CONVOCATÒRIA DE RESIDÈNCIES D’ARTS VISUALSCONVOCATÒRIA DE RESIDÈNCIES D’ARTS VISUALS

CONVOCATORIA DE RESIDENCIAS DE ARTES VISUALES EN LOS TALLERES DE NAUESTRUCH DEL ESTRUCH

Invierno – Primavera 2011

NauEstruch, el espacio de artes visuales de la Fábrica de Creación de Artes en Vivo L’Estruch de Sabadell, hace pública la convocatoria de residencias de Invierno-Primavera 2011.

NauEstruch es el área de L’Estruch orientada a las artes visuales especializada en proyectos artísticos vinculados a las prácticas performáticas.

Las convocatorias de NauEstruch dirigen a todos los artistas que quieran desarrollar un proyecto artístico, dentro de cualquier disciplina artística (instalación, vídeo, fotografía, intervención, nuevos medios, etc.), Vinculado a las prácticas performáticas (acción, teatro , danza, artivismo, happening, intervenciones urbanas, artes locativas, etc.), a presentar una propuesta de residencia para los meses de febrero a abril de 2011.

NauEstruch dispone de varios talleres de producción en la NauSud, una nave de quinientos metros cuadrados en L’Estruch, y un centro de producción multimedia, MediaEstruch, perfectamente equipado para el desarrollo de los proyectos seleccionados.

NauEstruch ofrece, igualmente, la posibilidad de residencia gratuita en L’Estruch, bajo depósito de fianza, a aquellos artistas que requieran de vivir en Sabadell durante los meses de producción de su proyecto. El Estruch dispone, igualmente, de una sala de exposiciones y de un teatro para la exhibición posterior de los proyectos artísticos realizados en residencia.

Los artistas interesados ​​en desarrollar un proyecto de creación en NauEstruch durante los meses de febrero a abril hay que presenten una solicitud por correo electrónico a almudena@ajsabadell.cat, explicitando en el asunto del mensaje “Solicitud Residencia NauEstruch” . Los solicitantes deben hacer constar una breve biografía y una introducción al proyecto artístico que desean producir durante la residencia.

CONVOCATÒRIA DE RESIDÈNCIES D’ARTS VISUALS ALS TALLERS DE NAUESTRUCH DE L’ESTRUCH

Hivern – Primavera 2011

NauEstruch, l’espai d’arts visuals de la Fàbrica de Creació d’Arts en Viu L’Estruch de Sabadell, fa pública la convocatòria de residències de Hivern-Primavera 2011.

NauEstruch és l’àrea de L’Estruch orientada a les arts visuals especialitzada en projectes artístics vinculats a les pràctiques performàtiques.

Les convocatòries de NauEstruch s’adrecen a tots els artistes que vulguin desenvolupar un projecte artístic, dins de qualsevol disciplina artística (instal·lació, vídeo, fotografia, intervenció, nous mitjans, etc.), vinculat a les pràctiques performàtiques (acció, teatre, dansa, artivisme, happening, intervencions urbanes, arts locatives, etc.), a presentar una proposta de residència per als mesos de febrer a abril de 2011.

NauEstruch disposa de diversos tallers de producció a la NauSud, una nau de cinc-cents metres quadrats a L’Estruch, i un centre de producció multimèdia, MediaEstruch, perfectament equipat per al desenvolupament dels projectes seleccionats.

NauEstruch ofereix, igualment, la possibilitat de residència gratuïta a L’Estruch, sota diposit de fiança, a aquells artistes que requereixin de viure a Sabadell durant els mesos de producció del seu projecte. L’Estruch disposa, igualment, d’una sala d’exposicions i d’un teatre per a l’exhibició posterior dels projectes artístics realitzats en residència.

Els artistes interessats a desenvolupar un projecte de creació a NauEstruch durant els mesos de febrer a abril cal que presentin una sol·licitud per correu electrònic a almudena@ajsabadell.cat, tot explicitant a l’assumpte del missatge “Sol·licitud Residència NauEstruch”. Els sol·licitants han de fer constar una breu biografia i una introducció al projecte artístic que desitgen de produir durant la residència.

ESPEJISMO-EFÍMERA BELLEZA.MIRATGE-EFÍMERA BELLESA.

ESPEJISMO-EFÍMERA BELLEZA.

Con la pieza Espejismo, Pepe Hevia Danza profundiza en la relación entre el lenguaje coreográfico y la imagen. El formato de obra de corta duración permite enlazarla con otra pieza, titulada Efímera belleza, que es el resultado del Proyecto Beca 2010, con el que la compañía abre puertas a talentos emergentes.

