El TEATRO PRADILLO convoca hasta 9 CREADORES de Artes Vivas del Movimiento (danza, teatro físico, performance gestual, etc.) según los siguientes criterios:
A: CREADORAS que tengan ninguna o muy poca experiencia (de 0 a 3 trabajos profesionales estrenados).
B. CREADORAS con más de 3 trabajos estrenados.
C. CREADORAS con una trayectoria consolidada (más de 20 años de experiencia, premios o reconocimientos, etc.).
Desde el planteamiento del diálogo intergeneracional, SOLO EN PRADILLO es una experiencia de contaminación, mixtura, intoxicación, promiscuidad y perversión de imaginarios (a partir del cuerpo como motor de investigación estética), entre las 9 ARTISTAS seleccionadas.
Para el comisariado (elección) de los trabajos estarán invitadas a emitir sus valoraciones las CREADORAS que participaron de la iniciativa en 2018 2019: Mónica Runde, Carmen Werner, Elena Aranda, Sebastián Calvo, David Caronte, Gonzalo Simón, Alba G. Herrero, Inés Narváez e Irene Vázquez.
El punto de partida propuesto consiste en una serie de citas o sesiones de trabajo entre las CREADORAS participantes (de 2 en 2, de 3 en 3, todas con todas, etc..) y el formato definitivo de la actividad se acordará entre todas, para detallar los procedimientos metodológicos, agendas, calendarios y detalles de las asignaciones presupuestarias (siempre desde el principio del reparto equitativo) de la aportación del TEATRO PRADILLO (6.000,00 € BI como punto de partida).
La actividad se desarrollará en Madrid durante el 2º semestre de 2019 y terminará con citas abiertas al público para compartir las conclusiones de las experiencias, en formato a determinar según el resultado de los materiales (programa compartido, muestra de procesos, puesta en común de huellas, etc.) durante enero de 2020.
Las CREADORAS interesadas deben hacernos llegar al correo electrónico soloenpradillo@teatropradillo.com antes del 7 de junio (inclusive), un vídeo de hasta un minuto de duración que muestre sus motivos y coordenadas: preguntas, búsquedas, planteamientos, motores, razones, impulsos, etc. Esta pieza audiovisual no se considerará una entrevista sino el punto de partida que proporcione la información necesaria para poder encontrar la ruta en la cartografía del territorio creativo a explorar.
Los posibles seleccionados quedarán convocados a una primera toma de contacto en una sesión la primera semana de julio. Dado lo complicado de las agendas la asistencia a esta cita es imprescindible.
PRADILLO es un contexto para la dinamización de las Artes Vivas en la ciudad de Madrid. Su gobernanza está coordinada por el Equipo Pradillo, un Colectivo de ARTISTAS que, como Dispositivo de GESTORAS, asumen la logística de las distintas actividades que se llevan a cabo en el TEATRO PRADILLO mediante cauces que desarrollan engranajes para la colaboración.
El esquema para estructurar su actividad, es resultado de los Encuentros Pensar Pradillo que realizamos en abril de cada año, con el entorno que ha rodeado al TEATRO PRADILLO, para debatir las necesidades e intereses de los que a nuestro ver, en última instancia, han de ser los beneficiarios y depositarios de la corresponsabilidad tangencial creativa de una entidad con estas características.
Para 2019 2020, una vez más, asumiremos la programación de nuestra estructura a través de una serie de convocatorias y, como experiencia piloto, buscaremos asentar las acciones a desarrollar en una ESCUELA DE ARTES VIVAS, como centro de formación, investigación y experimentación en los temas que rodean la práctica escénica multidisciplinar.
CONVOCATORIA
Abrimos la convocatoria para la Temporada 2019 2020 (otoño, invierno y primavera) en el TEATRO PRADILLO para la elección, según los parámetros estructurales y el funcionamiento abajo descritos, a ARTISTAS que desarrollen su acción en el territorio de las Artes Vivas, en los siguientes 4 apartados:
APARTADO A. PROGRAMACIÓN DE FIN DE SEMANA Y PARTICIPACIÓN EN LA ESCUELA DE ARTES VIVAS PRADILLO: Hasta 5 CREADORAS con trayectoria en el ámbito de las Artes Vivas desde la investigación corporal o del movimiento, que muestren trabajos ya estrenados o terminados durante un fin de semana (viernes y sábado) y se involucren con la Comunidad de la ESCUELA DE ARTES VIVAS PRADILLO, compartiendo su experiencia en sesiones de entrenamiento creativo durante 3 o 4 semanas, con sesiones matutinas los lunes, miércoles y viernes anteriores a sus presentaciones.
Aportar la siguiente documentación en un solo correo electrónico indicando en el “asunto” el nombre de la ARTISTA y el APARTADO o APARTADOS de la programación:
Cualquier información adicional a compartir: imágenes, videos, dossier etc.
Cuestiones técnicas: las indicadas en el apartado parámetros.
Disponibilidad de fechas para la programación entre octubre de 2019 y mayo de 2020.
Material acerca del trabajo formativo a desarrollar.
Apartado B. PROGRAMACIÓN DE FIN DE SEMANA: Hasta 12 CREADORAS con trayectoria en el ámbito de las Artes Vivas desde cualquiera de sus ámbitos, que muestren trabajos ya estrenados o terminados durante un fin de semana (jueves, viernes y sábado) y que, si así lo creen pertinente, compartan el sábado su experiencia en una sesión de formación dentro la ESCUELA DE ARTES VIVAS PRADILLO, en la materia creativa que desarrollen habitualmente.
