sábado 22 de febrero, a las 18h

Cris, Jorge y Guillem se conocen desde hace años y por fin trabajan juntos. A la primera colaboración la llamaron Lo Mínimo y es una creación en proceso que cristaliza en dos momentos: uno que titularon Lo pequeño, que presentaron en mayo del 2018 en La Pedrera y otro que se titula Lo Mínimo, que se estrenó en el Mercat de les Flors del 4 al 7 de abril del 2019. En Lo pequeño han trabajado sobre el artificio y su manera de acercarse a él, haciendo visible la maquinaria y las estrategias teatrales. Partiendo de una situación, un espacio y un tiempo poco definidos, como suspendidos, van construyendo pequeñas situaciones o mini-espectáculos los unos a los otros, creando diferentes capas de artificio, realidad o ficción, jugando con la expectación, la expectativa y la espectacularidad.

Duración 60 min.

Edad Todos públicos (recomendado a partir de 8 años) 

Tota la info y entradas aquí.

Creación e interpretación Cris Blanco, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol | Sonido y coordinación técnica Carlos Parra | Producción Ejecutiva El Climamola | Una producción de La Pedrera con la colaboración del Mercat de les Flors.

Cris Blanco. Hace sus piezas escénicas desde 2003. La mezcla de géneros escénicos, la música en directo, los trucos a la vista, la transformación de códigos y objetos, lo hecho a mano y hacer visible el aparato teatral suelen estar presentes en su trabajo. Algunas de sus piezas son cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE(2004), ciencia_ficción(2010) El Agitador Vórtex(2014) Bad Translation(2016) creada en colaboración con Óscar Bueno, Javier Cruz, Cris Celada, Amaranta Velarde y Ayara Hernández y Pelucas en la Niebla(2018). Sus trabajos han estado en centros de arte, festivales de danza y teatro municipales, nacionales e internacionales. También realiza seguimiento del trabajos de otros artistas, participa en proyectos educativos y es miembro de las bandas de música CALOR y The Elements. Web www.crisblanco.net

Jorge Dutor, Madrid 1979. Estudió Escenografía en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y trabajó como escenógrafo y figurinista en cine, televisión y teatro, también como director artístico en desfiles y eventos de moda y pinchando y organizando fiestas que agitaban la vida nocturna madrileña. En 2008 conoce a Guillem Mont de Palol y se muda con él a Amsterdam, donde conecta con el mundo de las artes en vivo, colaborando con varias artistas del lugar y donde se convierte en performer gracias a la insistencia de Aitana Cordero. Desde 2009 realiza su propio trabajo junto con Guillem: han hecho tres piezas escénicas y una peli, también han trabajado con otras artistas como performers (Itziar Barrio o María Jerez) o en colaboración (Sara Manente, Marcos Simoes). En 2012 se mudan a Barcelona donde comienza otra línea de trabajo que es la que le ocupa con el cineasta Juan Rodrigañez, con quien he ha dos largometrajes y están preparando el tercero. Mientras sigue activo como escenógrafo y figurinista para otros coreógrafos.

Guillem Mont de Palol (Girona,1978). Graduado de la SNDO (School for New Dance Development) en 2006. Desde el 2009 colabora con Jorge Dutor. Juntos han presentado sus propios trabajos en contextos nacionales e internacionales. Algunos de sus trabajos son: Y por qué John Cage? (2011), #LosMicrófonos (2013), This Movie (2013) y Grand Applause (2016). Como performer, interprete, trabaja con Xavier Le Roy (Retrospective 2012), Mette Ingvartsen (Giant City, 2009), All the way ut there (2010), The Artificial Nature Project (2012), Fréderic Gies (7 thirty in tights, 2013), Vincent Dunoyer (Encore, 2007) entre otros. A parte es Yogui Kundalini y cada vez está más comprometido con actividades pedagógicas entorno de la danza, movimiento y otras prácticas performativas.