Desde hace varios años el coreógrafo Pepe Hevia trabaja para estrechar la relación entre el lenguaje coreográfico y la imagen. Con Espejismo, esta fusión se intensifica hasta el punto de desdoblarse en un espectáculo escénico y en otro de puramente audiovisual. La pieza se interroga sobre las ilusiones ópticas y también las emocionales, sobre la lejanía, la desconexión y la espera. Creada en residencia en L’Estruch, la coreografía de Pepe Hevia Danza convierte la íntima conexión entre cuerpos e imágenes en un sólido argumento coreográfico.

Enlazada con Espejismo, Hevia presenta Efímera belleza que, como se adivina en el título, quiere iluminar la simplicidad y brevedad de las situaciones cotidianas, la pequeña esencia que nos acompaña en momentos de felicidad. La pieza es el resultado del proyecto Beca 2010 de Pepe Hevia Danza, un sistema de ayudas a bailarines emergentes para que puedan colaborar en un proyecto realizado por compañía profesional

“Al coreógrafo de origen cubano Pepe Hevia siempre le han caracterizada dos cosas: buena danza, con Mucho y cuidado movimiento, y un potente imaginario plástico que enraíza en el mundo latino” (Joaquim Noguer, La Vanguardia, noviembre de 2007). La crítica especializada siempre ha elogiado el aparato técnico de Hevia, siempre puesto al servicio del mensaje y con una potencia lírica como pocas. Creada en 1993, la compañía aglutina las técnicas de danza contemporánea más actual con un estilo personal de marcado acento poético, que recoge la diversidad de la danza moderna desde sus vertientes americanas, caribeñas y europeas, con especial atención a la influencia de la cultura afrocubana. El estilo de su director impregna las coreografías de la compañía de un movimiento ligero y emotivo que apunta a una nueva estética coreográfica que profundiza en las raíces del lenguaje contemporáneo.

FICHA ARTÍSTICA

DIRECTOR ARTÍSTICO: Pepe Hevia.

PRODUCCIÓN: Sonia Fernández Lage.

Pepe Hevia Danza

Compañía subvencionada por: ICUB, EADC-Generalitat de Cataluña. 

TALLER D’INCERTESESTALLER D’INCERTESES

Escuela móvil presenta:

TALLER DE INCERTIDUMBRES

Txiki Berraondo, Roberto Fratini y Roger Bernat.

16,17 y 18 de diciembre (17,00 a 21,00 h): Taller 1, NauEstruch.

20 de diciembre: Paseos individuales con los participantes.

4 días de bostezos, nimiedades, abulia y melancolías alrededor de nada esencial y de la esencialidad del nada…

El taller va dirigido a artistas interesados ​​en cerrarse durante 4 días con los directores del taller, conviviendo en ella el límite peligroso de un aburrimiento sin fin, o quizás de otra cosa, que es una manera práctico-discursiva de sacar móviles poéticos, dialécticos o prácticos al arte del aburrimiento (sobre todo de lo que hoy en día se llama Cultura).

Y como el aburrimiento nos ha juntado al tres, sin tener la mínima idea de qué contenido formativo proponer (ya que la propuesta, si es cultural, es aburrida de entrada, y si es poética no es una propuesta), sólo apuntamos que serán 3 días de taller y 1 día de paseos, con sorpresas. Los participantes pueden elegir si apuntarse al taller con preguntas, respuestas o propuestas (teóricas, políticas o poéticas). Bastará dejar constancia a la hora de matricularse: Interesados ​​escribir a, asunto “Inscripción Taller de Incertidumbres”.

Los inscritos podrán residir en L’Estruch de Sabadell durante el taller.

Inscripción: 20 €.

Además de representar la última forma de resistencia y de anomia en diversos ámbitos performativos, plásticos y discursivos (y en el ámbito del comedor de cada uno), el aburrimiento despierta una desesperada urgencia de elaborar distracciones. Es urgente distraerse de lo que ya aburre (distraerse de un cierto cotilleig sobre cuarto y quinto teatro; distraerse de un cierto delirio sobre emociones e impulsos). Junto con la inmovilidad, en una época tan prestacional y prestativa, aburrirse es el último lujo del pensamiento, y posiblemente la última rendija del discurso, el último caldo de cultivo de toda creatividad. Afrontamos con entusiasmo la perspectiva de embrutecer-nos en grupo (esperando que salga algo muy bestia y viva). Parar es en este momento lo que la acción más necesita. Para aprender de entrada que el espacio del pensamiento y el del deseo no son continentes incomunicados.

