Marina Arranz

Imagen: Marina Arranz

Imagen: Marina Arranz

En cinco partes disecciona Angélica Liddell un acto de amor. Las dos caras de una moneda de espiritualidad y violencia. Recordar seis horas de espectáculo es como recordar una vida. Desde un noviazgo con la muerte hasta la alegría de vivir. Previo miedo al abandono sobre lecho de crisantemos. No me dejes. Ven a que me mate. Los colores de un cuadro barroco. O era rococó. Conexión con el universo y con lo inefable. Sacramentos. El sacrificio del bello joven en el hombre casado. Baños de arroz. Abraham y su hijo. Une jeune fillette. No adivinamos qué pasa por la mente de un pájaro. No hay performatividad en las aves. Son lo que son. Un exorcismo del sufrimiento, un acto de amor, señora notaria mediante; niños, niñas, sacerdotes, carro casi alado que conduce el féretro hasta el siguiente acto. Y volver a África. Salimos elevados, sólo fue un bailecillo el final, una ligera canción, una brisa, el murmullo de un secreto lejano amarrado a la cola de un cometa, con el peso de un tratado de filosofía. Su texto es el chillido de unas niñas, la respuesta debida a los dioses. Nosotros, público, leyendo al unísono sobretítulos ante el inmenso negro. Cañonazos. Salve, Angélica.

Vudú (3318) Blixen de Angélica Liddell se representó en el Teatre de Salt el 17 y 18 de noviembre en el contexto del festival Temporada Alta. Coproducción: Temporada Alta, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, con la colaboración del Festival Citemor (Portugal). Próximas actuaciones: 10 de febrero 2024, Condeduque, Madrid.

Chantal Akerman quería a su madre. Tanto, imaginamos, que se suicidó cuando ésta murió. Entre otros motivos. La superviviente sobrevive pero no le puede sobrevivir su descendencia. Grave es su partida. La fuerte y la débil. Quién cuida a quién. Quién se convierte en fuente de fortaleza para agotarse. Esta es la historia que narra el vídeo en el que la madre de Chantal cuenta sobre Frida, la amiga que la cuidó en el campo de concentración. Y Frida, la pobre, salió agotada. “Hay personas que se revelan en ciertas situaciones” ó “que se destruyen”, replica la madre. El montaje de la instalación permite que las imágenes, la madre y la hija, no se sucedan, sino que se superpongan. Diario de la abuela proyectado sobre ellas. Simultaneidad de las generaciones. Complejizar en el sentido “d’ajouter de pointe et de contre-pointe, travailler l’attention”, así lo imaginaba Akerman.  Liberarse de la linealidad, del eterno plano longitudinal, encontrar la tragedia y la comedia sin psicologismo.

La exposición ENCARAR LA IMAGEN de Chantal Akerman, comisariada por Claire Atherton, tiene lugar del 18 de noviembre de 2023 al 14 de abril de 2024 en La Virreina, Centro de la Imagen, Barcelona.

Entre cipreses, en la invisible Colegiata Santa María La Mayor en Valladolid, tras un anuncio trilingüe que en francés parece un gag de Tip y Coll, asistimos a una novela en diez minutos. Las fuerzas que nos separan, la centrífuga. O que nos acercan. ¿La centrípeta? “¿Qué están haciendo?” Pregunta una niña junto a mí. Se están acercando. “Otra vez”, comenta. Los actores conforman los extremos de un vector. Y se alejan en paralelo. Hay mucho de sueño. Y de imposibilidad. Nunca llegan. Morfeo, déjales moverse.  Nina Simone canta “love me, love me. Wild is the Wind”. Encuentran por fin el centro y reposan tranquilos, duran lo que dura en moverse el mundo bajo sus pies. El tourbillon de la vie que es la plataforma giratoria nos recuerda las fuerzas que no controlamos. Se separan, se alejan, corren como huyendo de sí. En un momento dado, ella ha girado la cara, luego el tronco, después las piernas. “Se va a caer”, “que no hagas eso”, comenta la niña. Correr a la contra, alejarse. Acaban por darse la espalda. Dramaturgia de un amor. Sus caras transmiten desolación. Entonces, se para el suelo. Se miran, se reconocen, se van. Bajan a esa otra plataforma móvil en la que nos encontramos todos.

