TEATRON

Mónica Valenciano (Islas Canarias)

Performance / Danza contemporánea – 60′

Première en España con la colaboración de las Naves del Matadero de Madrid

“Este encuentro se propone a partir de un mapa-cartografía a transitar, viajando a través de una baraja de imágenes… correspondencia abierta, cartas de una danza en la formulación de su propio tejido. El espacio como protagonista nos vincula en lo que deja… la piel de ese espacio que toca capaz de alojar un blanco inesperado…”

Mónica Valenciano es una significativa figura de la danza contemporánea en nuestro país, con una trayectoria artística tanto sólida como contundente. Comenzó su carrera a finales de los años 80, cuando su nombre aparecía en el panorama dancístico del país, junto con el de otras inquietas coreógrafas, protagonistas de la creación contemporánea del momento.

La creación de su compañía ‘El Bailadero’ en 1997, marcó un antes y un después en su obra. Fue al frente de esta formación cuando comenzó su serie coreográfica Disparates (1998-2003), pequeños puzzles creativos construidos a través de lo instintivo, lo íntimo y lo inmediato, inspirados en la parte más oscura y grotesca de la obra de Goya

Mónica estudió danza clásica, contemporánea y teatro en el Institut del Teatre de Barcelona y en la RESAD de Madrid, así como otras disciplinas tan dispares como el boxeo y las artes marciales, todas ellas enfocadas a nutrir directamente un lenguaje propio y característico.

Es Premio Nacional de Danza 2012 en la modalidad de Coreografía.

INEXCHANGE es un programa de intercambio de artistas en residencia durante el proceso de creación de obra y/o de adaptación del material coreográfico/performático a sala y a un diseño escenotécnico. INEXCHANGE ofrece también la posibilidad de realizar una presentación pública de la pieza o de los resultados de la residencia en programa doble, con el artista local presentando al artista visitante.

INEXCHANGE es un programa de intercambio de artistas catalanes con artistas de Bélgica, Holanda, Italia, Suiza, Francia y la región de Quebec.

Cada país está representado por un artista y por una plataforma de creación y/o difusión artística. Los artistas reciben el apoyo de las estructuras que los envían a Cataluña y de las instituciones internacionales dependientes de cada país. En el caso de Cataluña, gracias al apoyo de Institut Ramón Llull, la sala Hiroshima tiene la posibilidad de enviar artistas con los que colabora a estos seis países para que completen sus procesos de creación y abran estos a un público internacional y a otros contextos profesionales.

En el momento más importante del proceso creativo, cuando la obra debe completarse, definirse y abrirse a un público, estos artistas tendrán la posibilidad de confrontar sus materiales con otros profesionales y con públicos internacionales, en contextos nuevos y lejos de los circuitos catalanes ya conocidos por ellos.

Esta descontextualización debe ayudarle a madurar los procesos de investigación, a contrastar sus hipótesis y a enriquecer las piezas coreográficas con las aportaciones de miradas que en principio, no conocen su trabajo ni trayectoria.

INEXCHANGE también es una oportunidad para que el público y el sector profesional de las ciudades de acogida, puedan conocer a los nuevos creadores catalanes. INEXCHANGE pretende así, acercar la creación local catalana al mercado internacional y a la mirada profesional de los circuitos globales así como fortalecer las relaciones internacionales del proyecto Hiroshima mediante el apoyo a la creación y la exportación de obra de sus artistas.

La coreografía ganadora del Premio de Danza del Institut del Teatre 2016 lleva al escenario a cuatro bailarines y bailarinas y a tres músicos que nos hablarán sobre una realidad tan diversa como las miradas que proyectamos sobre ella.

La mirada, tanto la que dirigimos sobre el mundo como la que los otros lanzan sobre nosotros, es el centro de un espectáculo de danza contemporánea con música en directo que investiga la realidad a través de los diferentes puntos de vista de quienes la leen. Precisamente, el título, Moaré, hace referencia a un fenómeno óptico que hace que, al percibir dos tramas superpuestas, nuestro cerebro capte un nuevo patrón inexistente que puede llegar a formar incluso dibujos. Esta idea inspira un espectáculo que parte de la mirada como interpretación y percepción subjetiva y, por tanto, creación. Cuestiones como la construcción de la propia identidad a partir de la mirada de los demás son, pues, algunos de los conceptos sobre los que gira esta coreografía. Y es que, ¿vemos las cosas tal como son… o tal como somos?

Graduados del Conservatorio Profesional de Danza, de la compañía IT Dansa, del Conservatorio Superior de Danza y de la Escuela Superior de Arte Dramático colaboran en este proyecto, ideado por Ariadna Monfort, una bailarina de Vilassar de Mar que ha estudiado, entre otras, en la escuela de Maurice Béjart y que ha trabajado con compañías de tanto prestigio como la Batsheva Dance Company, la también israelí Inbal Pinto & Avshalom Pollak o la barcelonesa La Veronal.