Breve fenomenología del tedio (que proporciona una vaga idea de lo que podría pasar durante el taller): el aburrimiento del discurso, el de la poética y el de la praxis empujan tres aburridos de cada uno de estos sectores a pasar el rato tirando piedras a un estanco, por el gusto melancólico de ver cómo se va tomando hilo desde el centro del impacto los círculos concéntricos de un aburrimiento redondo. Pero coincidiendo alrededor de este pequeño estanco, no pueden impedir que los sistemas concéntricos y en expansión de cada uno vayan interfiriendo entre sí, y que, según en qué punto de interferencia, surjan espectaculares fenómenos físicos. Todos los directores del taller ya han trabajado en esta intersección misteriosa. El taller es la tentativa de ir repartiendo piedras para que vuelva a producirse el milagro sabio y barato de que el discurso sepa licuarse en la poética, de que la poética sepa poner turbulencias en la práctica, y de que la práctica sepa levantar el discurso. Que, por ser ya tan aburridos en sí, consigan enturbiarse en algo. En el taller se dará esta misma forma concéntrica, expansiva, turbulenta y rigurosamente inútil (que es lo propio de ir haciendo agujeros en el agua).Escola mòbil presenta:

TALLER DE INCERTESES

Txiki Berraondo, Roberto Fratini i Roger Bernat.

16,17 i 18 de desembre (17,00 – 21,00 h): Taller 1, NauEstruch.

20 de desembre: Passeigs individuals amb els participants.

4 dies de badalls, nimietats, abúlia i malenconies al voltant de res essencial i de l’essencialitat del res…

El taller va dirigit a artistes interessats a tancar-se durant 4 dies amb els directors del taller, convivint-hi el límit perillós d’un avorriment sense fi,  o potser d’un altra cosa, que és una manera pràctico-discursiva de treure mòbils poètics, dialèctics o pràctics a l’art de l’avorriment (sobretot del que avui en dia es diu Cultura).

I com que l’avorriment ens ha ajuntat al tres, sense tenir la mínima idea de quin contingut formatiu proposar (ja que la proposta, si és cultural, és avorrida d’entrada, i si és poètica no és una proposta), només apuntem que seran 3 dies de taller i 1 dia de passeigs, amb sorpreses. Els participants poden escollir si apuntar-se al taller amb preguntes, respostes o propostes (teòriques, polítiques o poètiques). N’hi haurà prou de deixar-ne constància a l’hora de matricular-se:Interessats escriure a , assumpte “Inscripció Taller d’Incerteses”.

Els inscrits podran residir a L’Estruch de Sabadell durant el taller.

Inscripció: 20€.

A més de representar l’última forma de resistència i d’anomia en diversos àmbits performatius, plàstics i discursius (i en l’àmbit del menjador de cadascun), l’avorriment desperta una desesperada urgència d’elaborar distraccions. És urgent distreure’s d’allò que ja avorreix (distreure’s d’un cert cotilleig sobre quart i cinquè teatre; distreure’s d’un cert deliri sobre emocions i impulsos). Junt amb la immobilitat, en una època tan prestacional i prestativa, avorrir-se és l’últim luxe del pensament, i possiblement l’última escletxa del discurs, l’últim caldo de cultiu de tota creativitat. Afrontem amb entusiasme la perspectiva d’embrutir-nos en grup (esperant que surti alguna cosa molt bèstia i viva). Parar és en aquest moment el que l’acció més necessita. Per aprendre d’entrada que l’espai del pensament i el del desig no són continents incomunicats.

Breu fenomenologia del tedi (que proporciona una vaga idea d’allò que podria passar durant el taller): l’avorriment del discurs, el de la poètica i el de la praxi empenyen tres avorrits de cada un d’aquests sectors a passar l’estona tirant pedres a un estanc, pel gust melancòlic de veure com es va prenent fil des del centre de l’impacte els cercles concèntrics d’un avorriment rodó.  Però coincidint  al voltant d’aquest petit estanc, no poden impedir que els sistemes concèntrics i en expansió de cada un vagin interferint entre si; i que, segons en quin punt d’interferència, sorgeixin espectaculars fenòmens físics. Tots els directors del taller ja han treballat en aquesta intersecció misteriosa. El taller és la temptativa d’anar repartint pedres per que torni a produir-se el miracle savi i barat de que el discurs sàpiga liquar-se en la poètica, de que la poètica sàpiga posar turbulències en la pràctica, i de que la pràctica sàpiga aixecar el discurs. Que, per ser ja tan avorrits en si, aconsegueixin enterbolir-se en alguna cosa. Al taller és donarà aquesta mateixa forma concèntrica, expansiva, turbulenta i rigorosament inútil (que és lo propi d’anar fent forats a l’aigua).

