Sin timón & en el delirio

Posted on November 26, 2021 by marccaellas

Este viernes estrenamos nueva pieza en la Ciudad de México.

Sin timón & en el delirio
Teatro a pie por la colonia Santa María la Ribera
Compañía La Soledad

En El País, José Criales escribe esta nota

José Alfredo Zendejas escribió cientos de poemas, se perdió por años entre Barcelona y Tel Aviv, y murió atropellado en Ciudad de México en 1998. Tenía 45 años. Fundador anónimo de un movimiento literario que moldeó generaciones, firmó sus poemas como Mario Santiago Papasquiaro y apenas publicó en vida. Roberto Bolaño dijo que leía en la ducha y le mojaba los libros, y Juan Villoro contó alguna vez que le grababa recados con poemas de madrugada. El año de su muerte, el escritor chileno lo convirtió en protagonista de Los detectives salvajes y lo bautizó con el nombre de su leyenda: Ulises Lima. Poco más se sabe de él. El mismo Bolaño, que usó su verso más popular como epígrafe en una de sus primeras novelas, descubrió tiempo después que su amigo lo había tomado del final de un poema de Gilberto Owen:

“Es ya el cielo. O la noche. O el mar que me reclama / (…) / Si he de vivir, que sea sin timón y en delirio”

Tras la novela cumbre de Bolaño, la obra caótica y la vida apócrifa de Mario Santiago Papasquiaro se volvieron piedra de movimientos, antologías y homenajes. El último se estrena este viernes en la capital mexicana, en un propuesta fugaz que celebra su poesía como fue escrita: caminando las calles sin rumbo. El escritor y dramaturgo Marc Caellas (Barcelona, 1974) y el escritor y performer Esteban Feune de Colombi (Buenos Aires, 1980) presentan Sin timón y en el delirio, un paseo por la colonia Santa María la Ribera y alrededor de los poemas de Mario Santiago.

Los creadores definen la performance como “teatro a pie”, “deriva poética”, “ruta apócrifa”. “En el fondo da igual”, dice Feune de Colombi. “Dependemos de los artistas que nos provocan, cuyo arte estaba tan cerca de su vida que se confundían. En ese sentido, Mario Santiago es paradigmático: vivió de forma artística antes que de su arte”.

“Es una suerte de antiteatro”, define Caellas. “Hemos intentado crear algo alejado del teatro tradicional, de las emociones impostadas. Queremos conectar el arte con el barrio vivo, el azar, los encuentros imprevistos. Mario Santiago escribió en movimiento, en papeles que encontraba, siempre en la calle”.

La obra, que se presenta este viernes hasta el domingo en el programa Artes Vivas del Museo Universitario El Chopo, cierra un ciclo sobre el legado y márgenes de Roberto Bolaño que comenzó el año pasado en Barcelona. Como un Cristo residual de los movimientos juveniles de los sesenta, el escritor chileno vivió una juventud intensa y solo logró reconocimiento pasados los 40 años. En el medio, un desierto que después llenó entre la épica y el caos de su novela. En Bolaño, vuelve a casa, Caellas y Feune de Colombi buscaron reconstruir los años silenciosos que el escritor pasó en El Raval, epicentro mestizo y multicultural de Barcelona. “Armamos una ruta sobre cafés, cines, varios lugares esenciales para su literatura que hoy ya no existen”, dice Caellas. “Nos ayudó Bruno Montané, que nos contó varias cosas y nos conectó con vecinos para iluminar ese costado del Bolaño marginal que llegó a la ciudad en los setenta”.

Montané, uno de los últimos poetas vivos del movimiento infrarrealista fundado por Bolaño y Mario Santiago, dijo una vez a este periódico que en Los detectives no había “más de un 30% de material real”. Para el caso es lo de menos. Si Bolaño hizo de ciudades como México, Santiago de Chile o París personajes vivos de su narrativa a partir de recuerdos e invenciones, Mario Santiago creó una ciudad con poemas que caminaban igual por los hoteles fétidos de la colonia Guerrero y los caserones señoriales de La Condesa. Los artistas tampoco pretenden un mapa rígido. “Buscamos sacar la poesía de los cajones solemnes y regarla por la calle”, afirma Caellas.

“Los infrarrealistas caminamos de espaldas, mirando un punto y alejándose de él, en línea recta hacia lo desconocido”, dice el Ulises Lima de Bolaño. El movimiento nació entre la vanguardia poética y los movimientos juveniles, del Mayo Francés a la izquierda incipiente en Latinoamérica. Los infrarrealistas tenían como enemigo a Octavio Paz, el poeta e intelectual oficial de la hegemonía del PRI, y ante él reivindicaban cierto surrealismo. Lo último, decían, era publicar. Lo primero para estos adolescentes era llenarse de sí mismos.

Mario Santiago publicó apenas dos libros en los últimos años de su vida. El poema de Gilberto Owen que se apropió terminó como título de otro que hoy se encuentra en antologías del Fondo de Cultura Económica o la Editorial Almadía. Caellas y Feune de Colombi lo reivindican como el nombre de su performance. “Es un mantra, un hermoso epitafio. Ya me gustaría que alguien dijese eso de mí”, dice Caellas.

En una entrevista en pleno éxito editorial, Roberto Bolaño bajo humos sobre la frase. La vida del poeta no se la deseaba a sus hijos. “Creo que Bolaño tenía muy en claro que la muerte le acechaba”, dice Feune de Colombi. “Hablaba sobre la muerte con profundo amor por la vida. Vivir sin timón tal vez es mejor ya de grande, con cierta perspectiva. No hay como sentirse amado, es algo que Bolaño le deja muy claro a Mario Santiago en una carta al final de su vida”.

