TEATRON

Vogue-Chi combina movimientos y elementos de la cultura del Voguing* (una familia de estilos de danza y performance inspirados en la moda) y principios del Tai-Chi para crear una práctica meditativa que es dinámica y autoafirmativa a la vez. Vogue-Chi es una terapia de movimiento queer que utiliza herramientas como el formato de pasarela característico del Voguing, la reclamación de palabras y reapropiación del insulto para aprender a manejar energía, y la flexión de distintas performatividades sociales. Vogue-Chi facilita un espectro de principios espirituales desarrollados históricamente por las personas con orientaciones sexuales e identificaciones de género diversas para participar y comprometerse positivamente con la vida y superar situaciones de opresión institucionalizada, invisibilización y abuso. Vogue-Chi incita a sus participantes a encontrar nuevas versiones de sí mismos mientras se explora la belleza no convencional y la auto-indulgencia desvergonzada en un ambiente cariñoso y seguro. Es una ligera rutina de ejercicio para el alma y un buen estiramiento para la mente. Vogue-Chi fue creada en Margate, Reino Unido para personas mayores de 50 años por los artistas/bailarines Carlos (Atabey) María Romero y Ted Rogers, y hoy en día está ABIERTO A TODOS LOS PÚBLICOS. Desde su inicio en marzo de 2016 las sesiones han llegado a personas de distintas edades, experiencias y procedencias, incluyendo grupos de interés como maestros y personal escolar, jóvenes LGBTIQ+ y cuidadores de adultos mayores, y se han desarrollado tanto en festivales y espacios de artes como en marcos terapéuticos y de capacitación.

*Voguing o Vogue se consolida dentro de la escena del Ballroom organizada por y para las personas gays y trans afroamericanas y latinas en el Nueva York de los años 80, aunque se gesta durante dos décadas antes en la prisión de Riker’s Island y en los bailes de drag queens en Harlem. Hoy en día es practicado en todo el mundo, especialmente por las generaciones más jóvenes. Voguing es actualmente la forma más popular de danza que activamente subvierte y desestabiliza estereotipos de género, raza, clase y orientación sexual.

Carlos (Atabey) Maria Romero es una artista, curadora y pedagoga miembro de Vividero Colectivo, un grupo multidisciplinar colombiano cuyos proyectos reclaman como patrimonio cultural prácticas sociales y bienes arquitectónicos históricamente marginados. En 2016 su Pabellón de los Sonrojos en colaboración con Sam Causer fue presentado en el lanzamiento del libro ‘New Architects 3’ durante la programación de apertura de la Bienal de Arquitectura de Venecia, y dentro de ‘Without Borders’ – La conferencia LGBTQ+ sobre Archivos, Museos, Librerías y Colecciones Especiales en Londres. Con este mismo colaborador ha realizado también investigación y estrategias asociadas para proteger 5 kms de espacio público que ellos promueven como Margate Coastal Park, en Inglaterra. Estudió Gobierno y Relaciones Internacionales, y Danza y Coreografía, y es graduada de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia. De 2009 a 2011 en Colombia fue profesora en varias universidades de Bogotá, lideró el diseño del programa Danza de la Universidad del Atlántico en Barranquilla, y la curaduría del Festival y Plataforma Universitaria de Danza. En 2014 presentó en co-curaduría con Inti Guerrero la exposición Josephine Baker y Le Corbusier en Río –Un affair trasatlántico en el MAR, Museo de Arte de Río. Sus trabajos, colaboraciones y contribuciones han sucedido en espacios como la Galería Santa Fé, MAM y el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá; Fonderie Darling, Montreal; Art Gallery of Ontario, Toronto; La Poderosa y Espai Erre, Barcelona; MDT, Estocolmo; Arco Madrid; Abrons Arts Center y The Spectrum, New York; Arsenic, Lausanne; Réunion y Tanzhaus Zürich; Vogue Fabrics, Turner Contemporary, David Roberts Art Foundation, The Tanks/TATE y The Serpentine Gallery, en el Reino Unido.

Coreógrafa: Carlos (Atabey) María Romero

www.hartharthart.com

Nota: esta es una experiencia que puedes compartir con tu padre, tu abuelo, tu hijo, tu nieto, o cualquier otro familiar o conocido que pertenezca a otra generación.

*Voguechi será impartido en inglés.

