0 fa un pas més en la seva particular aventura i crea una nova veu, desdibuixant les fronteres entre la màquina i la veu humana.

La proposta de b1n0 s’estructura des de la falta d’un cantant fixe i es vesteix a través de les mil i una possibilitats que se’n deriven.
Fins ara el duet ha utilitzat el format “featuring” per a vestir aquells temes que han requerit de veu. A Blue screen, el seu segon disc, b1n0 fa un pas més. Juntament amb Voctro Labs han creat un nou cantant, una nova veu, a partir de la fusió dels cantants del seu primer disc (‘b1n0’2019). Una veu nova, per acompanyar la totalitat d’aquest nou àlbum. Utilitzant els recursos que ofereix aquest software, b1n0 pretenen desdibuixar les fronteres entre la màquina i la veu humana.

Del 10 al 19 de enero en Burgos

Organizado por el Ayuntamiento de Burgos, la Universidad de Burgos y la Fundación Caja de Burgos, el Festival Escena Abierta se ha consolidado, después de 25 ediciones, como un acontecimiento imprescindible para el público burgalés y los visitantes de otras localidades, quienes año tras año acuden fielmente a las representaciones agotando las entradas en buena parte de sus funciones.

Del 10 al 19 de enero de 2025, el XXVI Festival Escena Abierta de Burgos nos invitará a compartir una experiencia intelectual, sensorial y emocional de la mano de artistas comprometidos con procesos creativos y complejos de eminente actualidad. Estos creadores evitan ideas explícitas para ceder al espectador un amplio margen de participación e interpretación.

Durante esta edición, nos encontraremos con obras y acciones que nos invitarán a reflexionar sobre la percepción misma, presentadas de manera transversal y recurrente. La atención se centrará en formas no convencionales de narración y comunicación; también en el manejo de herramientas para cuestionar nuestra percepción de la realidad contemporánea.

En esta edición, el Conde de Torrefiel abrirá el festival con su más reciente creación, La luz del lago. La compañía Susanna Barranco nos llevará a reflexionar con V7: El arte de silenciar. Producciones Kepler sorprenderá con OLM3DØ 3000, mientras que ARAWAKE Teatro ofrecerá la obra Aquí duermen ciervos de Nieves Rodríguez Rodríguez, Elisa Forcano presentará su evocadora Zorra dorada y Nilo Gallego inundará el ambiente con los sonidos de sus Orelles voladores. Finalmente, Rocío Márquez & Bronquio clausurarán esta vigesimosexta edición con Tercer cielo, poniendo el broche de oro al festival.

Las entradas podrán adquirirse, a partir de las 18 horas del martes 17 de diciembre, a través del servicio de TeleEntradas de Fundación Caja de Burgos y en las taquillas habituales del Teatro Principal, la Casa de Cultura de Gamonal, Cultural Cordón y CAB.

Podrán adquirirse abonos con un 30% de descuento para los siete espectáculos programados en el Teatro Principal, Fórum Evolución Burgos, Cultural Cordón y Centro de Arte de caja de Burgos (CAB) en las mencionadas taquillas presenciales, hasta el viernes 10 de enero de 2025.

PROGRAMA

XXVI FESTIVAL ESCENA ABIERTA. BURGOS 2025

Enero de 2025

Viernes 10. 20:30 h. El Conde de Torrefiel: “La luz de un lago”. Teatro Principal. Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet).

Sábado 11, 19:30 h.  Domingo 12, 18:30 h.  Producciones Kepler: “Olme3DØ 3000”. Cultural Cordón. Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet).

Sábado 11, 21:30 h.  Domingo 12, 20:30 h.  Compañía Susanna Barranco: “V7: el arte de silenciar”. Fórum Evolución Burgos (Sala de Congresos). Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet). Aforo limitado. Para mayores de 18 años.

Jueves 16 y viernes 17. 19:30 h. Arawake Teatro: “Aquí duermen ciervos”. Cultural Cordón. Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet). ESTRENO ABSOLUTO.

Viernes 17 y sábado 18. 21:30 h. Elisa Forcano: “Zorra dorada”. Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos) (acceso por C/ Burgense). Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet). Aforo limitado. Para mayores de 18 años. Duración aproximada: 1 h. 30 min.

Sábado 18, 13:00 y 19:30 h.  Domingo 19, 13:00 h.  Nilo Gallego: “Orelles voladores. Solo de percusión”. Centro de Arte de Caja de Burgos (CAB). Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet). Aforo limitado.

Domingo 19. 19:30 h. Rocío Márquez & Bronquio: “Tercer cielo”. Teatro Principal. Entrada: 10 € (+ comisión de venta por internet).