Aportar la siguiente documentación en un solo correo electrónico indicando en el “asunto” el nombre de la ARTISTA y el APARTADO o APARTADOS de la programación:
Cualquier información adicional a compartir: imágenes, videos, dossier etc.
Cuestiones técnicas: las indicadas en el apartado parámetros.
Disponibilidad de fechas para la programación entre octubre de 2019 y mayo de 2020.
En el caso de estar interesadas la sesión formativa, algún material acerca del trabajo a desarrollar.
Apartado C. LABORATORIO DE CREACIÓN: con hasta 3 CREADORAS con trayectoria en el ámbito de las Artes Vivas, desde la investigación corporal o del movimiento, la investigación dramatúrgica y la investigación en el ámbito sonoro o audiovisual (idealmente uno de cada), que presenten un proyecto de LABORATORIO DE CREACIÓN a desarrollar en la ESCUELA DE ARTES VIVAS PRADILLO durante una semana en horario matutino. El resultado del LABORATORIO DE CREACIÓN se compartirá en abierto el sábado de dicha semana.
Aportar la siguiente documentación en un solo correo electrónico indicando en el “asunto” el nombre de la ARTISTA y el APARTADO o APARTADOS de la programación:
Cualquier información adicional a compartir: imágenes, videos, dossier etc.
Cuestiones técnicas: las indicadas en el apartado parámetros.
Disponibilidad de fechas para la programación entre octubre de 2019 y mayo de 2020.
Apartado D. RESIDENCIA DE CREACIÓN: dentro del ámbito de “HIPOTENUSAS”, colaboración de residencias de creación entre L’animal a l’esquena, Azala y Teatro Pradillo, una única propuesta de una CREADORA con trayectoria en el ámbito de las Artes Vivas desde cualquiera de sus ámbitos, que desarrolle un proyecto en residencia en cada una de las 3 instituciones y muestre las conclusiones de su investigación durante un fin de semana (jueves, viernes y sábado). Con posibilidad de compartir el sábado su experiencia en una sesión de formación dentro la ESCUELA DE ARTES VIVAS PRADILLO, en la materia creativa que desarrollen habitualmente.
Aportar la siguiente documentación en un solo correo electrónico indicando en el “asunto” el nombre de la ARTISTA y el APARTADO o APARTADOS de la programación:
Cualquier información adicional a compartir: imágenes, videos, dossier etc.
Cuestiones técnicas: las indicadas en el apartado parámetros.
Disponibilidad de fechas para la programación entre octubre de 2019 y abril de 2020.
PARÁMETROS
Técnicamente es preciso que nos indiquéis 3 cosas:
De qué manera dispondréis el espacio: si dejaréis el escenario diáfano en formato sala de exposición o en una disposición teatral con butacas móviles o ancladas y, siendo este el caso, si es a la italiana o en otra distribución (dado que lo más laborioso y lento es el cambio de disposición de los asientos para los hipotéticos espectadores y de la mesa de control. Nosotras aglutinamos la programación en función de esta peculiaridad ya que no montamos y desmontamos las gradas o la cabina de una semana a otra).
Si para la breve residencia técnica contáis con un diseñador que conciba los ambientes lumínicos, si necesitáis que os proporcionemos ese acompañamiento o si, sencillamente, vuestra actividad no echa mano de iluminación con aparataje teatral luminotécnico específico y solamente requerís que nosotros os apoyemos puntualmente y llevando la cabina en las sesiones.
Las fechas de las que disponéis para desarrollar la actividad.
Económicamente, dentro de la posibilidad de nuestra estructura ofrecemos las siguientes condiciones:
Para el apartado A y B un apoyo de 1.000,00 € (Base Imponible) en el caso de que contéis con acompañamiento de una técnica (que haga diseño, este en el montaje y “tire” las funciones) de 850,00 € (Base Imponible) si nos corresponderá a nosotras aportarla (diseño de luces, montaje y funciones) y de 950,00 € (Base Imponible) si no contáis con el acompañamiento de una técnica, pero esta no es necesaria porque la iniciativa no lo requiere. (sin diseño de luces, utilizando el montaje base y “tirando” nosotras la función) Además, recibiréis en 100% de lo que se hubiese recaudado por la venta de localidades.
Para el apartado C y D un apoyo de 2.000,00 € (Base Imponible) en el caso de que contéis con acompañamiento de un técnico (que haga diseño, este en el montaje y “tire” las funciones), de 1.700,00 € (Base Imponible) si nos corresponderá a nosotros aportarlo (diseño de luces, montaje y funciones) y de 1.900,00 € (Base Imponible) si no contáis con el acompañamiento de un técnico, pero este no es necesario porque la iniciativa no lo requiere(sin diseño de luces, utilizando el montaje base y “tirando” nosotros la función). Además, recibiréis en 100% de lo que se hubiese recaudado por la venta de localidades.
Las entradas estarán a la venta en la taquilla a 12,00 €, un cupo de un 20% del aforo se podrán comprar de manera anticipada on line a 10,00 €, que es el descuento que se aplicará para estudiantes, jubilados, profesionales de las artes y grupos de más de 10 personas. Las CREADORAS vinculadas al TEATRO PRADILLO pagarán 6,00 €. Únicamente estarán invitados aquellos que estén acreditados en el protocolo de nuestra BBDD, previa confirmación de reserva. El aforo, dependiendo de la ubicación de los asistentes, es de hasta 100 asistentes.
Todas las sesiones de formación de la ESCUELA DE ARTES VIVAS PRADILLO se remunerarán de manera independiente, además de lo contemplado como apoyo a la exhibición.
