Quinzena Metropolitana de danza 

10 de diciembre, a las 20.30h,

11 de diciembre, a las 20h

12 de diciembre, a las 20.30h

Catalina no se va de fiesta: es una fiesta en sí misma. Antes de salir se prueba sus cuatro medias rotas a ver cuáles le quedan mejor y por la mañana se descubre el pómulo morado, los pespuntes de dentelladas, las agujetas en los gemelos, la afonía. Catalina se revienta y consigue, a fuerza de besos bien y mal dados, que la demás se revienten. Frente al “Madame Bovary soy yo”, que no quiere ni en pintura, Catalina declara “Larumba soyyo”, como Andrés Caicedo en su novelón ¡Que viva la música!, el cual nos enseñó a chuparnos el pelo como Lectura fácil de nuestra compañera Cristina Morales nos enseñó aclavarnos el pico de la mesa. Catalina peca de danza y de literatura, pero expía su cultura con su poca vergüenza.

El colectivo Iniciativa Sexual Femenina nace en 2017 en el centro social autogestionado Can Vies, en Barcelona, con el deseo de aproximarse a la danza contemporánea desde una perspectiva feminista, libertaria y antiacademicista. Está integrado por Élise Moreau (Francia, 1992), Elisa Keisanen (Finlandia, 1988) y Cristina Morales (España, 1985).

Domingo 13 de diciembre, las 12.30h

En paralelo a esta programación, se propone la acción  Bailar con el coño una conferencia-charla entre Sara Pierallini e Iniciativa Sexual Femenina que inaugura la exposición ¿Sexo libre o libertad del deseo? que se podrá visitar en La Caldera a partir del 7 de diciembre de 2020.

4 y 5 de diciembre, a las 20.30h

6 de diciembre, a las 19h

SB es un solo que gira en torno a la relación cuerpo-poder.

El yoga es el marco contextual de la performance, el cual sirve para cuestionar políticas de poder sobre los cuerpos; un poder externo impuesto sobre estos así como un poder que el individuo se impone sobre si mismo a través de una autodisciplina.

Digitalidad, belleza, salud, capital, amor, erotismo y auto-ficción, son conceptos entrelazados que se abordan como una forma de experiencia espiritual vinculada a la construcción de roles de poder a través del cuerpo y su imagen social.

¿Qué papel juega Internet en relación a la política neoliberal y sus técnicas de control y vigilancia?

Dirección y performer: Núria Guiu | Asesoramiento Artístico: Esther Freixa, Sónia Gómez | Acompañamiento dramatúrgico: Lucas Ubach | Diseño de escenografía: Lola Bellas | Asesoramiento vestuario: Lola Bellas | Diseño de luz: Joana Serra | Asistencia técnica: Sergio Roca | Manager: Fani Benages | Residencia en: Sala Hiroshima, La Caldera Las Cortes, Graner de Barcelona, CRA’P, La Briqueterie CDCN | Artista asociada a: Graner de Barcelona | Gracias a: Claudia Mirambell, Alicia Kopf, Telemanrec, Carles Decors, Claudia Brufau, Søren Evinson | Co-producción: Festival Grec de Barcelona, La Briqueterie CDCN du Val del Marne

Estrenado en el Festival Grec Barcelona 2020

Entradas en la web

Del 9 al 13 de noviembre, de 10 a 14h

En este laboratorio Cuqui Jerez y Oscar Bueno compartirán con el grupo de participantes el inicio de su proceso de investigación Mágica y Elástica.

Mágica y Elástica se plantea como un musical, un musical deconstruido o un antimusical que explora cómo el sonido, el movimiento y la imagen trabajan juntos. Estos elementos nos permiten percibir aquello de lo que no podemos hablar, nos permiten vislumbrar lo que el lenguaje no puede captar, nos conducen a un espacio de misterio, a lo eterno desconocido, al subsuelo del lenguaje y al momento en el que la experiencia se convierte en emoción.

Esta investigación surge como una expansión o desviación del proyecto anterior Las Ultracosas,, centrado en explorar la suspensión del sentido en una situación performativa, donde ponemos en tensión/relación la coreografía y la acción viva de los cuerpos con la música. Esta relación música-coreografía no es el centro de la investigación de Las Ultracosas pero es algo que se manifiesta de una manera muy evidente. Mágica y Elástica surge de la necesidad de atender a esta relación de una manera más profunda.