Approche 7. plateau tournant transmite una incertidumbre onírica. La solidez en la planta de Marie Bourgeois hace que el espectador se pregunte a qué especie puede pertenecer: es pájaro o molusco, ser humano o ángel. No lejos de allí, en un parque, hay un columpio que gira. Los niños salen centrifugados para aterrizar en el suelo acolchado. Algunos audaces se agarran a la barandilla y vuelan, dibujando círculos con sus cuerpitos, paralelos al suelo.

Approche 7. plateau tournant / Jean-Yves & Marie / Wild is the wind es un espectáculo de Yoann Bourgeois Art Company. Se representa en el Festival TAC de Valladolid, 27 y 28 de mayo 2023.

Carmen es pura fuerza. Como persona del sexo lo tiene todo, acción, ímpetu, garra. Pero es este ímpetu lo que la lleva a tirarse directa hacia el puñal de Don José. No la apuñalan, se apuñala ella. O por lo menos así se muestra esta Carmen con puesta en escena de Jean-Louis Grinda. Se queda el espectador sin saber qué pensar. Su heroína, su fuerza de la naturaleza, la reina de la historia decide… sacrificarse. Pero no a lo cristiano, sino bien pagana. Se sacrifica como un chivo expiatorio. El rojo tiñe la escena, esa luz que es carmesí o es azul cuando se canta de amor. Y en Carmen de amor se canta continuamente. Pero qué amor. Si es amor lo que el toro siente por el torero cuando le embiste, entonces sí, será amor. Faltan palabras. La música lo dice bien. No olvidemos que se trata de una opéra comique, en referencia no a su humor -Carmen es tragedia tragedia- sino al uso de melodías populares y partes habladas. Habrá que leerla en la hipérbole que son todas las óperas. Cuando el tiempo es limitado, la ópera te da meses. Cuando un amor es improbable, en la ópera es definitivamente imposible. Cuando planea la muerte, en la ópera es una estocada, un rayo certero, un redoble y metales y todos a una en la nota final. La ópera es pues exagerada. Excesiva.

El Teatro Calderón presenta esta Carmen producida por la Ópera de Montecarlo. Están todos los ingredientes. Escenografía de las artes plásticas: la gran estructura móvil que definirá el espacio recuerda al laberinto de acero de Richard Serra en el Guggenheim. Gran muchedumbre sobre el escenario: coro femenino, coro masculino, coro de voces blancas, figurantes, bailaora y por supuesto, solistas. La gente pasa como dice el libreto mientras José está en prisión. Ya nos han mostrado que José es capaz de matar. Al fondo, cartel de una corrida el dimanche y un toro que es un bisonte de Altamira. El humo de las cigarreras (“fumando espero”, Montiel). La bailarina de flamenco Irene Olvera no mira al público y baila exquisita girada hacia el hombro derecho, no ha de hacer sombra. Pero es grande, casi como Nino Sugurladz, mezzosoprano georgiana, que interpreta a Carmen. Antes del intermedio, se van todos a por la libertad, ¡pero, ay! José y Carmen se quedan atrás, presos de amor.

En el dúo final de la muerte anunciada serán ellos y sus sombras. Múltiples. Dice Don José a lo Jacques Brel “ne me quitte pas, Carmen”. Y efectivamente, no le deja.

Carmen de Georges Bizet (1838 – 1875). Opera cómique en cuatro actos. Libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. Basada en la obra de Prosper Mérimée (1845). Estrenada el 3 de marzo de 1875 París. Se representa en el Teatro Calderón de Valladolid los 10, 12 y 14 de mayo. Producción de la Opéra de Monte-Carlo, en coproducción con el Théâtre du Capitole de Toulouse y la Opéra de Marseille.