CCC#28_Daniel Morales

miércoles 12 de febrero, a las 20h

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

Miércoles 12 de febrero, a las 20h, el artista resident Daniel Morales compartirá su proyecto El vuelo.

Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vino.

(Entrada libre con aforo limitado)

Es curioso darle el espacio a que las cosas te transformen.

El origen de este trabajo partía de un aparente desequilibrio en el que vivimos constantemente: le damos mucha importancia a los líderes cuando no sabemos si realmente los necesitamos; en muchos lugares del mundo la gente sale a la calle gritando por los valores que los gobiernos echan por tierra mientras que en otros lugares esa información pasa de manera anecdótica, adormilados en una mentira donde lo instantáneo sacia nuestras ansias y no escuchamos nuestras verdaderas necesidades. El instinto se pierde. Los valores de palabra y el falso bienestar, “todo bien…”. ¿Y si miramos un poco más adentro? ¿Y si no todo está bien?

Este primer periodo de Residencia empezó con dos preguntas: ¿Por qué me afectaba de tal manera como para hablar de ello en escena? La necesidad de llevar a un acto artístico esa desconexión con lo verdaderamente humano, ¿es a un plano colectivo o individual?

Tras otras muchas preguntas he permitido que el proyecto siga su propio proceso vital sin alejarme del concepto inicial, el desequilibrio. No quiero hacer una obra de carácter crítico, sino un lugar donde el espectador observa a un individuo en su intimidad, pasando por distintos estados de introspección para luego “volar” y mirar con perspectiva. 

Las residentes Oihana Altube y Javier Vaquero aterrizan en La Caldera con su proyecto Rojo pandereta, una investigación que nace del deseo de cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido sus identidades corporales (nacionales, de género, de raza y profesionales) a lo largo de sus carreras. De esta manera pretende evidenciar que la danza, además de ser una manifestación estética, ha servido y sirve para escriturar las ideologías, identidades, emociones, simbolismos y fisiologías de los cuerpos; y que, a su vez, es un medio de constitución política, social, cultural y económica.

Como metodología, durante las mañanas de su residencia, abren una práctica de dos horas de Psicoballet a todas las personas que quieran participar de este experimento de ballet somático.

‘Durante nuestro periodo de residencia en La Caldera enfatizaremos en la investigación de lo que nosotras hemos llamado ‘psicoballet’ y como esto puede ser visto desde afuera por un público asistente. El psicoballet es una práctica diaria que llevamos haciendo desde el principio de este proyecto. Es el hacer que nos acompaña a cada paso de este proceso. Un hacer que está con nosotros por una dependencia a este. Se trata de una barra de ballet acompañada por una reflexión somática de cómo nos sentimos ese día. Dejándonos fluir y derivar para comunicar al otro el estado anímico integral de nuestro ser más profundo a través de los ejercicios de ballet.’

Entrenamientos abiertos de PSICOBALLET

Lunes 18, Martes 19, Miércoles 20, Jueves 21 y Lunes 25, Martes 26 y Miércoles 27 de Noviembre. 

Horario de 11h a 12h30h

Estos entrenamientos toman la estructura base de una clase de ballet, con los ejercicios de barra como pliés, tandus, rond de jambes, developés etc. Volver a entrar en contacto con ciertas metodologías y/o técnicas corporales conlleva de por sí entrar en contacto con sus estructuras psíquicas (fantasmas, anhelos, frustraciones, traumas, narrativas, identidades, puntos ciegos, simbologías etc.).

Para personas con cierta experiencia en la danza clásica y/o con la suficiente desfachatez (maravillosa desfachatez) como para sentirse cómoda incluso sin saber nada de ella.

Proponen también una muestra del trabajo en proceso en una Càpsula de Creación en Crudo, miércoles 27 de noviembre, a las 20h.

CCC#26_Oihana Altube y Javier Vaquero

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vinito.

Finalmente, presentan la pieza dentro del ciclo Hacer Història(s) Vol. III organitzado por La Poderosa, sábado 30 de noviembre en el MACBA.

