— MuroTRON

8 y 9 de febrero 

Microóperas de hoy es una propuesta escénica innovadora que une tres instituciones culturales clave de Barcelona: el CCCB, el MACBA y el Gran Teatre del Liceu. Este proyecto reúne a artistas de diferentes disciplinas para ofrecer una nueva visión de la ópera tradicional, repensándola desde una perspectiva contemporánea.

A partir de la inquietud compartida sobre la crisis climática, las comunicaciones interespecies y la acústica de la naturaleza, se presenta un itinerario de reflexión artística vertebrado por los sonidos, la palabra y la imagen. Cada institución acoge una ópera multidisciplinar de nueva creación, de entre 15 y 20 minutos de duración, para ofrecer al público un recorrido único que plantee nuevas visiones y cuestiones sobre aspectos que nos interpelan y nos afectan.

Con un enfoque especialmente concebido para potenciar a jóvenes artistas de disciplinas visuales, escénicas y literarias, Microóperas de hoy reflexiona sobre el género lírico explorando la relación entre música, nuevas tecnologías y nuevas dramaturgias.

PROGRAMA

Primer acto:

El cielo no se guardará el secreto

Localización:
Teatro CCCB

Créditos:
Libretista: Pol Guasch
Compositora: Clara Aguilar
Artista: Silvia Delagneau

Horarios:
Sábado: 17:00 h, 17:20 h, 18:30 h i 18:50 h
Domingo: 11:00 h, 11:20 h, 12:30 h, 12:50 h, 17:00 h, 17:20 h, 18:30 h y 18:50 h

Segundo acto:
Aura

Localización:
Capella MACBA

Créditos:
Libretista: Gabriel Ventura
Compositora: Marina Herlop
Artista: Rosa Tharrats
Directores de escena: Gabriel Ventura, Rosa Tharrats

Horarios:
Sábado: 18:00 h y 19:30 h
Domingo: 12:00 h, 13:30 h, 18:00 h y 19:30 h

Tercer acto:
Desheredarás la tierra

Localización:
Sala Foyer del Liceu

Créditos:
Libretista: Miriam Cano
Compositor: Fabià Santcovsky
Artista: Carlos Bunga
Directora de escena: Carla Tovias

Horarios:
Sábado: 19:00 h y 20:30 h
Domingo: 13:00 h, 14:30 h, 19:00 h y 20:35 h

Más información y entradas.

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Del 23 al 26 de enero el la Fundació Joan Brossa

EXORCISMES, PATRIMONI I PERFORMATIVITAT és un projecte transversal del Centre de les Arts Lliures. Amb aquesta aposta treballem des de la indisciplina i sense jerarquies entre diferents arts per posar a disposició de la creació contemporània el patrimoni material i immaterial de Joan Brossa. D’aquesta manera, s’incentiva una manera de fer brossiana: el gest i l’actitud radical vers la creació artística.

Els artistes convidats tenen el repte de fer una lectura pròpia de Brossa, que poden prendre lliurament, a través de l’escenificació, la performance o l’acció. Els artistes, que provenen de l’escena, les arts visuals, l’art sonor o la poesia experimental, es troben en diversos punts de la seva trajectòria i dibuixen un ampli ventall d’imaginaris i repercussió ben diferents per a un públic que vulgui deixar-se portar per allò fascinant i, potser, fins i tot irreverent.

D’aquesta manera volem extreure allò inamovible, allò que conserva i que converteix en museu fix de l’obra de Brossa per donar-li vida de nou. I és en aquesta direcció que, més enllà del llegat del poeta, des del Centre de les Arts Lliures volem fer una reflexió més àmplia sobre el que considerem patrimoni i la manera i com el tractem culturalment. En definitiva: el que proposem és, des de les arts vives, despetrificar el nostre llegat.

Des del 23 fins al 26 de gener, i en especial per la seva intensitat el cap de setmana 25-26, tot el Centre de les Arts Lliures es converteix en un espai inesperat on tot és possible i on la ironia i el gest Brossa transformaran la percepció que tenim del llegat i del propi poeta. També formen part del programa EXORCISMES, PATRIMONI PERFORMATIVITAT les propostes de Marta Pazos (que sota el títol Astral es va poder veure a principis del mes de novembre a la Brossa), i la que oferirà el mes de juny Raül Refree.

