Secció Irregular – Mercat de les Flors

La doble sesión de esta Secció Irregular comienza con el vídeo “Go and talk to your government!”, donde Amanda Piña y Daniel Zimmerman enfatizan la dimensión política de la distribución de los cuerpos en el espacio mediante la creación de un Ministerio de Asuntos del Movimiento que cuenta con la aprobación de Heinz Fisher, presidente del Gobierno austriaco.

Por este motivo, aunque “Ya llegan los personajes” trate sobre el humor y no resulte explícitamente política, aparece inevitablemente como un ejemplo práctico del carácter político de unos cuerpos que configuran el espacio según su propia idiosincrasia.

Esta pieza resulta excepcional porque es fruto de una colaboración entre dos agentes muy relevantes de la escena experimental española: el dúo de performance Los Torreznos (Rafael Lamata y Jaime Vallaure) y el coreógrafo Juan Domínguez. A pesar de que los tres creadores firman esta obra de forma conjunta y a título individual para diferenciarla del trabajo de Rafael y Jaime como dúo, lo cierto es que tiene rasgos tanto de obras anteriores de Los Torreznos como de piezas de Juan Domínguez.

Por ejemplo, la repetición obsesiva de los nombres hasta que estos pierden su significado y se convierten en mero sonido está presente en performances de Los Torreznos como “La noche electoral”, “El dinero” o bien “Las posiciones”. Además, al principio de esta última obra se transgrede también notablemente la convención que separa a público e intérpretes tal y como ocurre al final de “Ya llegan los personajes”.

Por otro lado, “Ya llegan…” es un trabajo que versa sobre el humor y donde la risa tiene un papel importante. La risa es precisamente uno de los afectos con los que trabaja Juan Domínguez en “Blue”.

Sin embargo, “Ya llegan…” destaca no tanto por aquello que tiene en común con la obra anterior de sus creadores, sino más bien por como se distancia de la misma. En esta colaboración confluyen dos maneras de trabajar distintas y el resultado híbrido es tan singular que el carácter experimental adquiere más prominencia que nunca. Si Jeanson declara que “la risa surge simplemente de una conciencia soberana de libertad”, debido a esta total soltura a la hora de experimentar, deberíamos entender en este sentido las carcajadas que brotan ocasionalmente en “Ya llegan los personajes”.

Sin embargo, aunque la risa juegue un papel notable en la segunda mitad de la obra, debemos acordarle una importancia limitada en la primera parte de “Ya llegan…”. Si bien durante los primeros 40 minutos de la pieza los intérpretes transitan velozmente por los recursos del humor en sus múltiples variantes (desde el humor burdo al clown pasando por el slapstick, el nonsense, el esperpento o el humor negro), el resultado raras veces es cómico. Curiosamente, como podrá atestiguar cualquier persona que haya leído un manual sobre el humor, el discurso sobre lo cómico resulta poco divertido. Esta tensión entre una forma que remite al humor y una vertiente analítica totalmente alejada de lo cómico constituye uno de los principales puntos de interés de la obra.

Resulta paradójico que la risa sólo mane de manera incontrolable al final de la pieza, cuando los creadores ya no utilizan el humor como herramienta, sino el juego. Esta risa que lo inunda todo resulta tan poderosa que no puede sino recordarnos el carácter político de unos cuerpos que exploran continuamente las posibilidades de su encaje en el espacio.

Aquest dimecres 27 de març , després del vídeo de Amanda Piña i Daniel Zimmerman «Go and talk to your government» sobre el caràcter polític de l’organització dels cossos a l’espai, la Secció Irregular presenta «Ya llegan los personajes» de Rafael Lamata, Jaime Vallaure i Juan Domínguez. Per a qui no ho sàpiga, Rafael Lamata i Jaime Vallaure són Els Torreznos, un duo de performance amb una llarga trajectòria. I per si hi ha algú molt despistat, Juan Domínguez és el coreògraf responsable d’obres mítiques com «Todos los buenos espías tienen mi edad» (que encara es representa 11 anys després de la seva creació) o bé «Blue», una autèntica fita de l’avantguarda escènica espanyola. Així doncs «Ya llegan los personajes» és una peça molt especial perquè combina el coneixement i la presència escènica de Rafael Lamata i Jaime Vallaure amb el compromís experimental de Juan Domínguez.

