Este fin de semana, hago una in-promptu aparición in-esperada/actuación espontánea en los IN-formales de La Poderosa con mi tema FRACTAL F*UCK.
Como bien dice el progama de mano siempre he querido ser una artista seria, creando obras de gran belleza y sutileza sublime, pero los tiempos que corren son otros y siento una gran responsabilidad a moverme de manera acorde con el entorno.
La pieza está inspirada en una cierta exposición reciente del panorama del arte contemporáneo de Barcelona que me motivó a recrear mi propio libre interpretación del concepto de un ‘FRACTAL’. Esta exposición inspiró emociones varias en muchos artistas de la ciudad, pero dado mi amplia melena, he sido delegada por los dioses para tomar la responsabilidad de expresarlas. (Vicenç, em sap greu, però espero qu’em perdonaràs.)
Para dar un poco de contexto previo a la pieza, he realizado un making-of del rodaje de material visual con Txalo Toloza, Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor, antes de que las imágenes sean éditadas o manipuladas para el directo…lo que no acaba en la pieza final…lo que no se ve por detrás; los residuos del germen de un FRACTAL F*UCK.
Con su intervención ‘No hay equipo pequeño‘ dentro del Proyecto CARLOS en una rotonda de Santander, los colegas han conseguido que, en las noticias de Antena 3, Matias Prats diga la frase Mucha policía, poca diversión.
El titular más grande del año…y acabamos de empezar…
Otras textos del proyecto incluían joyas como Si eres culpable estás muerto, Un papel morao mil duros o Michael Jackson Michael Jackson Michael Jackson Michael Jackson Michael Jackson.
Abajo un resumen y sumario del impacto mediático de la pieza por los artistas (copio y pego directamente porque algunos de los links a comentarios de la prensa no tienen desperdicio).
Diviértense. Vx
El 8 de noviembre del 2011 Zumo Natural presenta su intervención «No hay equipo pequeño» en una rotonda de Santander, dentro del proyecto CARLOS: elpostecarlos.blogspot.com
«Me acabo de enterar que tenemos un monumento a Eskorbuto y me alegro. Felicidades al concejal de Cultura».
«La manera más fácil de hacerse artista actual es crear una polémica y después a repetir la misma tontería toda la vida».
«Esta canción de Eskorbuto forma parte de la banda sonora de la película «El día de la Bestia» galardonada con cinco Goyas. Podían haberse querellado contra Alex de la Iglesia!»
Ella dice que igual ya no debería de llamar su taller un taller de Butoh.
Que debe ser un taller de Happening ou quelque chose comme ça.
Que ya hay muchos talleres dónde se hacen esquemas de ejercicios físicos, y que ya está harta de hacer aerobic y pasa.
Ya se puede hacer con otros profes. Muy bien.
Efectivamente. Yumi está mucho más loca desde cuando estuvo hace tres años.
Y como ella dice ‘ataca muy rápido’ para romper con el idea establecido del Butoh y encontrar la ‘realidad’ de cada participante, a base de impros (y alguna hostia) que han aguantado como campeones.
El primer día nos pasamos una hora dándonos cosquillas, y ayer el ejercicio se basaba en quitarle la ropa al otro.
Por ejemplo.
Si os apetece pasar a observar dicho laboratorio de locuras y reirte un rato, abrimos el taller al público entre las 6 y las 8.
Bienvenidos quedáis.
De regreso a petición popular viene Yumi Fujitani a dar un taller intensivo en el acojedor local de Raravis a final de mes. Justo a tiempo para preparar los bailarines de Butoh de Barcelona para su festividad anual favorito: Halloween.
A pesar de que su texto de información para el taller suene un poco jipi joo ja, ella es una auténtica punki de cuidado: un ronin samurai en toda regla. Y, a pesar de su aspecto japo juveníl, ya lleva 25 años de carrera a sus espaldas, fue unos de los primeros bailarines en traer el Butoh a Europa, con una formación de Butoh clásico a mano (de hierro) de la maestra Carlotta Ikeda, para después romper con todo, fugarse de la compañía e ir por libre en solo.
El Butoh nació en los años 60 en Japón en el ambiente underground. Yumi dió su primer espectáculo en Francia en 1985 con la compañía Ariadone de Carlotta Ikeda. Da clases de Butoh regularmente en París desde el año 2000. Bailarina de la tercera generación de Butoh, desarrolla una reflexión y un enfoque personal sobre este arte.
