Aprovechando el mood electrónico que se respira en Barcelona durante estas fechas, Fly Global (Taiwán) y Sang Records (Catalunya) presentan Transonic. Un encuentro y showcase intercultural con 3 propuestas de un gran grado de experimentación en el campo audiovisual. Será un evento temático con proyecciones de visuals y licores taiwaneses para que brindemos!
Noia es el proyecto en solitario de Gisela Fullà Silvestre, productora, ingeniera de sonido y compositora nacida en Barcelona. En 2011 termina sus estudios en Berklee y se muda a Nueva York, donde reside actualmente tratando de equilibrar su carrera artística y profesional. Las influencias musicales y culturales de NOIA son innumerables. Todo, desde Dancehall a la música tropical o las texturas de las nuevas olas del r&b están presentes en su trabajo compartiendo espacio con la literatura y la teoría cultural de Cavafy, Olaf Stapledon y Byung Chul que se entrecruzan en sus letras cantadas en una mezcla de español e inglés. Albert Zaragoza es un artista multidisciplinar de Alicante. El perfil más conocido es el de Lenticular Clouds, proyecto con que actuó en el Sónar entre otros conciertos y festivales. En el ámbito de lo visual y gráfico ha participado en diversas exposiciones como: DADAonline (Zurich, 2017),
TheWrong bienal (Bienal online de arte multimedia, 2014) y en proyectos de netart como ‘cloaque.org’ o ‘VOIDS’. Albert Zaragoza es un artista que se mueve alrededor del arte digital, arte 3D, netart, así como a la producción musical.
Olde Gods es el proyecto formado por Pau Guillamet (Guillamino o Braqueberry según la ocasión) y Jami Bassols (ex-Aster y también en Hivern Discs con su alias JMII). Han publicado una trilogía de EPs en su sello Minor Planets, Tempel 7”, Shigatsu Kokonoka 10” y Haru Matsuri 12”. Han remezclado a Taragana Pyjarama, artista danés que publica en True Panther Records y publicado digitalmente un edit de Julio Iglesias y un par de dj mixes, uno para Playground Studio Brussel (radio nacional Belga) y otro mix para el festival Sónar. En directo, han tocado en varios de los festivales en España, LowFest, BBKLive, SOS48, Villamanuela, Sonar, BIME, MonkeyWeek, Deleste así como en Bélgica (RedbullMusikElektropedia) y Holanda (Eurosonic). Tras publicar 2 temas sueltos el pasado verano de 2016 y enero 2017, preparan un nuevo EP para el sello holandés Atomnation, casa de Sau Poler, Applescal i Olfa Stuut entre otros. Vj Ayl proviene de una historia Cosmocomic, ‘Senze Colori’, escrita por Italo Calvino, que describe cómo el mundo era antes de la existencia del color. Cuenta la historia de cómo el personaje Ayl trae ‘suntuosidad abigarrado’ a un mundo por lo demás gris. Ayl nació de un profundo amor por la música y las formas de arte visual y experimentos con dibujo en vivo para explorar la relación entre la imagen y el sonido.
El viaje de un emigrado y los accidentes y dificultades que encuentra en el trayecto hasta una nueva tierra, solo para comprender que todo lugar es igual, que todo lugar es no lugar. Álbum conceptual, destinado a llevar al oyente a través de una experiencia contextual, donde un subnivel de Foleys actúan como guía del viaje. La presentación en vivo es tratada como una experiencia donde el contexto, acompañado de diferentes métodos visuales, sirve como guía principal.
Proyecto que comienza en 2010 como una propuesta solista formada por Rafael Giner, músico y productor venezolano que después de publicar un EP con Tulio Chuecos en Venezuela en el 2009 decide mudarse a Barcelona. En 2011 comienza una formación de trío junto a un baterista y un artista visual (Tomás
Mena de Joystick y Julio Urbina de RGB Corp). El trío publica dos Ep´s, Live Session (2011) y Transfer (2013). En el 2014 comienza la producción de un nuevo álbum, el cual después de 2 años de desarrollo genera en una nueva formación de quinteto, donde varios músicos de diferentes grupos coinciden juntos, Leo Aldrey de NOKO WOI, Juan Berbín de SEWARD, Bernardo Rísquez de DIFFERENT FOUNTAINS y Ezequiel Serrano de CABEZÓN KEY.
El show está basado en 4 actos, así el público interactúa con lo que están viendo. Tienen el chance de participar durante toda la actuación escogiendo el orden de la historia antes de cada show, convirtiendo cada presentación en un evento único. Dividido en 4 paneles modulares, el diseño de escenario se basa en la estructura gráfica de las armonías y melodías del álbum. Estos se mueven durante cada acto y se adaptan a cualquier espacio.