El dilluns penjarem el programa de mà que correspon a aquesta peça però, de moment, us deixem com a aperitiu un fragment de la instal·lació de Los Torreznos basada en la seva performance «La noche electoral».

Este miércoles 27 de marzo , después del vídeo de Amanda Piña y Daniel Zimmerman «Go and talk to your government» sobre el carácter político de la organización de los cuerpos en el espacio, la Secció Irregular presenta «Ya llegan los personajes» de Rafael Lamata, Jaime Vallaure y Juan Domínguez. Para quien no lo sepa, Rafael Lamata y Jaime Vallaure son Los Torreznos, un dúo de performance con una larga trayectoria a sus espaldas. Y por si hay alguien muy despistado, Juan Domínguez es el coreógrafo responsable de obras míticas como «Todos los buenos espías tienen mi edad» (que aún se representa 11 años después de su creación) o bien «Blue», un auténtico hito de la vanguardia escénica española. Así pues «Ya llegan los personajes» es una pieza muy especial porque aúna el conocimiento y la presencia escénica de Rafael Lamata y Jaime Vallaure con el compromiso experimental de Juan Domínguez.

El lunes colgaremos el programa de mano que corresponde a esta pieza pero, de momento, os dejamos como aperitivo un fragmento de la instalación de Los Torreznos basada en su performance «La noche electoral».

Els vídeoartistes Usue Arrieta i Vicente Vázquez van mostrar “Canedo” a la primera temporada de la Secció Irregular i aquest any tenim l’oportunitat de seguir l’evolució del seu treball mitjançant la projecció de “Goitik behera, behetik gora” (De dalt a baix i de baix a dalt) al Mercat dels Flors, però també a través de la seva participació a l’exposició “Contra Tàpies” a la Fundació Antoni Tàpies que s’inaugura el 28 de febrer així com amb el projecte “Vuit o deu, sis o set llops” que es podrà veure a la Fundació Joan Miró del 3 de maig al 30 juny dins del cicle “Perplexitat”.

Igual que “Canedo”, “Goitik behera, behetik gora”, juga amb les tensions entre oci i treball, naturalesa i cultura, el teixit industrial i la comunitat. A través de les imatges d’aquest vídeo, veiem com la suposada oposició entre aquests binomis es desfà per donar pas a una imbricació subtil que genera un retrat inusualment complex d’un grup social.

A “T”, Jordi Galí comparteix amb Arrieta i Vázquez una certa fascinació pel treball, la màquina i les pràctiques que no tenen una altra fi més enllà de si mateixes. No obstant això, si a “Goitik behera, behetik gora” Arrieta i Vázquez exploren la importància del joc en una societat determinada, l’acció de Jordi Galí resulta molt més difícil de classificar. Si bé pot ser que els seus actes tinguin un caire lúdic, la precisió dels gestos d’aquest bricoleur potser apunta més cap al ritu. Si Levi-Strauss escrivia que “el ritu transforma els esdeveniments en estructures”, en el cas de Galí aquesta afirmació adquireix un sentit literal. Tant en “T” com en altres obres com “Ciel” o “Abcisse” la coreografia de Jordi Galí va encaminada a la creació d’un objecte format per diversos elements que estableixen entre ells un equilibri complex.

Més enllà de fer visibles les “forces internes” que travessen els objectes que manipula, un altre dels focus d’interès del treball de Jordi Galí rau en la relació que s’estableix entre el cos, l’objecte i les “forces” que ja hem mencionat.

En paraules del propi artista “El fet de parlar-ne com de forces internes pot ser interessant i enganyós al mateix temps. Descriure-les com internes suposa que existeixi un embolcall, una exterioritat que les vehicula, que n’és receptacle o lloc de trànsit. Aquesta premissa ens permet imaginar el ballarí/actor com a receptacle d’un altre cosa diferent de si mateix. I en relació al meu propi treball, imaginar allò que està sent produït (…) per un cos en acció com a resposta física a l’articulació entre el món i ell mateix -com una agulla sobre un vinil. El cos seria un traductor, un altaveu de quelcom que ja existeix i que busca la via per poder prendre forma, per poder formar-se completament.”

