TEATRON

DANZA – 50′ –  Text

María Muñoz trabaja en la transmisión y reinterpretación de su solo, que ha bailado en múltiples países y continentes desde su creación en 2004, con la intérprete y creadora italiana Federica Porello. Bach es un trabajo sobre algunas piezas seleccionadas de la obra El Clavecín bien temperado de J.S. Bach, que María Muñoz estrenó en 2004 como pieza escénica y de la que ha hecho más de cien presentaciones. Ahora, María Muñoz trabaja en la transmisión y reinterpretación de este solo con la intérprete y creadora italiana Federica Porello. En Bach el discurso se articula únicamente a través del cuerpo y la música de Bach, combinando la danza de algunos preludios que se reproducen en directo con la memoria de algunas fugas bailadas en silencio.

Una producción de Mal Pelo. Con la colaboración Teatro Real y del Teatre Lliure. Bach, interpretado por María muñoz, fue estrenado en el Espai Lliure de Barcelona el 26 de febrero de 2004 en su primera versión y en Temporada Alta 2005, Festival Internacional de Teatro de Girona, en su versión definitiva. Mal Pelo presentó la versión interpretada por Federica Porello el 21 de febrero de 2016 en el Mercat de les Flors de Barcelona

Creación y Dirección MARÍA MUÑOZ
Interpretación FEDERICA PORELLO
Música CLAVE BIEN TEMPERADO de Johan Sebastian Bach,
interpretada por GLENN GOULD
Ayuda a la Dirección LEO CASTRO, PEP RAMIS
Realización vídeo NÚRIA FONT
Iluminación AUGUST VILADOMAT
Fotografía JORDI BOVER
Producción MAL PELO

Federica Porello vive entre Barcelona y Bruselas. Se formó en la escuela P.A.R.T.S. de Bruselas entre 2002 y 2006. Durante sus estudios colaboró con el saxofonista Ilan Manouach desarrollando un dúo de improvisación de danza y música, Statues. Después de graduarse trabajó entre otros con el coreógrafo Marlene Monteiro Freitas (Larvar, 2006), el artista visual Anne Kathrine Dolven (Ahead, 2007), la compañía de teatro Tg Stan (The Tangible, 2010), la coreógrafa Ariadna Estalella (Condición para una (x) cuerpos, 2011), el teatro de títeres compañía AdonK! (Commune Présence, 2012), la compañía de danza Mal pelo (L’esperança de vida d’una llebre, 2013). Desde 2009 trabaja con el coreógrafo Albert Quesada (Solos Bach & Gould, 2010; Slow Sports, 2012; Wagner & Ligeti, 2014; Slow Sports Kids, 2015).

En 2015 participa en La mesura del desordre, una creación dirigida por el coreógrafo suizo Thomas Hauert ubicado en Bélgica en colaboración con el grupo La Bolsa, siete artistas independientes internacionales que se reunieron en Barcelona. Se estrenó en julio 2015 en el Grec Festival, Barcelona. Sus trabajos propios incluyen el monólogo Niets Verliets Iets (2006) y Teaching Set and Reset/Reset (2010), un documental sobre la enseñanza de una de las obras maestras de Trisha Browns Set and Reset a los estudiantes de P.A.R.T.S. Actualmente colabora con Xavi y i Marina Broise en la creación colectiva de Lacuna, apoyada por el Centre Cívic del Guinardó, Antic Teatre, La Caldera, La Visiva (Barcelona) y Probedones d’Abaigt (Saint Laurent de Cerdans).

Federica Porello

Mal Pelo, con codirección artística de Pep Ramis y María Muñoz, es un grupo creativo caracterizado por una autoría compartida que ha dado como resultado más de 25 espectáculos hasta el momento, uno de los hechos distintivos del grupo. Ambos también se encargan del diseño del espacio escénico.

La compañía presenta el próximo fin de semana (5 – 7 de mayo) la pieza Bach, interpretada por Federica Porello.

Desde 1989, Mal Pelo ha ido desarrollando su propio lenguaje artístico a través del movimiento, incorporando la teatralidad con la creación de dramaturgias que incluyen la palabra, trabajando con compositores para la creación de bandes sonoras originales, colaborando con vídeo artistas, entre otros.

Más que una compañía, queremos explicar Mal Pelo como un núcleo creativo rodeado de otros tantos colaboradores, siempre con un mismo propósito: trabajar el cuerpo como herramienta principal, investigando permanentemente, tratando de contar los temas de siempre, de una manera siempre distinta, para llegar a nuevos paisajes. Todo ello con una mirada intimista llena de historias cotidianas y detalles, una mirada tierna y dura al mismo tiempo.