En cuanto al origen del dinero, en aras de fomentar la transparencia, debemos contaros que el TEATRO PRADILLO trabaja subvencionado con fondos de los 3 estratos de la administración, pero es una entidad particular con una infraestructura cara.
Aproximadamente 1/3 del dinero de nuestros gastos se destina a pagar el mantenimiento del local que podemos ofreceros, otro tanto lo utilizamos en salarios del personal y apenas una 3ª parte queda para financiar la actividad que desarrollamos. Por ello nuestra estructura no está concebida como una entidad financiadora de la actividad de los ARTISTAS, sino como facilitadora para el desarrollo de la actividad que, a nuestro ver, debe tener sus propios cauces de apoyo desde las instituciones. Esto es, el verdadero pago que podemos ofreceros es en especie, poniendo a vuestra disposición un espacio con dotación técnica, la posibilidad legal de que espectadores experimenten con vuestras propuestas y un acompañamiento, más o menos específico, para que potenciéis vuestro quehacer.
FUNCIONAMIENTO DE LA ELECCIÓN
Una vez cerrado el plazo de la convocatoria, como Equipo Pradillo, revisaremos el material, descartando aquellas iniciativas que no se adecúen a los parámetros previstos desde un punto de vista técnico y logístico y aquellos que no se desarrollen en el ámbito de las Artes Vivas indicado.
Las propuestas consideradas viables se remitirán a todas las ARTISTAS interesadas que han participado en la Temporada 2018 2019, para que emitan una recomendación de hasta 20 CREADORAS que consideren adecuadas.
Recibidas las apreciaciones serán revisadas por Masako Hattori que, en calidad de asesora artística al comisariado, cruzando la información recibida, propondrá un primer planteamiento de CREADORAS a incluir.
Realizadas las gestiones de contacto para revisar calendario y agendas, quedará establecida la programación de la Temporada 2019 2020.
Fecha límite de presentación de propuestas: 26 de mayo de 2019
Publicación de resultados de la selección: 28 de junio de 2019
Esperamos vuestras propuestas en el correo electrónico:
Jueves 31 de enero, viernes 1 y sábado 2 de febrero a las 21h en Teatro Pradillo.
La Temporada 2018-19 de Teatro Pradillo cruza de enero a febrero con la propuesta DUM de Irene Cantero y Luz Prado.
DUM -mientras- observa y habita las múltiples y paradójicas realidades de la luz. Entiende la luz como agente que nos convoca. Ante un altar, no totémico, sino espacio sacralizado y compartido, ocurrirá un concierto/coreografía/instalación/ritual de encuentro con el otro y con uno mismo. Estas palabras de Jose María Esquirol en La resistencia íntima nos ayudarán a articular el encuentro: El pan, la sal, la fiesta, el duelo y la paz: de todo esto que se comparte depende la siempre difícil y precaria comunidad del nosotros.
Luz Prado. Violinista e improvisadora. Su trabajo parte de un diálogo constante con el violín y toma como base el espacio y la dialéctica evento-proceso propia de la improvisación libre. Irene Cantero. Coreógrafa e iluminadora. Trabaja desde la luz y el cuerpo, no hay una división clara entre lo interno y el entorno en su práctica artística. Luz e Irene. Se conocieron en Roma hace dos años y estudian juntas desde entonces los fenómenos y fenomenologías de la luz y sus impactos en nuestros cuerpos. Trabajan desde la intuición, la constancia y la proximidad.
A todas: Irene Cantero y Luz Prado A los controles: David Benito y Roberto Baldinelli A la mirada atenta y los cuidados: Elena Córdoba y Álvaro Cantero https://dumlucemhabetis.tumblr.com
Huellas: Rastros, señas, vestigios que deja alguien o algo… Cuéntanoscómo te llamas, dónde trabajas y cuál es tu trayectoria personal.
SANDRA GÓMEZ: Me llamo Sandra Gómez y vivo y trabajo en Valencia. Mi trayectoria pasa, sobretodo, por hacer propuestas personales desde el ámbito de la investigación y la creación. Desde el año 2001 hasta el 2011 trabajo junto a Vicente Arlandis en el colectivo Losquequedan y a partir del 2012 de manera independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento. Además colaboro en proyectos de otros artistas como Visita guiada desde la danza con Rocío Pérez y Santi de la Fuente, Estoy pensando en tortugas de Claudia Faci, Cuerpo gozoso se eleva ligero de Vicente Arlandis y Ghost’n goblins/dance edition junto a Rocío Pérez y Paula Pachón.
¿Qué trabajo presentas en el teatro Pradillo?, ¿cómo nos contarías este proyecto?
S.G: En Pradillo presento Tot per l´aire (Todo por los aires), una propuesta bastante híbrida donde se aúnan danza, música y sonido.
La propuesta empezó a gestarse en abril del año pasado con un ejercicio de deriva sonora desde la voz hacia un sonido abstracto utilizando un micro y un pedal delay. Este ejercicio se fue ampliando con más ejerciciosautónomos e independientes entre sí planteados desde la idea de ritmo y silencio y con el concepto de deriva como método de trabajo. El material se cristalizó en una estructura que resultó de la ordenación orgánica de una acción a otra donde cuerpo, sonido y luz se van dando paso unos a otros.
