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Pupa, pupita, pupila. Masaje de la visión

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24-02-2025

Idoia Zabaleta – Del 13 al 15 de marzo en Azkuna Zentroa

Idoia Zabaleta es una de las creadoras más destacadas de la escena contemporánea actual y artista asociada a Azkuna Zentroa.

Su especialización en ecosistemas y dinámica de poblaciones recorre los cimientos de sus obras. “Pupa, pupita, pupila. Masaje de la visión” forma parte de su línea de performances individuales como masajes y otros aparatos, basadas en la percepción corporal o lo que ella llama “Gesto 0 de la danza”.

Masaje de la visión es una obra de teatro con forma de masaje. Una experiencia individual, un “bis a bis” artístico para recordar que en sueños se continúa viendo. Una persona que ha reservado ese momento, alguien que le recibe y le invita a tumbarse en la camilla, a cerrar los ojos y dejarlos atrás, un tocar siempre mediado por objetos… Una oportunidad única para recibir un masaje singular o para regalarlo.

Pides cita, llegas al teatro, te recibe una persona, te invita a tumbarte en una camilla al lado de una mesa con pequeños objetos y alguna pastilla. Que si hace calor, que si una manta, te pide que dejes caer los ojos, que los abandones en el fondo del cráneo y que le ofrezcas los párpados. Claro, es un acto de generosidad y disposición a la aventura. A partir de ahí, se apagan las luces y comienza un masaje singular que te recuerda que en sueños continúas viendo. El masaje durará una hora, el teatro también, el sueño, sin embargo, será más breve. Para entonces habremos llegado a puerto.

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Una idea inacabada

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24-02-2025

Baile

Taller Placer – 28 de febrero y 1 y 2 de marzo en Espacio Inestable

UNA IDEA INACABADA es la nueva creación escénica de Taller Placer que sigue la línea de otros proyectos anteriores, explorando las formas que adopta nuestro trabajo, las identidades y los imaginarios que estas generan, y el papel del cuerpo como eje central en todo este entramado.

Desde el inicio, nos hemos propuesto mantener una voluntad abierta y en constante evolución, planteando el proyecto como un diálogo interminable en el que teoría, acción, idea y forma se entrelazan en una tensión dinámica, nunca cerrada. El espacio que habitamos para esta exploración es la maqueta de un teatro que hace mucho tiempo fue un cine. Un lugar que rehúye las convenciones tradicionales de la caja escénica, invitándonos a repensar sus posibilidades y a seguir imaginando infinitamente dentro de unos límites.

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FITXA ARTÍSTICA

Direcció i concepte: Vicente Arlandis // Assistència de direcció: Paula Miralles // Creació: Paula Pachón, Lucía Jaén, Paula Miralles, Vicente Arlandis // Intèrprets: Paula Miralles, Lucía Jaén i Vicente Arlandis // Espai sonor: Adolfo García i Taller Placer // Confecció d’escenografia: Los Reyes del Mambo // Disseny de Maqueta: Victor Colmenero // Vestuari: Paula Miralles // Producció: Paula Rausell.

Col.laboren: Ajuntament de València, Institut Valencià de Cultura IVC.

Agraïments: La Mutant Espai d’Arts Vives, Espai La Granja i El Consulado.

Mata’m psicosi de Dolors Miquel, Albert Roig i Lucia del Greco a la Fundació Brossa

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20-02-2025

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Dolors Miquel, Albert Roig i Lucia del Greco | Del 20 de febrero al 9 de març a la Fundació Brossa de Barcelona

Lucia Del Greco dirigeix aquest viatge escènic sobre la crueltat, la bellesa i la violència, acompanyant la veu protagonista en els seus laberints identitaris privats.

La directora Lucia Del Greco s’endinsa en l’univers de Dolors Miquel per construir atmosferes que retornen a l’espectador la bellesa i la violència de l’imaginari poètic de l’autora. Explora la crueltat, la vigilància, la ingenuïtat i la inevitabilitat de la mort, abraçant el constant canvi de forma de l’ésser humà en el temps i en l’espai. Aquí, mirar és, per si mateix, un acte bell i violent.

