Del 18 al 20 de octubre en el CA2M
Comisariado de escuelita con David Bestué
Manuel Asín, Ángel Bados, David Bestué, Diego Delas, Rubén Grilo, Lucía Jalón, Mario Montalbetti, Julia Morandeira, Lucía C. Pino, y Manuel Segade.
¿Qué quiere decir mundanizar el mundo? Mundanizar, en infinitivo, alude a prácticas que entrelazan lo material y lo semiótico, en las que sujeto y entorno se funden en un tejido continuo. Es un nombre que tornamos verbo, para subrayar así que se trata de un proceso (ontológico) activo; que más que una figura de pensamiento, se trata de un modo incesante de producción encarnada. Pero además es también una propuesta que parte de nuestro gesto de traducir al castellano de manera un tanto bastarda un neologismo inglés (worlding), que invoca los gestos de un hacer familiar, modesto, mundano. Una invitación a imaginar formas posibles de tutear al mundo.
Frente a la desmaterialización salvaje de la imagen digital y sus consecuencias violentas que ocuparon la anterior edición, el espacio de trabajo de esta edición de las Jornadas de Estudio de la Imagen es la rematerialización del pensamiento visual: hoy la urgencia es la adscripción a aquellas prácticas que hacen mundo. Unas prácticas que recorren de manera promiscua el espectro disciplinario y redefinen lo visual en su desborde, entendiendo que todo encuentro implica conexión e intersección, y por ello, prestando especial cuidado a sus modos de articular el mundo. Donna Haraway lo resume así en Staying with the Trouble: “Importa qué materias usamos para pensar otras materias; importa qué cuentos contamos para contar otros cuentos; importa qué nudos anudan nudos, qué pensamientos piensan pensamientos, qué descripciones describen descripciones, qué ataduras atan ataduras. Importa qué historias hacen mundos, qué mundos hacen historias.”
Teniendo esto en cuenta, estas Jornadas pretenden inspirar nuevas formas de nombrar que son también formas de hacer: maneras de mundanar el mundo que ya están ocurriendo y para las que podemos reconstruir una tradición selectiva que las dibuje en una genealogía situada en el espacio contemporáneo de producción cultural en el Estado español. La tradicional imagen visual está hoy excedida, ya no por su signo, como en los 80, sino por la huida de la imagen en formas diversas del exceso encarnado barroco. Ese exceso semiótico y textual ha derivado en las últimas décadas en exceso de forma (como es palpable en la corriente arquitectónica deconstructiva, por ejemplo) que, a su vez, ha provocado que escritores, artistas o arquitectos hayan preferido interesarse en aspectos que re-conectan con lo menor y con la materia propia de cada hacer: el poeta Mario Montalbetti reclama la poesía como un contexto de resistencia contra lo visual, la escultora Lucía C. Pino reivindica el amplio abanico de connotaciones (físicas, simbólicas, políticas, narrativas y especulativas, por citar algunas) que aloja el uso específico de materiales, o la arquitecta Lucía Jalón, que busca imágenes arquitectónicas desde lo clandestino, lo cotidiano y el secreto.
En continuidad con estas posiciones, estos tres días serán un espacio de encuentro e intersección entre diversas formas de producción que contrarrestan la apabullante virtualidad y reproducción de imágenes actual. En su lugar, proponen pensar en sus articulaciones de presencia, en sus formas de ser y hacer mundo, para así devolverle un lenguaje, una carne y un lugar específicamente mundano.
Las JORNADAS DE ESTUDIO LA IMAGEN es un programa dedicado a la reflexión colectiva en torno a la teoría y la práctica de las culturas visuales. Se desarrolla durante tres días en una estructura de foro de debate, compuesta por un seminario, talleres y una convocatoria pública de proyectos. Esta edición se estructura a través de tres jornadas (Ver / decir mundo; Neobarroco, neobarroso, neoborroso; Hacer objeto) definidas temáticamente e interconectadas entre sí. En continuidad con la propuesta, los comisarios han diseñado un dispositivo a partir de obras de la colección del CA2M y elementos expositivos del centro, buscando que encarne y resuene con los debates que aloje. También, han editado una publicación online que recoge textos claves en relación a las cuestiones que el simposio aborda, con el fin de amplificarlas.