En su trabajo experimenta con nuevas formas de expresión corporal, a través de la voz, el arte del clown, el arte plástico y el video. Improvisadora, performer, la transversalidad de las artes aporta un aire y una mirada fresca sobre la danza contemporánea y el Butoh en especial.
De ahora en adelante, se cuestiona sobre el Butoh hoy en día. Su propuesta durante el taller no se centra sobre la forma de danza ni el Butoh formal aplicado.
Un trabajo sobre el andar, la columna vertebral, la pelvis, la planta de los pies, el eje, el cuerpo suspendido, el cuerpo invisible y la inmovilidad, el cuerpo desequilibrado y equilibrado,y el dejarse llevar. Un trabajo en profundizar sobre la respiración, así como los músculos y las diferentes percepciones táctiles. Un trabajo del ser crudo. Una investigación sobre la propia energía y el sentir, tomar conciencia del ambiente, convertirse en el espacio y las materias sobre una base de improvisación. Dentro de un estado de escucha (de uno mismo y de los demás). El espíritu empieza a escuchar, entonces el alma empieza a bailar… como salir de los raíles de la normalidad.
Aqui arriba, el ejemplo por excelencia, y para mí momento histórico, del stage invader stealing the show.
Y abajo sus explicaciones de los hechos.
La instalación de los 200 confesionarios en el Retiro me parece una gran invitación a cometer 200 pequeñas acciones performáticas de ‘terrorismo de intensidad baja-media’, de este estilo.
Este tío es mi nuevo ídolo.
A ver si lo traen al Hypnotik, al Grec, a Barcelandia o a Disneylona el año que viene.
Es uno de los pioneros de un nuevo movimiento dentro del hip-hop que se llama ‘Flexing and Gliding’ o sea, flexionando y deslizando. Y es un puto crack. Se muevo como un diós. Macarra, friki y elegante a la vez. Un diez.
A Hijikata le hubiera molado mil.
Su Moonwalk da miedo. Como dice un comentario en Youtube: En tiempos en que Ámerica se encuentra en crisis creativa, Storyboard y su colega Sam and I deslizan sobre farlopa y todos los artistas se enganchan….maldito sea su moonwalk sobre crack.
Ví estos videos, y llevo tiempo siguiéndolo gracias a mis amigos Jason Somma y Chris Lancaster de NY que han empezado a trabajar con él como bailarín dentro de su proyecto Studies in Feedback. Y flipé en colores. A sus tiernos 20 tacos, el colega ha decidido dejar de competir, porque se come vivo a cualquier adversario, le aburre ganar siempre y según él, es degradante para la forma de baile que el pretende convertir en arte. Toma.
Además de ser el Nijinsky del break, se sale del marco constantemente y es un lúcido.
Aunque creo que el movimiento habla por sí solo. Así que os he dejado unos cuantos videos para disfutar.
Como dice el MC: Understand the fuckin movement y’all.
Sé que un artista serio quizás no debe de hacer estas cosas, ni mucho menos colgarlas en internet, pero aqui, en el estilo más propio de nuestra pieza Cargando, os muestro el backstage del Festival REC ’11 de Tarragona, y mi estado antes de salir al escenario.
Al final no salió del todo mal la cosa; nos trataron como verdaderas princesas APATCHES, una noche de bolo se convirtió en tres días de fiesta sin salida y hasta ganamos un premio y todo.
Con lo cual nos ha tocado una residencia en HANGAR y volver al Festival el año que viene.
Este viernes tuve el placer de asistir a la aula abierta de Clara Tena en La Caldera. Animal of the month: Belier.
Como es otra fanática de la faunática, me parecía oportuno compartir aqui sus investigaciones zoológicas.
Clara crea imagenes de ‘personas, animales y cosas’ sublimes, con sutileza, precisión y detalle. Su moviemiento es limpio, formal, austero y a la vez fresco y espontáneo. Presenta y representa estos imagenes como tal, a la vez distanciada de y metida en el personaje. Tiene mucha simpatía, mucha gracia y mucho, mucho morro.
Los sonidos de Xiu Xiu, emitidos desde un gran ampli, muy bien empleado, y sobre ruedas en escena, formaban un hilo conductor de inteligencia sensorial.
Otro hilo conductor de la pieza fue el ping-pong. Sí, el ping-pong. Y en esto se refiere al proceso. Una táctica de creación que se refleja en el resultado final y que consiste, sencillamente en pasar material a los colegas y colaboradores y esperar a que lo devuelvan de otra manera. Yo te saco una canción, tu me devuelves un video, yo te lanzo un solo….etc. Un juego infinito de pasar la pelota muy de nuestra generación cybernáutica.