Del 26 al 28 de Julio – 21h

Companyia Ignífuga
A partir de la biografía de un personaje visionario, el montaje ganador del último Premio Adrià Gual investiga el concepto de utopía como motor de cambio social.
¿Cómo será el futuro? ¿Nos espera, como apuntan algunos, un sistema postcapitalista basado en la colaboración? ¿Se harán realidad las ideas de Thomas Moore, el padre de la literatura utópica, y entraremos en una sociedad igualitaria y más feliz donde la propiedad privada ya no sea la base de todo? Se lo pregunta un espectáculo que combina el teatro y las intervenciones documentales para hablarnos sobre el concepto de utopía. Todo, a partir de la historia de Àlex Moreu, un actor que nació en 1973 y que hace más de quince años que dejó la ciudad para ir a vivir, lejos de todo, en el Pirineo francés, con una comunidad formada por cerca de cuarenta personas (los «utopianos») en busca de una nueva forma de organización social que les garantice la felicidad. Pero ha pasado el tiempo y el proyecto está en un punto muerto. ¿Qué ha ocurrido y cómo han llegado a donde están? Nos lo cuenta el propio actor en una ficción escénica con notas biográficas que transcurre en una estancia llena de libros, una propuesta singular que trabaja con distintas capas estéticas y diferentes niveles de realidad.
Es el montaje ganador del último Premio Adrià Gual del Institut del Teatre, dedicado a apoyar y ofrecer visibilidad a los valores emergentes de la escena. Lo ha creado la Companyia Ignífuga, cuyos miembros defienden que el teatro de texto ya no puede competir con otras disciplinas a la hora de construir una acción transparente. Por eso van más allá de la narratividad para cargarse de una visión crítica y política del mundo que les rodea. Ya lo hizo con espectáculos como Kohlhaas, una discusión festiva sobre la idea de revolución, que se vio en el Grec 2016 Festival de Barcelona y que, como todos sus espectáculos, ofrece al público una vivencia no solo intelectual, sino también emocional.

Del 18 al 20 de Julio – 21h

Una referencia imprescindible de la danza teatro actual llena el escenario con las mujeres que habitaban sus espectáculos anteriores, en una propuesta de riesgo donde hay momentos para el horror, pero también para el humor.

Si visteis B. Flowers, uno de los últimos espectáculos de la artista, seguro que recordáis a aquel personaje enfermo y vestido con un vestido de novia viejo y sucio… Era Lili, que vuelve a aparecer en la nueva propuesta de danza teatro de Marta Carrasco junto a otras mujeres como Violeta (Aiguardent) o Claudel (de Blanc d’ombra). Lili es una “perra”, una condición que no se aprende sino que es inherente a su persona. Y es una “perra de nadie” porque, como dice la creadora, solo aquel que “es nadie y de nadie, puede llegar hasta el fondo de su intimidad”. Imágenes sobrecogedoras y una música con un papel destacado acompañan momentos de horror y de denuncia. Pero también hay espacio para el humor, para los silencios e incluso para los momentos incómodos con los que la artista interpela a sus espectadores. El público se convierte así en cómplice de un recorrido introspectivo que intenta hacernos ver que Lili, igual que sus “vigilantes de la noche”, vive en el interior de cada uno de nosotros.

Perra de nadie es el último espectáculo de una creadora barcelonesa que empezó su trayectoria coreográfica en 1995 con Aiguardent, un espectáculo con el que ganó dos premios Max. Es la autora de piezas como Blanc d’ombra, Mira’m (Grec 2000), Ga-gà, J’arrive…! y Dies Irae; en el rèquiem de Mozart (Grec 2010), que la han convertido en uno de los nombres más respetados de la escena actual de danza teatro. Ha sido Premio Nacional de Danza de Catalunya en 2005 y participó en el rodaje del film de Carlos Saura Iberia (2005).

Del 12 al 14 de Julio – 21h

Un creador griego excéntrico y carismático utiliza las acciones para explorar los conceptos de ridículo y transformación en un espectáculo tan salvaje como grotesco y perturbador.

En un espacio vacío e indefinido, un ser cósmico, una especie de dios sin sexo definido pero con un vientre hinchado por el embarazo, se sienta en una mecedora, omnipotente y omnipresente. Ha estado allí, desde antes de que todo empezara, siempre necesitando la presencia de un compañero, una sombra imperceptible que hace girar su peculiar mundo. Dice el mito que los titanes gobiernan el universo desde antes incluso que existiera el tiempo, una de las primeras invenciones de la humanidad. ¿Por qué tuvimos que imaginarlos? ¿Cómo nos enfrentamos a lo desconocido? En esta oscura farsa cósmica, Laskaridis emplea tanto los viejos mitos como su muy personal mitología, que se nutre de su familia, su país, su amor por el teatro del absurdo, el circo, el burlesque y el cine. En Titans, el artista emplea su propia voz y lenguaje para hacer arte sin tomarse a sí mismo demasiado en serio.