BLACK OUT. DOPPELGANGERBLACK OUT. DOPPELGANGER

BLACK OUT. DOPPELGANGER

PRECIO= 10€

El coreógrafo Jordi Cortés se vuelve a sumergir en las limitaciones y posibilidades del cuerpo humano. La compañía estrena el espectáculo en L’Estruch después de haberlo trabajado en residencia.

Para el coreógrafo Jordi Cortés las infinitas posibilidades y limitaciones del cuerpo humano configuran un material precioso para transformarlo en danza, en teatro, en un viaje hacia el interior del alma humana. En Black Out-Doppelganger, Cortés redunda en su búsqueda de lo que pueden decir los cuerpos cuando viven una dificultad y se interroga sobre el poder de la imagen y sobre su contrario, que es la sombra. El espectáculo se ha creado en L’Estruch y también se estreno. Un lujo total porque Cortés es un gran coreógrafo y, junto con la dramaturgia de Ferran Audí, conducen la nave de Alta Realidad hacia espacios creativos que pocos se atreven a pisar. Con su anterior montaje, titulado VITRIOL, Cortés se atrevió incorporar en su elenco a personas discapacitadas. Ahora, las luces y sombras de Black Out … tampoco existirían sin ellas.

“Mezclar diferentes elementos para llegar a la esencia”, esto es lo que pretende Cortés. VITRIOL proponía un espectáculo singular en el entorno de la belleza y reflexionaba sobre el cuerpo humano y la imperfección, la fealdad, el dolor … Black Out-Doppelg Anger sigue la estela del anterior, pero busca la sombra del cuerpo, trabaja sobre la luz que desprendemos los humanos, se cuestiona la dualidad y las imágenes que interiores y exteriores que todos nos fabricamos y se adentra en la idealización. Cortés construye sus espectáculos sobre la marcha, sabiendo cuál es el objetivo de la pieza, pero haciendo que el camino dé las respuestas definitivas.

Cortés trabaja como intérprete y coreógrafo en España, Gran Bretaña, Holanda, Eslovenia, Portugal, Nueva Zelanda, en producciones que han viajado por diferentes partes de Europa, América y Oceanía. Funda las compañías Lanònima Imperial y Heightened Reality Londres. Colabora, además, con compañías como Iztok Kovack, Nigel Charnock, Wendy Houston o DV8 Physical Theatre, donde estuvo cinco temporadas durante su estancia en Londres. Participa en diversos proyectos de creación con Theatre Complicite, Bunker, Jerwood Foundation, Theater Paneke, Atalaya Teatro, entre otros. También colabora en numerosos talleres y residencias para bailarines y coreógrafos en Estados Unidos, Gran Bretaña, Holanda y Alemania.

FICHA ARTÍSTICA

DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Jordi Cortés Molina.

AYUDANTES DE DIRECCIÓN: Gloria José.

Performers: Mercedes Recacha, Maxime Iannarelli, Raul Perales, María José Moya

DISEÑO ESPACIO Y LLUM: Memé Boya.

CONFECCIÓN TEXTOS: Miguel Orbaneja Gil de Biedma

DRAMATURGIA: Ferrán Audí.

MUSICA Y ESPACIO SONORO: Jesus Diaz / Gabriel Fletcher.

VIDEO CREACIÓN: Denise Castro.

FOTOGRAFÍA: Edwin Toone.

PRENSA Y COMUNICACIÓN: La Costa.

WEB Y GRÁFICOS: Fabián Sorrentino.

PRODUCCIÓN: Alta Realidad.

MANAGEMENT: Alta Realidad.

web Alta realidad


BLACK OUT. DOPPELGANGER

PREU = 10€

El coreògraf Jordi Cortés es torna a submergir en les limitacions i possibilitats del cos humà. La companyia estrena l’espectacle a L’Estruch després d’haver-lo treballat en residència.

