Del 13 de enero al 22 de enero en Burgos
Programación completa: https://cultura.aytoburgos.es/documents/304588/0/Programa+ESCENA+ABIERTA+2023+%281%29.pdf/3bfbb8df-7207-db73-0b61-687394325d86?t=1671633851416.
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acció fotogràfica popular
19 y 20 de noviembre en Teatros del Canal
Con Societat Doctor Alonso nunca puede darse nada por sentado; anti-apriorísticos ellos, alérgicos a la convención establecida, valga la redundancia, el espacio-tiempo en puro presente que construyen en cada nuevo proyecto es una isla poética que, sin embargo, contribuye a ensanchar indefinidamente el concepto de lo teatral. En esta ocasión, el grupo catalán que comandan Tomàs Aragay y Sofía Asencio presenta una pieza sin palabras a partir del neologismo que le da título: hammamturgia. De un lado, el dispositivo que comúnmente asociamos a la herencia árabe u otomana, que nos ha legado una arquitectura para la sociabilidad, el placer y la higiene. De otro, la dramaturgia, o la habilidad de coser una historia en el tiempo a partir del encuentro entre fuerzas cuya fricción genera un movimiento transformador hacia adelante.
Según la compañía, la hammamturgia vendría a ser como lo otro de la dramaturgia. “Aunque sus orígenes son distintos -explican-, entre el hammam y el drama existe un nexo, una relación significativa. Si en el drama la obra se produce ‘por alguien’, en el hammam es el calor el que produce la obra. La hammamturgia remite a una relación con las condiciones atmosféricas que producen la transformación de la forma-obra”. El calor mueve las partículas de un cuerpo a mayor velocidad y en ese movimiento, el cuerpo ocupa más espacio. La hammamturgia no tiene autor, entendido a la manera dramatúrgica, sino que se vincula con el ‘suceder’, con aquello que pasa, aquello que opera el cambio. Hay un fuego, un calor, que nos concentra a su alrededor hasta estar en su mismo centro. Por eso, como público, en esta propuesta habitamos el mismo espacio que la acción, estamos más dentro que fuera o directamente somos la acción, quién sabe. Hammamturgia genera y capta el flujo de los cuerpos y las cosas en el espacio, una sucesión que no explica nada, sino que propone y activa transformaciones, una obra coreográfica en definitiva, que trabaja con el espacio y el tiempo.
Dicho todo esto, no hay que tomar lo del hammam por lo literal, no hay que llevar el bañador ni se nos empañarán las gafas con los vapores. El público accede descalzo a un gran cubo blanco y cada cual elegirá su lugar en el espacio. Hay cuatro aberturas en cada uno de los lados del cubo por las que entran y salen también las cuatro performers que ejecutan las acciones, dando vida a láminas de plástico de distintos tamaños, colores y texturas con las que hacen palpable las metamorfosis de la materia sometida al movimiento. “La fuerza de la propuesta -relataba una crónica tras su estreno en marzo en el teatro Le Grutli de Ginebra (coproductor da la pieza)- reside en el carácter eminentemente inorgánico de la sustancia elegida para reflejar lo humano (…) Un grupo de artistas irreverentes agota los recursos metafóricos de un material derivado de los tan odiosos combustibles fósiles”. Cuerpos y cosas en el espacio en un flujo interminable, un suceder que no cuenta nada, sino que propone y acciona transformaciones de esos cuerpos, de esas cosas y de ese espacio. La propia Sofía Asencio, junto a la artista plástica Beatriz Lobo, el bailarín y creador coreano Kim Kidows y Ana Cortés (con el concurso de Serrucho y CUBE.SZ en la concepción del espacio y la iluminación), son las encargadas de avivar el fuego para acometer la mutación y generar la tensión entre la transformación y la pulsión humana de fijar en imágenes lo que sucede. Humor, paradoja, belleza y poesía inesperada, abluciones en el devenir siempre cambiante de un río que, siendo el mismo, nunca propone un baño igual.
Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2022/hammamturgia.html
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Sofía Montenegro – Del 27.10 al 30.12 en Can Felipa
La pràctica artística de Sofia se centra a investigar maneres de produir imatges en el pensament, incorporant diverses metodologies que vinculen allò visual amb allò sonor i l’acció en un espai. A ‘Ya ha salido el sol’ revela una mirada contemplativa de la sala de Can Felipa entrellaçant diverses capes de so, contorns i llums. La mostra registra l’interstici que té lloc entre el crepuscle i la penombra.