Cómo seguir pensando la práctica artística y desde qué lugar la actuación es una pregunta que atraviesa todo el discurso del siglo XXI. Hallamos experiencias de una afirmación más radical del yo, en creadores como Angélica Liddell y Rodrigo García, y experiencias más colectivas, dispositivos de carácter más intelectual desde los que se pretende reflexionar acerca de conceptos como democracia, horizontalidad y participación. ¿Cómo definirías tu práctica escénica?, ¿dónde te ubicarías dentro de la práctica contemporánea?, ¿te resulta posible enmarcar tu trabajo como creadora?
S.G: Mi práctica escénica la definiría básicamente como diferentes aproximaciones o ejercicios sobre un cuerpo que baila y, la mayoría de veces, solo.
Lo que en un principio surgió como un interés por lo autobiográfico (Tentativa, 2012) poco a poco se fue alejando de esa idea inicial y empezó a convertirse en diferentes intentos por huir y escapar de esa afirmación del yo en escena (The love thing piece, 2013, No soy yo, 2016, Heartbeat, 2017). En The love thing piece pretendía descentralizar el yo de una forma espacial (no permanecer en ningún momento en el centro de la escena). En No soy yo la estrategia fue la copia y apropiación de material coreográfico y en Heartbeat la intención era la pérdida de la voluntad por agotamiento con una sesión de tres horas de música electrónica como dispositivo que marca el beat al cuerpo que baila. En Tot per l´aire sigo dandole vueltas a esta idea de desplazar el yo del centro.
Creo que no puedo enmarcar mi trabajo como creadora, si lo veo en algún lugar es en la periferia.
Cuerpo, palabra, espacio sonoro, luz, video…¿Con qué signos trabajas normalmente?, ¿qué lugar ocupan en tu proceso de creación?, ¿hay alguno de estos que sugiera un lugar de partida al que van añadiéndose los demás?
S.G: Siempre he partido de mi cuerpo para probar cosas en escena. Lo pongo a prueba, lo muevo, intento que esté presente en un espacio, durante un tiempo y con una gente. Intento conectar y relacionar estos 4 elementos básicos: mi cuerpo, el espacio, el tiempo y el espectador. También aparecen otros elementos, por ejemplo, el sonido viene siendo últimamente una constante en el trabajo y en esta última propuesta se suma un elemento más: la luz.
En palabras de Umberto Eco:“la forma solo se comunica ella misma, pero es en sí misma el artista hecho estilo. La persona forma en la obra su experiencia concreta, su vida interior, su espiritualidad inimitable, sus reacciones personales en el ambiente histórico en que vive, sus pensamientos, sus costumbres, sus sentimientos, ideales, creencias, aspiraciones”. ¿Qué nos cuenta de ti este proyecto?, ¿cómo se refleja esto en tu estilo o lenguaje personal?
S.G: Después de realizar una serie de trabajos donde el cuerpo está implicado desde su potencialidad y desde las preguntas ¿hasta dónde puede llegar un cuerpo?, ¿cuáles son sus límites? y su comprobación hasta llegar a la extenuación, las preguntas que surgen justo después son: ¿qué es lo que queda?, ¿hacia dónde seguir pensándose?, ¿cómo seguir construyéndose o reconstruyéndose?. Así, tras la extenuación de este cuerpo que se mueve desde la energía y la potencia y donde insistencia, permanencia e intensidad son sus parámetros de acción, emerge Tot per l´aire.
“Este es el ritmo de la noche,
la noche, oh, sí.
El ritmo de la noche.
Este es el ritmo de mi vida,
mi vida, oh, sí.
El ritmo de mi vida.”
Es el primer temazo que se escucha en la pieza.
El estilo o lenguaje personal está en el formato, en cómo me muevo o bailo, en la insistencia, en las caminadas en círculo por el espacio, en el manejo de la energía, en la mirada y el encuentro, en la suspensión o dilatación temporal, en el uso de temazos que marcan el beat y que son también texto de la escena, en la incapacidad de fijarlo todo y en la idea de un presente continuo y sostenido.
El espectador ha ocupado un lugar preeminente en ciertas prácticas contemporáneas, casi hasta el punto de convertirse en un participante necesario, o un cómplice. Otros creadores hablan del público en otro sentido muy distinto. En palabras de Romeo Castellucci, “el público es un cuerpo que debe sentirse emocionado y convencido por todo lo que se agita a su alrededor”. ¿Qué lugar ocupa el espectador en tu trabajo?, ¿lo consideras de inicio en tu proceso o entra en juego en el momento de la representación?
S.G: Está presente desde que estoy en el aula de ensayo (aunque de forma imaginaria).
Ahora me gustaría preguntarte por tus referentes. Para ser más directa:¿qué lees? ¿qué escuchas? ¿qué ves?
S.G: Ahora mismo me pillas leyendo Estética Modal de Jordi Claramonte, Hacia un ruido de Maria Salgado y El topo que quería saber quien había hecho aquello sobre su cabeza de Werner Holwarth/Wolf Erlbruch. Escucho música electrónica y voy a ver propuestas de música experimental y arte sonoro.
¿Y en el teatro?
S.G: Lo último que he visto es Extraños mares arden de Xalo Toloza y Laida Azcona, Anarchy con Semolina Tomic de Sociedad Doctor Alonso y Entre lo que está y todavía no está de Juan Dominguez.
¿es el teatro un referente?
S.G: Para mi son referentes propuestas de artistas en concreto.
Siempre andamos quejándonos del escaso apoyo y las condiciones de precariedad en las que se desarrolla nuestro trabajo: En su Carta a una joven artista, Valcárcel Medina escribe: “los que os quejáis de la crisis porque os limita la expresión, tal vez tenéis poco que contar”. ¿Qué opinas de esto?, ¿en qué condiciones ideales te gustaría que se desarrollara tu trabajo?