Hay una luz que quema y es una llama que vibra e inunda de calor la mente, allá dentro entre los ojos y la nuca. Un calor quemando que alumbra y son las palabras de Conejero en ese desdoblamiento del maestro o del dramaturgo-poeta que ilumina al público o a los niños y se da al otro. Podemos fácilmente ser los niños y sus redacciones, en sus borradores y en sus dibujos, afanosos con las letritas de plomo y la plancha, una piel de mandarina olvidada junto a la representación de un termómetro, la escuela. Esos niños a los que se les deja ser niños entre el sol y la nieve de los campos de Castilla. Porque esta es tierra hostil para soñadores. Y, sin embargo, se eleva esa luz centelleante que calienta soleada las mentes de los hijos de los labriegos. Si alguna vez hubo opresión, fue en Castilla. Un ruido seco marca el final, la silla cae y luego, la ausencia del maestro. Crecieron raíces allá donde yacen sus huesos. Los niños recuerdan.

El mar. Visión de unos niños que no lo han visto nunca es una creación de Xavier Bobés y Alberto Conejero, producida por el Teatre Nacional de Catalunya, Festival FITT de Tarragona y Xavier Bobés y representada en el Teatro Calderón de Valladolid el jueves 12 de enero. Está de gira por varias ciudades españolas.

Al llegar taconea Rocío Molina ya en el escenario, planta tacón punta tacón punta tacón punta tacón, calentando, «no corras, no tan rápido», repitiendo hasta la extenuación que es el lugar donde empieza la magia: cuando la primera gota de sudor surca su frente, cuando salta la cordillera de sus cejas y va a dar a los ojos, sin rímel porque escocería. El sentido del humor es real. El esfuerzo es real. “No dejar que el ego se me dispare y aburrirme en la mecánica de mi cuerpo”. El rojo suelo suena y los pitos suenan y el pensamiento de la bailaora refiriéndose a la situación también suena porque lo habla. Por eso es una conferencia performativa, bailada en este caso. La situación es la artista sobre el escenario, frente al público que la acompaña ahora allí arriba, ella dando la espalda al patio de butacas, ocupado por centenares de ausentes. La bailaora redonda. Presente plenamente. Es su pierna izquierda la que dibuja. La derecha es la que sostiene. ¿O era al revés? La derecha tiene que aprender de la izquierda. Empezar primero. Sólo con barba se siente bella. Su traje es su carne, sus palabras están cosidas a su piel. Lo inefable: ritmos modulados, palos, estilos geográficos, energía, un vacío, el rojo, la respiración compartida, pitos y palmas, mete culo, caderas en las plantas de los pies, tacón. Lo popular. Proyectado sobre el patio de butacas: “Ramón Gómez de la Serna blablablá Ignacio de Loyola blablablá Agustín García Calvo blablablá”. Y también: Guy Debord blablablá. Rápido aplaude el público, pero no imagino mejor lugar que la respiración acompasada de la criatura bailaora-cantaor, mientras la luz se vuelve oscuridad y el sonido silencio, ¡por favor, un segundo más!

Dramaturgia para una conferencia. LO INEFABLE, por Rocío Molina. Idea y curaduría: Matías Umpierrez. Autor invitado para la creación del manual: Pedro G. Romero. Producido por Plataforma Fluorescente, en una coproducción de Meetyou Valladolid/Teatro Calderón de Valladolid. Estrenado en Valladolid el 23 de marzo de 2023.

El circo es caer frenando. El circo es un gran salto que se da para ensanchar la caída. Y caer frenando. Tomar gran impulso al saltar alto y que la distancia desde la que se cae sea tanta que permita dibujar en ella vueltas, balanceos, brazos y piernas extendidos como estrellas. Se encarama el acróbata a un mástil, o una cuerda, o un trapecio. Para caer despacio. Caer sobre el suelo, sobre otros. Sobre uno, dos o todos. Con los pies, de cabeza, con las manos. En plancha. Mirando o sin mirar. El circo sin la gravedad no existiría.