Matrícula: menores de 50 años — 60€. Mayores de 50 años — gratis (estas inscripciones deben hacerse mediante un correo al hola@hiroshima.cat)

DANZA – PREMIERE– 50– Text 

Neus Villà Jürgens
10 y 11/02/17  – 20:30h
12/02/17 – 19h

Ji Gou: Preludio y fuga en La Menor es un paisaje y una presencia.

Es un viaje de transformación.
Es una fuga.
Es dualidad, la convivencia de los dos polos.
Es luz, soledad y éxito.
Es abandono y permanencia.

Ji Gou es sobre la voluntad, sobre la propia mirada, sobre la identidad y sobre los límites.

“Nunca serás del todo el primero, pero tampoco el último… Quizá tan sólo disfrutes del éxtasis de la polilla en el momento previo a la ignición en la llama.”
Teoría de la ambición, Hérault de Séchelles

Ji Gou: Preludio y fuga en La Menor es el nombre definitivo de un largo proceso de investigación y creación desarrollado en diferentes etapas e iniciado como laboratorio con el nombre De acelgas y aceras (con la colaboración de Janet Novás).

Está siendo el recipiente de destilación de la búsqueda de un lenguaje propio, dónde el acompañamiento en la dirección por parte de Leo Castro está siendo esencial.

Este proyecto nace del deseo de trabajar con la fisicalidad y la musicalidad, con una iluminación y espacio efímeros, y en la escritura de una dramaturgia escénica a partir de la aproximación del lenguaje físico y la relación con los objetos, con la intención de perseverar en la imagen construida.

Creación, co-dirección e interpretación: Neus Villà Jürgens
Co-dirección: Leo Castro
Música original: Fanny Thollot
Música: Piano Magic
Vestuario: Carme PuigdeValliPlantéS
Gracias a: Pep Ramis, María Muñoz, Eduard Teixidor, August Viladomat, Núria Font, Janet Novás

Con el apoyo de:
2014 Beca para la investigación y la creación- Generalitat de Catalunya
2015-2016 Apoyo por parte de L’animal a l’esquena como proyecto asociado
2016 Apoyo del Ayuntamiento de Celrà
2016 Apoyo por parte de Azala dentro del proyecto Tapete común

PREMIERE/PRESENTACIÓN DEL ARTISTA– 45’– (espectáculo en ingles)

There Is No Here, Here, es la creación en vivo de un videoclip, que cuestiona nuestra existencia cada vez más digital. Gisle Martens Meyer es un performer, un músico, un polifacético artista que conduce al público, a través de un croma verde y un dispositivo multi-cámara, a diversas escenas que se multiplican y editan en vivo.

Al espectador se le permite observar la realidad filtrada. El espectáculo explora las realidades, posibilidades y visiones de nosotros mismos a través de nuestro avatar digital. Analiza cómo nos afecta esta edición constante de la realidad, como individuos, en las relaciones y como sociedad.

¿Son las nuevas formas de relaciones sociales y la tecnología digital una activación o desactivación de nosotros mismos?

Del 19 al 21 de Enero – 21:00h

22 de Enero – 19:00h

Entradas aquí: www.hiroshima.cat

Este enero no te pierdas nada! Hiroshima presenta su mes más internacional acompañada por nombres como Andreàne Leclerc y Dany Desjandins (Canadá), GMM (Noruega), Joao Lima (Portugal) y Daniel Hellmann (Suiza) y Dani Kok (Singapour).

NEW HAVEN + CHEREPAKA: Andreàne Leclerc y Dany Desjandins 6 –  7 y 8/2017

Cherepaka representa la muerte de una tortuga. Compuesto por una cáscara y la carne, la tortuga lleva consigo la dualidad de la eternidad de su caparazón a través del tiempo y de la muerte de su carne que se descompone con el tiempo. Cherepaka también representa la tensión entre los hombres y su sentido de la eternidad (una cáscara inmortal) y la muerte de su carne animal. Pensado como una imagen escénica, este ensayo realizado pretende reconstruir la perspectiva espectacular del contorsionismo para transformar el lenguaje acrobático en una sustancia y en una escritura escénica. El enfoque fue inspirado por las pinturas de Francis Bacon, y la lectura de “Lógica de la sensación” (Deleuze).