Entre ovelles, escorxadors, esquelles i presagis ancestrals, guiada per la filosofia grega neoplatònica, les metamorfosis ovidianes i l’infern dantesc, la proposta escènica dirigeix una mirada crítica a una societat que es desintegra. Després, amb les paraules de Dolors Miquel sobre el món, ens preguntem si encara hi ha lloc per allò que és petit, fràgil i secular.
I tanquem els ulls.
I toquem falgueres amb les mans.
I res més.

SINOPSI
Mata’m psicosi és una realitat cruel, voraç, psicòtica, en contínua metamorfosi.

Poblada de glaciars antics, roques metamòrfiques i algues marines, presenta un món sotmès a un sistema de vigilància que vol definir estrictament els límits d’allò que és humà, d’allò que és legítim, d’allò que té un valor.

En els sis episodis que componen la dramatúrgia de l’espectacle, trobem diversos fils conductors, entre ells el constant canvi de forma dels éssers vius, el qüestionament de la identitat, la crueltat genètica que portem dins i, finalment, l’amor com l’única força generadora de vida.

Hem entrat en el món de Dolors Miquel. Tenim al davant un mosaic d’identitats i pensaments múltiples i fragmentats. Abracem la temptació metamòrfica pròpia de tots els éssers vius.

SOBRE “MATA’M PSICOSI”
Dolors Miquel es defineix a ella mateixa com “una súbdita de la poesia, una enamorada del coneixement, una rapsoda visceral i una mamífera espiritual”. I Mata’m psicosi és una porta d’entrada que ens convida a reconèixer-hi tots aquests atributs: és l’obra d’una autora posseïda. Dins de la seva psicosi lúcida i delirant: “Socorre’m món no humà”, demana a crits l’autora, que també viu la seva particular metamorfosi quan de Dolors passa a convertir-se en Lola, canviant així el seu nom artístic. Aquest canvi coincideix amb el temps d’escriptura de l’obra Mata’m psicosi: la transformació es va produir aproximadament entre el 3 de juny de 2021 i el 12 de març de 2022, “moment en què reprèn l’ésser Dolors en una torsió metafísica impossible per a ments euclidianes”.

LUCIA DEL GRECO
Directora i dramaturga italiana que treballa entre Roma i Barcelona. Ha estudiat Literatura i Filologia a la Universitat La Sapienza i ha continuat la seva carrera acadèmica amb un doctorat en Literatura Comparada a la Universitat d’Oxford. També ha estudiat escriptura i direcció a l’Institut del Teatre de Barcelona.
Ha adaptat i dirigit “Heart’s Desire” de Caryl Churchill (Teatre Tantarantana & Sala Beckett, 2022), ha dirigit “Els Encantats” de David Plana (Sala Beckett, 2023), juntament amb un grup de divuit adolescents ha creat l’obra “Si no puc ballar no és la meva revolució” (Teatre Lliure 2024), i ha estat seleccionada com a directora per al projecte Emerging European Dramaturgy al Teatre Nacional de Catalunya en col·laboració amb la Comédie de Reims, França (Comédie de Reims, 2024). Actualment, està treballant en l’adaptació i posada en escena de “Pura Passió” d’Annie Ernaux, que s’estrenarà al festival Temporada Alta a l’octubre i farà temporada pel novembre al Teatre Akadèmia (Barcelona).
Ha estat guardonada com a Artista Revelació als Premis de la Crítica d’Arts Escèniques el 2023.