PROGRAMA DE CONFERENCIAS
JUEVES 18 OCTUBRE 17:00 – 20:30
Ver / decir mundo
Bien es sabido que el lenguaje, su uso y su producción, moldea nuestra percepción de la realidad. Indagar en las potencialidades de generar significados y articular sus significantes —su concreción, sus desfases, sus nudos— implica pues formas de hacer mundo. Esta primera jornada profundiza en las relaciones que teje el lenguaje, y más específicamente el lenguaje poético, con la visualidad y el arte contemporáneo, para explorar de qué modo nociones y estrategias que el lingüista o el poeta aplican pueden ponerse en práctica en el ámbito artístico.
17:00 Introducción a la XXV Edición de las Jornadas de Estudio de la Imagen por Julia Morandeira y Manuel Segade
17: 30 David Bestué
Dar sentido
En esta conferencia quiero indagar en las relaciones entre la materia y el lenguaje a través de trabajos propios y referencias a la obra de poetas, lingüistas, artistas y arquitectos. El punto de partida es la necesidad que tiene cada época por construir sentido y la dificultad en la actualidad de trabajar alrededor de lo simbólico, que ha perdido valor a favor de lo utilitario. Durante este proceso el lenguaje se ha vuelto demasiado pragmático e instrumental y la palabra ha perdido ambigüedad. En este contexto nace mi interés por trabajar y darle vueltas a la idea de lo material, por encima de la forma. La materia siempre se va moviendo: cuando la Historia ha marchado, cuando el uso original de un objeto ya no se conoce, queda la materia, es su anclaje con el presente. Me gusta esta cualidad porque significa un triunfo a favor de lo concreto y lo específico sobre lo abstracto en una época como la actual, donde hay un interés creciente hacia la virtualidad y se ha producido una degradación del concepto de realidad.
David Bestué, comisario de las XXV Jornadas de Estudio de la Imagen. Ha realizado las exposiciones Realismo, en La Capella (Barcelona, 2014), La España Moderna en García Galería (Madrid, 2015) y ROSI AMOR, en el Museo Reina Sofía (Madrid, 2017), entre otras. Ha publicado un libro sobre Enric Miralles (Enric Miralles a izquierda y derecha, 2010) y la Historia reciente de la arquitectura y ingeniería en España (Formalismo Puro, 2011 y Historia de la fuerza, 2017).
18:30 Mario Montalbetti
El límite del poema
Lo que quiero considerar en esta conferencia es el desfase radical entre decir y ver. Me voy a circunscribir al poema por razones que explicaré en la exposición. La idea principal es la siguiente: el límite del poema no es lo indecible, porque lo indecible es, después de todo, parte de lo decible. Constantemente decimos lo que no se puede decir, como si lo indecible fuese una especie de parásito demasiado pequeño como para observarse con el instrumental del lenguaje —pero que “está ahí”. El silencio tampoco es un límite porque el silencio también es un invento de lo que decimos; el silencio es siempre luego de haber dicho. La tesis será entonces que el límite del poema, el límite de lo decible, no es lo indecible sino lo visible en un sentido absoluto. Y esto es posible si asumimos la ceguera radical del poema.
Mario Montalbetti es Profesor Principal de Lingüística en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Su poesía reunida apareció bajo el título Lejos de mí decirles (Aldus, México 2013). Sus últimos libros son un ensayo sobre Blanca Varela, El más crudo invierno (FCE, Lima 2016) y el poemario Notas para un seminario sobre Foucault (FCE, Lima 2018).
19:30 Debate moderado por Manuel Asín
Manuel Asín es coordinador del área de cine del Círculo de Bellas Artes de Madrid y programador para MNCARS, CCCB, SEFF, etc. Ha publicado artículos en Trafic, Concreta o Caimán, donde es miembro del consejo de redacción. Autor, junto a José Antonio Escrig, de Desde Shakespeare (Calambur, 2017) y responsable de la editorial Intermedio (2010-2015). Es también parte del equipo docente de EQZE (Tabakalera, San Sebastián) y del Máster LAV (Madrid).
VIERNES 19 OCTUBRE 12:00 – 14:00 y de 17:00 – 20:30
Neobarroco, neobarroso, neoborroso
Esta segunda jornada aborda el exceso —material, formal, textual y de sentido— y sus reveses: contra-estrategias que buscan instituir una gramática de lo menor, o incluso de la ausencia. La jornada se inicia con un recorrido por la abundancia material de la vida urbana, visitando el centro municipal de gestión de residuos, y prosigue con una exploración por los bordes de la historia del arte y de la arquitectura; dos tradiciones que han producido formas de representación inflamadas (propias de una complejidad epocal, una inflación teórica o una dificultad del decir) que aquí se contrarrestan desde lugares ambiguos, como son el duelo o lo clandestino.