S.G: Pues… que yo ya no soy artista joven y que en estos momentos tengo apoyo para realizar mis proyectos.
Umberto Eco nos dice que las vanguardias han participado activamente en el proceso de “la muerte del arte” con un exceso consciente de reflexión racional frente a la capacidad de creación y placer artístico, contribuyendo a una ideologización cada vez más marcada del producto. Una crítica común al arte de vanguardia es la desproporción entre lo que las obras dicen en realidad y el ‘surplus’ de doctrina que las justifica. En esta línea, el pensamiento se ha convertido en un modus operandi de la práctica contemporánea.
Desde otro prisma, Tarkovski señala lo siguiente: “Para mí no hay duda de que el objetivo de cualquier arte que no quiera ser “consumido” como una mercancía consiste en explicar por sí mismo y a su entorno el sentido de la vida y la existencia humana”. Esto le otorga al arte cierta función más espiritual. “Frente a Dios y frente al arte nos hacemos las mismas preguntas”, señala Angélica Liddell. Entramos en un estado de “anfaegtelse” (palabra danesa que significa estar en peligro o angustia).
En una concepción más marxista, podríamos entender el arte como un espacio de resistencia a las condiciones exigidas por el capital, lo que genera diversas prácticas de una deriva más política planteadas como espacios de disidencia.
Volviendo a Isidoro Valcárcel Medina: “Hay que dejar el arte tranquilo y empeñarse en decir lo que tu alma siente.[…] Ser artista consiste en actuar responsablemente en el ejercicio de una profesión que, sencillamente, se implica en abrir perspectivas de visión”.¿Cuál es la función del arte para ti y cuál crees que sería el espacio que ocupan hoy en día las artes vivas dentro del modelo cultural?
S.G: La de abrir otras posibles maneras de entender, de mirar, de sentir, en definitiva, otras posibles maneras de vivir.
Proyecto de investigación y creación de artes escénicas en comunidad
Pieza escénica de creación en comunidad
Vincularse como kilómetro 0. Unirse.
Hacer comunidad en el lugar al que se pertenece. ¿Cómo? Para ello hay que mostrarse como se es, compartirse.E involucrar a esa comunidad en el tipo de experiencias que acontecen dentro, en este caso del Teatro Pradillo. Pero no desde la observación, sino desde la raíz, desde la propia creación, la práctica artística y la investigación. Que se funda el dentro y el afuera hasta que no haya lugar para la diferencia. Escoger las preguntas oportunas para trazar la línea y nombrar: “nosotras”.
¿Y por qué Alicia?
La sociedad contemporánea se caracteriza porque todo es cambiante, líquido e inaprehensible, de tal forma que las identidades que la habitan se constituyen como subjetividades tóxico-pornográficas, siendo nuestros cuerpos extensiones de una realidad virtual y de ficciones somáticas, cual plataformas tecno-científicas que intercambian flujos de fluidos, y de información, sobre la construcción de códigos semióticos por parte del dispositivo social al que pertenecen. Para tratar de entender lo que viven y pueden nuestras subjetividades, cuerpos y metabolismos, se hace urgente preguntarle a Alicia. Alicia [es], [lat], Alice [en], [fr], [it], [checo], [dan], [hol], [nor], [port], [sueco], Alica [eslovaco], Alico [esperanto], Alike [euskera], Aliisa [finlandés], Αλίκη (Al’kē) [griego], L’sa [islandés], Arisu [japonés], Alicja [polaco], Алиса (Alisa) [ruso], etc. Alicia: nombre propio femenino de origen griego en su variante en español. Proviene del griego antiguo Αλήθεια (aletheia), que significa «verdad».
“- ¿Quién eres tú? – dijo la Oruga.
[…]- “Pues… pues creo que en este momento no lo sé, señora… Sí sé quién era cuando me levanté esta mañana; pero he debido cambiar varias veces desde entonces”.
– ¿Qué quieres decir? – dijo la Oruga con severidad – ¡Explícate!
– Me temo que no se lo puedo explicar con más claridad – replicó Alicia muy cortésmente -; porque para empezar, yo misma no consigo entenderlo.”
Lewis Carrol, Alicia en el País de las Maravillas, Capítulo V, El Consejo de una Oruga
Itinerario del proyecto
La propuesta artística se ha planteado en 2 bloques a lo largo de 5 meses de trabajo con mujeres del barrio de Prosperidad. Por un lado, un itinerario de actividades teórico prácticas de creación que tienen un cierre performativo atravesado por la idea de El viaje de Alicia como El viaje de la heroína, y la realización de un documental de las heroínas en su contexto. Una película que se inserta en la pieza, pero que también es una en sí misma. El rastro que el viaje ha generado a las participantes/heroínas. La película hace las veces del espejo de Alicia, donde verse, mirarse y atravesar.
El itinerario de actividades ha consistido en sesiones semanales de trabajo de 4h sobre la práctica artística alrededor de la autobiografía, la identidad líquida, y la construcción de heroínas como otras ficciones posibles en un contexto de comunidad. Se ha alimentado también con laboratorios de creación específicos alrededor del ecosistema que planteaban las propuestas de las propias participantes, visitas a exposiciones y asistencia a la programación 2018 del Teatro Pradillo.
A lo largo de todo el proceso hemos trabajado elementos autobiográficos de las participantes creando nuevas ficciones, actualizando las diferentes versiones y creando Alicias contemporáneas. Reload es una expresión inglesa que se usa en el contexto tecnológico para referirse a la actualización, por ello la investigación ha consistido en actualizar nuestras versiones de Alicias y también el concepto de identidad como identidad líquida.