DOLORS MIQUEL I ABELLÀ
És poeta, escriptora i professora d’ensenyament secundari.
Entre els nombrosos llibres de poemes en català, destaquen: El vent i la casa tancada (1990), Llibre dels homes (1998), Transgredior (1999), Haikus del camioner (1999), Gitana Roc (2000), Mos de gat (2002), Amb capell (2003), Ver7s de la terra (2004), AIOÇ (2004) i Missa pagesa (2006). En la narrativa destaquen Maruja Reyes soc jo (1992), i l’assaig de poesia catalana medieval: Cap home és visible (2010).
Al llarg de la seva carrera ha obtingut diferents premis: Premi Rosa Leveroni (1989), Premi Ciutat de Barcelona de poesia (2005), Premi Gabriel Ferrater (2006) i Premi Alfons el Magnànim València de Poesia (2011 i 2012).

Més informació i entrades: Fundació Brossa

Requiem

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12-02-2025

cacharros…

Romeo Castellucci – Del 17 al 26 de febrero en el Liceu

Envuelta en una aureola de misterio, la enigmática y extraordinaria Misa de Réquiem no es solo la culminación de una etapa en la obra tardía de Wolfgang Amadeus Mozart, dedicada a la música religiosa, sino la cumbre de la historia de la música.

Truncada por la prematura muerte del compositor durante su proceso de creación, y verdadero documento autobiográfico, esta obra va más allá del tratamiento de la muerte y del Juicio Divino. Mozart genera una acción dramática capaz de renovar el género sacro, donde la expresión vocal sobresale para iluminar una experiencia desbordante.

Su discípulo Franz Xaver Süssmayr, que ya le había asistido en obras coetáneas como La flauta mágica o La clemenza di Tito, completó una partitura alrededor de la cual persisten numerosos interrogantes: Mozart planteó la cuestión de la muerte, pero su pregunta quedó sin respuesta. Mozart supo expresar, a través de este texto de la liturgia cristiana, todos los estados de ánimo: desde el miedo del Juicio (Dies irae) a la esperanza de la clemencia de Dios (Kyrie), de la angustia del sufrimiento inútil (Recordare) a la certeza de un más allá lleno de luz (Luceat eis).

Un llanto fúnebre, pero sobre todo, una plegaria extrema, implorando la misericordia divina.

Pocas veces una música ha estado tan marcada por el genio, la expresión, la fe y el sufrimiento de un ser humano.

“Como la muerte es el verdadero objetivo de nuestra existencia, he conocido tan bien este verdadero y mejor amigo de la humanidad en los últimos años que la imagen de la muerte ya no me da miedo, sino que es mucho más tranquilizadora y consoladora”. – Wolfgang Amadeus Mozart.

Estas palabras de Mozart sobre la vida y la muerte han sido el punto de partida para la interpretación de Romeo Castellucci, protagonista absoluto del teatro vanguardista europeo, del emblemático e inacabado réquiem del compositor. Como expresión del temor existencial de la humanidad ante la mortalidad, esta misa de réquiem nos confronta con la fragilidad de la naturaleza y la cultura, de la humanidad y del individuo. “Tendríamos que entender y celebrar el final como si fuera una fiesta, donde el baile continúa.

Esta Misa pro defunctis se transpone y su significado cambia”. Gracias a la visión teatral de Castellucci, complementada con otras piezas religiosas de Mozart, este “Réquiem” se convierte en la celebración definitiva de la vida, donde superamos los tópicos de la fugacidad de la vida. Coproducción con origen en el Festival de Aix-en-Provence, y primera propuesta de Castellucci en el Gran Teatre del Liceu, tiene una orientación próxima a un canto a la vida de extraordinaria belleza plástica e irresistible fuerza teatral.

Este “Réquiem” se opone a lo que cabría esperar de una misa de difuntos; no es un espacio de lamentación, sino que aborda temas como la cuestión fundamental del tiempo, de la esperanza de renacer; explora el origen y el fin, pero también el fin como origen mismo, permitiendo celebrar la vida en su propia fragilidad. Un final que quiere soñar en la vida, imponiéndose la circularidad y la renovación.

Giovanni Antonini, fundador de Il Giardino Armonico y uno de los directores musicales más respetados del panorama, será el abogado de esta propuesta bellísima e imprescindible.