La actividad básica gira alrededor de la creación de espectáculos, siempre unido a la necesidad de experimentar y desarrollar los temas principales que a lo largo de todos estos años han ido surgiendo de los propios procesos.

DANZA – UK / CAT  – 60’ – text

“Information in the universe may be communicating in an instantaneous way. Where everything is actually talking to everything instantaneously, across all scales. So when you move your little finger, everything in the universe knows you moved that finger, and adjusts for it.”

“La información contenida en el universo puede estar comunicando de manera instantánea. Donde todo está realmente hablando con todo instantáneamente, en todas las escalas. Así que cuando tu mueves tu dedo pequeño, todo en el universo sabe que has movido este dedo, y se ajusta a este movimiento.”

Nassim Haramein (*)

Si empezáramos en el punto cero, de qué manera percibiríamos la realidad y experimentaríamos la vida?
‘Zero’ es una pieza visualmente y sonóricamente hipnótica, donde los dos bailarines se entrelazan a través de un viaje ritualístico. Experimenta esta danza tribal y se transportado a un mundo de ensueño lleno de imaginación y belleza.

Humanhood fue fundada en 2014 por Rudi Cole y Júlia Robert. Como bailarines profesionales han trabajado com Akram Khan y Jasmin Vardimon, entre otros. Rudi y Júlia son Artistas Asociados a DanceXChange en Birmingham y Déda en Derby. El Repertorio de la compañía incluye el dueto corto ‘The Masks Behind Doors’ finalista en Masdanza y Madrid Pasoa2, y la pieza para espacios no convencionales ‘Nomadis’. Recientemente se les ha otorgado la Without Walls Commission fund para crear ‘Orbis’, un nuevo espectáculo programado para una gira en outdoor festivals (festivales de calle) de Inglaterra en el 2017. ‘ZERO’ es la primera pieza de larga duración de la compañía y ha sido subvencionada por el Arts Council England y macbirmingham, creada con el soporte del Departamento de Física y Astrofísica de la Universidad de Birmingham, DanceXChange y ACE Dance and Music. El extracto de 15min de ZERO ha ganado el Primer Premio y Premio del Jurado Joven en el Certamen Coreográfico de Madrid 2016. Próximamente, Humanhood empezará un proceso de creación para una pieza de grupo, subvencionada y producida por DanceXChange que se estrenará en el teatro Patrick Centre de Birmingham en 2018.

DANZA / PERFORMANCE / TEATRO – ESP – 90’ aprox. – text

¿Qué podemos hacer para no arruinar la infancia con todo nuestro lenguaje? Así es como nos planteamos nuestra segunda parte de la triologia del hijo, Ta gueule. Encontramos un grupo de niños en escena; ellos una invitación a tener voz, a mostrarnos cómo consiguen hacer sentido del mundo, cómo se construyen un cuerpo, cómo escriben y cómo crean. Ante lo fascinante del hacer del niño y su juego, Ta gueule responde escéptico. Reconocemos nostálgicamente eso que creemos perdido y nos preguntamos qué podemos hacer para no legar esa nostalgia, para no cargar a los niños con el peso de su propia imagen. Delante de nuestros ojos incrédulos y desfantaseados, Ta gueule nos enfrenta con el mundo potente, siempre inacabado y siempre por escribir de los niños.

Ça marche es un colectivo fundado en 2015 con base en Barcelona y Bruselas. Su objetivo es desarrollar piezas de creación que partan del diálogo necesario entre el teatro, la performance y la danza. Se trata de un intento de encontrar una forma propia que hable de nuestra contemporaneidad, lidiando con sus contradicciones irreconciliables y sus derivas. En sus piezas tratan de revisar la relación entre artesanía, técnica, ready-mades y los signos y referentes colectivos. Piensan que sólo reconociendo la actual escritura de los cuerpos, gestos y discursos, refieriéndolos como documentos vivos, sólo así podrán empezar a estilizarlos y a enmarcarlos. Ça marche fue fundado por el director Nico Jongen y el dramaturgo Oriol López. Colaboran frecuentemente con el coreógrafo y balarín Joaquín Collado, con Albert Ventura, escenógrafo y con varios artistas plásticos y músicos.

«Una palabra de bienvenida.