Distinguido en 2016 con la primera Pina Bausch Fellowship, una beca que estimula la investigación de formas nuevas de expresión, Laskaridis estudió interpretación en Atenas y dirección en Nueva York. Ha trabajado desde 1995 con directores como Robert Wilson y Dimitris Papaioannou (también programado en el Grec 2017) y empezó a dirigir en 2000, tanto obras de teatro como cortos cinematográficos. En 2009 fundó la Osmosis Performing Arts Co. Su última creación fue Relic, elegida para participar en el Aerowaves 2015 (un hub y festival dirigido a coreógrafos emergentes europeos). El montaje se ha visto en una veintena de festivales internacionales y, en Barcelona, fue programado en el Antic Teatre.

Del 5 al 7 de Julio – 21h

Desde el 2015 Núria Guiu estudia el Grado de Antropología y Evolución Humana y cursa una formación de Yoga Iyengar en Copenhague. LIKES es la primera versión de un proyecto de danza que toma como base el método de investigación antropológico. El material con que trabaja se fundamenta en dos prácticas físicas que acumulan millones de likes y followers a través de internet: el fenómeno de danzas Cover y la práctica de yoga y sus varietés o “yoga híbridos”, los cuales han surgido y se han difundido masivamente a través de las redes sociales durante los últimos años.

Los likes son unos nuevos símbolos de prestigio social así como un barómetro de éxito para muchas empresas, organizaciones, celebridades e individuos. Quién, cómo y en función de que opera este barómetro? LIKES cuestiona la manera en que leemos, entendemos, aprobamos o desaprobamos el “otro”

Núria Guiu se gradúa en el Institut del Teatre de Barcelona en danza clásica, forma parte de IT Dansa y posteriormente ha trabajado como bailarina con compañías como Carte Blanche Dance Company, Gisele Vienne, Batsheva Dance Company (Kamuyot), Jasmin Vardimon, La Veronal , Kobalt Works, entre otros. Desde 2012 se interesa por la coreografía y crea piezas como La Muda, estrenada en la Opera de Oslo y PORTAL, estrenada en Oktoberdans Festival de Bergen y posteriormente en la Sala Hiroshima de Barcelona.

Dirección, coreografía y danza: Núria Guiu
Asisténcia artística: Esther Freixa y Sónia Gómez
Vestuario: Nestor Reina
Proyecto en residencia: Cra’p (Mollet del Vallès), Konvent.0 (Berga), Espai Bokashi (Ciutadella de Menorca), La Blanca y Sala Hiroshima de Barcelona
Coproducción: Una bola de paja cruza el desierto

The Good Good & Empiric presentan este happening improvisado o caos controlado de música y artes del movimiento.
«Vamos a concentrar el máximo de energía y a generar la máxima radiación electromagnética posible a través de la revolución de los cuerpos y de ondas de altísimo voltaje. Queremos que los músicos, performers, bailarines, coreógrafos y público inquieto que se preste a nuestro experimento generen una explosión de tal magnitud que su impacto llegue a Tokyo, en Nueva York, en Estambul o Kuala Lumpur, o como poco, que a todos los que lo vivan se los deje una impronta tan profunda que no la puedan olvidar».

Este PROTOCOLO# se concibe como un espacio abierto de creación, de discusión y de experimentación interdisciplinaria entre artistas del movimiento y de la música. A través de una sesión de composición intensiva de un día de duración, un grupo de 6 artistas pondrán en relación su conocimiento y su práctica para generar un resultado que será expuesto al público al final del día. El proceso no está dirigido, pero el grupo trabajará bajo unas normas de juego propuestas por EMPIRIC y partirá de una temática que será común al resto de intevencions artísticas del festival. Este PROTOCOLO# es un espacio de encuentro y de libertad para establecer nuevos puentes de comunicación con la creación.

The Good Good es una entidad recientemente creada de programación, promoción y producción artística – cultural de música y sus conexiones con otras disciplinas artísticas contemporáneas (artes visuales, artes del movimiento, performance), especializada en el arte emergente, la creación y la proyección artística. Nuestra línea artística se fundamenta en la exploración y la muestra de proyectos que usan la improvisación como camino creativo.

Empiric es una plataforma de experimentación escénica creada por Sonia Fernández Lage y Anna Romero, y que centra sus intereses en la promoción y dinamización de la creación, la reflexión, la investigación de nuevos procedimientos y el establecimiento de sinergias entre artistas. EMPIRIC genera nuevos espacios de confluencia, de trabajo y de pensamiento, priorizando la libertad en la escena, el juego con las metodologías y el cuestionamiento de la creación. EMPIRIC crea un contexto de reflexión para abordar varias cuestiones transdisciplinàries de la creación desde el cuerpo como lugar primigenio de la acción.