Al entrar, gente mirando a gente. La escena está en el centro, rectangular. La música suena en loop, repetición que desespera a algunos -se oye un aliviado “gracias” cuando se detiene el tocadiscos- y despierta el afán de análisis de otros –“son dos corcheas, dos corcheas dos corcheas, una negra, silencio de corchea y arriba del compás un acorde; recomienza, dos corcheas, dos corcheas, negra, silencio de corchea y arriba corchea y…vuelta”-. Unos cubos como muñecas rusas han sido ordenados en fila en aquel rectángulo. A veces cabezas cuadradas, otros pedestales sobre los que triunfar, torres de Babel o dominós, los cubos estructurarán la pieza.

Todo comienza con mujeres fuertes portando a los hombres. Hay una bella imagen con Zinzi Oegema subiendo por el mástil chino como una escalera de caracol sobre los antebrazos de los hombres, cual reina de corazones.

Sugestiva sonrisa al público que no falte. Y el público, enamorado.  Es el circo.

Cuando nos invitan a jugar al son de esa música tan bauschiana –La prima vez- irremediablemente aflora la emoción. Jugar en equipo es emocionante –de tuz ojos me ‘namori-. Darse cuenta de las propias renuncias en favor del grupo –d’akel momento te ami-. Percatarse de que las personas también hacemos contexto, no sólo el paisaje. –Fin a la tomba te amaré-. Si movemos los cubos –aserkate me kerida. Salvadora de me vida-. Tanto gana el que sostiene como el que salta. –Descubrite i ávlame. Sekretos de la tu vida-. Imposible resistirse a una canción tradicional sefardí en esta verde tarde de primavera.

Common Ground de Common Ground Circus se representa el 16 de abril de 2023 en el Laboratorio de las Artes de Valladolid, LAVA, con motivo del Día Internacional del Circo.

La tecnología y la tradición pueden ir de la mano. Los pliegos de cordel pueden ser útiles en estos tiempos de proyecciones, luces y arroceras cuckoo. Son estas últimas unos pequeños electrodomésticos surcoreanos, mezcla de minicadena con forma de huevo y freidora, sonrientes con luces LED y dulces voces artificiales.

Hay poesía en la propuesta, pero sobre todo denuncia. Destaca la segunda parte, extremadamente política. Jaha Koo capta y expresa el sentimiento trágico de la vida. A pesar de centrarse en el caso coreano, podría ser cualquier sociedad donde el individuo es presionado hasta explotar, aislado en su carrera feroz hacia el número uno o incluso, hacia la supervivencia. No en vano en Corea se preguntan, a modo de saludo: ¿qué tal has comido? Corea es una tierra que no se cultiva bien.

La obra está hecha de vídeo, música electrónica y voz. Se agradece el idioma coreano, protagonista de la segunda y tercera parte, tras casi desaparecer en el final de la primera, con un elocuente fundido a negro mientras Jaha Koo recita el poema de la montaña.

Mirar hacia fuera acelera la curva de aprendizaje. Pero para que el individuo esté anclado y no sea arrancado de cuajo y zarandeado por los huracanes del progreso, es necesario que enraíce en algo. No tiene que ser un lugar físico, tampoco unas creencias dogmáticas. Probablemente hay un momento en el desarrollo de toda persona en el que exige estas raíces. Los gestos de Jaha Koo son enérgicos y furiosos cuando manipula el arroz. No podía ser menos, hasta seis amigos suyos han perecido en la verdadera epidemia de nuestros tiempos. En Corea del Sur una persona se suicida cada 38 minutos.

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De una cosa no hay duda, viva Portugal. Cuando sobre la escena un portugués pone voces de psicoanalista y egocéntrico tyrannosaurus rex para hablar sobre la tristeza, pueden pasar cosas extraordinarias. El comienzo en silencio, con poéticas y líquidas imágenes y el sonido del aire inflando el traje del tyrannosaurus rex nos hace flotar. Soltamos lastre, nos concentramos, entramos en el teatro. Hay escenas sublimes. Bellísimas. Sobre todo, en la primera parte. A partir de la mención de Walter Benjamin, la obra desciende ligeramente. Toda obra de teatro es un nacimiento y una muerte. Entre medias, si hay poesía, mejor.

