— MuroTRON

Sofía Montenegro – Del 27.10 al 30.12 en Can Felipa

La pràctica artística de Sofia se centra a investigar maneres de produir imatges en el pensament, incorporant diverses metodologies que vinculen allò visual amb allò sonor i l’acció en un espai. A ‘Ya ha salido el sol’ revela una mirada contemplativa de la sala de Can Felipa entrellaçant diverses capes de so, contorns i llums. La mostra registra l’interstici que té lloc entre el crepuscle i la penombra.

*Hora recomanada de visita: abans de les 18.00 h

Victoria Aime/El Temblor – 27 de spetiembre en Teatro Pradillo

En algún rincón del Universo, la Pastora Intergaláctica encuentra el Voyager Golden Récord, lo escucha y decide visitar la Tierra. Después de aterrizar en la Rosaleda del Parque del Oeste de Madrid, se dirige hacia el norte. En una escala en Gante, entra en la catedral San Bavón para ver el retablo del Cordero místico. La Pastora se queda pasmada. Se acaba de enamorar sin remedio de aquel Cordero. Camina hacia él, entra en la pintura. La música y el canto de los ángeles acompañan su marcha. La Pastora besa el Cordero.
HET LAM GODS. Primera parte: La Pastora. ‘Idilio’ es un drama pastoril de ciencia ficción, una historia de amor interespecie que se presenta bajo la apariencia de un retablo en movimiento liberado de la materia y sus dimensiones espaciales.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/het-lam-gods-primera-parte-la-pastora-idilio/.

EL TEMBLOR somos Victoria Aime y Borja López. Deseamos crear ficciones arraigadas en el conocimiento humano, en la ciencia y la filosofía pero también en la pintura y la música, tratando de proponer objetos de contemplación y reflexión. Trabajamos en espacios teatrales y no convencionales desde la composición coreográfica y la escritura. Hasta la hora, hemos creado El título es Amor (2018), contando con el apoyo de la sala Baratza-Aretoa (Vitoria-Gasteiz) estrenado en DT Espacio Escénico, Madrid. Victoria Aime desarrolla actualmente el ciclo HET LAM GODS.

De Macarena Recuerda Shepherd con Sofía Asencio – 26 y 27 de marzo en Réplika Teatro

¡AY! ¡YA! es una ilusión que nos lleva a percibir la realidad de diferentes formas sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño del sentido de la vista. Un efecto que pone de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos.

¡AY! ¡YA! es un ejercicio sobre la mirada. Esa ilusión que se produce cuando la imagen que tenemos ante nosotros se transforma en otra, se multiplica o toma formas imposibles. Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/ay-ya-macarena-recuerda/. 

Macarena Recuerda Shepherd

30 y 31 de octubre en Teatro Victoria de Tenerife

La máquina de mirar era el nombre que recibían aquellos objetos del S. XIX que a través de espejos y obturadores creaban ilusiones. En la pieza ‘The Watching Machine’ “la máquina” es la propia caja escénica. En ella jugamos con la luz, las sombras y los reflejos para experimentar qué es ilusión, qué es representación y qué es convención teatral. Una pieza compuesta de pequeñas instalaciones donde se ficciona la luz y las sombras a través de ilusiones ópticas. Una pieza para todos los públicos.

Artículo de Anabella Pareja Robinson sobre la obra: http://www.tea-tron.com/mambo/blog/2021/09/15/porque-el-cielo-es-azul-me-hace-llorar/. 

Entradas y más información: https://elteatrovictoria.com/portfolio/the-watching-machine-macarena-recuerda-shepherd/. 

Del 22 de octubre al 27 de febrero en el MACBA

Artistas: Ana Domínguez, El Palomar (Mariokissme y R. Marcos Mota), Laia Estruch, Arash Fayez, Antoni Hervàs, Rasmus Nilausen, Nyamnyam (Ariadna Rodríguez e Iñaki Álvarez) con Pedro Pineda, Claudia Pagès, Aleix Plademunt, Marria Pratts, Estela Rahorla Matutes, Eulàlia Rovira, Ruta de Autor (Aymara Arreaza R. y Lorena Bou Linhares), Adrian Schindler, Rosa Tharrats, Gabriel Ventura y Marc Vives. 

Comisariado: Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa Luna) y Hiuwai Chu. 

Heiner Goebbels. De Materie. Fotografía: Wonge Bergmann.

8 de octubre en el Museo Reina Sofía

En esta edición inaugural de la Cátedra Teatralidades expandidas, la obra y las ideas del compositor y director Heiner Goebbels (Alemania, 1952) se ponen en diálogo con las propuestas de l+s creador+s María Jerez, Pablo Palacio y Silvia Zayas, para continuar el debate sobre las teatralidades expandidas en esta época de crisis del Antropoceno. Crisis que también podría ser contemplada como la de la insurgencia de la materia, siguiendo las ideas de Suely Rolnik.