Si sabes lo que hay es un ritual delirante y agotador que nos confronta con lo que significa estar juntos. Invita a repensar lo común a través de nuestros cuerpos, afectando y dejándonos afectar. Una experiencia colectiva en la que el patetismo y la risa tendrán efectos catárticos e irreparables.
Barbara van Hoestenberghe y Ernesto Collado crearon en 2007 la Fundación Collado – Van Hoestenberghe (asociación con animo), un artefacto destinado a propagar desde los escenarios una visión del mundo optimista pero también crítica. La música, el movimiento y el humor han sido sus armas en piezas como De milagros y maravillas / La Conferencia Optimista, Nueva Marinaleda, y Constructivo (con Piero Steiner), entre otras. Ahora los artistas están practicando una aproximación a la realidad que ellos llaman realisticismo (el misticismo del día a día).
Ernesto collado presenta Si sabes lo que hay en Hiroshima, del viernes al domingo, con una sesión especial para familias el domingo a las 12:30,
Nos vemos en Hiroshima!
En Gold Dust Rush emprendemos un viaje visual y sonoro entorno al delirio, el delirio como un estado catártico, liberador y destructivo a la vez, fuente de luz y creatividad. Mediante la geometría y la repetición el cuerpo se fuga hacia imágenes desencajadas inspiradas del mundo común religioso, elevándolo más allá del comportamiento racional de la realidad terrestre. Así pues, como estrellas que mueren entre parpadeos, entramos en un lugar de pérdida máxima donde la complejidad de las conexiones aumenta creando un universo irracional, un estado que todos podemos compartir y que es necesario para nutrir el espíritu.
Eulàlia Bergadà en 2015 crea su propia compañía bajo su nombre para llevar a cabo diferentes trabajos. No se trata de una compañía cerrada, sino que sus intérpretes y colaboradores serán escogidos según las necesidades del proyecto pero un elemento muy importante que caracteriza sus obras de danza, es la creación conjunta con la música en directo, y desde hace tres años, ha creado un támdem con Aloma Ruiz, violinista.
Eulàlia se inicia en el mundo de la coreografía a raíz de su formación como bailarina e intérprete. Como coreógrafa y gracias a la plataforma creada quiere seguir desarrollando su lenguaje escénico, donde una de las constantes es la idea de que el intérprete es un canal expresivo entre el coreógrafo y el espectador, lo que requiere implicación creativa y capacidad de transformación a nivel autónomo. El cuerpo se libera a las imágenes del cerebro, mientras que la mente y el imaginario van acotando sus reglas para transformar las infinitas mecánicas corporales y llegar a coreografiar formas nuevas, específicas para cada obra. Por ello, en paralelo al trabajo de bailarina, siempre ha ido experimentando su universo personal a través del cuerpo y de la danza, pero no será hasta estudiar la Carrera Superior de Coreografía en el Instituto del Teatro de Barcelona que presentará piezas de gran formato.
Graduada en danza clásica y contemporánea, post-graduada por la cia IT Dansa, graduada en Coreografía del CSD (Carrera Superior de Danza) en el Intituto del Teatro de Barcelona, desde hace tres años comienza a dirigir piezas propias con el propósito de desarrollar un lenguaje coreográfico y escénico personal. Ha coreografiado piezas propias como Verba Volant … por el Ballet Jove Mallorca en co-producción con el Teatro Principal de Palma (2013), Le Sacre 4 × 4 co-creación con Sabina Pérez y Elena Lalucat junto con los músicos del Conservatorio de Música de Terrassa en conmemoración al centenario de la obra original (2013). Junto con la violinista Aloma Ruiz, crea el laboratorio de música y danza con la pieza La Cochonnerie (escorxant creacions) que se estrena en SoloAra, La Pedrera de Barcelona (2013), es a partir de aquí que Eulàlia comienza a desarrollar un lenguaje propio entre el cuerpo del sonido y el cuerpo de la danza, dando lugar a tres piezas más, Flying Pigs estrenada el Graner y al Convento del Ángeles del Macba (Barcelona 2015) y en el Instituto del Teatro de Vic; The Sinners (2016) y Gold Dust Rush con quien gana el premio “Premi Institut del Teatre” con producción en el Festival Grec 2016 (Barcelona). También ha dirigido la obra de teatro Benaventurats ganadora del II Premio a Premis Bòtil, Mallorca (2010).