Resuena la escena de la música árabe acompañada de unas delicadísimas imágenes de una cinta de casete viajando por un riachuelo, sorteando sus orillas, flotando y hundiéndose, mojada hasta la última nota. Escribir en el agua, como John Cage. Tras este sublime momento también hay risas, también hay certeras reflexiones, pero antes era mejor. Antes. ¿Dónde duele? Antes. La enfermedad de la nostalgia.

#Meetyou2022 #JahaKoo #TeatroPraga

Un programa joven, fresco y diverso continúa este fin de semana combinando un original nuevo trabajo de Miet Warlop, artes plásticas a cargo de los picoletos + Niño de Elche en colaboración con el Museo Patio Herreriano y la internacionalmente aclamada compañía Needcompany.

El sorprendente programa del festival #Meetyou2022 organizado por el Teatro Calderón de Valladolid y celebrado en diferentes escenarios de la ciudad –Andén 47, Espacio Joven Norte, sala 11 filas, Galerías López Gómez, sala Cientocero, Museo Patio Herreriano y el propio Calderón– es una oportunidad fantástica no sólo para conocer las nuevas tendencias de las artes en vivo, sino también para ver diálogos entre-cruzados de diferentes disciplinas y muestras del mejor teatro contemporáneo.

La artista belga Miet Warlop nos deleita con una transportadora propuesta musical que empieza tenuemente pero que se revela como un concierto vivísimo en el que los intérpretes giran cual derviches y en el trance, son elevados hacia un lugar donde la música se toca –y se escucha– mejor.  Precedido por la surrealista y divertida pieza corta A View, una mesa andante con piernas de mujer que transcurre en el soportal del teatro, destaca en Ghost writer and the broken hand break la atractiva voz, rotunda y clara, de la propia Miet Warlop y las sonrisas de gozo de los intérpretes, totalmente pegadizas. Sale uno queriendo girar durante cuarenta minutos por lo menos una vez al día.

Cabe preguntarse si el girar hasta el trance, hasta el agotamiento, es una violencia auto-infligida o sólo un mayor grado de esfuerzo. Lo saben bien -yo no lo sé- los sufridos y siempre admirables actores que hayan estudiado el abecedario de Grotowski. El tema de la violencia –“agresiones, sometimientos, poderes”– es una constante en las obras del festival, quizá reflejo de una cuestión más amplia sobre la sociedad contemporánea. La exposición de los picoletos y el Niño de Elche además de ser una muestra del arte pequeño que promulga Pedro G. Romero, -autor del texto y de la imprescindible exposición Máquinas de trovar actualmente en el Reina Sofía- recrea una atmósfera no normativa, expresión de la violencia hacia los márgenes, que resisten (o que atacan, ambiguamente). Mediante objetos-monstruo-de-Frankenstein, teclados de ordenador de cera y una suerte de altar de sacrificio con afiladas lanzas, envuelto por una proyección a tres bandas con música del Niño de Elche, la Sala 0 del Patio se convierte en otro buen lugar en el que estar.

De nuevo la violencia se hace patente el domingo por la tarde, esta vez en la propuesta Billy’s Violence de la compañía referente del teatro contemporáneo Needcompany. A través de los personajes femeninos, sus contrapartes masculinas y las violencias a las que se somete a las primeras, la Need despliega su saber hacer teatral. Un bufón embaucador, un elenco atractivo y unas interpretaciones hipnotizantes -especialmente Louise Lauwers- encarrilan estas dos horas en diez actos que atrapan al espectador. ¿Por qué nos fascina tanto la violencia? Escatología y comedia completan este tributo al rufián y gran bardo inglés.

+ El festival #Meetyou2022 continúa hasta diciembre de 2022, con una especial concentración de actividades y espectáculos este mes de marzo.