Entradas: https://bacantix.com/Entradas/?id=TeleEntradasCB.

Del 9 de octubre al 10 de marzo en el Museo Reina Sofía 

Esta exposición aborda el concepto de «esperpento» como un núcleo de pensamiento estético susceptible de ofrecer una nueva perspectiva para entender la realidad. Formulado por el escritor Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) como herramienta de cuestionamiento crítico, en reacción al atraso y la desesperanza moral que asolaba España en el primer tercio del siglo XX, el esperpento confrontó el encorsetamiento social, político y cultural del país, insistiendo en el distanciamiento de la mirada y en una serie de estrategias estéticas que desplegaron su máxima eficiencia en la deformación.

A diferencia de otras manifestaciones culturales de lo grotesco que emergieron en Europa, en las que la distorsión monstruosa encarnó lo absurdo de la vida durante esa época, el esperpento propuso una nueva estética que conllevó un compromiso de renovación de las estructuras sociales. A través de una amplia selección de documentos y obras artísticas de diversa índole, esta exposición examina los principales temas y estrategias que articulan el esperpento, poniendo de relieve que es una propuesta estética que ha sobrevivido el tiempo y pensamiento de Valle-Inclán.

La exposición se articula en ocho grandes secciones. Comienza en las últimas décadas del siglo XIX con Antes del esperpento, donde se muestra una selección de la prensa satírica del momento, pinturas y dispositivos ópticos populares que fueron un antecedente de las técnicas de deformación. Luego, ya en el siglo XX, Visión de medianoche se adentra en obras artísticas relacionadas con los efectos de la Primera Guerra Mundial, el espiritismo y los estados alterados de conciencia que evidencian el impacto de una realidad que se descomponía. Tablado de marionetas y El honor de don Friolera/Martes de carnaval convocan elementos y formas literarias de la tradición popular para denunciar abiertamente el desacuerdo de Valle-Inclán con los poderes fácticos. Luces de bohemia incluye referencias explícitas al momento de revuelta social y decadencia de la bohemia en el que transcurre la obra homónima. Por su parte, Retablos se adentra en obras de artistas, que convergen con los relatos del escritor, donde se mezcla la religiosidad con la tradición popular para mostrar instintos, pecados y pasiones. Tirano Banderas presenta la encarnación del esperpento en la figura del tirano que retrató el escritor (y que permanece el día de hoy): un líder político grotesco, la degradación de un héroe en el que bullen la crueldad, la soberbia y el miedo. Por último, El ruedo ibérico, título tomado del proyecto de novelas inconcluso de Valle-Inclán, cierra la exposición con la metáfora de la historia de España como una gran plaza de toros, donde violencia, política y espectáculo revelan las tensiones previas que devinieron en la Guerra Civil.

Durante el periodo expositivo, la compañía Lagartijas tiradas al sol presenta una revisión contemporánea de la novela Tirano Banderas (Valle-Inclán, 1926), a partir de la versión en bululú —género teatral en el que un solo comediante representa la totalidad de la obra— ideada por el director de escena Cipriano Rivas Cherif. Con No tengo por qué seguir soñando con los cadáveres que he visto, el colectivo cede el espacio de representación a las mujeres rebeldes y luchadoras, ausentes en el relato del escritor, pero víctimas por igual de la tiranía y violencia que la novela describe. La instalación escénica es activada los siguientes días:

Jueves 10, viernes 11 y sábado 12 de octubre – 18:45 y 19:45 h
Domingo 13 de octubre – 12:00 y 13:00 h
Interpretada por Luisa Pardo

Lunes, miércoles y viernes, del 14 de octubre, 2024 al 10 de marzo, 2025 – 18:45 y 19:45 (excepto el miércoles 16 de octubre, pase solo a las 19:45 h)
Interpretada por Delia Pacas y Laura Pacas.

Más información sobre la exposición y las actividades relacionadas: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/esperpento.

Onishka | Émilie Monnet & Waira Nina – 21 de noviembre en Teatro del Canal dentro del Festival de Otoño

Émilie Monnet es una artista indígena de ascendencia anishinaabe (una tribu amerindia del norte de América) y francesa. Ha realizado vídeos, teatro, performances en torno a la identidad, la memoria, la herencia y el lenguaje. Waira Nina proviene de la nación Inga, en La Amazonia colombiana, creó la red de radio Emisora Comunitaria Ingakuna, y ha trabajado en el reconocimiento de la riqueza cultural, la educación y los derechos de su comunidad. Monnet y Nina son amigas desde hace años y desde 2014 han estado recogiendo materiales de activistas ambientales y líderes indígenas de La Amazonia, de Canadá, de la Guayana Francesa. El proyecto lo titularon Nigamon/Tunai y lo han estrenado este año. Que su dimensión trasciende lo escénico, lo explica que la presentación en Montreal estuvo arropada por una serie de conferencias que abordaban los temas de la obra (la lucha indígena, la acción contra el extractivismo y la devastación del medio ambiente americano) y por una campaña para recabar fondos con los que sufragar la radio comunitaria de Waira Nina.