*Hora recomanada de visita: abans de les 18.00 h
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Del 20 de octubre al 26 de febrero en el MACBA
María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito es la primera exposición dedicada a la práctica de María Teresa Hincapié (1954–2008), artista colombiana especializada en lo que podríamos llamar «la poética de lo doméstico» en la performance, transformando acciones rutinarias en actos simbólicos para crear así una metodología en su práctica. María Teresa Hincapié tenía una definición particular de lo performativo, que ella solía llamar «entrenamiento». Lejos de cualquier categorización específica, su práctica oscilaba entre vida, creación en movimiento y una búsqueda de lo místico.
La exposición revela la importancia de la comprensión de María Teresa Hincapié sobre la creación artística donde lo efímero y la mutabilidad son necesarios para una «búsqueda de lo sagrado». Utilizando el potencial del afecto como mecanismo de interacción con la artista fallecida, la muestra reivindica la interacción colectiva como productora de conocimiento y vehículo imperativo de transmisión.
En 1990 María Teresa Hincapié (1954-2008) recibió el Primer Premio en el XXXIII Salón Nacional de Artistas Plásticos de Colombia por su performance de larga duración Una cosa es una cosa; era la primera vez que se otorgaba este premio a una obra efímera, no objetual y a una mujer. La acción consistió en colocar todas las cosas que la artista poseía en su casa en el espacio expositivo; a lo largo de varias semanas y durante ocho horas diarias continuas, se dedicó a crear una danza con su cuerpo mientras reorganizaba los diferentes elementos según criterios cambiantes. Recibió nuevamente esta distinción en 1996 con Divina Proporción, obra performativa en la que permaneció varios días viviendo en el espacio expositivo mientras caminaba muy lentamente y sembraba y regaba la hierba y la tierra sobre el suelo de hormigón.
Hincapié nació en Armenia, Colombia, y murió a los 54 años tras una larga enfermedad. Se convirtió en una figura clave en el desarrollo de la performance durante las décadas de 1980 y 1990 y fue una voz reflexiva que exploró las prácticas corporales. Inicialmente formada en teatro como miembro del grupo Acto Latino e influenciada por las ideas de Jerzy Grotowski (1933-1999) y el horizonte experimental que este director de teatro polaco había abierto en torno al concepto de «teatro pobre», así como por las exploraciones de Eugenio Barba, Hincapié se interesó por una dramaturgia limpia y simple. A mediados de los ochenta, su práctica viró definitivamente hacia una mayor indagación de lo performativo, marcando un momento seminal en la génesis de las prácticas artísticas contemporáneas en Colombia. La exploración de la vida cotidiana y la transformación de acciones rutinarias en actos simbólicos crearon una metodología para su práctica. El arte se convirtió en la guía de su existencia, no solo proporcionando un marco para su creatividad sino también influyendo en su ética y comprensión de la política. En 1995 inició su ambicioso proyecto Hacia lo sagrado con una caminata desde Bogotá hasta San Agustín, en un viaje que duró veintiún días, durante los cuales combinó la experiencia de conocimiento sobre el país, su supervivencia y acciones rituales con un pensamiento místico que, a partir de ese momento, se convirtió en el núcleo fundamental de su poética.
Se plantean múltiples interrogantes cuando se intenta exponer la obra de María Teresa Hincapié en un museo con el propósito de dar a conocer la trascendencia de su práctica, y a la vista de una nueva concepción del cuerpo y su contexto en el ámbito de la performance. ¿Cómo visibilizarlo con documentos de archivo, fotografías, vídeos u obras sobre papel? Al querer incluir la fisicidad, el gesto, la quietud, el silencio, el movimiento y la presencia que emana de su obra, evitando al mismo tiempo un re-enactment –al que ella era completamente contraria–, la propuesta para la exposición María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito en el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) y el MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, pasa por combinar nuevas voces inspiradas en la práctica de Hincapié.