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Perla Zúñiga: Queda fantasía

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12-02-2025

Poesia

1 de marzo en La Casa Encendida

Un homenaje a Perla Zúñiga, artista, poeta, performer y dj española, fallecida en verano de 2024. Zúñiga contribuyó enormemente a la escena cultural con sus performances, obra visual, la organización de fiestas con el colectivo Culpa, y su poesía, que se presentará ahora publicada por primera vez.

El evento comenzará con la presentación del libro de poemas póstumo de Perla Zúñiga, recién publicado por la editorial Blatt y Ríos. Me muero, te quiero (2025) es un libro sobre el brillo de la vida: las amigas, el arte, la música, el erotismo y el amor. También un libro sobre cómo la vida se vuelve contra la vida cuando una célula enloquece. La periodista y comunicadora española Nerea Pérez de las Heras dialogará con el poeta y editor argentino Mariano Blatt sobre la forma en la que Zúñiga testimonia con su lengua poética su paso por el mundo y por las cosas del mundo. A la presentación le seguirá una lectura de poemas de Zúñiga por personas cercanas a ella y por parte del público.

Se proyectará por primera vez Tranquila (2024), un vídeo dirigido por el director y fotógrafo Leo Adef y que registra una de las numerosas colaboraciones musicales entre Zúñiga y la dj, productora y performer Vera Amores aka Berenice. La proyección irá precedida de unas breves palabras de Culpa, fiesta y colectivo musical referente en Madrid, dirigida a personas trans y queer y que Zúñiga fundó.

La tarde culminará con dos sesiones de música, la primera a cargo de Berenice y la segunda a cargo de la artista sonora, productora y dj afincada en Berlín JASSS, quien se encargará de cerrar el acto.

Durante el evento estará disponible un libro en el que las personas podrán escribir recuerdos y firmas en memoria de Perla Zúñiga. Este libro se alojará en la Biblioteca de La Casa Encendida para que esté accesible al público durante los horarios de apertura de la misma y las personas puedan seguir contribuyendo con sus escritos.

Perla Zúñiga nació en Madrid en diciembre de 1996. Fue artista, poeta y dj. Cursó estudios incompletos de Bellas Artes. Como artista, realizó las exposiciones individuales Tranquila, no vas a poder describir en este momento este momento (Yaby, 2019) y Cucú (Córdova, 2023), además de haber participado en numerosas muestras colectivas, como Generaciones (La Casa Encendida, 2023) o Thorns (Galleria Astuni, 2024). Entre sus piezas performativas se cuentan Querida célula alterada, El hechizo del viejecito y Sesiones del lamento, las últimas dos en colaboración con Vera Amores. Como dj, y bajo el nombre de JOVENDELAPERLA, tocó en numerosas fiestas y festivales, entre ellas Sónar, Boiler Room y Maricas. Fue creadora y parte de la fiesta y colectivo Culpa. Poemas suyos aparecieron publicados en el volumen Ritual de amor. Antología coral de poesía joven, compilado por Cecilia Pavón en 2022, y en 45-120, compilada por el proyecto Juf en 2025. Murió en Valdemaqueda el 14 de julio de 2024, a los 27 años de edad, víctima del cáncer que marcó su obra y su vida.

Mariano Blatt nació en Buenos Aires, Argentina, en 1983. Es poeta y editor. Codirige dos editoriales: Blatt & Ríos y De Parado. Como poeta, publicó, entre otros, los libros Mi juventud unida, Un lago que sube y La puertita de alambre. Entre 2020 y 2024 vivió en Madrid. En la actualidad, vive en Buenos Aires.

Nerea Pérez de Las Heras es conocida por su trabajo como periodista y comunicadora en diferentes plataformas, siempre usando el humor como herramienta de reflexión y concienciación. En la actualidad dirige y conduce los podcasts “Saldremos mejores”, junto a Inés Hernand, y “Lo Normal”, junto a Antonio Nuño, y representa la obra de teatro Cómo hemos llegado hasta aquí, junto a Olga Iglesias. A lo largo de su trayectoria profesional ha escrito en medios como Radio Nacional, El País, SModa, Vogue, Esquire o Glamour, y continúa colaborando en algunos de ellos, así como en diversos programas de radio y televisión. Lleva años haciendo comedia política en público a través del show Feminismo para torpes, que se convirtió en un libro (Planeta) y una serie de vídeos para el diario El País. Ha sido reconocida por su lesbianismo militante con los premios Arcoiris (2022), Fancinegay (2023) y Pluma (2024); y por su labor como comunicadora, con el premio Ondas al Mejor Podcast conversacional (2024).