Georgia Vardarou es va graduar de l’Escola Estatal de Dansa (Κ.Σ.Ο.Τ.) (GR) i després de P.A.R.T.S. (SER). Com a ballarina, ha treballat amb Salva Sanchis, Marc Vanrunxt, Cecilie Ullerup Schmidt, Lance Gries i Anne Teresa De Keersmaeker / Roses. Com a coreògrafa, està ocupada amb el moviment personal i el contingut que això comporta. Va crear «Hardcore Research on Dance», «Phenomena» i «New Narratives». Geòrgia va viure a Brussel·les durant 13 anys. En 2017 es va mudar a Barcelona. El seu treball està sent produït per ART / WERK (BE).

Georgia ha estat escollida per Anne Teresa De Keersmaeker com a ‘coreògrafa del futur’ per a les ‘Four by Four comissions’ del festival Dance Umbrella de London.

Sergi Fäustino a Corpografies #4 amb Fäustino VI o 126 cavalls

<<Ara sento la necessitat de posar el focus d’interès en la dansa i el moviment. Potser és perquè crec que en la situació actual, la dansa en quan a llenguatge abstracte, té més sentit que mai; potser crec que és necessari el fet de plantejar un treball que proposi una experiència més física que racional, inclús una reflexió des d’uns altres paràmetres; potser és perquè crec que ara mateix, calen propostes que no passin només per filtre del significat de les paraules, unes propostes que plantegin una experiència que circuli per altres canals.>>

Sergi Fäustino és un dels creadors imprescindibles de l’escena contemporània nacional des de l’estrena de ‘Nutritivo’ a 2002. La seva investigació sobre el cos, el cansament i els límits físics travessa de manera continuada el seu treball dels últims 10 anys amb una profunditat, compromís i coherència difícils de trobar al panorama actual i per aixó mateix, extremadament valuoses.

El Sergi ha passat per moltes etapes com a creador, des de ser habitual a la programació ‘Radicals Lliures’ al Teatre Lliure amb Rigola, les programacions i projectes de La Porta Barcelona i Teatro Pradillo de Madrid, o al festival ‘El lugar sin límites’ del Centro Dramático Nacional. Com a creador ha anat evolucionant, aprofundint i clarificant les seves línies d’interès fins a arribar a una depuració que va molt més enllà de la forma o de l’estil, un posicionament ètic com a creador.

El podrem veure amb el seu últim treball Fäustino VI o 126 cavalls el 15 i 16 de novembre dins Corpografies #4, en programa doble amb Georgia Vardarou presentant un extracte de Why should it be more desirable for green fire balls to exist than not?

Corpografies #4 | Georgia Vardarou_Why should it be more desirable for green fire balls to exist than not? (extracte) + Sergi Faüstino_FäustinoVI o 126 cavalls

viernes 15 i sábado 16 de novimebre, 20.30h

Why should it be more desirable for green fire balls to exist than not? (extracto) de Georgia Vardarou

¿Por qué debería ser más deseable que existan bolas de fuego verde que no? es un solo en colaboración con el artista visual David Bergé.

Las imágenes y los movimientos imbricados entre sí permiten posibles lecturas narrativas. ¿Cuánto juego puede dar la contextualización de una imagen por medio del lenguaje de la danza? ¿Los significados se vuelven maleables al lado de un cuerpo en movimiento? ¿Qué está sucediendo en el espacio entre la percepción del artista y el espectador?

Este espacio entre nuestras diferentes percepciones es quizás donde está ocurriendo la danza.

Georgia Vardarou se graduó de la Escuela Estatal de Danza (Κ.Σ.Ο.Τ.) (GR) y luego de P.A.R.T.S. (SER). Como bailarina, ha trabajado con Salva Sanchis, Marc Vanrunxt, Cecilie Ullerup Schmidt, Lance Gries y Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas. Como coreógrafa, está ocupada con el movimiento personal y el contenido que esto conlleva. Creó «Hardcore Research on Dance», «Phenomena» y «New Narratives». Georgia vivió en Bruselas durante 13 años. En 2017 se mudó a Barcelona. Su trabajo está siendo producido por KUNST / WERK (BE).