Gilberto Owen (1904, Sinaloa-1952, Filadelfia…)

Murió “mancillado por la cirrosis”. Está enterrado sin lápida en USA.

ES YA EL CIELO

Es ya el cielo. O la noche. O el mar que me reclama
Con la voz de mis ríos aún temblando en su trueno,
Sus mármoles yacentes hechos carne en la arena,
Y el hombre de la luna con la foca del circo,
Y vicios de mejillas pintadas en los puertos,
Y el horizonte tierno, siempre niño y eterno.
Si he de vivir, que sea sin timón y en delirio.

Isabel Jiménez por las calles de la Santa María

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Himno al mar – SOMA – México

Posted on November 24, 2021 by marccaellas

La Compañía La Soledad es un proyecto de Marc Caellas y Esteban Feune de Colombi enfocada en propuestas escénicas itinerantes, performances y site specific, como El paseo de Robert Walser, Juego de cartas o Bolaño, vuelve a casa.

Tras una semana trabajando en un laboratorio de creación en Xalapa y Veracruz, tras una presentación marítima del Himno al mar en Tulum, cerramos el ciclo acuático mexicano con una performance en SOMA.

Para los que se quieran conectar, aquí tienen el enlace.

Dos peces nadan uno junto al otro cuando se topan con un pez más viejo que viene en sentido contrario, los saluda y les dice “buen día, muchachos, ¿cómo está el agua?”. Los dos peces siguen nadando hasta que después de un tiempo uno voltea hacia el otro y pregunta: “¿qué demonios es el agua?”.

––David Foster Wallace en ¿Qué es el agua?

Hibridando instalación, teatro documental, vídeo, poesía y danza, ¿Qué es el agua? es una pieza escénica -en construcción- en forma de homenaje a ese misterio fascinante que es el agua y que apunta a realizarse en ciudades marítimas o fluviales, así como en islas.

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La revolución exige un corazón expuesto*

Posted on August 31, 2021 by marccaellas

“Pero todo corazón es un testigo
y una segura prueba
de que la vida es una escala inadecuada
para trazar el mapa de la vida”
Roberto Juarroz

Lloré pocas veces en un teatro, pero recuerdo la primera vez como si fuera hoy. Fue en el Teatro Callejón, en Humahuaca 3759, Almagro, Buenos Aires, Argentina. Fue en Open House, una obra que armó Daniel Veronese y que ahora, diez, once, ¿doce? Años después se me revela como profética, como el tipo de obra que tiene sentido en este mundo dominado por un virus letal. Los actores y el director de Open House aseguraban en el programa de mano que Open House era una obra que no dejarían de hacer nunca. Si el público dejaba de asistir la iban a hacer igual puesto que ellos asumían las pérdidas y el abandono. Hay que tener en cuenta que muchas obras del under porteño duran varios años, a un ritmo de función semanal. Hay intérpretes que pueden estar en cuatro obras a la vez. Es un sistema que permite que funcione el boca oreja y que evita que mueran rápido obras que son de largo recorrido. Así, durante cuatro años estuvo con ellos Andy, su conejo, hasta que murió. Luego les abandonó el chico del bigote, pero en Open House no había posibilidad de ser remplazado, la propia obra se hacía cargo de la pérdida y funcionaba cada vez con menos personal en escena. Así, Open House fue desapareciendo de a poco, hasta que sólo quedaron las huellas de las palabras. La obra tuvo una muerte natural.

Éste es mi deseo para las obras de teatro en este mundo vírico, una muerte natural. La seguridad, bajo cualquier circunstancia, es una ilusión. ¿Cultura segura? No, gracias. La cultura es insegura, azarosa, imprevista. Aparece donde no se la espera. Por eso cada vez está más alejada de los patios de butacas, donde el entretenimiento y las risas enlatadas campan a sus anchas, y más cerca de los márgenes, la periferia, los descampados. Recemos por un teatro descampado, por favor.

La ciudad es un escenario teatral, la vida en sociedad es una obra de teatro, las relaciones humanas son eminentemente dramáticas, y todo lo que hacemos unos con otros es interpretar personajes, como ya dijeron Shakespeare y Calderón y prácticamente todos los barrocos. “Toda ciudad -nos recuerda Carolina Sanín- incluso una tan astrosa como Bogotá, está hecha para darnos la idea de que no moriremos, de que duramos en ella, que dura más que nosotros. Al salir de la obra urbana, del juego urbano, puede tenerse la oportunidad de ver o de presentir, aunque sea por un instante, algo que está detrás del escenario y detrás del libreto. O puede tenerse la oportunidad de ponerse delante del escenario, como espectadora, y de descansar de la actuación. Entonces piensa uno más tranquilamente en la muerte —en el sueño y en el despertar—, que es lo único en lo que hay que pensar”.

No hagamos más el teatro que quieren que hagamos los repartidores de invitaciones. No podemos esperar que las cosas cambien si nuestras representaciones siguen siendo las mismas, si seguimos aceptando el gusto de los burócratas del canapé socialdemócrata. Con cada “nuevo” montaje de Chéjov nacen nuevas gaviotas reaccionarias. Basta de poner los clásicos en el microondas. Escribamos nuevos clásicos o cocinemos a fuego lento. El teatro recalentado es indigesto.

Vivimos en una sociedad que nos insufla ya desde pequeños el miedo a entrar en lo desconocido, en terrenos inexplorados, como por ejemplo nuestro interior, nosotros mismos. Los profesores, los padres, los monitores saben que ese caos da miedo, y por esa razón evitan profundizar. La gente sigue diciendo “conócete a ti mismo”. Lo oímos, pero nunca lo escuchamos. No nos preocupamos de ello. Tenemos una idea en mente de que el caos prevalecerá y nos perderemos en él, nos sepultará. Por miedo al caos, seguimos aferrándonos a todo lo seguro, lo convencional, lo externo. Pero esto es desperdiciar la vida.