Vera Amores aka Berenice, es una dj, productora y performer transfemenina española. Co-fundadora del colectivo queer CULPA, fiesta referente y emergente en Madrid, enfocada en crear un espacio seguro para personas trans & no binaries. A su vez es residente del ya reconocido internacionalmente colectivo queer MARICAS, formando parte de su compilado digital junto a artistas como D. Tiffany, Sedef Adasi, entre otras. Ha pinchado en las principales ciudades de Europa, y en clubs como De School (Amsterdam), Pasos Manuel (Oporto), Herrensauna / Tresor (Berlin), Garage Noord / Vapor (Amsterdam), Poing Club (Rotterdam), Milkshake Festival (Amsterdam),, Nitsa (Barcelona), Boiler Room (Barcelona dos veces), entre muchas otras y ha hecho mixes/streamings para The Lot, Rinse FM & Refugee Worldwide.

JASSS es una artista sonora, productora y dj de Asturias que vive en Berlín. En 2017 publicó su álbum debut “Weightless” (iDEAL Recordings), en 2020 presentó su trabajo para el prestigioso catálogo AD93 titulado «Turbo Olé»/«We Solve This Talking». En 2021, el replanteamiento del lenguaje musical de JASSS tomó vuelo con A World Of Service, un disco que colapsaba el género y que presentaba su voz como instrumento central junto a la electrónica y la percusión con tintes metálicos en el sello institucional berlinés Ostgut-Ton.

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Progreso. El último lugar sobre la tierra

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05-02-2025

Actividades paralelas

Olatz Gorrotxategi – 9 de febrero en Azkuna Zentroa

Progreso es una pieza performativa de Teatro Documento que narra la historia de la humanidad y su relación con el planeta que habita.

Está formulada desde una retrospectiva antropológica y existencialista de la creación del ser humano, utilizando como analogía la paradigmática historia de la invención del plástico.La última creación de la dramaturga Olatz Gorrotxategi es un trabajo de sala que utiliza como lenguajes escénicos el teatro de objetos, el audiovisual, la ficción sonora y el texto teatral para hablar sobre el universo y el lugar que ocupamos en él.

Progreso no es un espectáculo infantil, es una puesta en escena pensada para entretener y estimular a personas a partir de los 10 años.

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Untitled (2000)

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05-02-2025

Obra de teatro a pie

Tino Sehgal – 22 de febrero en Conde Duque

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque reconoce la trayectoria de Boris Charmatz a partir de dos piezas: (untitled) (2000) de Tino Sehgal, donde Boris participa como intérprete; y SOMNOLE (2021), coreografía creada por Boris, un solo donde destila intereses y sensibilidades presentes en sus más de treinta años de carrera.

El trabajo de Charmatz está atravesado por el interés por someter la danza a restricciones formales que redibujan su campo de posibilidades. El coreógrafo, bailarín y creador de proyectos experimentales como la escuela efímera Bocal, el Musée de la danse o Terrain, se pregunta por el estado de los cuerpos contemporáneos, y articula performances y formatos híbridos para lugares y espacios muy diferentes –desde escenarios a museos, instituciones ficticias o al aire libre–. Las propuestas de Charmatz relacionan el contexto en el que se despliegan con los repertorios de la danza y su transmisión, así como el deseo de conectar la teoría con las sensaciones e intensidades del cuerpo que baila.