Georgia ha sido elegida por Anne Teresa De Keersmaeker como ‘coreógrafa del futuro’ para las ‘Four by Four comissions’ del festival Dance Umbrella de London.

Coreografía, danza Georgia Vardarou
Escenografía David Bergé
Diseño de luces Ana Rovira
Ojo exterior Marc Vanrunxt
Gracias a Agni Papadeli Rossetou

FÄUSTINO VI o 126 cavalls de Sergi Fäustino

Un cuerpo en el espacio bailando de principio a fin. Una voz en off de alguien que mira y analiza el cuerpo que se mueve, el cuerpo que baila, y que hace una inmersión al interior de este cuerpo, al interior de esta persona, para compartir todas aquellas vicisitudes de su vida que le han llevado a estar ante nosotros moviéndose de una manera única. Partiendo así de lo estrictamente físico para llegar a algo que trasciende el cuerpo.

La propuesta pretende poner sobre la mesa una visión desde el cuerpo y a través del cuerpo, con la conciencia de que es importante que esta visión exista -junto con otras muchas- en un momento en que la tendencia es ir hacia una visión única.

Es una celebración del cuerpo, del movimiento y de la danza.

<< Ahora siento la necesidad de poner el foco de interés en la danza y el movimiento. Quizás es porque creo que en la situación actual, la danza en cuanto a lenguaje abstracto, tiene más sentido que nunca; quizás creo que es necesario el hecho de plantear un trabajo que proponga una experiencia más física que racional, incluso una reflexión desde otros parámetros; quizás es porque creo que ahora mismo, se necesitan propuestas que no pasen sólo por el filtro del significado de las palabras, propuestas que planteen una experiencia que circule por otros canales. >>

Sergi Fäustino. Ahora mismo, mis pies se apoyan en el suelo por la parte de delante, desde los dedos hasta el cojinete. tengo el segundo dedo de cada pie torcido, es herencia de familia, mi primo también los tiene así y la hermana de mi abuela también los tenía. el tobillo está ligeramente flexionado, sólo un poco, apenas para sentir un poco de tensión en la zona. tengo los dos tobillos operados, me rompí los ligamentos exteriores jugando a baloncesto. no a la vez, primero uno, y al cabo de un año al otro. después me he hecho dos distensiones más, una en cada tobillo. me han quedado laxos y nunca más he vuelto a saltar como antes. los gemelos están tocando el barrote que cruza la silla por debajo, están un poco cargados y por eso noto más el barrote. los gemelos se me han puesto más grandes desde que corro. las rodillas están flexionadas a unos 45 grados. siento mi peso en la silla a través de la parte posterior de los muslos. noto más el cuádriceps derecho que el izquierdo. tengo la pelvis basculada y me estira la parte baja de las lumbares por la acción de los isquiotibiales. tengo los isquiotibiales cortos por haber practicado vela ligera durante la pubertad, en la etapa en que se forma el cuerpo adulto. esto es malo para las lumbares pero es bueno para proteger las rodillas. me cuesta mantener la parte baja de la espalda recta. tengo la barriga hacia delante y mis vísceras se apoyan por dentro. lo alto de mis brazos cuelga de los hombros y los antebrazos están apoyados en el ordenador un poco antes de las muñecas. no puedo estirar del todo el brazo derecho por una lesión que me hice cuando era pequeño, se me rompió un trozo de hueso y se me quedó en la articulación. los dedos a las teclas. mi cuello está inclinado hacia delante y mi cabeza está basculada hacia abajo, mirando la pantalla del ordenador mientras escribo esto.

