Miguel Valentín

Lo que tienes delante es una crítica de la obra Leviatán.

Esto es lo que sucede antes de la obra: entras en una sala vacía, donde hay ya otras personas que están haciendo la pieza. Eso significa que están sentadxs en distintos lugares de la Cuarta Pared (a escenario vacío, con la grada recogida) y tienen ante sí un sobre y unos papeles como los que a ti te entregan al entrar. Se te invita a elegir un espacio y así lo haces. Se te dice que puedes estar el tiempo que quieras, aunque muchas personas suelen tomarse en torno a una hora para la experiencia.

Y abres el sobre.

Dentro del sobre hay otros sobres, y un primer papel, que dice:

Lo que tienes en tus manos es una pieza llamada “Leviatán”.

“Leviatán” es una auto-obra para una única persona en la que tú darás vida con tu imaginación a todos los personajes y en la que la escenografía será este lugar en el que vas a hacer la pieza.

Empieza un viaje que sucede durante un tiempo variable. A tu alrededor, otras personas, cada cual en su espacio elegido, van desplegando papeles ante sí, abriendo los sucesivos sobres, dibujando sus propias instalaciones con los papeles en el espacio. Cada cual está en su burbuja, y al mismo tiempo hay algo común (un rumor de papeles que te recuerda al mar, un sentimiento de estar jugando a lo mismo).

La pieza de Luis Sorolla con dirección de Carlos Tuñón no se parece a nada que hayas hecho en un teatro. Pero te recuerda a cosas. ¿A qué cosas? Esta auto-obra te recuerda, por ejemplo, a la pieza Etiquette, de la compañía inglesa Rotozaza, solo que allí Ant Hampton y Silvia Mercuriali utilizaron el término “auto-teatro” para designar un hecho escénico en que un espectador actúa para otrx, y no para sí mismx.

Los textos van apareciendo en distintas formas y tipos de letras, con tachaduras o prístinos, y eso te hace pensar en ciertos movimientos artísticos: el tachismo gestual, la poesía concreta, y también los juegos tipográficos de Gianni Rodari, que organizan los textos como materia plástica, del mismo modo que los letristas o los rollos de pintura caligráfica japoneses, donde un signo alfabético puede ser también una grulla volando hacia el horizonte. Resuenan las palabras de Italo Calvino, “Está usted a punto de leer Si una noche de invierno un viajero, de Italo Calvino”, junto a las de infinidad de textos juguetones que saltan del papel y se convierten en algo más que textos, desde Cortázar hasta Foster Wallace, el teatro y la poesía del barroco y en fin toda la imaginación humana.

Durante la pieza tu imaginación dialoga con la de Luis Sorolla, que hace aparecer a través del puro texto infinidad de imágenes. Si el teatro es el “lugar para ver”, como tanto y tanto se repite, tal vez el ejercicio de la imaginación sea el más adecuado para hacerlo en este espacio.

Un caballito de mar aparece así ***** (en forma de cinco asteriscos), y te habla dentro de tu cabeza, cambia la tipografía y cambia la voz que te habla, y curiosamente las palabras bíblicas tienen el mismo tipo de letra que el cuento, y ambas voces te hablan con un sonido artesonado, que retumba en tu cabeza y en el interior de la ballena que habitas.

Pasa el tiempo.

Te entregas a la experiencia y la disfrutas, aunque por momentos piensas si no es tan audaz la mano que ha lanzado esta piedra que tal vez podría haber llegado incluso más lejos, explorar más hondamente el lenguaje que ella misma ha abierto. Tipografías, materia de la letra y del papel, descripción de una experiencia inefable, aparición del texto como espacio…

Cuando terminas, has actuado para ti, has sido espectador y actor (como decía el sociólogo Erving Goffman que somos todxs en la vida cotidiana), y has tomado conciencia de ello. La vuelta al escenario de la calle es un lento despertar de comentarios que van apareciendo en el pasillo hacia el calor de la tarde madrileña, te reúnes con unxs amigxs que han hecho también la obra, tal vez más introspectivxs que antes, con la mirada un poco distinta, con la conciencia de haber vivido un viaje, cada cual hacia su propio interior.

Piensas que ojalá más piezas como esta, ojalá más oportunidades de convertir una voz ajena en la propia, más teatralidad hecha puro gesto y materia.

Y termina la crítica.

La Rueda Teatro Social lleva contribuyendo catorce años al panorama escénico español, si bien no tan presentes en el circuito teatral al uso. En sus piezas es habitual el empleo de recursos documentales que se concretan en la creación de teatro social y comunitario (piezas donde la población local participa del proceso de creación y de la representación) o de teatro foro (piezas en que el público es partícipe del debate y escenificación de situaciones y problemas que le afectan directamente). Un teatro de y para la conciencia y la reflexión activa.