PROGRAMACIÓ:

QUI DIU FOC, DIU FLAMA | Juana Dolores
Sobre l’apropiació, la instrumentalització i la desarticulació política que exerceix la burgesia envers la figura de Joan Brossa i la seva obra artística. A partir dels poemes visuals Elegia al Che (1967) i Oda a Marx (1983), el poema La gent no s’adona del poder que té (1970), el llibre de sonets Qui diu foc, diu flama (1978 – 1984), entre d’altres.

HAS VIST L’OMBRA QUE ACABA DE PASSAR PEL FONS DE L’ESCENARI? | Los Detectives
Qui ha vist l’ombra que acaba de passar pel fons de l’escenari? Era una ombra o una altra cosa? No us resultava familiar la seva figura? Performance itinerant que explora el present amb el llegat de l’artista.

AAAARRGGGHH!! | Alba Rihe
Mitjançant un ordinador que activa sons, grava i loopeja l’instant, Alba Rihe presenta un concert performatic coral influenciat per l’imaginari de Brossa.

PIERROT LE FIU
Júlia Barbany i Núria Corominas
A través de la figura clàssica del Pierrot, pallasso naïf i melancòlic, Júlia Barbany i Núria Corominas uneixen imaginaris per tal d’expandir els seus temes preferits; la depressió i el ridícul, per mitjà d’una estètica kitsch i d’una ètica drag.

OINT. GERUNDI DEL VERB OIR | Guillem Llotje
Aquesta proposta parla de “dubtes de coneixement”, “viatges a l’escepticisme”, desorganitzacions de llenguatge i del sistema de disciplines, canvis en les regles de joc que ens permeten portar allò que no es pot expressar al nostre llenguatge.

LA POESIA ÉS PELS VIUS | Oriol Sauleda
Clamen que la poesia és pels vius i esperen que si estan tota la nit en estat de concentració, fent música i llegint obra seva, desactiven el còrtex prefrontal per entrar en un estat hipnagògic i envien ectoplasma perquè Joan Brossa aparegui i se’l pugui percebre.

DOS I LA SOLFA SI RE | Maria Sevilla i Eloi el Bon Noi
Joan Brossa, il·lusionista de la paraula, coneixia prou bé la funció social de l’art, i és des d’aquí que Maria Sevilla Paris i el músic i Eloi el Bon Noi el convocaran: des de la sextina com a artefacte sonor, i des de l’artefacte com a mecanisme de contrapoder.

CANTAUTOT, THE BEAST OF JAUJEJE*****SUITE NUM.01 | Jaume Clotet
Un concert mutant que vibra entre el pop, l’humor i l’imprevist, on es barreja pop, humor, playback buit, covers impossibles i karaokes desconcertants. Tot activat per un centaure inquiet que combina sons, objectes i bromes com un escultor de l’imprevist.

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Elena Córdoba – 6 y 7 de febrero en Conde Duque 

Entre 1635 y 1645, según la datación del Museo del Prado, Velázquez retrató a Francisco Lezcano en un cuadro conocido hoy como El Niño de Vallecas. La presencia de bufones y personas con discapacidad era habitual en la corte española a partir del siglo XVI para el entretenimiento de un estamento social que acumulaba todos los privilegios y tenía claro que aquellas personas estaban en el mundo para eso, para entretenerlos. Velázquez retrató a varias de ellas y el tiempo las ha convertido en imágenes que han ido enfrentando a los espectadores con la concepción propia de cada tiempo de la dignidad humana. En el retrato de Lezcano, el pintor nos confronta con la realidad física y psíquica del personaje, colocándolo en primer plano y poniendo el foco lumínico en su rostro y en sus manos. Los poetas León Felipe o Vicente Aleixandre reflexionaron sobre esta figura. Y a partir de su estudio, María Zambrano escribió El Idiota.