Un espectador, incluso uno emancipado, es en el fondo indiferente, está apagado, está en una especie de sueño. No participa de la vida. Tiene miedo, es cobarde. Se queda al lado de la carretera y simplemente mira cómo viven los demás. Eso es lo que llevamos haciendo toda la vida: alguien actúa en una película y nosotros le vemos ¡Somos espectadores! La gente se pega a sus sillas durante horas delante de una pantalla: espectadores. Alguien canta y tú escuchas. Alguien baila y tú sólo eres un espectador. Alguien ama y tú solo miras, no participas. Los profesionales hacen lo que deberías hacer por ti mismo.

Como Morelli, el personaje de Cortázar, me niego a hacer psicologías y quiero poner al espectador en contacto con un mundo personal, con una vivencia y una meditación personales. “Allí donde debería haber una despedida hay un dibujo en la pared; en vez de un grito, una caña de pescar; una muerte se resuelve en un trío para mandolinas. Y eso es despedida, grito y muerte, pero, ¿quién está dispuesto a desplazarse, a desaforarse, a descentrarse, a descubrirse?”

Escribe Anne Dufourmantelle en Elogio del riesgo que la desobediencia es una travesía de los espejismos, una forma de salir de las obligaciones silbando, porque uno aceptó perderlo todo, incluyendo la vida. Allí donde la resignación es exigida, aún es posible, no moderar, no argumentar, sino simplemente optar por un “no”. Dejemos de ser espectadores. Seamos testigos ¿Qué es un testigo? Un testigo es el que participa y, sin embargo, permanece alerta. Un testigo está en el estado de wu-wei. Esa palabra de Lao Tse significa acción a través de la inacción. Un testigo no es alguien que haya escapado de la vida. Vive la vida, la vive mucho más a fondo, mucho más apasionadamente, pero al mismo tiempo en lo más profundo permanece como un observador, sigue recordando que “soy una conciencia”.

“La próxima vez que te desmandes, te inoculo un virus. No un virus potente, no: un virus apenas virus, lo justo para atarantarte y, sin acabarte, hacer que pierdas un poco de tu arrogancia.
Entonces, ah, entonces, vuelves a ser eucalipto. Dulce vuelve a ser mi noche entre tus ramas”.
Yesé Amoris

*Publicado originalmente en Impúdica
**Fotografía de Francesca Woodman

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El paseo de Robert Walser en Sant Cugat

Posted on July 16, 2021 by marccaellas

Sant Cugat nos aburría un poco, pero aceptamos igual la propuesta. Si somos proletarios de la cultura, actuamos como tales. En Sant Cugat hoy jueves casi todos van con mascarilla. Dicen los que saben que el municipio encabeza las demagógicas estadísticas covid-19 de estos días. Parece que celebraron la Festa Mayor a todo trapo y ahora pagan las consecuencias. Tampoco me imagino mucho desmadres aquí, en este pueblo tan burgués como catalán, con todo lo que ello implica. En cualquier caso, Robert apareció motivado y saludó a los paseantes uno a uno. Excepto una señora todos los demás le dieron la mano, sonrientes y nerviosos. Un señor alto le advirtió que él estaba en contra del silencio, que no podía dejar de hablar, incluso cuando no se le requería. Una paseante nos abandonó a la mitad por tener una cita con la vacuna. Otra se fue tras la escena de la cantante arguyendo que debía regresar con premura a Sabadell. Y un tercero, el parlanchín, mencionó compromisos insoslayables pocos segundos después de haber declarado que sus zapatos eran “saludables”. En cualquier caso, que fuera un paseo menguante no fue óbice para que nos encontráramos bares de nombre azucarado, como Mermeladas express, restaurantes con una foto de una jovencísima Sofía Loren sujetando una pizza, o remakes de Matisse adosados a una pared. En la librería Alexandria escuchamos al librero decir que estaba harto de “los grupos de freakies”, antes de entregarle a Robert un libro de Jordi Cussá, gran escritor catalán fallecido hace unos días. Luego nos detuvimos frente a la casa de los Häsler. El patriarca, Rudolf, falleció en 1999, tras una vida errante que lo llevó al desierto argelino y a Cuba, dónde se casó y dónde lideró los primeros años de la política cultural de la Revolución hasta que se dio cuenta que la burocracia y la falta de libertades iban a tirar todo por la borda. Ahora quedan sus hijos en esta casa de aires cubanos y atmósfera artística: Ana es cantante lírica, Rodolfo poeta y Alejandro pintor. Justamente fue Alejandro quién nos recibió en su casa hace dos días y con quién conversamos un buen rato sobre el artista Adolf Wöffli, escritor, compositor y pintor suizo, esquizofrénico, que estuvo también internado, como Walser. Wöffli tiene una sala dedicada a sus pinturas con textos en el Museo de Arte Moderno de Zurich. Fue un precursor del pop, un loco muy genio También mencionamos a Kusama, una artista japonesa que vive internada en un manicomio, aunque con licencia para viajar y exponer sus magníficas instalaciones. Para que haya un loco tiene que haber alguien que sea cuerdo, dijo Alejandro. La locura es una suerte de estigmatización, respondimos. Los locos tienen una honestidad que casi les hace daño, continuó. Estuvimos de acuerdo que son los portavoces de todo el drama familiar, su cloaca, puesto que reciben toda la mierda acumulada en generaciones. Alejandro nos recordó que España es el país de Europa con más gente medicada. La gente funciona, relativamente, con normalidad, escondiendo el sufrimiento bajo las pastillas. A juicio de Alejandro la epidemia de separaciones está relacionada con las enfermedades mentales. Alejandro Häsler nos cuenta que ha tenido siempre alergia al poder. Educado en la escuela suiza, se acuerda como se indignaban los profesores suizos ante la chulería del niño español, que recibe el castigo diciendo la última palabra en lugar de agachar la cabeza, como los suizos, o los japoneses. Una educación destinada a someterte. Sin ser “mala”, tenía este handicap autoritario. Luego nos mostró el balcón desde dónde hoy hizo su cameo. Dijo una frase que no recuerdo, pero que sintetizaba este fragmento que escribió Walser en Los hermanos Tanner.