¿Cómo definir Nigamon/Tunai? No es propiamente teatro, aunque contenga elementos del teatro documental. Denominarlo experiencia sensorial y visual podría dar cierta orientación sobre lo que pretenden Monnet y Nina: una denuncia, ciertamente, contra el extractivismo, la explotación de sus territorios: en Canadá hay compañías mineras y petroleras que socavan la tierra colombiana para extraer sus recursos, entre ellos el cobre, mineral central en la cultura anishinaabe. Y una defensa de la protección de las aguas, la tierra y la fauna de estos territorios.

El espectador tiene frente a sí, en un escenario que podría evocar La Amazonia o un bosque tropical, a Monnet y Nina, ataviadas con hábitos indígenas. Rodeándolas: objetos, estructuras metálicas de cobre, agua circulante. Sus acciones van acompañadas de sonidos procedentes de objetos inventados por el artista visual colombiano Leonel Vásquez, y de donde surgen los cantos de las piedras, del agua, de los troncos de los árboles.

Voces de líderes espirituales indígenas, de activistas, de ancianas y de niños se escuchan en ese espacio: voces de protesta y defensa del territorio atacado por la deforestación y la acción de las empresas mineras y petroleras. Émilie Monnet reivindica la escucha de estas voces, especialmente las de los líderes indígenas, “los depositarios del conocimiento, los que luchan por defender la tierra y preservar la vida. Voces que muchas veces hemos erradicado, oprimido, intentado matar. Y hoy, más que nunca, es importante escucharlas, porque ahí están las respuestas”.

Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2024/nigamon.html.

Stefan Kaegi y Gina Surià, El Conde de Torrefiel, Ari Benjamin Meyers, Begum Erciyas y Daniel Kötter, Emilie Rousset, Chiara Bersani y Marco D’Agostin y Sofía Dias y Vitor Roiz – 5, 6, 12 y 13 de octubre en Temporada Alta

Paisajes compartidos es un espectáculo que tendrá lugar los días 5, 6, 12 y 13 de octubre entre campos y bosques de Celrà. Se enmarca dentro de un proyecto europeo en el que Temporada Alta ha participado, junto con festivales y equipamientos europeos, como el Festival de Aviñón, Zona K y Piccolo Teatro di Milano o el Théâtre Vidy-Lausanne de Suiza.

Es un espectáculo que busca sacar las artes escénicas de los equipamientos convencionales y explorar el vínculo entre cultura y naturaleza. De esta forma, propone un recorrido en un entorno natural donde, a lo largo de un día, el público podrá ver hasta siete espectáculos diferentes de diversos artistas y creadores internacionales. El artista del país que participó, propuesto por Temporada Alta, fue El conde de Torrefiel.

Toda la información y entradas: https://temporada-alta.com/es/shows/paisatges-compartits/.

Marc O’Callaghan | Del 26 al 28 de septiembre en la Fundación Joan Brossa

Disperses pel Born hi ha un seguit de capelles urbanes dedicades a diversos sants de la cristiandat. És el Santoral Exterior, que configura el mapa de la religiositat popular a la nostra ciutat. A cada sant, la tradició li ha dedicat un seguit de cants coneguts com a goigs i, a través del projecte CSFCMMCAB, Marc O’Callaghan n’ha versionat les melodies en estil màkina fent un encreuament entre el simbolisme catòlic i l’exploració de la materialitat i la funcionalitat del so.
Durant la rave itinerant CSFCMMCAB: Ruta Santoral Exterior del Born us convidem a ser testimonis d’un exercici musicològic samplejat a temps real en què escoltarem sons nous per a les velles melodies de cada sant, davant de cada capella urbana corresponent.

Más información y entradas: https://fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/santoral-exterior-born/.