En Quiero colapsar a tu lado, la compañía parte de una cuestión ecosocial, es decir, una que implica a toda la comunidad humana y al medio ambiente. Una crisis, la del clima, que conlleva a su vez toda una serie de problemas derivados, muchos de ellos vitales y probablemente irreversibles. Un punto de no retorno que además viene de nuestra propia acción (e inacción): el consumo desaforado, la mala gestión de residuos, la explotación de aguas subterráneas, los monocultivos intensivos, la irresponsabilidad individual y corporativa… La tierra y el agua están gravemente amenazadas e infectadas. Y los seres humanos también, puesto que no somos más que tierra y agua. 

La ministra Malasia Yeo Bee Yin gestionó entre 2019 y 2020 la devolución de cientos de contenedores de residuos que habían sido enviados desde Europa y Estados Unidos a su país para ser depositados en vertederos: “no dudaremos en tomar medidas severas para garantizar que Malasia no se convierta en el basurero del mundo”. En Zamora, 2022 registró dos de los peores incendios de su historia, con la quema de alrededor de 60.000 hectáreas de bosque cuya causa fue la ola de calor y una tormenta seca. Son solo dos de los muchos casos que aparecen reflejados en el espectáculo.

Seis islas trazan un espacio circular sobre un suelo de linóleo negro. En primer término a la izquierda, un acuario y un terrario adyacentes. Unos metros por detrás, un montón de tierra acumulada en el suelo. Aún más atrás, cerca ya de la chácena, un pequeño árbol deshojado. A la derecha del escenario, atrás, un sofá (tras cuyo respaldo emergen unas ramas también desnudas. Y cerca del público, un retrete con un micrófono en lugar de cisterna. Al centro, una mesa rectangular de dos pisos, en los que se disponen diversos objetos (piedras, la figura de un cerdito, un casco de ciclista…) que más adelante se pondrán en uso. Y un par de metros por encima y por detrás de la mesa, una roca gigante y rugosa pende de dos cuerdas y hace las veces de pantalla de proyección.

Durante hora y media, orbitan en torno de estas islas tres intérpretes, que son también cuerpo(s) y alma(s) de la compañía La Rueda Teatro Social: Fernando Gallego, Sandra Arpa y Laura Presa Fox. Son además autorxs de una dramaturgia por momentos reiterativa, que cuenta su propia historia, la de tres amigxs en busca de un modo de vivir que evite lo inevitable. Tratan el tema central desde múltiples puntos de vista, haciéndonos pensar con ellxs. 

El filósofo noruego Arne Naess (fundador de la “ecología profunda”) propone moverse de la ética a la ontología y viceversa en lo referente a las cuestiones medioambientales. Cuando pensamos en el agotamiento de los recursos naturales, en la inhabitabilidad del planeta, nuestra relación con todo ello es en muchos casos intangible. Es algo que sucede en geografías lejanas o bien algo que está por venir. Aunque conforme pasan los años, la crisis se hace cada vez más material también para los países desarrollados, de modo que no queda otro remedio que mantener unidas las dos caras de la moneda: ontología y ética, lo que es y lo que debería ser. 

Los tres protagonistas de Quiero colapsar a tu lado se mueven en un espacio de ramas secas y polvo, de humo y plásticos plateados, tratando de entender y combatir la crisis ecosocial, a veces olvidándose de sí mismos o de los límites entre su cuerpo y el territorio. La obra acumula imágenes y palabras hasta el colapso, repasando proyectos alternativos e imaginando futuros yertos y otros más esperanzadores. El ritmo de la obra no se detiene a respirar, y la dramaturgia y la puesta en escena tienen también un espíritu consumista, un sentido de acumulación hasta el colapso. Todo culmina en un baile final que remeda la epidemia de coreomanía por la que cientos de personas pasaron días sin parar de bailar en 1518, en Estrasburgo.

Cuerpo y palabra, materia y espacio, se agotan y agotan un poco. La dirección de Rakel Camacho, imaginativa y encabritada, acapara recursos habituales en la creación escénica contemporánea: tierra en el escenario, micrófonos de mano, un cuerpo ceremoniosamente vendado, elementos relumbrantes… El espacio de Vanessa Actif nos hace pensar en una cierta proliferación de bosques que invaden interiores caseros en la escena actual. La iluminación de Carlos Marcos, precisa y funcional, se endurece cada vez que la temperatura sube medio grado más, apoyando escénicamente el humo, el polvo, los cuerpos, que se mezclan como materia de un planeta en crisis. El espacio sonoro de Enrique Vaz Oliver apoya con sutileza los relatos. No así el vídeo, de Davitxun Martínez, que ilustra innecesariamente cuanto se dice.

En definitiva, Quiero colapsar a tu lado es una experiencia teatral sólida pero un tanto desmesurada, un mosaico de textos e imágenes que se apilan unas sobre otras hasta la insostenibilidad, pero que nos regala una experiencia entretenida e ingeniosa, y sobre todo un discurso urgente que nos hace tomar conciencia sobre la relación entre la vida cotidiana y la crisis medioambiental.