“Además, no tengo el menor deseo de hacer carrera. Lo que para otros es lo máximo, para mí es lo mínimo. Hacer carrera es algo que, Dios es testigo, no puedo respetar. Me gusta vivir, pero no afanarme en pos de una carrera, cosa que se considera extraordinaria. ¿Qué hay de extraordinario en ello? Espaldas prematuramente encorvadas a fuerza de estar de pie ante escritorios demasiado bajos, manos llenas de arrugas, rostros pálidos, pantalones de trabajo raídos, piernas temblorosas, vientres prominentes, estómagos estropeados, cráneos pelados, ojos cargados de encono, torvos, insípidos, descoloridos, sin brillo, frentes extenuadas y la conciencia de haber sido un perfecto idiota cumplidor de sus deberes. ¡Gracias! Prefiero seguir siendo pobre pero sano, renunciar a una casa lujosa a cambio de una habitación barata, aunque dé a la más oscura de las callejuelas, prefiero los apuros económicos al compromiso de tener que elegir dónde debo ir en verano a recomponer mi arruinada salud; cierto es que sólo soy respetado por una persona: yo mismo, pero es alguien cuyo respeto es el que más me importa; soy libre y puedo, cada vez que la necesidad lo exige, vender mi libertad por un tiempo para luego ser nuevamente libre. Vale la pena ser pobre a cambio de la libertad. Tengo qué comer, porque poseo el talento de saciarme con muy poco. Me indigno cuando alguien me viene con la palabra «trabajo fijo»; y los compromisos que ella supone. Quiero seguir siendo un ser humano. En una palabra: ¡me gusta lo peligroso, lo abisal, lo flotante y no controlable!”

Dejamos a Alejandro feliz en su casa de aires indianos y seguimos paseando atraídos por la voz de Anna Farrés, que nos regaló esta vez su versión de la Casta Diva, provocando entusiastas muestras de aplauso entre oficinistas, paseantes y niños de Sant Cugat. La futura gran cantante en persona del Vallés disfruta cantando en estos lugares donde la colocamos, como la terraza del Centro Arte Maristany, nuestra entidad anfitriona en Sant Cugat. El resto del paseo transcurrió tranquilo y soleado hasta desembocar en un bello final bajo los árboles. Tras los saludos de rigor, constatamos la presencia de una paseante argentina que nos contó que nos sigue desde que fue público activo de una representación de Juego de cartas que llevamos a cabo en el balneario de Ostende hace dos años y pico. La argentina le dijo a Robert, al irse, algo flipante: que no sabía quién era Walser, que lo había googleado ayer, que había descubierto en Wikipedia que Walser había trabajado en la gráfica Speyer… y que Speyer era su segundo apellido, el de la madre, y que por eso, además, vino hoy, corriendo, a ver lo que hacíamos, con escalofríos por la coincidencia… De hecho, Robert le dio la mano al principio y se presentó diciendo su nombre, que olvidó, y su apellido: Speyer. Son este tipo de conexiones que valoramos por encima de todo, estos encuentros y reencuentros transformadores, estos aprendizajes mutuos que nos regalan estas obras de bolsillo que regamos por el mundo.

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Suicide Notes en Escenas do Cambio

Posted on May 18, 2021 by marccaellas

Nos hace felices participar en una nueva edición del Festival Escenas do Cambio. En su presentación, sus organizadores dice:

-Compartir, en tiempos de distanciamiento, se nos antoja tan necesario como el propio arte de exhibir.
– Los espacios adquieren, más que nunca, la importancia como lugar del recorrido y también de la parada.
– Las compañías y artistas invitadas a Escenas do cambio 2021 cargan sus trabajos de un afecto simbólico para convivir en un lugar de tránsito: las calles, la Ciudad de la Cultura, el teatro… y así mantener vivo y en vivo el arte de la escena.
– El hilo conductor más importante de este Escenas es por tanto el espacio, un espacio cambiante que se utiliza para el encuentro mesurado por la pandemia.
– Llena de múltiples géneros, de ambigüedad y de contemporaneidad, esta edición abre las puertas a creaciones diversas en las que cada uno, cada una, habla desde la liberación de poder actuar ante el público.
– Proyectos por estrenar, estrenados con retraso o creados en site specific darán como resultado la continuidad de los propios artistas y del festival como vínculo de todos/as ellos/as.

Suicide Notes se presenta el viernes 21 en la Cidade da cultura, en Santiago de Compostela.
Entradas acá.

El suicidio es la muerte silenciada.
¿No hablar del suicidio evita suicidios?
¿Por qué las leyes limitan lo que podemos hacer con nuestro cuerpo?
¿Por qué no son tristes las notas de suicidio?
¿Celebrar el suicidio de otros es aplazar el propio?