Dentro de esta metodología de paleta y pelota, cae el concepto del ‘wreck’. Esto es una técnica que aprendimos juntas en un curso intensivo con la gran maestra Susan Rethorst sobre composición y coreográfica el año pasado, y sobre el cual podéis leer más aquí, o ver más aquí pero que básicamente consiste en dar tu material a otro para que te lo ‘destroce’. Las reglas eran componer algo de tu material, y luego dejar que un compañero haga lo que les de la gana con ese material sin nigún tipo de respeto por ello. Luego el creador original recoje esta nueva información de su pieza, vista por ojos ajenos, y hace lo que quiere con ella. Y el resultado es muy enriquecedor y muy, pero que muy divertido.
En aquel entonces Clara ya llevaba su proceso en marcha preparando su proyecto ‘Feather Leather’ para presentar en el Grec, y en sus propias palabras estaba ‘harta de si misma’. Encantada, hice un primer ‘wreck’ de su material, y parte de ese material regurgitado aún está presente en la pieza (y en algunas de las mías confieso). Curiosamente en el momento que viene de mi ‘wreck’ yo ví el cuerpo del último ‘wrecker’ Roberto Martínez, que ha sido colaborador fundamental y ‘wrecker supreme’, haciendo ping-pong entre Sevilla y Barcelona . Naturalmente, obvia decir que el momento en cuestión era un momento peludo.
En fin, he observado el proceso de evolución de esta pieza desde la crisálida hasta florecida y colorida mariposa, y pronto estoy segura de que todos veremos los efectos de las ondas expansivas de su aleteo iridiscente por el medioambiente escénico.
Amantes de las ciencias naturales del mundo, claramente, hay que prestarle más atención a este extraño espécimen.
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Anoche fui a ver el espectáculo (M)imosa, en el festival ‘Anticodes’ del Chaillot con unos amigos en Paris. Mis amigos habían reservado su entrada en Enero, y estaba completo desde hace semanas pero yo llegué tarde y sin entrada. Aún así, con menos de cinco minutos antes de salir a escena, los símpaticos jovenes creadores lucharon con los seguratas para dejarme pasar. Un gesto muy noble pero sin éxito.
«No les hagas caso», me dice el director Trajal Harrell, «espérate aquí cinco minutos y te colamos.» Y así fue, en un momento de cambio oportuno me pudo meter en el backstage para ver la pieza de derrière como una verdadera voyeur.
Y tuve el placer de disfrutar de una perspectiva de la pieza, prohibida y fragmentada, y el privilegio de ver las caras del público llorar y reír.
Canciones a go-go, bailes de luz negra, un gato dominatrix tocando ‘air piano’ en playback con guantes de goma, muñecas zendai, un fauno de Nijinski travestí…todo una paisaje de fauna crepuscular. Y culos, muchos culos.
(M)imosa es el formato M de una serie de piezas (van de XS a XL) de Trajal Harrell, Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church, dónde los cuatro creadorese intérpretes Cecilia Bengolea, François Chaignaud, Marlene Monteiro Freitas y Trajal Harrell, se preguntan «qué habría pasado en Nueva York en 1973 si una de las figuras del voguing habría bajado desde Harlem a Greenwich Village para retar a los fundadores de danza post-moderna a un baile?»
Para los que no saben, el ‘Voguing’ es una movida que empezó en Harlem en los años 60-70 y fue pista de baile terreno de negros, latinos, gays, trans, putas, ninjas y otros grupos sociales marginados que se dividían en cámaras (Houses) que combatían entre sí a través de la danza, imitando tipos sociales y jugando con temas de género y raza como la moda o el spagat. Al mismo tiempo los pioneros de la danza post-moderna buscaban romper con toda representación tradicional del cuerpo y la coreografía y encontrar una danza libre de todo artificio.
Inspirado en este choque frontal ficcional, y «el vacío intenso entre el deseo y la imposibilidad de ser otro», armados con purpurina y lycra, estos cuatro coreógrafos han creado una pieza ‘bordelique’ de una extrema belleza decadente, y una irrevencia espectacular y muy agradecida hacía un espacio como el palacio del Chaillot.
Como dice Willi Ninja, Mother of the House of Ninja, They hit hard and they hit fast. Asesinos invisibles. Bravo.
Que alguien les invite a Barcelona a derochar su mágia salvaje y radical. Ya!