Personas y artistas invitadas que han formado parte del proceso y lo han nutrido:
Elisa McCausland _ Encuentro teórico práctico sobre “Alicia y la aventura de la heroína”
Cristina Busto _ Laboratorio de creación plástico y audiovisual
Lincoln Dizz _ Laboratorio de creación en torno a la identidad “Queen”
Paloma Calle _ Laboratorio de creación en torno a la identidad “King”
Idea original del proyecto: Ruth Madrigal
Conceptualización, desarrollo y acompañamiento: Adriana Reyes, Marta Blanco y Ruth Madrigal.
Ficha técnica:
Creación: Marta Blanco, Teresa Fombedilla, Concha Hoyos, Ruth Madrigal, Gema Martínez, Macarena Millán, Violeta Moreda, Miren Muñoz, Ana Parga, Adriana Reyes, Laura Sanz, Soledad Tardón, Maribel Variopinto.
Creación de sonido: Luz Prado
Creación de luz: Cristina Libertad y María Otero
Vestuario: Noelia Ortega
Diseño gráfico: Juan Carlos Liaño
Este proyecto es posible gracias al apoyo que recibe de las Ayudas a la Creación del Ayuntamiento de Madrid y al del Teatro Pradillo.
V 29 y S30 a las 21H
Alice Reload se origina como propuesta de la ARTISTA Ruth Madrigal en el marco de las actividades del Teatro Pradillo para 2018, dentro de sus ESPACIOS PARA GENERAR como un de Diálogo con el entorno (trabajo con el barrio) que pretende acercar a las vecinas del barrio de Prosperidad a los procesos de investigación y creación que el Teatro Pradillo desarrolla con las CREADORAS e INVESTIGADORAS que trabajan en su comunidad, a fin de conectarlo como estructura con el contexto al que pertenece.
Abrimos la convocatoria para la Temporada 2018 2019 (otoño, invierno y primavera) en el TEATRO PRADILLO para ARTISTAS que desarrollen su acción en el territorio de las Artes en Vivas (según los preceptos y principios detallados en el proyecto que puede consultarse en nuestra página web Proyecto Pradillo para seleccionar, según los parámetros estructurales abajo enumerados y los criterios artísticos de las comisarias descritos en el texto adjunto: Las Segundas Comisarias.
Apartado A. PROGRAMACIÓN DE FIN DE SEMANA: 18 ARTISTAS que compartirán material ya elaborado (de más de 45 min.) con sesiones abiertas al público un jueves, un viernes y un sábado a las 21:00 h., con una breve residencia técnica de 4 días (un total de 32 h.) a distribuir en la misma semana de las sesiones.
Para participar en la selección, las artistas presentaréis la siguiente documentación:Información mínima del proyecto/trabajo/obra: título, duración aproximada, información del proyecto en cualquier formato (pdf, vídeo, web, blog…).
Nombre de la ARTISTA, COLECTIVO O COMPAÑÍA, bio y contacto para ampliar información.
Cualquier información adicional que queráis compartirnos. Cuestiones técnicas: las indicadas en el apartado parámetros.
Preferencia de fechas para la programación entre octubre de 2018 y abril de 2019.
Apartado B. ESTANCIAS CREATIVAS. 2 ARTISTAS que tendrán una estancia creativa de 2 semanas para terminar de elaborar y/o revisar y/o dinamitar un material y que compartirán en sesiones abiertas al público un jueves, un viernes y un sábado a las 21:00 H. en las mismas condiciones que las artistas del apartado A.
Para participar en la selección, las artistas interesadas en participar en este apartado nos harán llegar la siguiente documentación:
Nombre de la artista, colectivo o compañía.
Un ejercicio de imaginación: ¿Cómo relatarías tu bio artística si ésta no siguiera un recorrido lineal? (pdf, vídeo, web, blog…).
¿En qué estás trabajando o pensando? (pdf, vídeo, web, blog…).
Contacto para ampliar información.
Cualquier información adicional que quieras compartirnos.
Cuestiones técnicas mínimas que puedas prever: las indicadas en el apartado parámetros.
Preferencia de fechas entre octubre de 2018 y abril de 2019 (previsiblemente estas estancias sucederán al principio y al final de la temporada 2018 2019).
PARÁMETROS
Estéticamente, tal y como prevé nuestra estructura, conscientes de que la mediación entre actantes diversos ha de revisarse continuamente y de que cualquier estrategia para disponer acciones grupales es compleja e intrínsecamente perfectible, como Equipo Pradillo, proponemos retomar cada mes de abril los Encuentros Pensar Pradillo, para, junto a todas las involucradas en la actividad, proponer de entre las ARTISTAS que han participado de la Temporada de los Espacios para Compartir, a 3 de ellas que asuman la curaduría de la siguiente edición. Para esta ocasión Sabela Mendoza, Anto Rodríguez y Silvia Zayas han contextualizado la propuesta cuyos criterios de elección y características conceptuales podéis consultar en el documento adjunto para, en su caso, hacernos llegar vuestras propuestas.
Técnicamente es preciso que nos indiquéis 3 cosas:
De qué manera dispondréis el espacio: si dejaréis el escenario diáfano en formato sala de exposición o en una disposición teatral con butacas móviles o ancladas y, siendo este el caso, si es a la italiana o en otra distribución (dado que lo más laborioso y lento es el cambio de disposición de los asientos para los hipotéticos espectadores y de la mesa de control. Nosotras aglutinamos la programación en función de esta peculiaridad ya que no montamos y desmontamos las gradas o la cabina de una semana a otra).