En Las Ultracosas la relación música-coreografía genera un modo de mirar y una temporalidad de la experiencia/estado muy específica donde la música es de algún modo el motor del acontecimiento vivo y escribe su dramaturgia: cinco horas ininterrumpidas de música en sus combinaciones más eclécticas acompañan a la práctica performativa de los cuerpos y el uso del lipsync, lo que nos hace viajar por innumerables narrativas, emociones, ambientes, densidades y paisajes. A partir de esta decisión estética tomada en Las Ultracosas (podríamos hablar de un pseudo-musical) empieza a surgir en nosotras una fascinación en torno a la relación música/coreografía (atravesada por el lenguaje) que se traduce en muchas preguntas, de momento muy iniciales, y que es el objetivo de este proceso profundizar en ellas. Durante el laboratorio compartiremos con el grupo de participantes algunas de las preguntas iniciales en forma de prácticas concretas que produzcan más preguntas.

El título Mágica y Elástica aparece a partir de una práctica inicial de describir la música con adjetivos y hace alusión a nuestra colaboración. Desde hace unos meses Cuqui y Óscar (aka Mágica y Elástica) realizamos escuchas de piezas musicales e intentamos describir de una forma intuitiva y abstracta estas piezas. Esta práctica está siendo el primer paso para poner en relación la música y la producción de imágenes (visuales y coreográficas). En estas escuchas observamos las imágenes que se producen en nuestra imaginación durante la experiencia de escuchar en tres niveles:

• La imagen que genera la propia partitura o la traducción de la partitura a un espacio visual: líneas, curvas, puntos, formas, superposiciones, dibujos en el espacio etc..
• La imagen que evoca la música en una dimensión más metafórica en relación con el mundo real: paisajes, acciones, cuerpos, naturaleza, lugares, objetos, colores, etc.
• Movimiento: Energía, velocidad, ritmo, texturas, fugas, etc.

En cada uno de estos tres terrenos intentamos producir un espacio visual y coreográfico imaginado con el que poder empezar a trabajar de manera práctica pudiendo llevar esas imágenes y acciones a un plano físico y material.

Esta práctica es un posible inicio para entender las relaciones entre música, coreografía, imagen y narrativa con la idea de manipular, deconstruir y amasar las convenciones del musical como género: danza, canto, letras, narración, clímax, silencios, tensiones, etc. La deconstrucción de este género nos ofrece un campo de trabajo donde la narrativa podría partir de una imagen, la coreografía desde la música, la música desde la narrativa, la coreografía desde la imagen, la imagen desde la música, etc. siendo interdependientes entre sí y sin jerarquías entre ellas. Se moldean entre sí, creando un cuerpo musical amorfo, mixto y con múltiples capas.

Durante el laboratorio partiremos de la práctica de las escuchas para iniciar un trabajo de traducción y entendimiento del sonido, la imagen, la coreografía y la narrativa. Trabajaremos escuchando, imaginando, observando, pero también moviéndonos, coreografiando, cantando, dibujando, escribiendo y manipulando materiales. Propondremos inicialmente un espacio de trabajo donde ver como escuchar y escuchar como ver y veremos a partir de ahí el viaje juntas a dónde nos lleva.

Mágica y Elástica es un proyecto iniciado por Cuqui Jerez y Oscar Bueno en colaboración con Anto Rodriguez, Cecile Brousse, Javi Cruz y Louana Gentner.

Cuqui Jerez es artista, coreógrafa y performer madrileña. Vive y trabaja en Madrid y Berlín. Con una trayectoria como bailarina e intérprete desde 1990, trabajando en diferentes proyectos y con diferentes coreógrafos y artistas, y después de crear varias piezas cortas y colaboraciones, comienza a desarrollar su trabajo en 1999. Su trabajo ha sido presentado en numerosos festivales en Europa y también en América Latina y Estados Unidos.

 Trabaja en la creación de un lenguaje coreográfico a través del cuerpo en relación con el espacio, el tiempo y los objetos. Su trabajo coreográfico se encuentra siempre ligado a preguntas a cerca de la percepción, el lenguaje y la emoción. Sus últimas investigaciones giran en torno a la observación del comportamiento de las cosas/materias en el espacio/tiempo y a la suspensión del sentido dentro de una experiencia estética performativa, explorando los límites del lenguaje. Su principal actividad es la creación pero también participa en diversos proyectos de investigación, curatoriales, de docencia y publicaciones.