SUICIDE NOTES pone en escena el tema del suicidio, el tabú que representa, su ocultación en contraste con su importancia y relevancia, y el hecho que implica poner el cuerpo de manera definitiva, o sea la toma de decisión sobre el final de la propia vida.
Como sucede en otros proyectos comunes e individuales de Marc Caellas y David G. Torres, SUICIDE NOTES está basada en la citación y el apropiacionismo. En este caso de notas de suicidio de escritores, artistas y músicos que configuran la línea argumental de la pieza. A ello sumamos referencias visuales de la música y el arte contemporáneo, más la recopilación de datos sobre el suicidio.
SUICIDE NOTES es un concierto.
SUICIDE NOTES es un recitado.
SUICIDE NOTES es un espectáculo audiovisual.
SUICIDE NOTES es una experiencia de catarsis colectiva.

Las múltiples notas de suicidio que han dejado escritores, artistas o músicos son auténticas piezas literarias, que desvelan las cuestiones fundamentales que implica el suicidio: la toma de decisión sobre la vida; la conciencia del absurdo de nuestras vidas; el derecho sobre el propio cuerpo, un “tema” teatral por excelencia.
La revisión de algunas notas de suicidio muestra, más que abatimiento o desesperación, una necesidad de intensidad de vida que cada vez se hace más difícil de encontrar. Afrontar el final de la propia vida revela un fuerte compromiso vital. El suicidio implica una condición existencial que se relaciona con la crisis de la modernidad, la fe en el progreso y la crisis del sujeto moderno.
¿Qué revela con más contundencia la crisis del individuo que el suicidio?
¿Qué refleja con más intensidad el absurdo de nuestras vidas que el suicidio?
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FICHA ARTÍSTICA

IDEA, DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Marc Caellas y David G. Torres

INTERPRETACIÓN: Esteban Feune de Colombi Sara Vidal Cabré

MÚSICOS: M.O.N.K.(Antonio Miyagi & JpBalcazar)

ILUMINACIÓN: Conrado Parodi

SONIDO: Caros Parra

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Suicide Notes (teaser)

Posted on December 7, 2020 by marccaellas

17-20 diciembreAntic Teatre

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Suicide Notes en Antic Teatre

Posted on December 2, 2020 by marccaellas

Regresa Suicide Notes a Antic Teatre
Jueves a domingo / 17-20 de diciembre

Y en Febrero estaremos en Santiago de Compostela
Festival Escenas do Cambio

Recuperamos esta entrevista publicada en Mondo Sonoro en enero de este año, donde se cuentan algunos detalles de la pieza.

La anterior obra en la que trabajasteis conjuntamente David Torres y tú parte de un ensayo/crónica de este, “Cielo”, y vuestro trabajo consistió entonces en una adaptación escénica de la misma ampliada con documentos de época y música en directo. Ahora, que os enfrentáis a una obra totalmente nueva, ¿cómo ha sido el proceso de creación?

Nos dimos cuenta que los dos necesitábamos hacer una obra sobre el suicidio. Que el tema nos daba tanto respeto como fascinación. Queríamos indagar por qué tipos brillantes como Édouard Levé se iban en momentos vitales de plena vitalidad, jóvenes, vivaces, sanos. Luego vimos que quizás esas muertes no fueran la muerte de la vida, sino que con su suicidio estas personas encarnan todo lo contrario: la vida de la muerte. Teníamos claro que queríamos montar una banda, como nuestros admirados Warhol y Malcolm McLaren hicieron en su día. Teníamos claro que no queríamos moralizar ni buscar explicaciones ni ofrecer respuestas. A partir de ahí empezamos a leer, conversar, escribir y se fue armando. Disfrutamos de una residencia artística en Madrid, en Conde Duque, donde empezamos a armar el puzzle o collage escénico.

¿Por qué una obra sobre el suicidio? ¿De dónde surge la idea de “Suicide Notes”?

Quisimos unir el magnetismo de los conciertos con la poética de ciertas instalaciones de arte contemporáneo. También nos dimos cuenta que las notas de suicidio son un intento, el último intento, de iniciar un diálogo. Es lo que tratamos de hacer nosotros, abrir una conversación. Comunicar siempre es imponer algo, un discurso, una verdad, un sentimiento, etcétera. En cambio en una conversación no se impone nada.

Existen otras obras teatrales que se han estrenado más o menos recientemente y que hablan del suicidio, pero siempre en términos de prevención y dando cuenta de jóvenes que intentaron quitarse la vida pero no lo consiguieron (“No m’oblideu mai”, de Llàtzer García, por ejemplo). En vuestra obra, sin embargo, todo son notas reales de suicidas exitosos. ¿Qué podemos extraer de las últimas palabras de un suicida que vayan más allá de su gesto final que es el propio suicidio?

En algunos casos la nota de suicidio condensa en pocas palabras toda la obra de un creador. Es una suerte de testamento artístico, un retrato complejo de esa alma que se encarnó en ese cuerpo durante un tiempo. En el proceso de creación de la obra entendimos que la mayoría de notas de suicidio hablan de amor. Es un buen ejercicio plantearse qué nota escribiría cada uno de nosotros.

¿Qué diferencias hay en esta obra ya definitiva (si se puede considerar así) que podremos ver estos días en Barcelona y la primera versión que se presentó en el pasado Festival TNT de Terrassa?