Hace dos minutos estaba en una posición casi igual a la de ahora. hace dos horas estaba corriendo por el bosque. hace dos días me preguntaba cómo podría trabajar con la imagen desde el cuerpo y cómo podría investigar sobre el tema desde la práctica. de hecho todavía me lo estoy preguntando. hace dos semanas hice 4 horas de carreteras de curvas con la moto y fue increíble pero si lo tuviera que explicar, no sabría cómo hacerlo. hace dos años volví a hacer mi primer espectáculo «nutritivo» y mi hijo estaba en el público. hace veinte años estaba trabajando en una clínica de ancianos como auxiliar de enfermería y todavía no había empezado a bailar. hace cuarenta años tenía 6 años. hoy es 9 de octubre de 2019.

Entradas disponibles aquí

LISA NELSON.

Texto extraído de ‘DELANTE DE TUS OJOS. SEMILLAS DE UNA PRÁCTICA DE LA DANZA’, traducido por Antonio Fernández Lera.

Texto íntegro: DELANTE DE TUS OJOS Lisa Nelson

Lisa Nelson. Coreógrafa, intérprete de improvisación y artista de colaboración que explora, desde los años setenta, el papel de los sentidos en la actuación y observación del movimiento. A raíz de una investigación del vídeo y la danza en los años setenta y ochenta, desarrolló un enfoque hacia la composición espontánea y la performance que ha denominado Tuning Scores (partituras de afinamiento). Nelson viaja por todo el mundo para actuar, enseñar y crear danzas y mantiene colaboraciones con otros artistas como Steve Paxton y Scott Smith. Es co-editora de Contact Quarterly.

Esta semana Lisa está en La Caldera con un laboratorio de creación con Sofia Asencio, Maria Muñoz, Federica Porello, Pep Ramis y Scott Smith, trabajando con las herramientas de las Tuning Scores. Los podremos ver en acción el viernes 8 y sábado 9 a las 20.30h, dentro de Corpografies #4, con el título ‘Observatory at the cusp of space’. Placer sideral.

Entradas

CCC#25_Colectivo La Imperfecta

jueves 7 de noviembre, a las 20h

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

Jueves 7 de noviembre, a les 20h La Imperfecta compartirá su proyecto Out of tune.

Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vi.

(Entrada libre con aforo limitado)

Out of tune es el punto de partida de un estudio sobre la melodía y el ritmo y su relación con el movimiento, la composición y sobre la idea de permanencia en una estructura métrica concreta para trascender la investigación y la estructura coreográfica para exponer los cuerpos a lo vivencial, un ejercicio de entrega a patrones concretos que se pregunta sobre cómo actualizar conceptos coreográficos tradicionales de la danza contemporánea. 

Por otro lado, como capa discursiva, nos interesa preguntarnos acerca del entusiasmo, su relación con la precariedad y los sistemas de producción a través de la tensión entre la vivencia individual y la tarea colectiva. 

Colectivo La imperfecta

La imperfecta somos un colectivo afincado en Madrid formado en 2016 por Alberto Alonso y Clara Pampyn con el fin de trasladar a escena nuestras inquietudes artísticas en relación al cuerpo y a todo lo que de él se deriva. Tenemos un fuerte interés en lo coreográfico y en los estados físicos y emocionales que genera el cuerpo pero también un fuerte interés en lo conceptual y en cómo se relaciona el pensamiento con el movimiento, para que la práctica nos permita repensar nuestro contexto.

Para este proyecto contamos con María Hernando y Agnes Balfegó como colaboradoras. 

Corpografies #4 | Lisa Nelson_Observatory at the cusp of space

viernes 8 y sábado 9 de noviembre, 20.30h

Observatory at the cusp of space es el resultado de un laboratorio que se realizará en colaboración con l’Animal a l’esquena en el que participarán María Muñoz, Pep Ramis, Federica Porello, Scott Smith y Sofía Asencio.  Es la materialización de una colaboración multidisciplinar y multicultural en la que los artistas improvisan componiendo a partir de las herramientas de comunicación de las Tuning Scores (partituras de afinamiento). Dichas herramientas muestran cómo cada performer percibe y da sentido al movimiento, propiciando una danza que es significativa, un teatro de la opinión, que revela la confluencia fugaz de atenciones y de intenciones que iluminan el lugar que ocupa el cuerpo en este momento de emergencia del planeta.