Óscar Bueno Rodríguez. 1985, Avilés, Asturias. Grado Profesional Musical en la especialidad de Piano. Licenciado en Arte Dramático por la ESAD de Asturias en la especialidad de Interpretación Textual. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de Universidad de Castilla la Mancha y el Museo Reina Sofía en Madrid. Máster en Artes Escénicas de la Universidad Rey Juan Carlos y posteriormente el CAP (Curso de Adaptación Pedagógica). Completa su formación a través de workshops de danza con Roberto Oliván, Pepe Hevia, Fernando Hurtado, y de creación con Mira Rychlicka, Leo Bassi, Carlos Marquerie, etc. Toda mi práctica se mueve sin parar entre lo musical, lo coreográfico y lo visual, de modo más o menos premeditado. Soy autor pero también trabajo acompañando procesos de otras artistas, que desembocan en teatros y contextos híbridos de la escena experimental europea. Soy performer en ambos ámbitos, y soy músico. La visualidad o el trabajo en dibujo da forma a una exploración central en mi trabajo, que se comunica con esas otras disciplinas de forma natural. Algunos de los trabajos que he presentado, o están en fase de desarrollo son: Soundtrack, Big Square, La música camuflada, Estudios para sonidación, Easy music y Las Polaroids. Paralelamente a mi práctica colaboro con otras artistas: Itxaso Corral (dentro del colectivo Poderío Vital), Anto Rodríguez, Cuqui Jerez, María Jerez, Cris Blanco y Amalia Fernández.

Debido a las restricciones por Covid-19 el grupo de participantes será reducido a 8 personas por lo que se realizará una selección a partir de las solicitudes recibidas.

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QUIMERAS. Entre la sangre y la savia

Del 2 al 6 de noviembre, de 10 a 14h

Solo mediante el examen de la estructura que nos sostiene y que nos sustenta podemos ver cual es nuestro sitio y, por lo tanto, nuestra responsabilidad.

En un metro de bosque, D.G Haskell

Desde hace tiempo estudio anatomía y trabajo a partir de ella. Desde hace menos tiempo me estoy acercando al estudio de la botánica, me he interesado por la estructura y las formas de la vegetación. La práctica de la anatomía es algo que vinculo de manera natural con el movimiento del cuerpo, con la danza. Sin embargo, la observación botánica, aún siendo profundamente sensorial, paraliza mi cuerpo, lo vuelve un sujeto mirando un objeto. Son dos formas de operar con el cuerpo y con sus sensibilidades, una que llama a la acción y la otra que me induce a la contemplación, a quedarme al acecho.

En esta Sporá os propongo trazar un camino entre una práctica y otra; un camino que parta de la observación de nuestra anatomía y de la estructura de lo vegetal de manera indistinta. No se trata de comprender o confrontar dos formas de vida diferentes, se trata de crear una disposición sensible para que una forma de vida pueda resonar en la otra.

Me interesan las estructuras, lo que sujeta la materia y sus formas. No sé explicar por qué, pero es ahí donde encuentro un espacio de pensamiento y de acción que me permite inventar, que me permite renombrar los gestos y los espacios. Pienso como el biólogo G.D Haskell que a través de la observación de las estructuras podemos entender nuestro sitio, nuestra responsabilidad. Estos días serán una invitación a transitar por la idea de estructura. Miraremos la estructura de nuestros cuerpos, a través del estudio de láminas anatómicas, y la estructura vegetal, mirando a través de un microscopio que me acompaña desde hace un tiempo.

Para terminar una historia de esporas. Hace unos días, cerca del huerto de casa vi unas setas que no conocía. Al día siguiente volví al mismo sitio a mirarlas y solo encontré sus restos, parecía que hubieran explotado dejando un espacio quemado (negro) a su alrededor, una amiga que es guía micológica los identificó como Coprinus. Este

genero de hongos se autodigiere hasta volverse líquido y así reparte sus esporas más lejos, más rápido. Eso que vi era su forma de reproducción, un proceso de delicuescencia.

La quimera era un ser mitológico constituido de la mezcla de especies.