Se trata de un pequeño gran ensayo en el que la pensadora malagueña parte del cuadro de Velázquez para entregar un análisis de la figura del idiota, para lo que recurre a su clásica distinción entre razón poética y razón filosófica. Allí escribió que “si alguien se encuentra al idiota a la salida del laberinto, no puede menos que quedarse sorprendido de su sonrisa: una extraña sonrisa que se escapa de todo su rostro blando y luminoso; una sonrisa a punto de desprenderse para irse por su cuenta y de convertirse en algo así como una paloma”. Zambrano describe a partir de El Niño de Vallecas la figura del idiota, un modelo de desposesión y alegría que vive en un acuerdo estrecho con la realidad.

Cautivada por este trasunto mundano e intelectual que va de la existencia de estas personas retratadas por Velázquez en la corte hasta el homenaje de Zambrano, Elena Córdoba presenta una aproximación propia a estos materiales en una pieza en la que actúa junto a Clara Pampyn y donde Luz Prado se encarga de la creación e interpretación en directo de la música. Al diseño del espacio escénico y las luces, su inseparable compañero de fatigas, el maestro Carlos Marquerie. Con estos mimbres, Elena Córdoba le dedica la obra a ese idiota, que “deshace con su mirada cada una de las categorías sobre las que construimos nuestra identidad y nuestra idea de felicidad. Queremos habitar ese cuerpo que no conoce la línea recta, que va como bailando de acá para allá, ese cuerpo que no posee, ni siquiera, el espacio que ocupa, ese cuerpo que parece que cayó de la luna”.

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El Manisero/Vicente Colomar – 15 de febrero en el Teatro del Barrio 

ISABEL es un cabaret electrónico literario, pero también es el show de un crooner filosófico, una sesión de electrónica para bailar, un concierto, un musical futurista, o una pieza performática audiovisual. No es una búsqueda sino una huida, porque no persigue un encuentro sino una pérdida. El viajero que protagoniza esta epopeya ya no quiere el saber sino el olvido. Para él el viaje es lo único que tiene sentido, permanecer en el aire el mayor tiempo posible, no llegar nunca a ningún lugar, sólo volar. Cuanto más vuelas menos eres, cuanto más tiempo permaneces en el aire menos tienes que ser tú. Sólo cuando se pisa tierra, cuando se llega a algún lugar, cuando se aterriza, es cuando uno tiene que explicarse, que expresarse, que relacionarse, que ser.

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Ficha artística

Autoría: El Manisero/Vicente Colomar.
Dirección: El Manisero/Vicente Colomar.
Elenco: Vicente Colomar y Oscar G Villegas.
Dirección de producción: El Manisero.
Producción ejecutiva: Melanie Pindado.
Iluminación: Oscar G Villegas.
Diseño de Sonido: Oscar Villegas.
Vídeo creaciones: Alfonso Pazós y El Manisero.
Vídeo e imagen comunicativa: Alfonso Pazos.
Ojo externo y acompañamiento: Ricardo Santana.

Web: www.elmaniserovicentecolomar.es

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Festival d’arts vives a comarques gironines

1 de febrer, 23 de març, 11 d’abril, 30 i 31 de maig / 2025
Olot · Mieres · Porqueres · Banyoles · Girona · Lloret de Mar · Celrà · La Jonquera · Pontós · Figueres

Això al poble no li agradarà, vol convertir-se en un punt de trobada entre públics i creació contemporània. Un espai capaç de generar noves formes de relació entre els espectadors i espectadores i aquelles pràctiques artístiques contemporànies que dialoguen amb el context. El festival proposa un desplaçament del pol cultural, un exercici de reterritorialització que posa en valor la creació híbrida connectant artistes, espais i públics.

Teatre Municipal de Girona
01/02/25

Programació doble que inicia l’itinerari d”Això al poble no li agradarà’ a l’hivern. Us convidem a una jornada festiva on us explicarem què, qui i com serà el festival d’aquest 2025, gaudint d’una peça i un concert que marquen l’identitat del festival. ‘Això al poble no li agradarà’ s’activarà durant quatre mesos als municipis que en formen part, per acabar desenvocant al festival del 30 i 31 de maig.
Save the date!