Nada es definitivo, mucho menos las “obras”. Hubo ciertas circunstancias de las que no vale la pena hablar, que nos forzaron a cambiar de intérpretes y músicos, y creemos que el resultado final se benefició de esos cambios. La experiencia en Terrassa con el público y con esa sala tan peculiar que es la Nova Jazz Cava fue muy especial, pero no era exactamente lo que nos habíamos imaginado David y yo. En el Antic Teatre, con esa magia que se respira dentro, hemos podido terminar de ajustar la pieza a lo que soñamos. Sumar la experiencia y savoir faire de un poeta y performer como Esteban (Feune de Colombi) con la juventud y la explosividad de una cantante y actriz como Sara (Vidal) nos ha regalado momentos brutales.

¿Qué dirías que aporta la presencia musical de M.O.N.K. sobre el escenario tocando música en directo?

Aportan todo y más. A Juan Pablo lo conozco y sigo desde hace varios años. Es un tipo con una sensibilidad muy especial, siempre metido en múltiples proyectos de jazz, teatro, poesía, un crack que parece disfrutar de juntarse con diletantes como nosotros. Es un lujo tenerlo en “Suicide Notes”. A Antonio no lo conocía hasta hace unos meses que fui a una fiesta de cumpleaños en un sótano medio secreto, donde tocaban. Ahí tuve una especie de revelación y me dije: esta es la banda que necesitamos. Por suerte pudimos ajustar fechas y tempos, y aquí estamos. Vale decir que el trabajo con Mau Boada (Esperit!) también fue fantástico. Los músicos están hechos de una pasta especial. Una de mis múltiples frustraciones es no saber tocar ningún instrumento.

Escribe Xavier Bassas en La Directa que, más allá de cuestiones paternalistas, el suicidio es una posibilidad siempre abierta para los seres humanos. ¿Queréis con “Suicide Notes” obligar al espectador a que se vuelva consciente de dicha posibilidad?

Nos parece que una vez que aceptas que ni en la muerte hay respuestas, te das cuenta de que los supuestos problemas de tu vida no son tan relevantes, y eso permite disfrutar de momentos de razonable felicidad. El suicidio es un tren nocturno, que diría Martin Amis, un tren que te lleva velozmente a la oscuridad, o a la luz. Tranquiliza mucho saber que siempre puedes subirte a ese tren, pero seguramente es mejor no tener prisa por hacerlo.

Entre los diferentes artistas de los que se leen sus notas de suicidio en el escenario hay varios músicos (Kurt Cobain, Sid Vicious), ¿por qué escogisteis a estos músicos y no a otros?

Un criterio fue escoger a creadores que nos hubieran marcado, influenciado o inspirado en algún momento de nuestra vida. Con esas limitaciones dejamos fuera casos muy potentes como los de Per Ohlin, el cantante de la banda noruega Mayhem, o el caso del cantante coreano Kim Jong-Huyn, que le dejó su nota de suicidio a una amiga en Instagram. Otro criterio era la poética de su nota de suicidio y también el momento vital. A partir de ahí organizamos una dramaturgia en la que las notas de suicidio se convierten en las letras de los temas musicales que toca la banda.

¿Hay alguna diferencia entre cómo un músico percibe el fin de su vida y el modo en el que otros artistas de otras disciplinas se enfrentan a dicho momento?

No me veo capaz de responder esta pregunta. En “El dios salvaje. Ensayo sobre el suicidio”, seguramente el mejor libro que leí sobre el suicidio, Al Alvarez dice que hasta el siglo veinte los suicidios de artistas eran excepcionales. A partir del siglo XX hay un cambio radical y desde entonces pareciera que cuanto mejor es un artista más vulnerable es al suicidio. Una de las razones es que la constante necesidad de experimentar, innovar o destruir los estilos aceptados altera el propio rol del artista. La exploración técnica implica una profunda exploración interior que te lleva a preguntarte qué es lo que eres y para qué haces lo que haces.

¿De qué músico os hubiera gustado saber sus últimas palabras antes de suicidarse?

Quizás de Chris Cornell, o de Michael Hutchence. Ambos se mataron en habitaciones de hotel, un tema que aparece en “Suicide Notes” tirando del hilo del suicidio de Cesare Pavese en el hotel Roma, de Turín, que nos llevó luego a ir hasta el Hotel Don Jaime, de Castelldefels, donde se suicidó el gran actor George Sanders. Las habitaciones de los hoteles son peligrosas.

Para aquellos fans de la música que no os conozcan y nunca hayan presenciado ninguno de vuestros espectáculos y que no suelen ir al teatro, ¿en qué les diríais que consiste exactamente este concierto audiovisual titulado “Suicide Notes” y qué habrán de sacar de él si se animan a participar en esta catarsis colectiva?

Hemos tratado de apropiarnos de la energía colectiva que circula en los conciertos para potenciar la experiencia por encima del espectáculo. Creo que hacemos teatro para provocar la mirada del espectador, y queremos seducir a ese espectador de modo que no pueda dejar de seguir mirando. Hemos quitado las gradas de la sala para permitir que el espectador tenga la libertad de acercarse y alejarse de los intérpretes durante la obra, para hacer su propio recorrido por el espacio, para que el espacio le haga cosas a ese espectador, que lo abrace, que lo agarre, que lo empuje, que lo estruje. La instalación permite que a uno le salgan sonidos en relación a ese espacio, en relación a sus texturas y volúmenes.

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Bolaño, vuelve a casa

Posted on November 3, 2020 by marccaellas

Inspirados en el Fanzine Berthe Trépat, que crearon Bruno Montané y Roberto Bolaño a su llegada a Barcelona, a finales de los años 70, imaginamos una ruta apócrifa del escritor chileno por calles y rincones del Raval, un barrio que inspiró poemas, cuentos y proclamas, y que aún conserva cierta canallesca muy del gusto de ese par de geniales detectives salvajes.