Elena Córdoba (Madrid, 1961). Mi obra se construye a partir de la observación detallada del cuerpo, eje y materia de mi trabajo. En el año 2008 inicié Anatomía poética, ciclo de creación sobre el interior del cuerpo humano, que comprende obras y estudios de distintos formatos y que aún se extiende en el tiempo. Me interesa especialmente el acto humano de bailar, su necesidad y su pervivencia social. He participado en distintos colectivos de investigación y práctica artística como Bailar ¿es eso lo que queréis? junto con Ana Buitrago y Jamie Conde Salazar, Déjame entrar, colectivo anatómico o ¿Bailamos? Actualmente trabajo entre el cuerpo y la botánica en el marco de Ficciones Botánicas, un proyecto de estudio y ficción en torno al mundo vegetal y sus leyes coreográficas. Dentro de esta investigación y en el contexto ARAR de La Caldera este año hemos generado Calendario para un tiempo vegetal, junto a David Benito y Luz Prado.

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‘Mercedes máis eu’ de Janet Novás y Mercedes Peón

22, 23 y 24 de octubre, a las 20.30h

Recuperamos la programación de la Quinzena Metropolitana de dansa de este año prevista inicialmente para el mes de marzo. Dentro de este marco se presenta Mercedes mai eu de Janet Novás y Mercedes Peón del 22 al 24 de octubre, así como una actividad paralela Fantasias de género y cuerpos del no mundo, una conferencia con Mercedes Peón el 25 de octubre.

Mercedes máis eu es un trabajo de colaboración de la artista Janet Novás y la compositora Mercedes Peón en el que ambas exploran las relaciones particulares que existen y se establecen entre “su danza y su música”. Entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes afloran conceptos en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos, de gran contenido socio-político, están presentes en los materiales, desde los “objetos” musicales a los danzísticos o biográficos, otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas, aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas.“Mercedes mais eu” mira hacia lo colectivo y lo hace desde perspectivas y sensibilidades nada arquetípicas. El trabajo es además una propuesta sutil sobre lo común sensible, y una apuesta por el hacer/saber artístico.La pieza, en femenino, es un híbrido dancístico musical plagado de imágenes evocadoras y seccionada por cuadros, lo que le permite habitar en diferentes arquitecturas o marcos, desde contextos más escénicos a otros más instalativos o museísticos.

Janet Novás es Bailarina, performer, coreógrafa y docente. Reside en Madrid desde el año 2001.Se formó en danza contemporánea entre Madrid, Bruselas y Berlín. En el año 2007 comienza a crear y a desarrollar su propios proyectos en solitario. Su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta de trabajo, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Sus creaciones se han presentado en diferentes festivales nacionales e internacionales como Rencontres Chorégraphiques, Festival de Marseille, Festival Nouvelles-Pole Sud, Cement Festival, Dança en Transito, MOV_S, TNT Dansa, Festival de Otoño a Primavera, Escenas do Cambio y el Festival Bad, entre otros.

Mercedes Peón está considerada como una de las mujeres más carismáticas del circuito de la world music actual. Nació en 1967 y a los 13 años escuchó cantar a varias mujeres de la Costa da Morte. El tocar de la pandereta y el cantar de la ribeirana fue el detonante para recoger las canciones, bailes, cuentos y vivencias de sus contemporáneos habitantes de las aldeas. Comienza una intensa recopilación. Transmitió todo ese conocimiento en centros de enseñanza, en las escuelas municipales, en la Televisión de Galicia, y en Universidades de La Sorbona, Oporto, País de Gales, etc. La variedad de sus composiciones que arrancan desde la polirritmia bajo la mirada de los ritmos más ancestrales, culminan en temas eclécticos y descaradamente vibrantes. Su amplio repertorio, el embrujo y la energía que se apodera de cada una de sus actuaciones, hacen de esta mujer una apuesta segura por la continuidad de la escena etnocontemporánea en Europa. Después de profundizar en la tradición durante más de 25 años, en 2000 grabó su primer álbum llamado Isué. Se expresó libre de clichés y se expandió por el campo internacional sin ningún esfuerzo mediático. En sus trabajos posteriores, Ajrú (2004), Sihá (2007) y Sós (2008), sus composiciones la llevaron a una particular atmósfera rozando lo electroacústico, haciendo del resultado su señal distintiva dentro y fuera de nuestras fronteras. Su último trabajo, Deixaas (2018), es fruto de una intensa etapa de investigación sobre las posibilidades del arte sonoro llevado al ámbito de la tradición, en el que es un referente internacional.