New Haven (título provisional) es un proyecto de colaboración entre los artistas y coreógrafos Dany Desjardins y Andréane Leclerc. Es la creación de una pieza híbrida entre la danza contemporánea y la contorsión. La investigación dramatúrgica basada en la representación de cuerpos cubiertos por las fuerzas de la naturaleza en relación con una estética que se inspira, en gran medida, por el concepto estético de lo kitsch y su filosofía, a través del trabajo desarrollado por el pintor noruego Odd Nerdrum. Nuestro objetivo es abrir un discurso sobre lo que a menudo se percibe como poco saludable o alarmante y abordar de manera grotesca e irónica: una visión de la muerte, no como un finito y una aniquilación del cuerpo, sino como un proceso de transfiguración física.

TRAUMBOY: Daniel Hellmann 13 – 14/01/2017

Daniel es un trabajador del sexo. Con la performance Traumboy, comparte sus experiencias de un hombre que se prostituye, sin vergüenza, con franqueza y de manera interactiva. El público se reúne con un hombre joven que ha decidido prostituirse deliberadamente. Habla de sus clientes, de sus deseos y de las razones que le han llevado a esta profesión. El único problema: la estigmatización, ya que tener sexo remunerado con extraños está considerado como un tabú en nuestra sociedad.

THERE IS NO HERE HERE: Gisle Martens Meyer 19-22/01/2017

There Is No Here, Here, es la creación en vivo de un videoclip, que cuestiona nuestra existencia cada vez más digital. Gisle Martens Meyer es un performer, un músico, un polifacético artista que conduce al público, a través de un croma verde y un dispositivo multi-cámara, a diversas escenas que se multiplican y editan en vivo. Al espectador se le permite observar la realidad filtrada. El espectáculo explora las realidades, posibilidades y visiones de nosotros mismos a través de nuestro avatar digital. Analiza cómo nos afecta esta edición constante de la realidad, como individuos, en las relaciones y como sociedad.

PLANET ROMEO: 17 y 18/02/2017

¿Qué pasaría si cuando digo que estoy trabajando mi relación con el público lo dijera literalmente? ¿Qué pasaría si cuando miro al público desde el escenario, pudiera mirar a cada uno de vosotros a los ojos y reconoceros? ¿Qué pasaría si hubiésemos creado una relación íntima en el tiempo que viniste a verme al teatro?

A través del portal online, gayromeo.com, acudí a 40 citas en 60 días. Durante los encuentros, le pedí a cada persona un regalo acorde a nuestra relación. A cambio, yo invitaba a mis gayromeos a la performance, en la que les devolvía mi regalo en forma de danza. “Tu vas a ser mi puta.” Mirándome a los ojos, él sonrío tímidamente y dijo con un ligero acento: “¿Lo entiendes? Tú vas a ser mi puta.

HIROSHIMA HEATS – NUEVO CIRCO- DANZA/CONTORSIONISMO– 55’– Text

Cherepaka representa la muerte de una tortuga. Compuesto por una cáscara y la carne, la tortuga lleva consigo la dualidad de la eternidad de su caparazón a través del tiempo y de la muerte de su carne que se descompone con el tiempo. Cherepaka también representa la tensión entre los hombres y su sentido de la eternidad (una cáscara inmortal) y la muerte de su carne animal. Pensado como una imagen escénica, este ensayo realizado pretende reconstruir la perspectiva espectacular del contorsionismo para transformar el lenguaje acrobático en una sustancia y en una escritura escénica. El enfoque fue inspirado por las pinturas de Francis Bacon, y la lectura de “Lógica de la sensación” (Deleuze).

La compañía Nadere tiene por misión, a través de la visión artística de Andréane Leclerc, crear, producir y presentar, a nivel local e internacional, obras escénicas experimentales caracterizadas por un fuerte proceso de pensamiento e imprimiendo en ellas  una visión distorsionada de la realidad que nos rodea. Cherepaka se presentó en el Festival de Circo Contemporáneo de Chicago en enero de 2014.

Cherepaka

Andreane Leclerc / Nadère arts vivants
07 & 08/01/2017

ENTRADAS AQUÍ.

DANZA CONTEMPORÁNEA / CONTORSIONISMO

New Haven (título provisional) es un proyecto de colaboración entre los artistas y coreógrafos Dany Desjardins y Andréane Leclerc. Es la creación de una pieza híbrida entre la danza contemporánea y la contorsión. La investigación dramatúrgica basada en la representación de cuerpos cubiertos por las fuerzas de la naturaleza en relación con una estética que se inspira, en gran medida, por el concepto estético de lo kitsch y su filosofía, a través del trabajo desarrollado por el pintor noruego Odd Nerdrum. Nuestro objetivo es abrir un discurso sobre lo que a menudo se percibe como poco saludable o alarmante y abordar de manera grotesca e irónica: una visión de la muerte, no como un finito y una aniquilación del cuerpo, sino como un proceso de transfiguración física.