SOBRE EL PROJECTE CSFCMMCAB
La sigla CSFCMMCAB és l’abreviació de Correspondències simbòliques entre folklore catòlic i música màkina al casc antic de Barcelona, el títol del projecte d’investigació de Marc O’Callaghan que parteix dels pressupòsits heretats del pensament simbòlic i desenvolupa una fórmula compositiva amb la qual tradueix conjunts iconogràfics religiosos a produccions d’estil màkina. El projecte va formar part del programa BCN Producció 2019-2020 del centre d’art La Capella.
Lloc web del projecte

MARC O’CALLAGHAN (Barcelona, 1988)
Llicenciat en Belles Arts i màster en Producció i Recerca en Art, ambdós a la Universitat de Barcelona. El seu recorregut artístic s’ha anat vertebrant, d’una banda, a partir d’una línia central de peces autònomes en formats d’instal·lació i performance situada en el circuit de l’art contemporani pròpiament dit i, de l’altra, amb una altra línia més perifèrica de projectes ubicats en altres nínxols disciplinaris com el de la música o el de les arts gràfiques. Més enllà dels temes i les tècniques específiques de cada cas, la constant que caracteritza la totalitat del seu treball és que totes les obres són d’una manera o una altra exercicis que posen a prova el principi de correspondència —simbòlica, referencial o formal— entre determinats elements pertanyents a diferents àmbits. Posant-lo a prova, es generen automàticament interrogants relatius als àmbits i elements concrets que en cada obra s’hagin combinat. En alguns casos, la combinació només assenyala unes correspondències que ja eren allà, posant en relleu obvietats ignorades; en d’altres, la combinació implica en si mateixa unes correspondències inèdites que, en demostrar-se plausibles, revelen un cert potencial per suggerir la corroboració de determinades hipòtesis. Així, aquests exercicis funcionen com a metodologies de recerca metacultural a través de la pràctica artística.
Entre els seus treballs artístics destaquen Coàgul (2009-fins a l’actualitat), un projecte de música industrial en solitari amb el qual ha publicat 23 discs en diferents segells independents; el treball gràfic Revelacions automàtiques, amb què ha fet un seguit d’exposicions i murals en contextos independents i ha parasitat puntualment el món de la il·lustració per encàrrec; El palau de la memòria (2017), un sistema de classificació virtual allotjat a la seva pròpia web que servirà per ordenar la totalitat del seu treball previ segons diversos paràmetres distribuïts en quatre “pavellons”. Des de l’any 2014 està vinculat al festival deslocalitzat Ex Abrupto, i des del 2018 ha anat desenvolupant una discreta carrera com a DJ, principalment a través del col·lectiu Hardcore Wizards.
Lloc web de l’artista

Silvia Albert Sopale – Del 13 de septiembre al 27 de octubre en Periferias Cimarronas

Sílvia acaba de cumplir los 48 años y lejos de la talla 48. Pero no quiere esperar a cumplir los 56 para hablar de su cuerpo, un cuerpo político, campo de batalla, cuerpa de resistencia.

Lötò aborda diversos temas que atraviesan a la artista como la presión estética, la gordofobia o el edadismo. Este ritual performativo que nos presenta Silvia Albert Sopale, es un intento de hacer las paces con el cuerpo y brindarse la oportunidad de resarcirse y prestarle homenaje.

Esta es probablemente la pieza más íntima y personal de la artista, utilizando su propio cuerpo como archivo personal de memoria. Aunque ya sabes lo que se dice. “Puedes sacar a la chica del activismo pero no el activismo de la chica”.

Más información y entradas: https://periferiacimarronas.es/saber-mas-loto.

Silvia Albert Sopale, nacida en San Sebastián en 1976, es hija de una mujer bubi de Guinea Ecuatorial y un hombre igbo de Nigeria. Es actriz graduada por la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia en 2002, dramaturga y directora teatral.

Ha participado en espectáculos como “No es país para negras”, “Blackface y otras vergüenzas”, “Parad de pararme”, “Cuentos desde la periferia” y “La moreneta”.

También, ha trabajado en “Síndrome de gel” dirigido por Xicu Masó, “Grrrls” dirigido por Carlota Subirós, “Kill Agamenón” dirigido por Carla Rovira y “L’amansiment de la fúria” de la cia. Parking Shakespeare.

Albert es, además, activista afrofeminista, impulsora de Periferia Cimarronas, cofundadora de Tinta Negra, y miembro de diversas asociaciones afroespañolas.

Ficha artística

Autoría e interpretación: Silvia ALbert Sopale

Mirada externa: Carla Rovira Pitarch

Espacio escénico/instalación: Agnes Essonti Luque

Realización de Esculturas: Oriol Texidor

Construcción escenografía: LLuís Anglès Marimóm

Espacio Sonoro: Mani Tapes

Vestuario: Amada Sumonte

Foto Cartel: Laurent Leger Adame

Trabajo Físico y Movimiento: Rogelio Lorda

Producción: Arelis Benítez

Agradecimientos: Metáfora Studio Arts,Victorinos Bolekia Bonay.