Duración 70 min.

Dirección: Janet Novás | Dramatúrgia: Ricardo Santana | Interpretación: Janet Novás y Mercedes Peón | Autoria y dirección musical: Mercedes Peón | Interpretación musical: Mercedes Peón | Diseño de luces: Cristina Bolívar | Diseño de sonido: Ezequiel Orol | Ayudante de dirección: Ricardo Santana

Entradas aquí

Fantasías de género y cuerpos del no mundo con Mercedes Peón

diumenge 25 d’octubre, a les 12.30h

Actividades paralelas de la Quincena Metropolitana de la Dansa

Conferencia de Mercedes Peón

Hay imaginarios paralelos al capitalismo occidental que tienen relación con lo ecológico, con las relaciones y la creatividad que nace de la comunicación con aquello que nos rodea. Imaginarios sin género y sin arquetipos cerrados. Con mujeres que solas o no, por elección propia o no, criaban, trabajaban, vendían la cosecha y también, tenían su ‘tránsito extático’ dentro de una comunidad que se liberaba de la cotidianidad a través de excesos en comunidad de música y danza, aquello que en Galicia llamamos «seráns». Todavía hoy quedan cuerpos que, como entonces, no tienen esta (sub)misión albergada a la feminidad apresa de las castas sociales más alejadas del pueblo con tal de diferenciar y codificar el conocimiento.

Actividad gratuita con reserva previa en info@lacaldera.info facilitandonos Nombre completo, teléfono y DNI. 

Dentro del marco de Creación y Museos de este año, La Caldera en colaboración con el MUHIBA el Museo de Historia de Barcelona, proponen Cantar el agua, el primer trabajo conjunto de Laia Estruch y Marc Vives, cuyas investigaciones individuales giran entorno a temáticas comunes que finalmente han decidido trabajar conjuntamente en esta pieza. Se mostrará en La Casa de l’Aigua, en Trinitat Vella este 17 i 18 de octubre, a las 12.30h.

La Caldera abre la convocatoria del programa de residencias para el periodo de enero a diciembre 2021. Este año la convocatoria tiene dos modalidades: residencia de creación y residencia técnica.

Se prevé acoger un total de 12 proyectos: 10 residencias de creación y 2 residencias técnicas.

Va dirigida a creadores, colectivos e investigadores vinculados con las artes escénicas, con trayectorias provenientes de cualquier ámbito artístico, que consideren el cuerpo y/o el movimiento como materia, herramienta o pregunta central en su proyecto artístico. Su procedencia puede ser local, nacional e internacional.

El plazo para la recepción de los proyectos va del martes 13 de octubre hasta el lunes 2 de noviembre del 2020 a las 23.59h.

Bases aquí

Miércoles 16 de septiembre, a las 20h, la artista Rosa Romero compartirá su proyecto Debut con una Cápsula de Creación en Crudo.

Debut es un solo donde la performer atraviesa un acto de iniciación frente al público para ser aceptada, ser amada a fin de cuentas. Es un deseo de pertenencia a la comunidad. Como en todo acto iniciático la iniciada tiene que demostrar su valía enfrentándose al grupo sola y con todo su cuerpo. Se para frente al público, la comunidad de la que depende su aceptación, y les dice: miradme.

Vídeo promo de la Cápsula en Instagram:

Rosa Romero (1986) creadora escénica y actriz, Licenciada en Arte Dramático en la ESAD de Málaga. En esta misma ciudad junto con compañeros con los que compartía el interés por la creación y la experimentación escénica, trabaja durante años en varias compañías teatrales como La Caldera, Bajotierra o la mordiente. En esta ciudad también participa en la gestión de nuevas iniciativas como el festival de escena alternativa El Quirófano. Tras pasar por la escuela de interpretación de William Layton en Madrid, en 2013 vuelve a San Fernando, donde crea y gestiona “Estratería” un espacio donde empezó a darle forma a sus primeros proyectos personales. Actualmente vive en Sevilla trabajando en varios proyectos artísticos; “Estación espacial” con Alberto cortés y Alex peña, “Pelo de Trol” con Silvia Balvín ( Cía. Rosa Cerdo) y Debut, su primer solo.

En esta entrevista, Rosa explica el proceso de trabajo que ha seguido con este proyecto:

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

Entrada libre con aforo limitado. Inscripción previa en info@lacaldera.info