12:00 Visita al Parque Tecnológico de Valdemingómez
El centro de tratamiento Las Dehesas del Parque Tecnológico de Valdemingómez, proyectado por el estudio de arquitectos Ábalos y Herreros entre los años 1996 y 2000, es el lugar donde se seleccionan y procesan los residuos urbanos de Madrid. A través de esta visita queremos plantear cómo compostar una práctica artística y un futuro a partir de la destrucción, de la gestión, de la abundancia de los escombros materiales del presente.
La visita durará 2 horas, de 12:00 a 14:00. Dado que el complejo no es accesible por transporte público, se pondrá un bus a disposición de los participantes previa inscripción, que saldrá del CA2M a las 11:15.
17:00 Sesión crítica con Lucía Jalón
Aprender a navegar lo clandestino jugando a las tinieblas. Prueba y error hacia una nueva imagen arquitectónica
La presente propuesta forma parte de una investigación más amplia sobre arquitectónica menor. Con este término nos referimos a una producción espacial que emerge de la potencia de los cuerpos y al margen de los poderes, e implica un saber que no puede ser codificado y que, frente a la generalidad, reivindica la experimentación y lo circunstancial. La ponencia presentada se centra en la necesidad de un nuevo concepto de imagen arquitectónica, que escape de las trampas de la representación tradicional y el registro exacto, de la cuantificación y la medida, y permita pensar y operar sobre el espacio no de forma abstracta, sino situada e implicada. Recurrimos para ello a la definición de imagen dada por el filósofo Spinoza en su Ética, que nos permite atender a la dimensión corporal de la misma: “las afecciones del cuerpo humano cuyas ideas nos representan los cuerpos exteriores como si nos estuvieran presentes, aunque no reproduzcan las figuras de las cosas”. Es decir, aparece una imagen borrosa como mapa afectivo inscrito en el cuerpo, frente a la imagen nítida propuesta por la representación clásica. Para no quedarnos en una reflexión meramente teórica, exploraremos las posibilidades de esta idea desde tres situaciones específicas sobre el espacio clandestino. Un espacio en cuya producción está inscrita la necesidad de evitar la representación visible y la medida o registro según los parámetros objetivos que permite la tecnología contemporánea.
Lucía Jalón Oyarzun es arquitecta e investigadora. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM), donde defendió su tesis doctoral “Excepción y cuerpo rebelde: lo político como generador de una arquitectónica menor” en 2017. En la actualidad es co-directora académica de la Escuela SUR de Artes y Profesiones Artísticas.
18:00 Manuel Segade
Después de la ceremonia vacía, después de tanta muerte
El Sur geopolítico aportó en los años 80 un pensamiento que defendía el neobarroco como una exuberancia del signo hablando de sí mismo, como una modalidad del exceso que amenazaba los órdenes simbólicos convencionales. Pensadores como el argentino Néstor Perlongher o el cubano Severo Sarduy, y artistas como Pepe Espaliú, escribieron a contrarreloj mientras la crisis del sida avanzaba a su alrededor. Si el arte contemporáneo es una tradición selectiva, el presente ha de inscribirse en una pauta genealógica para la que hay palabras que ya nos han sido legadas: un trabajo de duelo eminentemente barroco con el que volver a entender las prácticas artísticas como una epidemia incontenible, como un espacio de proliferación de los signos en los cuerpos, y viceversa.
Manuel Segade, director del CA2M y comisario de las XXV Jornadas de Estudio de la Imagen. Su investigación predoctoral se centró en la revisión de la teatralidad y las estructuras lingüísticas alegóricas en la escultura de los 80 a través de la obra de Juan Muñoz. Desde 1998 trabaja en fragmentos de una historia cultural de las prácticas estéticas de finales del s.XIX, en torno a la producción de una subjetividad somática y sexualizada (Narciso fin de siglo, Melusina, 2008). En sus últimos proyectos ofrece formas de acercamiento gestual al comisariado como otros modos de distribución discursiva.
19:00 Proyección de Blue de Derek Jarman (1993, 79’)
Blue es una película monocroma azul sobre el que se superponen una banda sonora y una series de voces que relatan las vivencias de un cuerpo arrasado por los estragos del SIDA. Completada tan sólo unos meses antes de su muerte, para Jarman esta película supone trabajar con la epidemia desde lo fílmico, algo que según él sólo había hecho como pintor hasta entonces. Parcialmente ciego como consecuencia de la enfermedad, cuenta que su visión era interrumpida momentáneamente por una luz azul, que aquí se convierte en pantalla. Blue es un profundo gesto contra-visual que, tras la exuberancia neobarroca que su filmografía despliega, materializa el vacío que el duelo establece.