En National Geographic escribieron:
“Esto no es un free tour. Aunque un año atrás tal vez habría dado pie a confusión. Al contrario, es el anti free tour. En la ruta apócrifa de Roberto Bolaño los paseantes nos apropiamos paso a paso de la calle y de los espacios públicos. El Raval es probablemente la única zona que ha salvado algo de su estética y carácter canalla anterior a la gentrificación del centro de la ciudad. Frente a la problemática de los teatros cerrados, este tipo de obras “no escénicas”, realizadas a pie, se revelan casi como un gesto político, una esperanza o, como mínimo, un consuelo”.

En La Vanguardia, crónica de Xavi Ayén
“Un total de 14 personas tomaron parte en esta singular procesión, a caballo entre el recital, la performance, la ruta guiada y el teatro, dirigida e interpretada por Marc Caellas y Esteban Feune de Colombi, que hicieron de ‘detectives salvajes’ o Virgilios que conducían a los paseantes por aquellos lugares del barrio que evocan aspectos de la vida y obra de Bolaño.
“Esto no es teatro –opina Caellas–, es antiteatro. Del mismo modo que Parra dijo que la poesía es una forma de leer, no de escribir; el antiteatro es más un modo de mirar que de actuar”. Para Feune de Colombi, “la poesía nació para circular así, recitada en la calle, parece que hoy, para algunos, los poemas sean unas pequeñas gemas que se distribuyen en tiradas ridículas para una élite. Yo vengo del teatro tradicional y aquí hacemos lo contrario, queremos que se vean todas las costuras”

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L@ Termo

Posted on September 2, 2020 by marccaellas

Una escuela portátil, nómada y corporal.

Una escuela sin personal fijo.

Una escuela centrada en los procesos y no en los resultados.

Una escuela de escrituras amplificadas.

La segunda ley de la termodinámica sostiene que todos los procesos que ocurren en el universo se realizan de manera que siempre aumenta el desorden y, por tanto, la entropía. Para sobrevivir, como para escribir, es necesario romper el orden y la rigidez heredada.

Cada sesión contará con un creador invitado y se llevará a cabo de manera presencial bajo la sombra de distintos árboles de Barcelona: en un parque, en un bar, en una plaza.
No hay Zoom que suplante la expresividad en vivo, y viva, de un maestro. Ni página ni pantalla producen la empatía y mutua comprensión de un grupo que se reúne en un mismo espacio físico a intercambiar ideas.

No se trata de enseñar a escribir sino de compartir los procesos de escritura. Entendemos al creador como aquel cuyo cuerpo apasionado nos transmite el sentido oculto de ciertos libros, películas o canciones, la subversión de ciertos poemas u obras de teatro, el secreto no develado de quienes crearon antes. Los maestros de La TERMO no enseñan, insuflan el deseo de aprender.

La TERMO es una creación de Marc Caellas y Esteban Feune de Colombi

Costo
€120 por 4 sesiones de 3 horas (cupo limitado, máximo diez personas).

Fechas
Martes 29 de septiembre, y 6-13-20 de octubre, de 17 a 20pm

Consultas e inscripciones
latermoescuela@gmail.com

Invitados del primer módulo
Mathias Énard – literatura –
Paula Bonet – pintura
Nuria Giménez Lorang – cine
David G. Torres – arte contemporáneo

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IIº Copa Asalto a Romero Brest de Conferencias Performáticas

Posted on July 6, 2020 by marccaellas

COMPAÑÍA DE FUNCIONES PATRIÓTICAS organiza

IIº COPA ASALTO A ROMERO BREST DE CONFERENCIAS PERFÓRMATICAS

Edición online & internacional

Domingo 12 de julio, 17 horas Buenos Aires / 22 horas Barcelona

Evento organizado con el apoyo del CENTRO CULTURAL PACO URONDO

La copa se juega por Zoom

Se reserva y colabora con la gorra virtual a través de Alternativa Teatral

Participan:

NEUROSIS EN TIERRA SANTA por MARC CAELLAS (España)

¿Crónica o acto de Fe? Una visita de más de cuatro horas a uno de los primeros parques temáticos religiosos del mundo. ¿Jerusalén en Buenos Aires (o Neuros Aires)? ¿Existe un milagro así? ¿Todo es posible en la ciudad del Papa?

Marc Caellas es un creador multidisciplinar que escribe, dirige obras de teatro e instiga proyectos culturales. Ha publicado los libros Carcelona, Caracaos, Drogotá, Neuros Aires y Teatro del bueno. Sus últimas obras experimentan e improvisan sobre nuevos formatos escénicos. Suicide notes, una instalación concierto; El inventor del paraíso, un biodrama que transcurre en un archivo fotográfico, Cielo TV, un programa de televisión a partir de una novela de no ficción de David G. Torres o El alma griega, una propuesta de periodismo performativo. Con Esteban Feune de Colombi creó el Tatepo (taller de teatro potencial, posible y portátil) y El paseo de Robert Walser, obra de teatro a pie que se ha presentado más de 100 veces por distintas ciudades.

CAGÓMETRO Y LOS MÁRGENES FLÁCIDOS por COLECTIVO DOMINIO PÚBLICO (Brasil)

Las fuerzas reaccionarias han logrado en los últimos años un importante avance en el mundo todo. La ascensión de Jair Messias Bolsonaro en 2018 ha representado una consolidación de este poder que amenaza directamente nuestras jóvenes democracias en toda la región. Estas fuerzas han tomado una composición muy particular entre un ex-capitán expulsado del ejército, su familia, la iglesia evangélica, las milicias, el neo liberalismo y el coronavirus. La performance realizada desde la urgencia del encierro en un contexto pandémico, se construye a partir de citas textuales de los integrantes de este actual gobierno. Revelando por sí mismo un lenguaje transparente, absurdo y al límite de la parodia.