PEQUEÑO CÚMULO DE ABISMOS

Cristina Blanco
DS. 01/02/25 – 19 H

La comèdia surrealista, l’autobiografia, la paròdia i la ciència-ficció es donen la mà en aquest homenatge, amb consciència de classe, a la imaginació i al teatre, dirigit per Cris Blanco

És el mateix un forat negre que un forat de cuc? Es tracta de la mateixa diferència que hi ha entre el brogit d’un càntir i la boca d’un porró? Què hi ha dins dels forats negres? Què hi ha darrere de la paret del teatre? És la nostra infància aquest lloc feliç al qual voldríem tornar? Arribarem vives a fer els 80? Serà possible tenir als 80 algun tipus de privilegi si no en vam tenir als anys 80? Com sap una persona que no té privilegis? L’accés a la cultura és un privilegi? Hi ha res que no sigui diferent del que ens van fer creure als 80? Són les preguntes petits actes revolucionaris? Són aquests actes revolucionaris suficients per generar un petit cúmul d’abismes?

BLUE SCREEN

B1n0
DS. 01/02/25 – 21 H

B1n0 fa un pas més en la seva particular aventura i crea una nova veu, desdibuixant les fronteres entre la màquina i la veu humana.

La proposta de b1n0 s’estructura des de la falta d’un cantant fixe i es vesteix a través de les mil i una possibilitats que se’n deriven.
Fins ara el duet ha utilitzat el format “featuring” per a vestir aquells temes que han requerit de veu. A Blue screen, el seu segon disc, b1n0 fa un pas més. Juntament amb Voctro Labs han creat un nou cantant, una nova veu, a partir de la fusió dels cantants del seu primer disc (‘b1n0’2019). Una veu nova, per acompanyar la totalitat d’aquest nou àlbum. Utilitzant els recursos que ofereix aquest software, b1n0 pretenen desdibuixar les fronteres entre la màquina i la veu humana.

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Del 30 de enero al 2 de febrero en el Mercat de les Flors

El trabajo de Søren Evinson se mueve en la intersección entre la performance, el teatro y la danza. A través del cuerpo, del texto y del espacio genera situaciones que especulan con diferentes estructuras de poder, velando los discursos hasta que ya no se pueden rastrear. Combina materiales coreográficos con la palabra y el canto para crear piezas directas y delirantes en una relación provocativa con el público. Ha presentado sus trabajos internacionalmente en festivales de danza, de teatro y de performance, galerías de arte, edificios abandonados y plaza públicas. Su primera pieza en solitario, A Nation is Born in Me, se presentó en L’Antic Teatre dentro del festival Grec 2019.

Pack Søren Evinson – Consíguelo aquí.

Espectacle Vanity Poverty Revenge

Vanity Poverty Revenge – 30 y 31 de enero y 2 de febrero

Espectacle Just Desire

Just Desire – 1 y 2 de febrero

Espectacle A Nation is Born in Me

A Nation is Born in Me – 1 y 2 de febrero

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El Conde de Torrefiel – Del 23 al 26 de enero en Conde Duque 

El trabajo de El Conde de Torrefiel demuestra algo que parece obvio pero que conviene seguir apuntando. El artista genuino se hace encadenando una conversación con el tiempo a base de obras que se relacionan íntimamente, la nueva con la anterior, que será precedente de otro eslabón. Y es una suerte y una obligación acompañar como institución ese camino y gracias a esa relación de cuidado y confianza establecida, podemos dar al público madrileño el privilegio de seguir la evolución de Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, creadores al frente de esta compañía. En Una imagen interior, su pieza anterior, se metieron a vueltas con el concepto de Realidad, desplegando una serie de cuerpos, materiales y palabras en escena que apelaban a la imaginación del espectador. Cuando se habla de Realidad, se habla de ficción, y si hablamos de imaginación, hablamos de imágenes. Y las imágenes están al principio del proceso que lleva a La luz de un lago. La profusa maraña de imágenes que nos envuelve, hasta volvernos ciegos.