Si para la breve residencia técnica contáis con un diseñador que conciba los ambientes lumínicos, si necesitáis que os proporcionemos ese acompañamiento o si, sencillamente, vuestra actividad no echa mano de iluminación con aparataje teatral luminotécnico específico y solamente requerís que nosotros os apoyemos puntualmente y llevando la cabina en las sesiones.
Las fechas de las que disponéis para desarrollar la actividad.
Económicamente, dentro de la posibilidad de nuestra estructura ofrecemos las siguientes condiciones:
Para el apartado A un apoyo de 1.000,00 € (Base Imponible) en el caso de que contéis con acompañamiento de una técnica (que haga diseño, este en el montaje y “tire” las funciones) de 850,00 € (Base Imponible) si nos corresponderá a nosotras aportarla (diseño de luces, montaje y funciones) y de 950,00 € (Base Imponible) si no contáis con el acompañamiento de una técnica, pero esta no es necesaria porque la iniciativa no lo requiere. (sin diseño de luces, utilizando el montaje base y “tirando” nosotras la función) Además, recibiréis en 100% de lo que se hubiese recaudado por la venta de localidades.
Para el apartado B un apoyo de 2.000,00 € (Base Imponible) en el caso de que contéis con acompañamiento de un técnico (que haga diseño, este en el montaje y “tire” las funciones), de 1.700,00 € (Base Imponible) si nos corresponderá a nosotros aportarlo (diseño de luces, montaje y funciones) y de 1.900,00 € (Base Imponible) si no contáis con el acompañamiento de un técnico, pero este no es necesario porque la iniciativa no lo requiere(sin diseño de luces, utilizando el montaje base y “tirando” nosotros la función). Además, recibiréis en 100% de lo que se hubiese recaudado por la venta de localidades.
Las entradas estarán a la venta en la taquilla a 12,00 €, un cupo de un 20% del aforo se podrán comprar de manera anticipada on line a 10,00 €, que es el descuento que se aplicará para estudiantes, jubilados, profesionales de las artes y grupos de más de 10 personas. Las CREADORAS vinculadas al TEATRO PRADILLO pagarán 6,00 €. Únicamente estarán invitados aquellos que estén acreditados en el protocolo de nuestra BBDD, previa confirmación de reserva. El aforo, dependiendo de la ubicación de los asistentes, es de hasta 100 asistentes.
En cuanto al origen del dinero, en aras de fomentar la transparencia, debemos contaros que el TEATRO PRADILLO trabaja subvencionado con fondos de los 3 estratos de la administración, pero es una entidad particular con una infraestructura cara.
Aproximadamente 1/3 del dinero de nuestros gastos se destina a pagar el mantenimiento del local que podemos ofreceros, otro tanto lo utilizamos en salarios del personal y apenas una 3ª parte queda para financiar la actividad que desarrollamos. Por ello nuestra estructura no está concebida como una entidad financiadora de la actividad de los ARTISTAS, sino como facilitadora para el desarrollo de la actividad que, a nuestro ver, debe tener sus propios cauces de apoyo desde las instituciones. Esto es, el verdadero pago que podemos ofreceros es en especie, poniendo a vuestra disposición un espacio con dotación técnica, la posibilidad legal de que espectadores experimenten con vuestras propuestas y un acompañamiento, más o menos específico, para que potenciéis vuestro quehacer.
Además de las condiciones económicas descritas, desde Teatro Pradillo se realizará un catálogo impreso de la Temporada 2018/19, así como un trabajo de “huella” sobre lo que suceda a lo largo de la misma. A las artistas seleccionadas para las Estancias Creativas se les ofrecerá la posibilidad de que otra ARTISTA, colectivo o profesional realice una crónica sobre su trabajo.
Fecha límite de presentación de propuestas: 30 de junio de 2018.
Publicación de resultados de la selección: 15 de julio de 2018.
Esperamos vuestras propuestas en el correo electrónico:
LECTURAS IRREPARABLES V4 de Mayo 21:00 H. (en) el limbo es uno de los últimos textos que integran las Lecturas Irreparables. Las Lecturas Irreparables están compuestas por textos que han sido escritos para leerse en voz alta, en encuentros con más personas, y que se construyen a partir de un pensamiento coreográfico. En (en) el limbo se piensa en voz alta un espacio entre, un espacio libre de la idea de lo verdadero y de lo falso. Un lugar donde podemos refugiarnos “de esto que nos invade en forma de economía”.
Ficha artística
Idea: Coletivo Qualquer: Luciana Chieregati e Ibon Salvador
Texto, Performance, Fotografía y Vídeos: Ibon Salvador
Apoyos: Programa de Residencias Hondar Artean / Entre Arenas Donosti-San Sebastian Capitalidad Europea de la Cultura 2016 y Karpinteria
Agradecimientos: Salku Gassem, Abd el Mati Gassem, Mutha Gassem, Gulam Zawi, Bujari Zawi, Milka Gassem, Fatim Muhamed Bujari, Karlos Martinez.
GESTOS DE INQUIETUD #3 V4 de Mayo 21:00 H. Nos preguntamos hasta dónde algo es una pieza escénica, cuáles son sus bordes. ¿Por qué una función tiene unos estándares de duración predefinidos? ¿Por qué algunos de los materiales coreográficos que producimos nunca salen a la luz, debido a que no se ajustan a ciertos parámetros del mercado? ¿Cómo hacer visible que la labor coreográfica, además de lo que genera en términos de “producto”, tiene que ver con una investigación constante en torno a los universos que nos inquietan y que no siempre pueden ser materializados en una pieza escénica?