Didi-Huberman dice que el artista es un inventor de lugares. Les da forma y carne a espacios improbables, imposibles, o impensables: aporías, fábulas tópicas. Ça Marche va en busca de su propio lugar y de proponer sus lugares, sus formas y sus carnes.

Para Ça Marche, son los espacios en fuga entre la danza, la performance y el teatro los que nos permiten ir con todo nuestro ser al lenguaje, «heridos de realidad y en busca de realidad». Un amaestramiento de la vida a través de la escritura escénica.

En 2015, después de tener la necesidad de encontrar un espacio de creación e investigación de la escena y los límites del teatro, fundamos Ça marche. La compañía, formada por creadores de diferentes disciplinas, pretende aproximarse a la escena de una manera irreverente y explorar todos aquellos espacios negativos y de fuga en el teatro. Ça marche está convencido de que si queremos hablar de nuestra contemporaneidad, debemos contemporanizar la escena y reflexionar sobre los elementos críticos de nuestro momento: los cuerpos y el movimiento, los discursos sobre el individuo y la comunidad y todas aquellas cuestiones sobre la virtualización de la experiencia y el alejamiento de lo real».

La compañía regresa a Hiroshima la próxima semana para presentar Ta Gueule.

DANZA -50′

“bang bang” es un objeto escénico de danza de un valiente solista que gira en torno a la noción de la resistencia. La pieza establece la partición como un reto, y cuestiona la idea del rendimiento en sentido literal y figurado, desde el espacio de la representación hasta la metáfora de nuestros ritmos occidentales contemporáneos. Poco a poco, el sudor comienza a gotear, las grietas se hacen más evidentes, y la intimidad de un cuerpo danzante se comienza a entrever por la transparencia. El artista intérprete sigue bailando hasta la alienación, hasta no saber por qué ni cómo, ni la necesidad de estar aquí ahora. El público viaja empáticamente a través de esta cinética como un valioso testigo.
Sin narrativa. Sólo un cuerpo, vivo, frente a la exaltación de un reto donde el placer y el sufrimiento revelan la complejidad de la existencia en un espacio paradójico, ambiguo y de múltiples capas.

Creación de Cie Manuel Roque coproducido por Festival TransAmériques.

Manuel Roque se caracteriza por «un gusto natural por temáticas de lo absurdo, la nada, el desequilibrio, los estímulos desarticulados, las zonas grises, los materiales sucios (…) que tiñen generalmente sus impulsos creativos. Su transcurso artístico conjuga una poética minimalista y una objetividad de lo físico exacerbada, sucia, virtuosa, que pone en valor al humano, con sus dudas, sus impulsiones cinéticas; sus zonas de sombra y su sed de luz.»

«Manu se interesa por el mestizaje de los lenguajes contemporáneos, a través de la exploración de nuevas escrituras escénicas. Así, trata de renovar su proceso de creación en función de los proyectos, para evitar métodos prefabricados, y sumergirse en el riesgo tanto sobre el plano de la forma como sobre el fondo de la misma.»

«Su universo creativo se interesa por lenguajes contemporáneos y pone a danzar una virtuosidad cinética adjunta a un cuestionamiento polimorfo sobre la condición humana contemporánea.»

Manu funda la Cie Manuel Roque en julio del 2013, y crea entonces el proyecto In situ para el centro público Place des Arts de Montréal, en enero 2014. El solo Data (2014) se interesa por la mutación de la materia y fue difundido en l’Usine C, además de, a continuación, tomado en el FTA 2015 y el June Event Festival (París). Data fue exhibido en enero del 2016 en Hiroshima. Ahora, en abril de 2017, Manuel regresa a la sala con su último trabajo, bang bang.

ARTISTA RESIDENTE – CREACIÓN ESCÉNICA – 60’(espectáculo en ingles subtitulado en catalán)

ALL IN presenta el recorrido de un individuo por diferentes mundos inspirados en la expresión inglesa que pone título a la pieza. Una discoteca, una escuela de inglés, un programa de autoayuda y un almacén. Estos mundos son la representación poética de las crisis existenciales por las que un individuo pasa por el simple hecho de serlo. En ellos se explora la dificultad de convertirse en una persona única con personalidad propia en una de las sociedades más individualistas (occidente). La pieza es un contenedor donde se mezclan diferentes estímulos y funciona como un tránsito a través de lugares, realidades y vivencias comunes, reconocibles y compartidas, impuestas, aceptadas y celebradas.

Atresbandes trabaja en las fronteras entre teatro y performance, entre personaje y realidad.