PAUK es un músico electrónico de Barcelona. Enamorado de los knobs y los botones y adicto a los controladores, su música es una combinación de complejos breaks y excitantes melodías dando como resultado un balance perfecto entre tecnología y humanidad. Su trabajo ha sido editado en Discontinu Records (Barcelona), Enpeg (USA), Analog Industries (USA), Irreverent Music (Barcelona) entre otras. Ahora después de la edición de su primer banco de sonidos en Audiomodern (Grecia) está de vuelta con un nuevo LP, Melancholic Anger (Discontinu Records). EYESBERG serán los encargados de las visuales en una actuación que representa una auténtica colaboración audiovisual entre este colectivo artístico y Pauk. Eyesberg está formado Martina Ampuero y José Valiña, vídeo artistas y diseñadores de instalaciones inmersivas e interactivas. Este colectivo artístico ha combinado la creación y producción de obras en varios formatos, en espacios con medidas y características tales que les han permitido, después de estudiar técnicas, software y otras artes digitales, tener una nómina de trabajos extensa y de gran calidad, siempre de la mano con transformación tecnológica.
El camino de BLANALI en la música comenzó a temprana edad, primero como bajista autodidacta, al tiempo que entre experimentos caseros jugaba con distintas técnicas de grabación en cinta magnetofónica. En este punto su perspectiva de la música estaba influenciada por artistas tan diversos como Can, Gentle Giant, The Art Emsamble Of Chicago, Charles Mingus, John Cage, Sonic Youth y Stravinsky. En este panorama sonoro tan amplio se formó su sonido, que al pasar los años fue tornándose más y más permeado por la electrónica, artistas igualmente diversos como Plastikman y Future Sound Of London hicieron mella en su entender musical, y fue entonces que decidió reemplazar la instrumentación convencional por los secuenciadores y la síntesis de sonido. Andrés Carvajal es un antropólogo visual, que ha desarrollado varios proyectos documentales en diferentes partes del mundo, incluyendo Kenia, Tanzania, Senegal, Colombia y Centro America. En los ultimos años ha colaborado en proyectos visuales con varias bandas de musica en Barcelona. Junto con Blanali crearon el videoclip ʻBreathʼ.
Barbara van Hoestenberghe y Ernesto Collado crearon en 2007 la Fundación Collado – Van Hoestenberghe (asociación con animo), un artefacto destinado a propagar desde los escenarios una visión del mundo optimista pero también crítica. La música, el movimiento y el humor han sido sus armas en piezas como De milagros y maravillas / La Conferencia Optimista, Nueva Marinaleda, y Constructivo (con Piero Steiner), entre otras. Ahora los artistas están practicando una aproximación a la realidad que ellos llaman realisticismo (el misticismo del día a día).
«En la Fundación Collado-Van Hoestenberghe practicamos un optimismo crítico basado en la creatividad y con el objetivo de generar espacios de resistencia. Es optimista porque inventa preguntas y sugiere nuevos caminos pero sin obviar la realidad, que no deja nunca de resultarnos fascinante. Nuestros espectáculos celebran la contradicción y la complejidad humana.»
La compañía presenta, a principios de junio, la pieza Si sabes lo que hay en la sala Hiroshima.
Seward es un colectivo de acción sonora, canción libre y performance en perpetuo movimiento hacia adelante. Uncut Magazine dice que Seward tocan “combustible avant-folk anarchy”, Kristian Davis-Downs confiesa que “no había visto nada tan impactante como un concierto de Seward en 15 años como Director de Operaciones al frente de Beggars Group [XL-Matador-4AD-Rough Trade]”. En Mondosonoro les describen en directo como “geniales, efervescentes, potentísimos y chalados, inclasificables y contagiosos, mágicos, únicos, encantadores… Siempre se queda uno con ganas de más”. Rockdelux reseña su último disco como “un apasionante viaje emocional y espiritual alrededor de las músicas populares”.
Percusiones tradicionales y baterías experimentales, un banjo con distorsión y efectos, una voz con muchas personalidades, guitarras eléctricas, extractos manipulados de discursos, conversaciones y películas, artefactos sonoros, grabaciones de campo, un contrabajo y, en ocasiones, hasta una sección de vientos libres… En siete años de trayectoria, Seward han reafirmado su sello único y sus dinámicas siempre cambiantes editando cuatro discos de su particular colección HOME, firmando con Foehn Records en España y con Naim Records en Europa y tocando en escenarios muy distintos, como Paradiso Amsterdam, La Pedrera, Knust Hamburg, Palau de la Música, Auditori, Matadero; así como en festivales como Vive Latino en México, Pohoda en Eslovaquia, The Great Escape en UK, Sziget en Hungría o Cruilla, BAM o PS en España.