Lisa Nelson es coreógrafa, performer de improvisación, videógrafa y artista colaborativa. Una figura imprescindible de la danza posmoderna americana, desde los años 70 indaga sobre el rol de los sentidos en la performance y en la observación del movimiento. A partir de diversas investigaciones en torno al vídeo y la danza desarrolló un acercamiento a la edición en tiempo real y la performance que denomina Tuning Scores (parituras de afinamiento). Lisa Nelson viaja por todo el mundo interpretando, enseñando y creando danzas. Así mismo mantiene colaboraciones a largo plazo con artistas como Steve Paxton, Scott Smith y Daniel Lepkoff. En 1987 obtuvo el premio “Bessie” de danza y performance de Nueva York,  y en 2002 el premio Alpert a las artes. Desde 1976 coedita la revista internacional de danza e improvisación Contact Quarterly.

Entrades disponibles aquí

del 11 al 15 de noviembre, de 10 a 14h

Sporá con Lisa Nelson: Tuning scores (composición, comunicación y sentido de la imaginación)

La Sporá de Lisa Nelson se basa en su técnica Tuning Scores (partituras de afinamiento). Esta técnica es un acercamiento a la pregunta ‘¿Qué miramos cuando miramos la danza?’ y ha evolucionado hasta transformarse en un juego estético que ofrece a los performers herramientas de comunicación para que participen en la edición en tiempo real y la reproducción instantánea en un espacio de imaginario compartido. Basándose en patrones de supervivencia automáticos y aprendidos, las Scores evidencian cómo cada performer/observador percibe y da sentido al movimiento, tanto interna como externamente. Al hacer visible el diálogo multisensorial (vista, oído, tacto) que subyace en la toma de decisiones, esta práctica proporciona una perspectiva sobre elementos fundamentales de la presencia, el comportamiento (danza/movimiento), la observación, la imaginación, el deseo, la memoria y la comunicación.

<<Me encanta observar a la gente cantar. Cómo se les mueve el rostro para sintonizar con el sonido. Los ojos miran hacia fuera, luego hacia dentro, luego hacia fuera, luego no sé hacia dónde. Puedo ver la reacción que circula de la garganta al oído a la garganta y así una y otra vez. A veces el rostro parece transformase por completo. A veces flota sobre una tranquila superficie de vibración, pequeñas formaciones de los labios, el atisbo de una lengua. Veo cómo el sonido da forma al cantante, cómo el oído afina el cuerpo a la vez que el cuerpo afina el sonido. Cuando observo este afinamiento, veo lo que deseo de la danza. ¿De qué modo es el “afinamiento” una analogía de la danza y del acto de ver danzar? En primer lugar, es físico: el afinamiento es una acción. Mueve mi cuerpo, mis sentidos y mi atención. Es también sensual: puedo sentir cómo sucede en mi cuerpo. Es relacional: es mi modo de conectarme con las cosas. Y es composicional: pone las cosas en orden.

Cierto es que hay cosas en la danza más importantes que esto, como las hay en el canto. No obstante, me sentí impulsada a traducir la mecánica del afinamiento a una práctica de danza porque sentí curiosidad y porque podía. Esto ha aclarado muchas cosas, dejando intacto el misterio de la expresión humana.

El cuerpo es un instrumento de afinamiento compuesto por antenas sutilmente diferenciadas. Estos son nuestros sentidos y miden el cambio.>>

*Lisa Nelson sobre las Tuning scores. Texto extraído del ensayo ‘Delante de tus ojos. Semillas de una práctica de la danza’, traducido por Antonio Fernández Lera 2012.