Sobre (untitled) (2000)

(untitled) (2000) es una pieza del artista Tino Sehgal interpretada por Boris Charmatz y Frank Willens. La trayectoria de Sehgal incluye importantes exposiciones como la Bienal de Venecia de 2005, la Documenta 13 y solos en el Museo Guggenheim de Nueva York, el ICA o la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. (untitled) (2000) es la última pieza que realizó en el marco de la danza antes de insertar su trabajo en el campo de las artes visuales, y describe en muchos sentidos el inicio de su relación con el museo como dispositivo que refleja la comprensión y la transmisión de conocimiento de las sociedades contemporáneas.

En escena el cuerpo desnudo, sin escenografía ni música, despliega breves extractos del repertorio de la historia de la danza del siglo XX. La pieza exhibe la danza tratando de acercarse a un orden estético similar al del museo, con el deseo de resituar las prácticas coreográficas y su articulación corporal.

Cuando se presentó por primera vez en el Moderna Museet de Estocolmo, el conservador Jens Hoffmann le dijo a Sehgal que «era como un museo de la danza».

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Somnole

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05-02-2025

Muy Guay!

Boris Charmatz – 20 de febrero en Conde Duque

El trabajo de Charmatz está atravesado por el interés por someter la danza a restricciones formales que redibujan su campo de posibilidades. El coreógrafo, bailarín y creador de proyectos experimentales como la escuela efímera Bocal, El Musée de la danse o Terrain, se pregunta por el estado de los cuerpos contemporáneos, y articula performances y formatos híbridos para lugares y espacios muy diferentes –desde escenarios a museos, instituciones ficticias o al aire libre–. Las propuestas de Charmatz relacionan el contexto en el que se despliegan con los repertorios de la danza y su transmisión, así como el deseo de conectar la teoría con las sensaciones e intensidades del cuerpo que baila.

Sobre SOMNOLE

Tras una serie de piezas de grupo y eventos colectivos en el marco de Terrain, Boris Charmatz vuelve a la forma del solo con una coreografía sucinta acompañada únicamente por un tenue silbido. Una danza que vehicula melodías familiares y materializa gestos latentes.

Centrada en dos ejes principales: por un lado, la idea de somnolencia, que evoca un estado intermedio, a medio camino entre la vigilia y el sueño, como una suerte de puente entre el mundo mental y el mundo físico; y, por otro, que el propio intérprete produce la música en forma de silbido, modelando el movimiento al escapar el aliento de los labios.

Charmatz silba notas, hace aparecer una melodía tras otra, como una cartografía efímera de un estado de ánimo. Después de infini (2019), pieza caracterizada por una oralidad desbordante, en la que la pronunciación de cifras se transmitía de un cuerpo a otro, el coreógrafo opta por una reducción radical del sentido y la fisicalidad. En SOMNOLE, el aire exhalado de los silbidos se une a la aparición de un movimiento, formando un frágil vínculo de danza y música. Charmatz dice “basta con tener los labios secos para que se detenga. Te quedas sin aliento y se detiene; de ahí la necesidad de producir una danza sencilla, atenuada y lánguida. Si te mueves demasiado rápido, el silbido suena rápidamente falso o se vuelve inaudible.” A medida que la música se construye, con sus mezclas y rupturas, se desarrollan cualidades de movimiento y enlaces entre el silbido y la dinámica del gesto, ya sea ralentizado, entrecortado, somnoliento o agudo.

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Encantado

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05-02-2025

instal•lació interactiva

Lia Rodrigues – 13 y 14 de febrero en Conde Duque

“Es una mezcla entre El Bosco y Balenciaga”, divagaba una crítica de danza holandesa, en su intento por definir Encantado, coreografía más allá de la danza, que supone una experiencia que existe para verla y vivirla. Nadie, en realidad, puede contar con verdadera precisión todo lo que ocurre durante este extraño pero fascinante ritual, a medio camino entre lo sagrado y lo pagano, lo obsceno y lo exquisito, que hoy nos devuelve al escenario del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque a la creadora brasilera Lia Rodrigues (Sao Paulo, 1956) y su compañía de danza del Maré, una de las favelas más grandes y peligrosas de Río de Janeiro, quienes ya bailaron aquí la inclasificable Furia la temporada pasada.