Heiner Goebbels es uno de los creadores escénicos más importantes del panorama artístico contemporáneo cuya producción y escritos más se han dejado influir por la “agencia de la materia” —concepto referido a la materia como agente de acción—. Durante los últimos 30 años, Goebbels ha desafiado los límites y deconstruido las estrategias estéticas convencionales, aportando grandes novedades en el panorama de las artes escénicas y performativas. En su obra Ästhetik der Abwesenheit. Texte zum Theater [Estética de la ausencia. Textos sobre teatro, 2012], que reúne todos sus textos sobre teatro y sus obras musicales, propone la idea de un teatro “como cosa en sí”, un teatro en el que se desarrolla un “drama de los sentidos” o un “drama de los medios”. Esta idea dio lugar, anteriormente, a producciones como Stifters Dinge [Las cosas de Stifter, 2007] en la que Goebbels, inspirado por la intensa percepción del paisaje en la novela Granito de Adalbert Stifter, elabora un experimento escénico sin actores, en el que la maquinaria teatral y los elementos de la escena asumen el protagonismo; o When the Mountain Changed its Clothing [Cuando la montaña cambió sus vestiduras, 2012], trabajo inspirado en una canción popular de Resia, Da Da Pa Ćanynu, que refleja los cambios estacionales en la montaña de Kanin (Eslovenia). En su obra recopilatoria, Goebbels escribe: “Haciendo retroceder a las personas que actúan y minando de ese modo los automatismos antropocéntricos, [Stifter] nos fuerza, por medio por ejemplo de la descripción de catástrofes naturales, a dejarnos asombrar por las fuerzas que escapan a nuestro ámbito de influencia”.

Comisariada por el grupo de investigación-creación ARTEA, esta Cátedra analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social. El objetivo es incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida.

Esta edición de la Cátedra está vinculada al proyecto de investigación La nueva pérdida del centro. Prácticas críticas de las artes vivas y la arquitectura en el Antropoceno, desarrollado por ARTEA desde junio de 2020. Este proyecto se centra en el estudio de las teatralidades en el marco de las humanidades ambientales, un campo transdisciplinar que busca tender un puente entre las ciencias y las humanidades, asumiendo que lo humano es solo un agente más entre otros que configuran el ambiente. Anteriormente, la primera actividad pública vinculada a este proyecto de investigación fue el grupo de estudio Cuerpo, territorio y conflicto (Museo Reina Sofía, 2020-2021), coordinado por Fernando Quesada, integrante del colectivo ARTEA.

Del 10 de julio de 2020 al 7 de febrero de 2021 en el MACBA

Si la década de 1980 representó en Europa una vuelta al orden, a la reivindicación de cierta formalidad en el arte, a los formatos convencionales de la pintura y la escultura ampliamente aceptados por el mercado, la de 1990 retomó gran parte de las experiencias conceptuales de décadas anteriores. De esta manera, se recuperaron prácticas relacionadas con el cuerpo humano a las que conjuntamente denominamos arte de acción. En España adquirieron aún mayor relevancia, con iniciativas múltiples que han ejercido un inmenso impacto en el arte desde entonces hasta la actualidad. Ese arte de acción se expresó frecuentemente en forma de performances –que acostumbraban a circular en ámbitos muy restringidos, en festivales o encuentros‒ y su expresión más heterogénea, que se ha venido a denominar performatividad.

Es el momento de revisarlas en su conjunto y entender su gran importancia: no solo porque la historia de esos años está aún por escribir, sino porque un buen número de artistas jóvenes beben directamente de ellas, a menudo sin saberlo. También es una ocasión para un replanteamiento de la institución, analizando cada una de las tareas habituales del museo, desde el acto de comisariar hasta la forma de comunicar. La interacción con la audiencia vive una renovación fundamental: el rol del visitante pasa de observador a activador. Todo ello en el marco de una era –prefigurada en la biopolítica de Michel Foucault, en el deconstructivismo de Jacques Derrida o en el pragmatismo de John L. Austin‒ en la que el cuerpo humano se establece otra vez como el lugar por el que transitan un buen número de tensiones emocionales y se reclama la condición política del ser. Somos porque ocupamos un espacio, porque actuamos y somos reconocidos en él.

A través de distintos nodos, Acción recorrerá esta época rastreando algunas de sus obras fundamentales. Además, incluirá documentación y material audiovisual mayoritariamente inédito que recupera aquellas experiencias. El resultado es una exposición densa, con múltiples extensiones históricas y contemporáneas, que ayudará a interpretar de forma mucho más precisa el arte de nuestro tiempo.

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