Una versión de este ensayo se publicó por primera vez traducido al francés bajo el título “Vu du Corps Lisa Nelson, Mouvement et Perception”, en la revista Nouvelles de Danse números 48-49, Bruselas, 2001. Fue publicado posteriormente en inglés bajo el título “Before Your Eyes: seeds of a dance practice” en Contact Quarterly Vol 29, número 1, invierno/primavera de 2004. © 2003 Lisa Nelson

Lisa Nelson es coreógrafa, performer de improvisación, videógrafa y artista colaborativa. Una figura imprescindible de la danza posmoderna americana, desde los años 70 indaga sobre el rol de los sentidos en la performance y en la observación del movimiento. A partir de diversas investigaciones en torno al vídeo y la danza desarrolló un acercamiento a la edición en tiempo real y la performance que denomina Tuning Scores (parituras de afinamiento). Lisa Nelson viaja por todo el mundo interpretando, enseñando y creando danzas. Así mismo mantiene colaboraciones a largo plazo con artistas como Steve Paxton, Scott Smith y Daniel Lepkoff. En 1987 obtuvo el premio “Bessie” de danza y performance de Nueva York,  y en 2002 el premio Alpert a las artes. Desde 1976 coedita la revista internacional de danza e improvisación Contact Quarterly.

del 28 de octubre al 1 de noviembre, de 10h a 14h

CORREA DE TRANSMISIÓN(ES)

Prácticas (no) visibles del Cuerpo Operador

« …Y ahora voy a situarme aquí cerca de mi (tu) mirada, como si fuera la primera vez… »
Olga Mesa

El cuerpo Operador, una presencia que desea escapar a su propia imagen. En nuestro encuentro de «Spora » vamos a poner en práctica la noción del « cuerpo Operador » a partir de escenas coreográficas/fílmicas seleccionadas de las obras de mi repertorio, a través de las cuales analizaremos su origen y evolución a lo largo de estos años. Vamos a cuestionar nuestra presencia, a partir de un vocabulario coreográfico/performativo, que impulsa la experimentación sensible y conceptual del cuerpo como dispositivo de narraciones « in-situ », en diálogo con el lenguaje fílmico y audiovisual. Vamos a practicar cómo mirar y escuchar desde el cuerpo (con o sin cámara). Vamos a pensar juntos y escribir en voz alta (con o si micro). Vamos a experimentar la relación existente entre las intenciones de los « actos pensados » y la forma de los « actos escritos » en cada una de las escenas abordadas. Vamos a re/formular la memoria física de la piel y a re/activar la memoria física del espacio recontextualizando la fuerza del gesto ya escrito y su presencia aquí y ahora.

Vamos a construir espacios, para que el cuerpo individual se transforme en un territorio de experiencias comunes y compartidas. La transmisión que me interesa poner en práctica es aquella capaz de ofrecer herramientas de creación y pensamiento que empujen a cada cuerpo a poder escribir e interpretar su propia historia, su propia presencia, y cuestionarla cada vez. Esta práctica del « cuerpo operador » nos dara la oportunidad de descubrir una dramaturgia de espacios en construcción, cuestionando nuestra manera de relacionarnos con todo aquello que respiramos a partir de nuestros deseos e impulsos inevitablemente humanos y fragiles. ¿Solo? ¿Grupo? ¿Memoria individual? ¿Memoria colectiva? ¿Reproducción? ¿Versión? ¿Remake? ¿Rewake? ¿Reboot?

Practicaremos juntos un dispositivo de « transmisiones » fundamentales en la practica de este « cuerpo operador » con el que decidir, desplazar, desestabilizar y reformular tiempos y espacios, miradas y visiones, memorias y ausencias, visibles, ¡o NO!

Esta Sporá se ofrece en paralelo a la programación de la pieza estO NO eS Mi CuerpO de Olga Mesa que se presenta el 26 y 27 de octubre.