“There is life in Seward’s music, a humanity that most bands find near-impossible to weave into their music”
Joe Sparrow, A New Band A Day
‘Il gesto sospeso’ es el nuevo trabajo coreográfico y el decimocuarto solo del italiano Moreno Bernardi. El espectáculo es un homenaje a ‘Il canto sospeso’ de Luigi Nono, coincidiendo con el 60 aniversario desde su estreno en Colonia. Una ópera ampliamente reconocida como una de las más importantes obras de arte del siglo XX. ‘Il gesto sospeso’ es una conmemoración a las víctimas del fascismo, y el texto de ‘Il canto sospeso’ forma parte de unas cartas que escribieron las víctimas de la resistencia europea y de los campos de concentración justo antes de ser fusiladas. El significado del gesto suspendido traspone la música al carácter mutable de los movimientos en una continuidad absoluta, donde los gestos participan con el sonido de Nono en los movimientos: gestos acumulados, una ‘situación’ emotiva, una presencia que se oculta entre el gesto que danza y la danza que actúa. La inminencia del gesto y la permanencia del movimiento, entreabierto y suspendido, buscan una voz y tal vez la reconocen, interrumpida, rota, troceada, abandonada a la escucha, y con ella el canto trasciende el gesto y deviene cuerpo, cargado de sonido y voces, trasmisor en el tiempo del recuerdo de las voces perdidas.
Moreno Bernardi estudia danza con Carolyn Carlson, Herns Duplan, Dieter Heitkemp, Antonella Bertoni y Michele Abbondanza, teatro en “La Scuola di Teatro Alessandra Galante Garrone” y con Nikolaj Karpov y Judith Malina (the Living Theater), música en el “Centro Chitarristico Pretelli-Corradi” (I) y con Lucyan Wesolowski.
Desde 1992 es artista free-lance (coreógrafo, director, intérprete, pedagogo) firmando desde entonces más de 60 piezas escénicas, entre danza, teatro y dramaturgias, con una ininterrumpida implicación en la formación internacional y en la difusión y la investigación artística con reconocimientos y premios en danza y en teatro (Premis Mediterrania, Dancin’Florence -premiado en dos ediciones-, Montegrotto Europa – Galá del Teatro, entre otros). Además, su trabajo es objeto de estudio en marcos universitarios.
En 2003 crea el Moreno Ensemble project, actividad de investigación y de colaboraciones artísticas profesionales. En danza desarrolla una técnica y un sistema de composición originales gracias a sus conocimientos en biomecánica, mascara, expresión primitiva, y concentra su interés en el mouvement absolu, en una danza abstracta en la forma y concreta en la percepción.
Formed after meeting at the regular WTF jam session at the Jamboree club in Barcelona – four musicians who instantly knew they must become a band when they started playing together – each member brings a distinctive identity to the project that melds into the unique Seward sound.
“All the musicians in this band are from very different scenes,” Seward say. “Theatre, experimental rock, poetry. Juan came from traditional Brazilian music. Jordi played with flamenco singers. The influences are completely different. It could sound like some bands, but we’re more influenced by our lives. Other things that are not music.”
They call their music ‘free song’. It’s a new appellation for a new musical age, a determination to avoid using those same genre names that haven’t changed for decades.
They’re a band borne from live performance. They thrive upon it. Their recordings always aim to capture the feeling of playing live. You can hear the room, the air. The sense of space; the tension and electricity.
Seward nace tras encontrarse en una jam session en el club Jamboree de Barcelona. Son cuatro músicos que de inmediato coincidieron en que tenían que formar una banda cuando empezaron a tocar juntos. Cada miembro aporta una identidad distintiva al proyecto, lo que se fusiona en el sonido único de Seward.
«Cada músico del grupo viene de una escena muy diferente», dicen. «Teatro, rock experimental, poesía. Juan viene de música brasileña tradicional. Jordi tocaba con cantaores flamencos. Las influencias son completamente distintas. Puede parecerse a algunos grupos, pero nosotros tenemos una mayor influencia de nuestras experiencias vitales. De otras cosas que no son propiamente música.»
Ellos llaman a su música «canción libre». Es una apelación nueva para una nueva era en la música. Una determinación para evitar utilizar las mismas etiquetas de género musical que no han cambiado hace décadas. Ellos son una banda nacida de la actuación en vivo. Y se hacen más fuertes por ello. Sus grabaciones siempre tratan de capturar esa sensación de que estuvieran tocando en vivo. Se puede oír la habitación, el aire. La sensación del espacio; la tensión y la electricidad.