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Los vídeoartistas Usue Arrieta y Vicente Vázquez mostraron “Canedo” en la primera temporada de la Secció Irregular y este año tenemos la oportunidad de seguir la evolución de su trabajo mediante la proyección de “Goitik behera, behetik gora” (De arriba abajo y de abajo arriba) en el Mercat de les Flors, pero también a través de su participación en la exposición “Contra Tàpies” en la Fundació Antoni Tàpies que se inaugura el 28 de febrero así como con el proyecto “Ocho o diez, seis o siete lobos” que se podrá ver en la Fundació Joan Miró del 3 de mayo al 30 junio dentro del ciclo “Perplexitat”.

Al igual que “Canedo”, “Goitik behera, behetik gora” juega con las tensiones entre ocio y trabajo, naturaleza y cultura, el tejido industrial y la comunidad. A través de las imágenes de este vídeo, vemos como la supuesta oposición entre estos binomios se deshace para dar paso a una imbricación sutil que genera un retrato inusualmente complejo de un grupo social.

En “T”, Jordi Galí comparte con Arrieta y Vázquez una cierta fascinación por el trabajo, la máquina y las prácticas que no tienen otro fin más allá de sí mismas. Sin embargo, si en “Goitik behera, behetik gora” Arrieta y Vázquez exploran la importancia del juego en una sociedad determinada, la acción de Jordi Galí resulta mucho más difícil de clasificar. Si bien puede que en sus actos haya algo lúdico, la precisión de los gestos de este bricoleur quizás apunta más hacia el rito. Si Levi-Strauss escribía que “el rito transforma los acontecimientos en estructuras”, en el caso de Galí esta afirmación adquiere un sentido literal. Tanto en “T” como en otras obras como “Ciel” o “Abcisse” la coreografía de Jordi Galí va encaminada a la creación de un objeto compuesto por diversos elementos que establecen entre ellos un equilibrio complejo.

Más allá de visibilizar las “fuerzas internas” que atraviesan los objetos que manipula, otro de los focos de interés del trabajo de Jordi Galí yace en la relación que se establece entre el cuerpo, el objeto y las susodichas “fuerzas”.

En palabras del propio artista “El hecho de hablar de fuerzas internas puede ser interesante y engañoso a la vez. Describirlas como “internas” supone que existe un envoltorio, una exterioridad que las vehicula, que es receptáculo o lugar de tránsito. Esta premisa nos permite imaginar el bailarín/actor como receptáculo de otra cosa diferente de sí mismo. Y en relación a mi propio trabajo, imaginar aquello que está siendo producido (…) por un cuerpo en acción como respuesta física a la articulación entre el mundo y él mismo -como una aguja sobre un vinilo. El cuerpo sería un traductor, un altavoz de algo que ya existe y que busca la vía para poder tomar forma, para poder formarse completamente.”

Tant les entrades pel programa doble del dia 27 de febrer a les 20h30 com les que donaven accés només a la segona peça ja estan exhaurides. Disculpes i gràcies a tothom!

Tanto las entradas para el programa doble del día 27 de febrero a las 20h30 como las que daban acceso sólo a la segunda pieza también ya están agotadas . ¡Disculpas y gracias a todos!

Aquest dijous dia 21 a les 19h30 l’artista Jordi Galí i el comissari Quim Pujol conversen a l’auditori de la Fundació Joan Miró i just després Julia Montilla inaugura “El cuadro” de La Calleja a l’Espai 13 dintre del cicle Perplexitat comissariat per David Armengol.

Amb elements que pertanyen a la performance, l’escultura i la coreografia, el treball de Jordi Galí és hereu de les pràctiques artístiques que es mostren a «Explosió! El llegat de Jason Pollock». En ocasió de la presentació de la seva peça «T» a la Secció Irregular del Mercat de les flors el 27 de febrer, Quim Pujol i Jordi Galí conversaran sobre la relació de l’obra de Galí amb els antecedents d'»Explosió!» i discutiran sobre la vigència dels debats que van portar a una transformació de la noció d’art als anys 60 i 70.

Inauguració de «El cuadro» de la Calleja de Julia Montilla a l’Espai 13

“El cuadro” de La Calleja pren com a punt de partida el carreró estret del poble on les nenes suposadament experimentaven l’èxtasi de l’aparició divina. Amb aquest “escenari” com inici, l’artista mostrarà a l’Espai 13 els processos d’investigació que va realitzar sobre la instrumentalització de la fe a base de registres de presentació propers a la historiografia.