Por lo tanto, en esta primera exposición dedicada al trabajo de la artista se presentará una vasta selección de sus obras: material de archivo procedente de performances, fotos, vídeos, documentación escrita, diapositivas, testimonios visuales, etc. También se incluirán las obras realizadas por José Alejandro Restrepo para ser interpretadas por Hincapié, así como tres proyectos encargados específicamente para la exposición que abren un imprescindible debate sobre el movimiento, los cuerpos y el legado cognitivo de una práctica en sí abocada a la transformación. Los artistas y colectivos invitados a desarrollar una nueva obra que dialogue con el lenguaje performativo de María Teresa Hincapié son: María José Arjona (Colombia), Coco Fusco (Estados Unidos) y Mapa Teatro (Colombia), cuya praxis está íntimamente vinculada a la de la artista. Con el objetivo de establecer el potencial de afecto como mecanismo para interactuar con la artista fallecida, la intención subyacente sería reproducir una actitud que Hincapié secundó durante su vida y carrera artística y que está asociada a la idea de compartir y de crear comunidad. A finales de los noventa, adquirió unas tierras (La Fruta) en la Sierra Nevada de Santa Marta donde creó una residencia de artistas que llamó Aldea-escuela, un proyecto que mantuvo vivo hasta sus últimos días. Hincapié estaba convencida de que vivir en colectividad era un modo de producir conocimiento y un vehículo imperativo para la transmisión del mismo.
Más información y actividades relacionadas: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/exposiciones/maria-teresa-hincapie-si-este-fuera-principio-infinito.
Cris Balboa – 21 de octubre en Praza do rei (Vigo)
Technocracia trata a festa como lugar de comuñón, como mecanismo de reprogramación mental, de ruptura co cotiá, de hedonismo físico e emocional, e tamén como unha metodoloxía de creación a partir do corpo en movemento e a masa, onde expandir a nosa experiencia escénica ao incluír ao público como parte esencial da peza a través das accións que se xeren.
Trátase de deixar de crear ficcións para deixarnos crear polos feitos intentando preservar a nosa calor interna, a nosa frescura e bondade humana contra a tiranía da orde.
Victoria Aime/El Temblor – 27 de spetiembre en Teatro Pradillo
En algún rincón del Universo, la Pastora Intergaláctica encuentra el Voyager Golden Récord, lo escucha y decide visitar la Tierra. Después de aterrizar en la Rosaleda del Parque del Oeste de Madrid, se dirige hacia el norte. En una escala en Gante, entra en la catedral San Bavón para ver el retablo del Cordero místico. La Pastora se queda pasmada. Se acaba de enamorar sin remedio de aquel Cordero. Camina hacia él, entra en la pintura. La música y el canto de los ángeles acompañan su marcha. La Pastora besa el Cordero.
HET LAM GODS. Primera parte: La Pastora. ‘Idilio’ es un drama pastoril de ciencia ficción, una historia de amor interespecie que se presenta bajo la apariencia de un retablo en movimiento liberado de la materia y sus dimensiones espaciales.
Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/het-lam-gods-primera-parte-la-pastora-idilio/.
EL TEMBLOR somos Victoria Aime y Borja López. Deseamos crear ficciones arraigadas en el conocimiento humano, en la ciencia y la filosofía pero también en la pintura y la música, tratando de proponer objetos de contemplación y reflexión. Trabajamos en espacios teatrales y no convencionales desde la composición coreográfica y la escritura. Hasta la hora, hemos creado El título es Amor (2018), contando con el apoyo de la sala Baratza-Aretoa (Vitoria-Gasteiz) estrenado en DT Espacio Escénico, Madrid. Victoria Aime desarrolla actualmente el ciclo HET LAM GODS.
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Júlia Barbany – 27 de abril a las 19:00 en Arts Santa Mònica
Conferencia escénica.
«Yo, apasionada de los cómicos distópico-futuristas y de las narrativas apocalípticas de Isaac Asimov, desde muy pequeña desarrollé una gran fascinación por el fin del mundo. “Si algún día me muero, me gustaría que fuera el fin del mundo, todos juntos, viendo el espectáculo, despreocupados por el después, porque no habrá después… ¡Si muero en el apocalipsis seré muy importante!”, decía en la cocina de mi casa mientras cortaba judías con mi madre.»
¿Es ser la generación del fin del mundo una garantía de trascendencia histórica a la que no estamos dispuestos a renunciar?