Apoyos: Co-producción Iberescena 2016, AZALA Kreazio Espazioa y Área de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao.
PLAYA S5 Y D6 V4 de Mayo 21:00 H. … En un zoológico miramos a un león dentro de una jaula. Quitamos el león y ponemos en su lugar el cuadro Gernika de Picasso. Estamos mirando el Gernika de Picasso dentro de una jaula. Quitamos la jaula y el zoológico y ponemos un desierto. Estamos mirando el Gernika de Picasso en el desierto. Quitamos el Gernika y ponemos un museo. Ahora, estamos mirando el museo sobre un desierto. Quitamos el desierto y ponemos a Amy Winehouse. Miramos a Amy Winehouse entrando en una de las salas del museo. Quitamos el museo y ponemos un micrófono con un bar al fondo. Entonces estamos mirando a Amy Winehouse ante un micrófono con un bar de fondo. Quitamos a Amy Winehouse y ponemos a Fidel Castro hablando incansablemente en español. Eso quiere decir que estamos mirando a Fidel Castro hablando ante un micrófono frente a un bar. Quitamos el bar y ponemos la Casa Blanca. Miramos a Fidel Castro hablando ante un micrófono delante de la Casa Blanca. Quitamos a Fidel Castro y la Casa Blanca y ponemos un cementerio delante del presidente actual de los Estados Unidos. Así estamos mirando a Donald Trump hablando en español ante un micrófono delante de un cementerio. Inmediatamente le quitamos la voz y se queda allí mudo gesticulando delante del micrófono. Luego quitamos a Donald Trump y quitamos el cementerio, ponemos una persona cualquiera y un hangar vacío iluminado con fluorescentes. Miramos a una persona gesticulando delante de un micrófono en un hangar iluminado con fluorescentes. Le ponemos un coctel de pensamientos divergentes y le quitamos el micrófono y le quitamos el hangar. Lo que resta es un cuerpo gesticulando, cargado de pensamientos divergentes, flotando en ninguna parte…
Ficha artística
Idea, Coreografía y Performance: Coletivo Qualquer; Luciana Chieregati e Ibon Salvador + Carolina Campos
Creación de Luz: Leticia Skrycky
Fotografía: Leticia Skrycky
Vestuario: Coletivo Qualquer
Apoyo Técnico: TRACKEN Studio
Apoyos: Azala Kreazio Espazioa, Departamento de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao, Atelier Real, Residencia de Creación en La Fundición, Residencias Boa Vista
Esta pieza ha sido subvencionada por el Departamento de Educación, Política Lingüística y Cultura del Gobierno Vasco
¿Queréis saber de dónde nace la tragedia…, cómo se fraguó la comedia…, para qué sirve el drama? El drama es siempre angustioso; la comedia, divertida; la tragedia, lacrimosa.
Injustificadamente, el escenario pasó a ser la lengua de todos, sólo que en él la lengua que se usaba repetía las cosas. Así, recordar pasó a ser el habla de los actores… y la escena permanecía siempre en el mismo sitio.
Reserva de entradas Se mantendrán hasta 10 minutos antes del comienzo de la representación.
Teléfono: 91 416 90 11
Correo electrónico: reservas@teatropradillo.com
Compra de entradas
En taquilla, sujeta a aforo, desde media hora antes del comienzo de la función.
Únicamente pago en metálico.
[Teatro Pradillo presenta la 3ª edición de las Conexiones Espaciales, nacidas del deseo de posibilitar la interconexión con espacios, proyectos, iniciativas con los que poder generar sintonizaciones reverberantes. En esta ocasión será Misióndivina Célula Barcelona quien ocupe por unos días el teatro.]
Vamos a aprender juntas a hacer cosas que no sabemos y que tenemos muchas ganas de aprender.
Aprender juntas es lo que llevamos haciendo desde hace unos meses. Aprender a construir un techo falso, a relajar el cuello, a hablar en griego, a ponerse a la mesa, a pasarse las palabras por el cuerpo y viceversa, a hacer una publicación con todo esto. Aprender juntas a compartirlo es lo que seguiremos haciendo en Pradillo, con vosotras.
Una propuesta a medio camino entre las prácticas artísticas compartidas, el taller colectivo de aprendizajes imposibles y la aparición esporádica de momentos escénicos.
Misióndivina Célula Barcelona son: Óscar Dasí, Itxaso Corral, Diana Gadish, Xavier Manubens, Raquel Gualtero, Sergi Fäustino, Verónica Navas, María Vera.
Visióndivina para Madrid: Diana Gadish, Verónica Navas, María Vera, Óscar Dasí, Itxaso Corral, Xavier Manubens.
Misióndivina: Célula Barcelona es, entre otras cosas, un colectivo de artistas que se reúne semanalmente para cuestionarse y moverse en torno a preguntas que derivan de sus prácticas. Por el momento se reúnen en, e interactúan con La Caldera Les Corts, centro de creación de danza y artes escénicas, en Barcelona.
Misióndivina se inicia en 2015 como una serie de encuentros con el propósito de compartir prácticas artísticas y conocimiento a partir del cuerpo. A partir de estos cuerpos que se fueron encontrando, en 2016 se organiza y pone a vivir la Célula Barcelona.
Reserva de entradas Se mantendrán hasta 10 minutos antes del comienzo de la representación.
Teléfono: 91 416 90 11
Correo electrónico: reservas@teatropradillo.com
Huellas: Rastros, señas, vestigios que deja alguien o algo… 