El juny de 1961 quatre nenes de la petita localitat càntabra de San Sebastian de Garabandal, van afirmar que en un indret elevat del poble havien vist l’arcàngel Sant Miquel anunciant una pròxima visita de la Verge Maria, que finalment va tenir lloc el 2 de juliol. La notícia va córrer com la pólvora i, de mica en mica, el poble es va anar convertint en un centre de pelegrinatge de catòlics i curiosos vingut d’arreu del món. Les aparicions van durar quatre anys, fins al 1965. Quatre anys durant els quals les nenes van experimentar visions, entrant en èxtasi davant dels mitjans de comunicació i enmig de l’enorme expectació de milers de persones. Tot un fenomen espiritual i social que serveix a Julia Montilla per reflexionar sobre la relació que hi ha entre la religió i la construcció artificiosa de la fe. El resultat d’aquesta reflexió és El «cuadro» de «La Calleja», una exposició que, fins al 21 d’abril, es pot visitar a l’Espai 13 de la Fundació Joan Miró.

Este jueves día 21 a las 19h30 el artista Jordi Galí y el comisario Quim Pujol mantienen una conversación en el auditorio de la Fundación Joan Miró y justo después Julia Montilla inaugura “El cuadro” de Calleja en el Espai 13 dentro del ciclo Perplejidad comisariado por David Armengol.

Con elementos que pertenecen a la performance, a la escultura y a la coreografía, el trabajo de Jordi Galí sigue los planteamientos artísticos que se muestran en “¡Explosión! El legado de Jason Pollock”. Con ocasión de la presentación de su pieza “T” en la Sección Irregular del Mercat de les flors el 27 de febrero, Quim Pujol y Jordi Galí conversarán sobre la relación de la obra de Galí y discutirán sobre la vigencia del debate que llevó a la transformación de la noción de arte en los años 60 y 70.

Inauguración de «El cuadro» de la Calleja de Julia Montilla en el Espai 13

“El cuadro” de La Calleja se centra en la construcción ideológica de lo espiritual y lo divino a través de las apariciones marianas en San Sebastián de Garabandal (Cantabria) durante la segunda mitad del siglo xx. Julia Montilla analiza los registros visuales y textuales de dichas apariciones, estableciendo así un estudio transversal sobre cuestiones de género, tradición e imaginario popular.

“El cuadro” de La Calleja toma como punto de partida la callejuela estrecha del pueblo en el que las niñas supuestamente experimentaban el éxtasis de la aparición divina. Con este “escenario” como eje central, la artista mostrará en el Espai 13 sus procesos de investigación sobre la instrumentalización de la fe a base de registros de presentación cercanos a la historiografía.

re.act.feminism #2

SON PREVIOS. Anotaciones sobre performatividad y audiencia en la obra de Antonia Baehr´s LAUGH/RIRE/REIR

La charla dará comienzo con un caso de estudio: RIRE, de Antonia Baehr, para tejer una rama de conexiones entorno a la idea de performance musical, el espectador y el museo desde la óptica del espacio teatral.

La sesión tiene como fin explicar en primera persona el contacto con el trabajo de la artista berlinesa para plantear cómo la potencia de la escucha en el auditorio, es factor clave en la construcción de la obra.

Alicia G. Hierro, Madrid/1982. Desarrolla sus proyectos como artista e investigadora en la línea de la cultura aural y la performance. Finaliza BBAA en la Accademia di Venezia completando sus estudios en Semiótica Musical y Performance en la Universidad de Helsinki. Imparte el seminario El sonido plástico: estrategias compositivas en la Universidad de Alcalá. Colabora en Radio Círculo como locutora de Hablar en Arte, participa en el congreso Performa 11 y coordina Something like Music, jornada dedicada a la improvisación con Seijiro Murayama, en la universidad de Bellas Artes, UCM. Como artista ha mostrado su obra en festivales como In-Sonora VIII, Bailar las Sombras (dedicado a Israel Galván), SON del Auditorio Nacional o Música 13.

www.aliciahierro.es

http://actosdescucha.blogspot.com.es/

Les entrades pel programa doble del dia 16 de gener a les 20h30 ja estan exhaurides. Tot i això, com l’aforament de la sala on actua Itziar Okariz és inferior a l’aforament de la sala on Antonia Baehr presenta la seva obra «Laugh», el mateix dia de l’espectacle el Mercat dels Flors posarà a la venda a la taquilla 22 entrades a 6 euros que donen dret a veure NOMÉS aquest segon espectacle. Com «π» d’Itziar Okariz dura 15 minuts, «Laugh» d’Antonia Baehr començarà després d’una breu pausa al voltant de les 21h . Si us heu quedat sense entrada i voleu veure aquest espectacle, sis plau passeu-vos per la taquilla abans de les 20h30 i podreu comprar la vostra entrada per «Laugh». Moltes gràcies!