La luz de un lago es un viaje abismal que lleva al espectador a explorar las complejidades de la percepción visual y la búsqueda de claridad en un mundo ahogado de imágenes -explican Tanya y Pablo. La trama gira en torno a la realización de una película del mismo nombre, siguiendo las historias entrelazadas de una niña, un mendigo y una bailarina, quienes se enfrentan a la pérdida gradual de la visión”. Con una concepción muy plástica y el uso de materiales orgánicos -también por el concurso en la creación de la pieza de La cuarta piel, colectivo alicantino conformado por arquitectxs, escritorxs, ceramistas, joyerxs y artistas que se define como comunidad de prácticas que vincula procesos participativos al cuidado del entorno-, la puesta en escena desafía los límites del lenguaje y de las convenciones teatrales. La obra utiliza la ceguera como metáfora del colapso provocado por los espejismos, los trampantojos y las alucinaciones que emanan de ver demasiado. Texto proyectado, como de costumbre, voces en off y un trabajo concienzudo con el sonido, son algunos componentes usados para abordar la construcción de una poderosa imagen invocada pero difícil de alcanzar en un mundo lleno de desenfoques.

“Como es habitual en las propuestas de El Conde de Torrefiel -reconocen sus integrantes-, la visión y la escucha entran en discordia, en una oscilación turbulenta donde se abre una grieta en el significado, y que da paso a la posibilidad de un lugar para la imaginación del espectador: la única imagen posible en escena”.

Más información y entradas.

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Ona Bros – 22 de enero en Arts Santa Mònica 

Entre una conferència performativa i una experiència somàtica, Ona Bros presenta Ge-B-Re, on posa en relació camps diversos com les biociències modernes, les tecnologies del fred o els diaris personals. Ge-B-Re beu de la seva recerca entorn les narratives de la genètica en el marc de les bioeconomies globals cryotecnològiques en un món que s’està fonent.

La proposta que es presenta vol ser un abordatge a les bastides tecno-epistèmiques que sostenen una certa noció d’objectivitat i de predictibilitat en relació a les corporalitats, un exercici de resignificacions tèrmiques d’allò que entenem per vida i mort dels organismes vinculats.

Más información. Entrada libre hasta completar aforo.

Ona Bros: Artista/investigadora. Llicenciada en Història de l’Art (UB), Màster en Producció i Investigació Artística, Facultat de Belles Arts (UB) i graduada en Fotografia pel Centre de la Imatge i la Tecnologia Multimèdia (UPC). La seva praxis es centra en l’atenció política a les imatges com a catalitzadores de complexos semiòtic-tècnic-materials. Els seus projectes són encossats i situats. Treballa en una nodrida xarxa de col·laboracions i ressonàncies col·lectives. Des de 2021 es pregunta sobre les continuïtats i discontinuïtats que les tecnociències modernes patriarco-colonials suposen per a l’àmbit de la genètica i els mercats reproductius, per a detectar potències afirmatives des del projecte BetaBlastoCuir.  Actualment està iniciant la recerca CRYO. Treballa en fotografia, video, text i arts en viu.

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23 y 24 de enero en el Xcèntric del CCCB

Este segundo encuentro sobre archivos cinematográficos relaciona el «cine de vanguardia» –el que mejor incluyó las diferentes disidencias históricas– con la permanente redefinición del pensamiento queer. Requisadas por las aduanas o destruidas en los laboratorios, la recuperación archivística de estas películas íntimas y subversivas, frecuentemente sometidas a la clandestinidad, conlleva tanto una singular preservación de la memoria personal y colectiva como la constante responsabilidad de reescribir la historia del cine.

Jueves 23 de enero:

10:30 h Bienvenida y presentación del programa, Gloria Vilches (Xcèntric)

11:00 h Queer: algunos problemas de la historia LGBTQI+. Antoine Idier (sociólogo e historiador)

Queer parece una palabra familiar, pero la noción sigue siendo ambigua: según quién la utilice y en qué contexto, su significado no es el mismo. El término forma parte de una larga tradición entre las minorías sexuales que consiste en cuestionar las palabras para nombrarse y pensarse a sí mismas, para conceptualizar su existencia. El término queer reflexiona sobre las identidades y subjetividades, la pluralidad de pertenencias, la dominación y la invisibilidad de las políticas de las minorías. Como todo concepto, aunque permite formular nuevos problemas, deja otros de lado. Esta charla retoma algunos de estos problemas, vinculados a la relación con el pasado y la escritura de la historia. Releer la historia desde una perspectiva queer plantea una serie de dificultades conceptuales, como la cohabitación de permanencia y discontinuidad, la atención a las diferentes experiencias de género y sexualidad y la necesidad de mantener abierta la interpretación.