20:00 Debate moderado por David Bestué y Julia Morandeira
SÁBADO 20 OCTUBRE 11:00 – 14.30
Hacer objeto
Esta última jornada se propone desde la práctica artística y desde un anhelo especulativo, para preguntarse de qué maneras la imagen se hace mundo a través del arte. De un tiempo a esta parte son muchos los artistas que ejercitan una práctica mundana y coloquial, que contrarresta la espectacularización a través de un hacer afectivo, subjetivo y crítico. Planteamos aquí una reflexión sobre el objeto y el hacer objeto, una conversación sobre y desde la escultura, entendida como presencia más que como imagen y que introduce herramientas discursivas ligadas al ámbito lingüístico y material.
11:00 Sesión crítica con Diego Delas
Una ensoñación demencial, una especulación sin fin.
Propongo un entendimiento de la memoria como reconfiguración a tiempo presente de lo pasado y que referencia la metodología medieval de utilizar la representación del espacio como una herramienta mnemotécnica. La presentación tomará cualidades de la Demencia – como patrón de crecimiento (también disruptor) en el relato- para hilar nociones en torno a la práctica de estudio, la producción de objetos y ficción e imaginación. Las Historias aquí son transformadas en constelación pictórica de símbolos y sombras que aluden a diferentes caracteres, eventos y períodos. Un balbuceo que comienza como acaba y se repite, un manto agujereado como agujereado igualmente el saco que deja caer grano y sin quererlo siembra, un desliz que deviene en relato y por ende, imagen mental. Imaginar para rellenar un hueco, casi siempre, el que dejan las palabras, el que atesora el vientre: allí donde nacen las ideas oscuras, las corazonadas (pues para ciertos mercaderes medievales, el corazón de la ciudad, igual que el de una casa, o el de un hombre, se encontraba siempre en las tripas, las bodegas, las glorias que serpentean como oscura entraña bajo el suelo y conduce el dulce humo hacia los cielos, calentando casa, rostro y corazón de los que moran).
Diego Delas es artista, arquitecto e investigador. Estudió Arquitectura y Bellas Artes en Madrid y un Master en Arte en Royal College of Art de Londres. Actualmente es Doctorando en Ruskin School of Art de la Universidad de Oxford, donde escribe sobre ficción, demencia, arquitectura sin arquitectos, y creación artística becado por el Observatorio Radcliffe de Humanidades /AHRC
12:00 Conversación entre Ángel Bados, Lucía C. Pino y Rubén Grilo
Ángel Bados
(déjame que lo haga)
…… Quizá fuera suficiente con distinguir la cualidad fenoménica de los semblantes de lo digital, y que no en vano sostienen nuestra mirada, de aquellas otras imágenes que, afectándonos corporalmente, procuran engarzarnos simbólicamente con lo que resiste a ser dicho.
Pero la cosa no es fácil.
Aún sabiendo del poder fascinante de algunos semblantes, y siendo impensable una producción de arte que no lo fuera en base material ya que de ello depende el levantamiento activo de nuestras representaciones, el trabajo diario indica que lo material es más bien mudo y opaco, y fuera de significado. Y que atenta contra la estructura. Con lo cual, el cerramiento del sentido se torna altamente improbable, a no ser que admitamos que, junto al intento de buen decir, discurre parejo el anhelo de satisfacción. Y sería justo ahí, en el entramado del curso de la significación con el caudal del deseo –que “es sin objeto”– donde, tal vez, lo que está más allá del sentido pueda anudarse como efecto de creación y de poesía.
Ángel Bados ha expuesto individualmente en la Galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid, en 2013, y en Carreras Múgica, Bilbao, en 2017. Actualmente participa en la muestra colectiva el Otro soy yo, que se celebra en la sala Koldo Mitxelena de San Sebastián. En 2017 participa en las jornadas Pensar en arte. Lo educativo como síntoma, celebradas en el Centro Azkuna, de Bilbao. Y en junio de este año participó en L’occasione bajo el lema “Hecho con las manos”.