Júlia Barbany es una performer de escena híbrida que basa su trabajo en el humor y los límites de la representación escénica y plástica. Componente del Col·lectiu Las Huecas, ha colaborado en varios proyectos como actriz y actualmente trabaja en su segunda pieza de larga duración y en solitario como artista residente en el Graner, centro de creación de danza y artes vivas.
Más información: web de Arts Santa Mònica | artículo de Rubén Ramos Nogueira sobre la pieza
De Macarena Recuerda Shepherd con Sofía Asencio – 26 y 27 de marzo en Réplika Teatro
¡AY! ¡YA! es una ilusión que nos lleva a percibir la realidad de diferentes formas sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño del sentido de la vista. Un efecto que pone de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos.
¡AY! ¡YA! es un ejercicio sobre la mirada. Esa ilusión que se produce cuando la imagen que tenemos ante nosotros se transforma en otra, se multiplica o toma formas imposibles. Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.
Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/ay-ya-macarena-recuerda/.
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Macarena Recuerda Shepherd
30 y 31 de octubre en Teatro Victoria de Tenerife
La máquina de mirar era el nombre que recibían aquellos objetos del S. XIX que a través de espejos y obturadores creaban ilusiones. En la pieza ‘The Watching Machine’ “la máquina” es la propia caja escénica. En ella jugamos con la luz, las sombras y los reflejos para experimentar qué es ilusión, qué es representación y qué es convención teatral. Una pieza compuesta de pequeñas instalaciones donde se ficciona la luz y las sombras a través de ilusiones ópticas. Una pieza para todos los públicos.
Artículo de Anabella Pareja Robinson sobre la obra: http://www.tea-tron.com/mambo/blog/2021/09/15/porque-el-cielo-es-azul-me-hace-llorar/.
Entradas y más información: https://elteatrovictoria.com/portfolio/the-watching-machine-macarena-recuerda-shepherd/.
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Del 22 de octubre al 27 de febrero en el MACBA
Apuntes para un incendio de los ojos es la primera exposición de Panorama, una nueva serie de proyectos transdisciplinarios que explora las estéticas y las prácticas artísticas en Barcelona y alrededores. Como sugiere ese «apuntes» del título, esta muestra colectiva pretende tomar nota, revelar y conectar sin ser en absoluto concluyente.
Apuntes para un incendio de los ojos reúne un grupo de obras encargadas a propósito y de producciones recientes que se exhiben en Barcelona por primera vez. Abarca un amplio abanico de disciplinas, entre ellas, la pintura, la escultura, el trabajo con papel, la videoinstalación, la performance, la fotografía y el textil, y la impulsa el deseo de defender y verificar la realización de exposiciones in situ como experiencias que envuelven nuestro cuerpo como a un todo sensible en el espacio.
El título, procedente de un poemario escrito por Gabriel Ventura en 2020, evoca una potente metáfora que nos lleva a cuestionar la dominancia de la visión, y nos alienta a explorar una definición expandida del ver que implique al resto de nuestros sentidos y origine nuevos modos de navegar el mundo, de recordar y de producir conocimiento.
Las obras de la exposición entretejen ciertas inquietudes y motivos surgidos de las visitas de estudio y de las conversaciones de los curadores con la comunidad artística. Entre ellos, la imagen que la ciudad tiene de sí misma, los conceptos de reparación y pertenencia, la disidencia de género y nuestra relación con la vida no humana.
La mirada circular cobra vida propia en la imaginación de la exposición, encarnada en unos proyectos que exploran teatro o performances, la relación espacial entre escenario y público y el bucle como narrativa. Unas perspectivas y escalas que engloban también las conexiones establecidas por el museo con su vecindario y viceversa, en una época en que quizá todos nos estemos preguntando por nuestro lugar en el mundo y lo veamos con nuevos ojos.
Artistas: Ana Domínguez, El Palomar (Mariokissme y R. Marcos Mota), Laia Estruch, Arash Fayez, Antoni Hervàs, Rasmus Nilausen, Nyamnyam (Ariadna Rodríguez e Iñaki Álvarez) con Pedro Pineda, Claudia Pagès, Aleix Plademunt, Marria Pratts, Estela Rahorla Matutes, Eulàlia Rovira, Ruta de Autor (Aymara Arreaza R. y Lorena Bou Linhares), Adrian Schindler, Rosa Tharrats, Gabriel Ventura y Marc Vives.
Comisariado: Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa Luna) y Hiuwai Chu.
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