12:30 h Archivo y contrarchivo queer: activismo, materia y memoria. Juan Antonio Suárez (investigador y profesor, miembro del proyecto Perverse Collections: Building Europe’s Queer and Trans Archives)

Esta intervención surge del trabajo en curso del proyecto de investigación Perverse Collections, que explora la historia y las políticas de los archivos queer y trans en Europa. La intervención abordará el material fílmico presente en distintos tipos de archivos queer, tanto en archivos activistas, directamente vinculados a la militancia queer y trans, como otros tipos de archivo que, sin estar vinculados al activismo, recogen la memoria colectiva de las sexualidades heterodoxas, como es el caso de las colecciones personales, los fondos de filmotecas y los archivos de artistas. La intervención incidirá particularmente en los llamados contrarchivos —archivos heterodoxos, personales, no (o anti-) institucionales— y en las posibilidades —y problemas— que estos ofrecen para la gestión y transmisión de la memoria, así como para la redefinición de lo queer como identidad en proceso.

17:30 h Nueva York (ca. 1966). El cine queer antes y después de Warhol (a. W./d. W.). Francisco Algarín Navarro (programador y editor)

En el verano de 1963 Andy Warhol comenzó a hacer películas abordando directamente la orientación y la identidad sexual. Este punto de inflexión dejó atrás varias décadas de subterfugios y veladuras representacionales (psicodramas, mitos y alegorías). Concentrado en torno a la ciudad de Nueva York, el cine queer alcanzó en esos años su culminación y anticipó los movimientos sociales de los años setenta. Sin embargo, también debió enfrentarse a los más radicales órganos censores, que imponían sus leyes de depravación y obscenidad haciendo desaparecer filmografías completas. Esta sesión propone confrontar el esplendor de esta etapa con sus oscuros vestigios: películas incautadas y mutiladas, proyectos abandonados, catálogos menguados, rincones vacíos en las distribuidoras. En el sombrío periodo actual, las paradojas derivadas de la preservación y las complejas condiciones de acceso a los principales archivos mundiales siguen condenando incluso al cine queer más canónico a una nueva fase de invisibilidad.

19:00h Proyección: “Anatomía Warhol. Boca, ojo, sexo.”

Viernes 24 de enero:

10:30 h Palabras y archivos: nombrar disidencias a través del tiempo. Equipo de Hamaca (Eli Lloveras, Belén Soto y Elena Lasala) con Ros Murray (investigadora y profesora) y Julia Cortegana (archivista)

El fondo de audiovisual experimental de Hamaca reúne más de un millar de producciones videográficas significativas, contrahegemónicas, históricas y artísticas, realizadas desde finales de los sesenta hasta la actualidad en el contexto estatal. A día de hoy, el archivo sigue creciendo exponencialmente, acogiendo múltiples formas de expresión audiovisual y mutando, del mismo modo que lo hacen las palabras que lo nombran, hacia las polisemias del presente. En 2024 Hamaca convoca un grupo de investigación aplicada con el fin de realizar una revisión de la taxonomía que organiza y hace accesible el fondo de vídeos. Una puesta al día del tesauro, metodologías de catalogación e infraestructuras que abarca las propias coyunturas del archivo, a mano de investigadorxs, activistas, programadorxs y archiverxs. En esta jornada, se compartirán reflexiones acerca de la revisión taxonómica —¿faltan o sobran palabras?, ¿qué fugas despiertan los propios contenidos del archivo?, ¿quién etiqueta y desde dónde?, ¿sobre qué estructuras técnicas y reproductivas construimos el fondo?—, a partir del trabajo que han llevado a cabo el propio equipo técnico de Hamaca junto a las pensadoras y archivistas Ros Murray y Julia Cortegana, en relación con su investigación semántica situada en ontologías feministas y queer.

12:30 h Mesa redonda abierta al público. Se suman a la conversación con el equipo de Hamaca Rebeca Tolosa, del archivo de Ca la Dona (Barcelona), y Alba Villarmea y Alejandro Artime, de Ciclo Pulga, una iniciativa reciente que trata de recuperar la historia de cineastxs queer asturianxs.