Dany Desjardins comenzó su enfoque artístico muy joven a través del dibujo y el teatro. Después de sus estudios en artes visuales en Alma, completó un programa de baile en Drummondville y continuó sus estudios en LADMMI en Montreal. Desde marzo de 2007, Dany ha trabajado para la compañía Marie Chouinard, PPS Danse, Dave St-Pierre Inc., Scram, KparK, maribe – sors de ce corps, y ha trabajado con los coreógrafos Catalina Gaudet, George Stamos, Emmanuel Jouthe, Pressault David y Kathy Ward.

Compuso Shitoi & Dordur para Danses Buissonnières 2007_les classes. Con esta misma pieza, participó en el Festival TRANSATLANTIQUE y ganó la beca del circo del sol en 2008. A continuación, presentó su segunda pieza All villains have a broken heart como parte de Danse Buissonnière 2008_les gradués, y fue parte de la programación de OFF.TA en 2009. Desde CALQ, Dany recibió una subvención para una residencia en Berlín, donde creó el solo On air presentado en Tangente, Piss in the pool y el festival TRANSATLANTIQUE. En el teatro de Lachapelle, presentó POW WOW en octubre de 2011 y con el apoyo de la CCA, el proyecto en solitario Winnin’ en diciembre de 2014. Como asesora de los movimientos, colaboró con la compañía La Tortue Noire y crea Daidalos en 2012.

Andréane Leclerc: Fundadora y directora artística de la compañía de artes escénicas Nadère, Andréane se graduó de la Escuela Nacional de Circo en 2001. Centrándose en la sensación en lugar de en el sensacionalismo, ella posee ese interés particular por la escena performativa, la dramaturgia y la búsqueda de un “cuerpo de circo”. Concibiendo la contorsión como una técnica corporal maleable capaz de generar un mundo de sensaciones y de imaginarios mentales al espectador más allá de lo espectacular, crea ahora piezas experimentales circenses así como performances conceptuales – Di(x)parue, Cherepaka, Insuccube, Mange – moi, Bath House, Corps sculptural y La Putain de Babylone. Ella continua de intérprete para coreógrafos y directores de escena tales como Dave St-Pierre, Angela Konrad, Peter James y se unió al espectáculo de Théâtre Republique “The Tiger Lillies perform Hamlet” con el papel de Ophelia. En 2013, completó una maestría en dramaturgia teatral en el departamento de teatro de la Universidad de Quebec en Montreal (UQAM) bajo la dirección de Marie Christine Lesage.

DANZA/MÚSICA EN VIVO- PREMIERE – 55′- Text 

¿Podemos renovar la vista sobre el cuerpo masculino, la virilidad, la masculinidad? Boys don’t cry no pasa por los estereotipos y las representaciones masculinas expuestas hasta la saciedad; la estrategia que no es libre, pero sacude lecturas, crea asignaciones de ofender resistencia intelectual. El cuerpo masculino aparece como un objeto de deseo o como un modelo heroico… Entre los dos hay como un vacío de representación e identidad. A pesar de que el “género” se está convirtiendo en una cuestión política, ¿cómo podemos volver a examinar la identidad y la construcción sexual? Los chicos no lloran, será como el bombardeo físico de testosterona, su drama y su rendimiento. Tomarse como únicas armas con los tambores marciales en directo y dos cuerpos masculinos que experimentarán la paradoja de la danza, entre el poder y la fragilidad. por el esfuerzo físico explorará las figuras de Manly hoy para cortar en pedazos y ver (tal vez) aparece sin publicar. ¿Los chicos no lloran?

Boys don’t cry repasa los estereotipos masculinos, cuestionando la presentación del cuerpo masculino siempre como objeto de deseo o como un modelo heroico. La compañía Divergences visita por segunda Hiroshima después de la presentación de su particular adaptación del cuento Chaperon Rouge.

Cie Divergences
17/12/2016 – 20:30

Coreografía: Sylvain Huc
Baile: Pierre-Michael Faure, Sylvain Huc
Asistentes: Cécile Grassin, Loran Chourrau
Batería: Xavier Coriat
Director de escena y luz: piedra Masselot
Sonido: Frédéric Caray
Producción: Hechos y gestos

Entradas aquí.