Las entradas para el programa doble del día 16 de enero a las 20h30 ya están agotadas. Sin embargo, como el aforo de la sala donde actúa Itziar Okariz es inferior al aforo de la sala donde Antonia Baehr presenta su obra «Laugh», el mismo día del espectáculo el Mercat de les Flors pondrá a la venta en la taquilla 22 entradas a 6 euros que dan derecho a ver SÓLO este segundo espectáculo. Como «π» de Itziar Okariz dura 15 minutos, «Laugh» de Antonia Baehr comenzará tras una breve pausa alrededor de las 21h . Si os habéis quedado sin entrada y queréis ver este espectáculo, por favor pasaros por la taquilla antes de las 20h30 y podréis adquirir allí vuestra entrada para «Laugh». ¡Muchas gracias!

El 16 de gener a les 20h30 té lloc la segona sessió de la Secció Irregular en col·laboració amb l’arxiu de performance feminista re.act de la Fundació Antoni Tàpies i actuaran Itziar Okariz i Antonia Baehr. Els dies 17, 18, 19 i 20 de gener Itziar Okariz impartirà un taller al Graner de 16h a 20h. El cost del taller és de 30 euros. Si voleu participar, sis plau envieu una biografia breu (5 línies màxim) a seccioirregular@mercatflors.cat. Les places són molt limitades i us escriurem uns dies abans de que comenci el taller confirmant si teniu plaça. Moltes gràcies.

(Informació del taller a sota)

El 16 de enero a las 20h30 tiene lugar la segunda sesión de la Sección Irregular en colaboración con el archivo de performance feminista re.act de la Fundació Antoni Tàpies y actuarán Itziar Okariz y Antonia Baehr. Los días 17, 18, 19 y 20 de enero Itziar Okariz impartirá un taller en el Graner de 16h a 20h. El coste del taller es de 30 euros. Si queréis participar, por favor enviad una biografía breve (5 líneas máximo) a seccioirregular@mercatflors.cat. Las plazas son muy limitadas y os escribiremos unos días antes de que empiece el taller confirmando si tenéis plaza. Muchas gracias.

(Información sobre el taller abajo)

«Voldria convidar als participants a una proposta de taller on s’utilizaran configuracions bàsiques de diferents performances que parteixen de signes culturals o socials, convencions i protocols de relacions humanes.

Es treballarà la descontextualizació com a eina de transformació del significat en el qual una frase o text amb un sentit quotidià o pertanyent a un àmbit específic es modifica mitjançant el mer desplaçament a un context diferent així com per la transformació de la seva forma per mitjà de la repetició o la desarticulació.

S’analitzarà també el caràcter performatiu de la veu, el to i la transformació del significat en la seva modulació.

En paral·lel a aquest treball m’agradaria proposar el visionat i lectura de materials que contextualitzin les qüestions tractades. Entre altres Chantal Akerman i Quentin Meillassoux.»

«Quisiera invitar a los participantes a una propuesta de taller donde se emplearán configuraciones básicas de diferentes performances que parten de signos culturales o sociales, convenciones y protocolos de relaciones humanas.

Se trabajará la descontextualización como herramienta de transformación del significado en el que una frase o texto con un sentido cotidiano o perteneciente a un ámbito específico se modifica mediante el mero desplazamiento a un contexto diferente así como por la transformación de su forma por medio de la repetición o la desarticulación.

Se analizará también el carácter performativo de la voz, el tono y la transformación del significado en su modulación.

En paralelo a este trabajo me gustaría proponer el visionado y lectura de materiales que contextualicen las cuestiones tratadas. Entre otros Chantal Akerman y Quentin Meillassoux.»