17:30 h El cine queer como archivo vivo. yann beauvais (cineasta, programador y archivista)

Ante la polarizada escena formalista del cine de vanguardia del París de los años setenta, en 1982, el cineasta, programador y escritor yann beauvais fundó junto a Miles McKane la distribuidora Light Cone. Esta nueva cooperativa abrió su espectro para reflejar la diversidad de temas, movimientos y prácticas fílmicas del cine de vanguardia, priorizando el cine queer de una manera interseccional, acogiendo todo tipo de disidencias estéticas y formales no solo vinculadas con la orientación y la identidad sexual. Como programador, beauvais trabajó en un archivo vivo, mostrando a la vez que distribuyendo y preservando estas películas tanto en Francia como en el resto del mundo y posibilitando la creación de nuevas comunidades. Su activismo también se ha desarrollado en otras facetas como la escritura, a través de sus fundamentales textos sobre cine gay y queer, o sobre todo en su trabajo como cineasta, por ejemplo en sus diferentes películas sobre la crisis del sida.

19:00h Cuerpo, sexualidad y deslocalización de lo queerDiálogo con yann beauvais y Francisco Algarín Navarro, ilustrado con proyecciones

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Del 20 al 23 de febrero en Málaga

Desde el 20 al 23 de febrero el Teatro del Soho CaixaBank presenta la tercera edición de Autóctonxs, un festival dedicado a impulsar los lenguajes y disciplinas de las artes escénicas de nuestro territorio. Este año contará con un enfoque especial en Latinoamérica y los espectáculos del escenario principal partirán de la creación desde la imagen, el cuerpo, el folklore y el teatro documental, brindando una experiencia única.

Durante 4 días la Escena viva será protagonista en el Soho con propuestas vibrantes y formatos como Impro en el Hall, Happening poético, Ensayo acierto y Nuevas dramaturgias.

El festival inaugura con una pieza forasterx, desde Navarra llegan Las Nenas Theatre con Torcidxs, acompañándola en la dirección y dramaturgia Alessandra García. El viernes 21 de febrero la danza y el folklore se unen, Maja y Bastarda de Laila Tafur en un estreno mundial. El sábado 22 se presenta el proceso creativo de Lula Amir con Maldito Bolero. Y el 23 de febrero clausura el festival con Todas las santas estreno, con Luz Arcas por primera vez en Málaga como directora de escena, en una historia verdadera llevada al teatro documental sobre las mujeres soldados del Salvador.

PROGRAMACIÓN

20 de febrero 2025

El pueblo está en la calle
19.30h – DE CINTURA PARA ARRIBA – Antonia González Solano, acompañada por UMAescena
Duración 30 minutos – Entrada libre

Nuevas Dramaturgias FORASTERX
21.00h – TORCIDXS – Cía Las Nenas Theatre (Estreno en Andalucía)

21 de febrero 2025

Happening Poético
13.00h – EL CUARTO MOVIMIENTO DE LA MONDRAGÓN – Nacho Mayorga

Impro en el Hall
18.00h – MANUÉ Y ENRIQUE DOMENECH + NICHE RAMÍREZ

Ensayo Acierto
19.00h – PARQUE – Cía. Boca Agua

Nuevas Dramaturgias
21.00h – MAJA Y BASTARDA – Laila Tafur (Estreno mundial)

22 de febrero 2025

Happening Poético
13.00h – SOY UNA FERIA – Ramírez Florido

Impro en el Hall
18.00h – TIRANA + KONSTANTIN LUPASCO

Ensayo Acierto
19.00h – LA MISIONERA – Cía. Ujo Teatro

Nuevas Dramaturgias
21.00h – MALDITO BOLERO – Lula Amir (Estreno mundial)

23 de febrero 2025

Happening Poético
13.00h – MUTILACIÓN – Benjamín Santiago Montiel

Impro en el Hall
18.00h – LAS CHOCHONIS + ILYAK VISORI

Ensayo Acierto
19.00h – PAR TERRE – Julia Martín

Nuevas Dramaturgias
21.00h – TODAS LAS SANTAS – Cía La Phármaco (Estreno en Andalucía)

Más información y entradas.

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