Colectivo Dominio Público/CDP es un grupo interdisciplinario fundado en 2013 que reúne los mundos del Arte, la Performance, el periodismo tecnológico, las TIC y el Artivismo. Desde sus orígenes realiza intervenciones teóricas, artísticas y performáticas, abordando las problemáticas y tensiones propias de la “era digital”. Principales trabajos: Ciberpunk. La visibilidad es una trampa (Hasta Trilce, 2016 – con apoyo de Iberescena); Tensión en la Red: Arte+Hacktivismo (CC Paco Urondo, 2016; evento que incluyó charlas, talleres, performances e instalaciones abiertas a la comunidad sobre las disputas entre libertad y control del mundo digital); Tensión en la Red II (UNTREF, 2017); Copia Original -La muerte del autor o el éxtasis de las influencias- (Galpón FACE, 2018 – subsidio de PRODANZA, obra que participa de los festivales “Buenos Aires Danza 2018” y “Cuerpos San Martín de los Andes 2018”); Sinfonía Big Data, 2018/19 (seleccionado por Anfibia y Casa Sofía para participar de “Laboratorio de periodismo performático”). Actualmente, el CDP se encuentra trabajando en una nueva investigación, originada en la residencia “Proximidades Expositivas” (Casa Sofía), donde Inés Armas dirigió el proceso creativo de algoRitmo, que devino posteriormente en Feed Carne Digital, de próximo estreno en Buenos Aires.

TEATRO DE EXCEPCIÓN por COMPAÑÍA DE FUNCIONES PATRIÓTICAS (Argentina)

Primeros avances conceptuales y metodológicos para abordar el COVIDio Teatral. “Teatro de excepción” pretende ser la constatación científica de la llegada de una nueva escena. La excepción que se transforma en regla.

Compañía de Funciones Patrióticas es un colectivx de artivismo, teatro y performance creado en 2008. Sus producciones se han presentado en redes sociales y en salas de teatro alternativo, oficial y comercial, en universidades y en espacios de arte contemporáneo como Fundación PROA. En 2015, comienza a desarrollar propuestas site specific en la vía pública y espacios no convencionales, destacándose la serie Relato Situado. En otros proyectos, ha trabajado con artistas como Marcos López, Nora Iniesta, Gustavo Tarrío y Lisandro Rodríguez. Seleccionado para la XI° edición del Festival Internacional de Buenos Aires (2017), ha participado de varios festivales y eventos de trascendencia: Teatro Bombón, Bombón Vecinal (XII° FIBA), La Noche de los Museos, Festival LATE, Festival ENLACES, Festival ESCENA, Maratón LODO, Feria del Libro de la provincia de Corrientes, Festival Nacional de Teatro sobre Violencia de Género, FAUNA (1º premio en Performance – 2019), Drama es Acción. Distinguido en dos ocasiones en los Premios Teatro XXI que otorga el Grupo de Estudios de Teatro Iberoamericano y Argentino (GETEA). En 2015, la editorial Libretto inaugura su colección “Grupos” con un libro sobre la Compañía.

Juradas de honor:
MARIANA MAZOVER y MERCEDES NAJMAN
(ganadoras de la Copa en 2019 con la conferencia ASALTO A PIERRE BOURDIEU)

Las juradas de honor y el público eligen su conferencia favorita.
Una sola será la ganadora y se llevará el 60% de la gorra virtual.
El segundo puesto recibirá el 30%. Y el tercero, se quedará con un 10% de la recaudación.

¿Por qué la Copa lleva ese nombre? El 12 de julio de 1968, diez artistas “asaltaron” una conferencia de Jorge Romero Brest, en ese entonces director del Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella. Actuando como un grupo comando, se habían dividido tareas para llevar a cabo la acción: uno trasladó al fondo de la sala a Romero Brest, otro cortó la luz, y los demás se pusieron delante del público. Juan Pablo Renzi, Norberto Puzzolo y Rodolfo Elizalde leyeron una proclama contra la institución artística y a favor de una “nueva estética”. En homenaje a este hito de la performance nacional, la Compañía de Funciones Patrióticas, con el apoyo del Centro Cultural Paco Urondo, organiza la segunda edición de la COPA ASALTO A ROMERO BREST DE CONFERENCIAS PERFORMÁTICAS.

¿Qué es una conferencia performática? En palabras de la investigadora Julia Elena Sagaseta, se trata de una acción artística que toma las características de un hecho académico o, frackfurtianamente hablando, de alta cultura. “Puede aplicar todas las manifestaciones escénicas que el performer elija: estar sentado leyendo un texto que lo involucra y hacerlo seriamente o con humor, usar tecnología, música, actitudes actorales, objetos que lo ayudan en la lectura. También puede eludir ésta y hablar narrando su conferencia. Lo que tienen en común todas estas formas performáticas es que se realizan con el tono y las actitudes de un conferenciante serio. Hay una profunda relación con el público que, aunque está sentado como en un hecho cultural formal, sabe lo que va a ocurrir, conoce a lxs performers o toma contacto con ellos por el/la presentadxr o el/la mismx performer se presenta. (…) No es teatro aunque la forma en que se presenta podría hacer pensar en una escena a la italiana, no es cine ni video, no es danza, no es un concierto musical. ¿Qué es entonces? Una búsqueda artística diferente que tiene sus años pero sigue activa donde ninguna forma artística está separada, donde cada una puede aportar algo propio a otra u otras, donde la cooperación hace un arte diferente y siempre creativo” (JULIA ELENA SAGASETA en Territorio Teatral)

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