La Secció Irregular pren el seu nom del Concert irregular (1968), un mite de l’avantguarda escènica a Catalunya on van col·laborar Joan Brossa i Carles Santos, entre d’altres. Per això resulta rellevant que aquest 1 de desembre la Secció s’inauguri amb La Ribot, ja que aquests creadors també són referents de pes per a la coreògrafa madrilenya. Com recorda José Antonio Sánchez, La Ribot sempre ha admès la influència de Brossa i les seves «Piezas Distinguidas» guarden certes analogies amb els objectes-poema de l’autor català. D’altra banda «Pa amb tomàquet» (2000) -l’última pieza distinguida de la Ribot i l’única que es formalitza com a vídeoinstal·lació- utilitza la banda sonora que Carles Santos va composar pel «Belmonte» de Cesc Gelabert.

Però més enllà del referent comú, «Pa amb tomàquet» resulta important per entendre l’obra que ens ocupa avui. En aquesta última pieza distinguida, La Ribot va realitzar quatre vídeos despullada amb una handycam a la mà mentre amb l’altra tallava all i tomàquet, se’ls fregava sobre el cos i després s’amania la pell amb oli i sal. Aquest plànol seqüència on La Ribot fa equilibris per elaborar la recepta al mateix temps que grava l’acció és el primer d’una sèrie de treballs on investiga la relació entre cos i càmera.

De forma simbòlica, la mirada s’associa sovint amb el poder i la dominació. Pel preu d’una entrada, des de la platea els espectadors «posseeixen» amb la vista els cossos dels ballarins que satisfan el desig del públic sobre l’escenari. A causa d’aquesta cruïlla entre visió, poder, cos, desig i diners, no falta qui hagi comparat la dansa amb la lògica del peep-show o la prostitució.

Tot i això, en vídeos com «Travelling» (amb Olga Mesa, 2003) o bé «Cuarto de Oro» (amb Cristina Hoyos, 2008), La Ribot subverteix aquesta relació. En comptes de gravar al ballarí des del punt de vista ideal de l’espectador, la coreògrafa posa la càmera en mans del ballarí mentre aquest es mou. Així doncs, ja no es tracta de contemplar el cos, sinó de mirar «des del cos». Ja no s’ofereix la visió d’una coreografia, sinó una coreografia de la mirada.

La primera part de «Llámame Mariachi» és un vídeo de 25 minuts de durada que es titula «Mariachi nº17» i que és la culminació de 10 anys de recerca que tenen el seu punt de partida a «Pa amb tomàquet». Tan complex com espectacular, «Mariachi nº17» és un plànol seqüència amb les tres intèrprets que després protagonitzen la segona part en viu de l’obra. Aquesta pel·lícula resulta tan elaborada que només destacarem aquí tres aspectes: els objectes, les pel·lícules dins de la pel·lícula i les imatges d’un teatre en construcció.

Com en altres obres de La Ribot, com per exemple “Candida luminaris”, els objectes juguen un paper important ja que remeten a l’univers de l’autora i, sobretot, a la seva història personal. En paraules de la coreògrafa: «Las fotos y los objetos están ligados a una historia. Esto podría invocar la memoria. Se trata de un pensamiento más que de una mirada». Aquest treball amb la memòria és una constant en l’obra de La Ribot, on els mateixos elements apareixen una vegada i una altra combinats de forma diferent sense que es pugui establir fàcilment un ordre cronològic. Aquest exercici una mica obsessiu que fuig d’una concepció lineal del temps té com a objectiu «comprender el mundo y las cosas tal y como se me presentan. Esto me permite escapar de la linealidad y apuntar hacia algo tridimensional».

D’altra banda les pel·lícules que es mostren dins de monitors a “Mariachi nº17” són “Las zapatillas rojas” (1948), “Terremoto” (1974) i “Crimewave” (1985). Segons comenta La Ribot totes aquestes pel·lícules tenen “una especie de cualidad paranoica donde todo está en movimiento”. Com és habitual al seu treball, en comptes de plegar-se a una idea preconcebuda de la “dansa”, La Ribot utilitza totes les eines al seu abast per proposar altres aproximacions.