Aunque muy diferentes, coinciden ambos trabajos en expresarse desde una estética ya perfectamente reconocible hecha a partir de objetos baratos y cotidianos, y unos modos escénicos que arman su dramaturgia a través de una narrativa en la que, en el caso de Encantado, once hábiles intérpretes hacen aparecer y desaparecer, como si fuera un encantamiento, figuras, imágenes y composiciones evocadoras de realidades del Brasil de los contrastes.

Lo que al inicio nos parece una alfombra de vivos colores perfectamente enmarcada en el escenario se nos va a desvelar pronto como escenografía y vestuario, el maravilloso deux ex machina de esa economía de recursos ya característica de la creadora brasilera. Con lentitud ceremonial, uno a uno, los bailarines desnudos se van deslizando bajo el aparente tapiz, y lo van habitando y desmembrando en las cientos de sábanas y telas de fulgurantes colores que lo conforman.

Para esta gente, que vive en unas condiciones de continuada emergencia, inventarse la vida cada mañana es prioridad y necesidad. Encantado es una metáfora perfecta de esta situación. Identidad, camuflaje, disfraz, travestismo, metamorfosis, transformación, cambio… muchas son las sensaciones e ideas que van pasando por la cabeza del que observa embobado esta performance extravagante que se nos presenta como una parada, un desfile de moda o quizá una comparsa de carnaval. De esas telas salen trajes y carruajes, insectos gigantes y monstruos feroces, la imaginación no deja de ser estimulada y de manera irremediable, Lia Rodrigues nos mete en un loop alucinante, del que definitivamente no queremos salir.

Más allá de los muchos valores artísticos de la propuesta, la de Lia Rodrigues es una danza de la resiliencia, de la persistencia y la perseverancia, una danza que ha nacido bella emergiendo de la precariedad y la urgencia vital de los artistas que la hacen. La coreógrafa admite que nació privilegiada en una sociedad que no ofrece muchos privilegios. Se formó como bailarina en París, donde trabajó con Maguy Marin, precursora de la nouvelle danse francesa, de la que aprendió, sobre todo, el valor inmenso de lo más pequeño. Y en 2004, volvió e instaló su compañía en el Maré, con la convicción de que el arte podía ser una alternativa para estos jóvenes mantenidos fuera de la educación artística por el sistema. En el 2008 fundó la Escola Livre de Danças da Maré, y ha sabido cómo convertir una danza nacida en la favela en un referente europeo, que despierta asombro y fascinación en las audiencias que no pueden resistir caer hipnotizadas y literalmente encantadas con sus propuestas, hoy largamente imitadas pero difícilmente superadas. Y es que Lia Rodrigues, en sí misma, es un encanto.

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Waves

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05-02-2025

Electrónica

Lautaro Reyes – Del 28 de febrero al 2 de marzo en el Mercat de les Flors

Esta pieza provoca un desplazamiento en la imagen del cuerpo, en la experiencia que contiene. A partir de una constante pulsión de transformación, el intérprete atraviesa por su identidad política y, a través del movimiento, abre la posibilidad de reconstruirse hacia otra identidad. En Waves, Lautaro habla también de lo que significan sus dos mundos geográficos y emocionales: “En Chile me hice persona política, aquí en Europa me hice adulto. Estos dos sitios son dos polos que han sido separados y es hora de que choquen. Sentir político, pensar y hacer artístico”.

Lautaro Reyes Sáez es coreógrafo e intérprete con una amplia formación en escuelas iberoamericanas. Ha trabajado con distintos coreógrafos y compañías en Europa. En 2012 crea Camaralucida, proyecto escénico que pone el foco de investigación al encontrar y desarrollar mecanismos que alteren la percepción coreográfica. Como coreógrafo ha recibido varios reconocimientos y actualmente es artista asociado de la fábrica de creación Graner.

Más información y entradas: Mercat de les Flors