Lucía C. Pino
un ensamblaje no es un todo sin fisuras
1. un ensamblaje no es un todo sin fisuras
2. un ensamblaje no es sólo la suma de sus partes
3. los ensamblajes no pueden actualizarse
4. los ensamblajes fluctúan alrededor de atractores
5. los ensamblajes no se establecen firmemente sobre atractores
6. un ensamblaje puede ser una escultura
7. la críptica específica de la escultura es el ensayo de un enigma
8. un enigma puede contener deseo, deseo es esamblaje
9. un ensamblaje puede ser una relación
10. una escultura puede ser ensamblaje que puede ser prótesis, que puede ser un momento de suspensión que es un enigma
Uno de mis anhelos es evidenciar que, como humanos, asistimos, entre otros fenómenos, a una pérdida de sensibilidad comunicacional o de relación con la otredad por un exceso lingüístico textual y formal (también en tanto que construcción artificial, incluyendo los lenguajes de programación, imágenes –big data). Lo que intento aquí invocando la escultura es subrayar que la relación que se sugiere entre material, economía, política, deseo y teoría crítica no es una metáfora, analogía o ejemplificación. Esta praxis me ayuda a estudiar y ensayar escenarios posibles. Voy en una dirección que intuyo y que atraviesa campos de conocimiento que a veces me son remotos.
Escultura es para mí una actividad que puede entenderse como el lugar de una negociación concreta entre muchas variables que se da en un locus geométrico.
Lucía C. Pino ha expuesto entre otros en el CCCC de València, en el Espai 13 de la Fundació Miró, el ASM, Ana Mas Projects, Et-hall, Galería dels Angels, el Macba y Casa Asia en Barcelona; la Filmoteca Regional de Murcia Francisco Rabal, Pragda Big Screen Project, NY; en Larraskito (Bilbao); la Galeria Aulenti Triennale de Milan (Italia) y D/ART/ Sydney (Australia)
Rubén Grilo
Sin título
Una charla sobre Epic-free Sculpture, Makitart, Recibernética, Dearest GearBest, Strong Poetry, Soledad representational, Precomunicación, Prerango, RTFMtwice-ism, Pretrance, Infraoriginalidad, Neoexclusividad, Infrartesanía, Indoor Theory, Liberalismo Algorítmico, Proletariado refractario, Anarcocinismo, Violencia ecológica, Software-Driven Realism, Violencia reciclada, Reconocimiento blando, Managerial Figuration, Managerial Realism, Clase horizontal, Low-Fiction, Filtrismo, Seudoaceptación, Comonismo, Prop-Philosophy, Anarcoartesanía, Display desintencionado, Personal-tainment, Studiocore, Poesía competitiva, Gentrificación crítica, Visual-lepsy, Infrasujetos, Estandarización alegórica, Autoecología, Networked Nature, Algorithmic Leisure, Radical Gimmick, Alienación funcional, Postmodernismo climático, Mecanismo cínico, Cinismo mecánico, Alta originalidad, Time-based Conceptualism, Top-Part Art (TPA), Arte beige, Handmade-Core, Downloadable Wars, Alienación climática, Conceptual Unicity Conceptualism, Estandarización democrática, Infraexclusividad, Sensory Authorship, Laboro expresivo, Anticreatividad, Industrialismo multicultural, Estandarización narrativa, LAB TURN, Free Reality, Sustainable-Core, Multiecología, Poor Pop Art, Alter-Simulacra, Unidad emocional, Paradoxical-tainmnet, Parafiguración, Seudomaterialismo, Weak Unity, Silent Politics, Merge-Core, Poesía corporativa, Antimecanismos, Drone Empowerment, Para-authorship, Unicidad expresiva, etc.
Rubén Grilo se formó en la Universidad de Barcelona y en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam. Ha expuesto en la Fundació Joan Miró (Barcelona), Nogueras Blanchard (Madrid), Hildesheim Kunstverein, V4ULT (Berlin), Union Pacific (Londres), CIRCA Projects (Newcastle upon Tyne), 1646 (La Haya), Supplement (Londres), Wilfried Lentz (Rotterdam) o MARCO (Vigo), entre otros.
13.30 Debate moderado por Julia Morandeira.
Julia Morandeira es investigadora y comisaria de las XXV Jornadas de Estudio de la Imagen. Co-dirige junto a Manuel Segade la escuelita del CA2M y es mediadora en el proyecto ConComitentes impulsado por la Fundación Daniel y Nina Carasso en España. Su práctica se articula en proyectos curatoriales de largo aliento como Canibalia; Be careful with each other, so we can be dangerous together; Nothing is true, everything is alive, y Estudios de la Noche.
ACT 2019 Festival Internacional de Escena Emergente ha abierto su convocatoria para la recepción de propuestas hasta el 15 de diciembre de 2018.