Olga Mesa

Bailarina, coreógrafa y artista visual, emprende en los años 1990 una investigación personal e innovadora que afirma la parte de lo íntimo en la representación. Su trabajo experimental instala deliberadamente su trayectoria al borde de la danza, de la performance y de las artes visuales. Invita a la cámara en el escenario como cómplice, gracias a la cual combina la experiencia del espacio con la cuestión de la mirada. La imagen aquí es la herramienta de un distanciamiento mediante el cual revelar una memoria del cuerpo, percibir y cuestionar el mundo.

Presenta sus primeras piezas cortas en solitario en Nueva York (1989-1991), después de haber ganado el segundo premio del Concurso Coreográfico de Madrid y el primer Premio de excelencia para una bailarina (beca Merce Cunningham School). Cuando regresó a España en 1992, fundó su propia compañía y presentó su primera pieza larga, Lugares intermedios. Su deseo de desarrollar obras audiovisuales en paralelo con su trabajo teatral la llevó en 1995 a realizar el video Europas (con la participación de La Ribot y Francisco Camacho). Esta película recibirá el primer premio del Festival de Tondela (Pt) y será seleccionada para la exposición itinerante Señales de vídeo organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Las creaciones escénicas de Olga Mesa se desarrollarán alrededor de ciclos temáticos, el primero de los cuales, La trilogía del cuerpo, Res, non verba (1996-1999), incluye el solo acompañado EstO NO eS Mi CuerpO (1996), que se repetirá en 2001 para el Teatro de la Ville de París. El mismo año, creó Le dernier mot para el bailarín Marc Hwang, producido por el Festival La Bâtie de Ginebra. Este será el primer movimiento de su segundo proyecto temático Más público. Más privado (2001-2006). El tercer movimiento, el solo Suite au dernier mot : au fond tout est en surface, creado en 2003 en colaboración con el artista visual Daniel Miracle, traerá a la compañía a América Latina en 2005 para una primera gira.

Entre 1996 y 2000, participó activamente en la creación de la asociación «UVI-La Inesperada», con las coreógrafas Ana Buitrago, Blanca Calvo, Elena Córdoba, La Ribot y Mónica Valenciano, con quienes comparte la necesidad de dar un impulso a la creación escénica contemporáne independiente de Madrid. En 2005, fue invitada por el CDCN Pôle Sud en Estrasburgo como artista residente. Decidió instalarse allí y fundó la compañía Hors Champ // Fuera de Campo. Durante su residencia, desarrolla el laboratorio de creación El cuerpo próximo, que termina con la creación del dúo La Danza y su doble.

En el otoño de 2007, fue invitada como artista residente en FRAC Lorraine en Metz, con quien diseña la exposición Prácticas del (no) visible, creando espacios para las correspondencias y las intervenciones a partir de las nociones de invisibilidad e inmaterialidad. Olga Mesa continuó su creación en 2008 con Solo a Ciegas (con lágrimas azules), creada en el Teatro Culturgest de Lisboa.

El proyecto temático labOfilm (2009-2012) se desarrolla luego a través de varias residencias creativas (OFF Limits y MNCARS-Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid / Festival Citemor de Montemor-o-Velho, Portugal / FRAC Alsacia) y es en el contexto de una residencia en Guimarães 2012, Capital Europea de la Cultura, que Olga Mesa terminará la obra teatral labOfilm 1 : El lamento de Blancanieves, al mismo tiempo que presentará la forma expositiva de una serie de dípticos audiovisuales relacionados con el proyecto.

Desde 2012, co-dirigió con el artista multimedia Francisco Ruiz de Infante un nuevo proyecto temático : la aventura coreográfica, plástica y audiovisual Carmen // Shakespeare (2012-2020), en la que dirige una intensa actividad de creación y la transmisión. También empieza en 2018, el proyecto de recreación de una pieza de repertorio con 2019. estO NO eS Mi CuerpO (creación: diciembre de 2019).

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