Això ens porta a les imatges d’un teatre en construcció. Aquesta obra es presenta en col·laboració amb l’arxiu re.act de performance feminista de la Fundació Antoni Tàpies. Precisament, un dels màxims assoliments del feminisme a les últimes dècades ha estat la demostració de que no existeix una essència “masculina” ni “femenina”. La identitat de gènere és un constructe cultural que varia de forma constant a mesura que es re-interpreta mitjançant la pràctica en la vida quotidiana. La performance resulta útil com a eina en la mesura que permet realitzar altres interpretacions del gènere que, a la vegada, tenen la capacitat de modificar la nostra forma d’entendre aquest constructe. De la mateixa manera, mitjançant les imatges de teatres en construcció La Ribot ofereix una perspectiva similar sobre l’escena. El teatre o la dansa no són essències que hagin de seguir regles immutables sinó que resulten camps d’acció interessants en la mesura en que poden qüestionar-se i transformar-se una vegada i una altra. Per això en les obres de La Ribot el moviment sempre s’inscriu sota formes canviants, ja sigui mitjançant la cinètica de la càmera, la temàtica de les pel·lícules que se citen en un vídeo o mitjançant la seva particular elecció quan declara “Ahora voy a bailar”.

La segona part de l’obra on les intèrprets actuen en directe està relacionada amb la necessitat de La Ribot d’explorar diferents mitjans per arribar fins al fons a les seves investigacions. Com diu la coreògrafa, «intenté construir esta segunda parte de la misma manera que la película, pero el trabajo con el texto ofrece un resultado muy diferente, más cercano al dadaísmo y los años 60». Encara que formalment ambdues parts difereixin en gran mesura, aquestes tenen relació més enllà de la metodologia comuna.

Per exemple, encara que «Mariachi nº17» tingui un ritme trepidant, per gravar-ho sovint les intèrprets van haver de moure’s molt lentament tal com fan en directe a la segona part.

D’altra banda cal destacar la importància de les mans en tota la peça, ja sigui mentre acaricien superfícies a la pel·lícula o bé a causa de la prominència que adquireixen en subjectar els llibres a la segona part. En efecte, com han destacat autores com Peggy Phelan, Eve Kosofsky Sedwigk o Stéphanie Springgay el tacte avui dia adquireix un alt valor simbòlic com a alternativa a la relació entre visió i poder. En paraules de Jaime Conde-Salazar, quan es travessa la superfície de la visió mitjançant el tacte «ya no es posible construir un sujeto hegemónico que mire y controle la totalidad». En superar la distància entre cos i objecte es perd la il·lusió de control que proporciona la visió i emergeix la poètica de la trobada.

La Secció Irregular toma su nombre del Concert irregular (1968), un mito de la vanguardia escénica en Catalunya donde colaboraron Joan Brossa y Carles Santos, entre otros. Por eso resulta relevante que este 1 de diciembre la Secció se inaugure con La Ribot, ya que estos creadores también son dos referentes de peso para la coreógrafa madrileña. Como recuerda José Antonio Sánchez, La Ribot siempre ha admitido la influencia de Brossa y sus «Piezas distinguidas» guardan ciertas analogías con los objetos-poema del autor catalán. Por otro lado «Pa amb tomàquet» (2000) -la última pieza distinguida de La Ribot y la única que se formaliza como vídeoinstalación- utiliza la banda sonora que Carles Santos compuso para el «Belmonte» de Cesc Gelabert.

Pero más allá del referente común, «Pa amb tomàquet» resulta importante para entender la obra que nos ocupa hoy. En esta última pieza distinguida, La Ribot realizó cuatro vídeos desnuda con una handycam en la mano mientras con la otra cortaba ajo y tomate, los frotaba sobre su cuerpo y luego aliñaba su piel con aceite y sal. Este plano secuencia donde La Ribot hace equilibrios para elaborar la receta al mismo tiempo que graba la acción es el primero de una serie de trabajos donde investiga la relación entre cuerpo y cámara.

De forma simbólica, la mirada se asocia a menudo con el poder y la dominación. Por el precio de una entrada, desde la platea los espectadores «poseen» con la vista los cuerpos de los bailarines que satisfacen el deseo del público sobre el escenario. Debido a este cruce entre visión, poder, cuerpo, deseo y dinero, no falta quién haya comparado la danza con la lógica del peep-show o la prostitución.

Sin embargo, en vídeos como «Travelling» (con Olga Mesa, 2003) o bien «Cuarto de oro» (con Cristina Hoyos, 2008), La Ribot subvierte esta relación. En vez de grabar al bailarín desde el punto de vista ideal del espectador, la coreógrafa pone la cámara en manos del bailarín mientras éste se mueve. Así pues, ya no se trata de contemplar el cuerpo, sino de mirar «desde el cuerpo». Ya no se ofrece la visión de una coreografía, sino una coreografía de la mirada.