Una sesión de 90′ muy especial de cortos estéticamente contundentes o que nos hacen pensar; unos trabajos alegres, introspectivos o divertidos. La Mostra FIRE!! es el primer festival de cine de temática LGBT creado en nuestro país, en 1995, por el Casal Lambda de Barcelona. Aborda la diversidad afectiva en su sentido más amplio a través de una cuidada selección de largometrajes, documentales y cortometrajes. Cine de calidad, películas de autor y enfoque educativo son sus principales señas de identidad.

Superbia, Luca Tóth. Hungría / República Checa / Eslovaquia, 2016. 15’

Silly Girl, Hope Dickson Leach. Reino Unido, 2016. 5’

La tapette, Ricky Mastro. Francia, 2016. 9’

Cantando en las Azoteas, Enric Ribes. España, 2017. 5’

O Último Dia Antes de Zanzibar, Marcio Reolon, Filipe Matzembacher. Brasil, 2016. 22’

Lying Women, Deborah Kelly. Australia, 2016. 4’

The Last Leatherman of the Vale of Cashmere, Greg Loser. EEUU, 2016. 14’

20 mètres d’amour à Montmartre [20 metres d’amor a Montmartre], Pierre Gaffié. Francia, 2014. 5

Plasma Vista, Sarah Cockings, Harriet Fleuriot. Reino Unido, 2016. 8’

«En este momento en que las obras transdisciplinarias se han convertido en norma, ​​la fusión de las artes escénicas y la tecnología ha formado de modo natural un camino para los artistas que miran a la sociedad moderna buscando significados de la vida. Como organización que ha apoyado incesantemente la creciente industria creativa de Taiwán, la Fundación Nacional de Cultura y Arte (NCAF) ve la dinámica de estos trabajos innovadores y experimentales como una oportunidad para que nuestros talentos locales brillen en la escena internacional, lo que llevó a la idea de construir una plataforma que les permita ser vistos a nivel mundial; de ahí nuestro nombre: Fly Global Project.»

Fly Global representa a los artistas Ping-Sheng WU y LAI Tsung-Yun.

LAI Tsung-Yun es un artista con bagaje del diseño industrial, graduado en Arte en Nuevos Medios. Actualmente es uno de los comisarios de Lacking Sound Festival, en Taipei. Comenzó su carrera con trabajos audiovisuales que examinan el sentido de la vida. Sus trabajos más recientes se centran en la producción y el consumo en la sociedad capitalista, y pretende crear un nuevo medio de reproducción a través de darle la vuelta a la relación entre productores y consumidores.

Sobre LAI Tsung-Yun

Ha sido, desde 2013, comisario del Lacking Sound Festival que es el más prestigioso festival de Taiwán en arte del sonido. En su décimo año, el Lacking Sound Festival ha organizado más de cien actuaciones diferentes desde 2007. Dicho festival promueve los eventos del arte del sonido en Taiwán y colabora activamente con artistas del extranjero.

La mayor parte del trabajo artístico de LAI ha sido performances de video y sonido experimental. Sus obras se han centrado en la cualidad física de las culturas populares y la transformación audiovisual de los ritos locales. En los últimos años LAI ha grabado rituales taiwaneses. Sus trabajos representan la desaparición del universo metafísico en la sociedad moderna a través de representaciones audiovisuales de estados chamánicos en sus vídeos.

Sobre Ping-Sheng WU

Ping Sheng WU reside en Taipei. Trabaja con una serie de prácticas artísticas asociadas al sonido como instalaciones, composición de música para películas, y sonidos experimentales y actuaciones electroacústicas en directo. WU se centra en los sonidos que existen en la vida cotidiana para sus creaciones auditivas, y explora el desarrollo del sonido a partir de esas experiencias. Mediante la observación de los sonidos físicos que tienen lugar en su entorno y a través del análisis de éste con procesos digitales, sigue ampliando su visón del sonido.

La islación proviene de la idea de isla y de isolación. El tema visual central consiste en la instalación del artista taiwanés ZHANG Xu-Zhan de ofrendas funerales. El proceso de quemar los objetos hechos de papel como ofrenda a los antepasados y a los espíritus es un elemento fundamental en la tradición religiosa taiwanesa. Se dice que es el puente entre los vivos y los muertos. A través de algoritmos de modelado en 3D y movimiento de cámara realizados por Zhang, junto con un un poético paisaje de sonidos, Ping-Sheng WU crea el trabajo audiovisual Islación, representando la evolución de nacer-morir después del big-bang.