La primera parte de «Llámame Mariachi» es un vídeo de 25 minutos de duración que se titula «Mariachi nº17» y que es la culminación de 10 años de investigación que tienen su punto de partida en «Pa amb tomàquet». Tan complejo como espectacular, «Mariachi nº17» es un plano secuencia con las tres intérpretes que luego protagonizan la segunda parte en vivo de la obra. Esta película resulta tan elaborada que sólo destacaremos aquí tres aspectos: los objetos, las películas dentro de la película y las imágenes de un teatro en construcción.

Como en otras obras de La Ribot, como por ejemplo “Candida luminaris”, los objetos juegan un papel importante ya que remiten al universo de la autora y, sobre todo, a su historia personal. En palabras de la coreógrafa: «Las fotos y los objetos están ligados a una historia. Esto podría invocar la memoria. Se trata de un pensamiento más que de una mirada». Este trabajo con la memoria es una constante en la obra de la Ribot, donde los mismos elementos aparecen una y otra vez combinados de forma distinta sin que se pueda establecer fácilmente un orden cronológico. Este ejercicio algo obsesivo que huye de una concepción lineal del tiempo tiene como objetivo «comprender el mundo y las cosas tal y como se me presentan. Esto me permite escapar de la linealidad y apuntar hacia algo tridimensional».

Por otro lado las películas que se muestran dentro de monitores en “Mariachi nº17” son “Las zapatillas rojas” (1948), “Terremoto” (1974) y “Crimewave” (1985). Según comenta La Ribot todas estas películas tienen “una especie de cualidad paranoica donde todo está en movimiento”. Como es habitual en su obra, en vez de plegarse a una idea preconcebida de la “danza”, la Ribot emplea todas las herramientas a su alcance para proponer otras aproximaciones.

Esto nos lleva a las imágenes de un teatro en construcción. Esta obra se presenta en colaboración con el archivo re.act de performance feminista de la Fundació Antoni Tàpies. Precisamente, uno de los máximos logros del feminismo en las últimas décadas ha sido la demostración de que no existe una esencia “masculina” ni “femenina”. La identidad de género es un constructo cultural que varía de forma constante a medida que se re-interpreta mediante la práctica en la vida cotidiana. La performance resulta útil como herramienta en la medida que permite realizar otras interpretaciones de este constructo cultural que, a su vez, tienen la capacidad de modificar nuestra forma de entender este constructo. De la misma manera, mediante las imágenes de teatros en construcción La Ribot ofrece una perspectiva similar sobre la escena. El teatro o la danza no son esencias que deban seguir reglas inmutables sino que resultan campos de acción interesantes en la medida en que pueden cuestionarse y transformarse una y otra vez. Por eso en las obras de La Ribot el movimiento siempre se inscribe bajo formas cambiantes, ya sea mediante la cinética de la cámara, la temática de las películas que se citan en un vídeo o mediante su particular elección cuando declara “Ahora voy a bailar”.

La segunda parte de la obra donde las intérpretes actúan en directo está relacionada con la necesidad de La Ribot de explorar diferentes medios para llegar hasta el fondo en sus investigaciones. Como dice la coreógrafa, «intenté construir esta segunda parte de la misma manera que la película, pero el trabajo con el texto ofrece un resultado muy diferente, más cercano al dadaísmo y los años 60». Aunque formalmente ambas partes difieran en gran medida, éstas se relacionan de manera íntima más allá de la metodología común.

Por ejemplo, aunque «Mariachi nº17» tenga un ritmo trepidante, para grabarlo a menudo las intérpretes debieron moverse muy lentamente tal y como hacen en directo en la segunda parte.

Por otro lado cabe destacar la importancia de las manos en toda la pieza, ya sea mientras acarician superficies en la película o bien debido a la prominencia que adquieren al sujetar los libros en la segunda parte. En efecto, como han destacado autoras como Peggy Phelan, Eve Kosofsky Sedwigk o Stéphanie Springgay el tacto hoy en día adquiere un alto valor simbólico como alternativa a la relación entre visión y poder. En palabras de Jaime Conde-Salazar, cuando se atraviesa la superficie de la visión mediante el tacto «ya no es posible construir un sujeto hegemónico que mire y controle la totalidad». Al superar la distancia entre cuerpo y objeto se pierde la ilusión de control que proporciona la mirada y emerge la poética del encuentro.