Per al coreògraf Jordi Cortés les infinites possibilitats i limitacions del cos humà configuren un material preciós per transformar-lo en dansa, en teatre, en un viatge cap a l’interior de l’ànima humana. A Black Out-Doppelganger, Cortés redunda en la seva recerca del que poden dir els cossos quan viuen una dificultat i s’interroga sobre el poder de la imatge i sobre el seu contrari, que és l’ombra. L’espectacle s’ha creat a L’Estruch i també s’hi estrena. Un luxe total perquè Cortés és un gran coreògraf i, juntament amb la dramatúrgia de Ferran Audí, condueixen la nau d’Alta Realitat cap a espais creatius que pocs s’atreveixen a trepitjar. Amb el seu anterior muntatge, titulat V.I.T.R.I.O.L, Cortés va gosar incorporar en el seu elenc a persones discapacitades. Ara, les llums i ombres de Black Out… tampoc existirien sense elles.

Barrejar diferents elements per arribar a l’essència”, això és el que pretén Cortés. V.I.T.R.I.O.L proposava un espectacle singular a l’entorn de la bellesa i reflexionava sobre el cos humà i la imperfecció, la lletjor, el dolor… Black Out-Doppelg Anger segueix l’estela de l’anterior, però busca l’ombra del cos, treballa sobre la llum que desprenem els humans, es qüestiona la dualitat i les imatges que interiors i exteriors que tots ens fabriquem i s’endinsa en la idealització. Cortés construeix els seus espectacles sobre la marxa, sabent quin és l’objectiu de la peça, però fent que el camí doni les respostes definitives.

Cortés treballa com a intèrpret i coreògraf a Espanya, Gran Bretanya, Holanda, Eslovènia, Portugal, Nova Zelanda, en produccions que han viatjat per diferents parts d’Europa, Amèrica i Oceania. Funda les companyies Lanònima Imperial i Heightened Reality Londres. Col·labora, a més, amb companyies com Iztok Kovack, Nigel Charnock, Wendy Houston o DV8 Physical Theatre, on va estar cinc temporades durant la seva estada a Londres. Participa en diversos projectes de creació amb Theatre Complicite, Bunker, Jerwood Foundation, Theater Paneke, Atalaya Teatro, entre d’altres. També col·labora en nombrosos tallers i residències per a ballarins i coreògrafs als Estats Units, Gran Bretanya, Holanda i Alemanya.

FICHA ARTÍSTICA

DIRECCIÓ I COREOGRAFIA: Jordi Cortés Molina.

AJUDANTIA DE DIRECCIÓ: Gloria José.

PERFORMERS: Mercedes Recacha, Maxime Iannarelli, Raúl Perales, María José Moya

DISSENY ESPAI I LLUM: Memé Boya.

CONFECCIÓ TEXTOS: Miguel Orbaneja Gil de Biedma

DRAMATURGIA: Ferrán Audí.

MUSICA I ESPAI SONOR: Jesus Diaz/ Gabriel Fletcher.

VIDEO CREACIÓ: Denise Castro.

FOTOGRAFIA: Edwin Toone.

PREMSA I COMUNICACIÓ: La Costa.

WEB I GRÀFICS: Fabián Sorrentino.

PRODUCCIÓ: Alta Realitat.

MANAGEMENT: Alta Realitat.

web Alta realitat


ACCIÓ!MAD – TROBADES INTERNACIONALS D’ART D’ACCIÓ DE MADRIDACCIÓ!MAD – TROBADES INTERNACIONALS D’ART D’ACCIÓ DE MADRID

ACCIÓN! MAD – ENCUENTROS INTERNACIONALES DE ARTE DE ACCIÓN DE MADRID 

El Arte de Acción no es una cosa nueva, su historia comienza en la primera década del siglo pasado con las experiencias Futuristas y dadaístas, y aún a pesar del tiempo transcurrido, la vitalidad de este “modo de hacer” no se ha apagado con el transcurso de los años, muy al contrario., el Arte de Acción atraviesa el firmamento creativo de los dos últimos siglos como un fulgurante cometa en donde su estela ha contaminado las Artes Visuales, la Música, la Danza, el Teatro, el Cine y la Literatura que se han visto influenciadas por un nuevo punto de vista en el que la figura del artista asume roles más cercanos al de mediador o catalizador de procesos que al de creador o intérprete.

Debido a su carácter efímero, visible pero intangible, a su indefinición y al hecho de no haber formado parte de ningún movimiento artístico concreto mientras corre paralelo a todos ellos, pocas veces se reconoce el Arte de Acción como un género y una práctica artística independiente dentro de las Artes Visuales. Por otra parte, en la esta gobernado por ritmos diferentes de aquellos que afectan al Teatro y la Danza y necesitar de una audiencia “activa” que poco tiene que ver con la relación tradicional actor-espectador, tampoco ha encontrado su propio espacio en el entorno de las Artes Escénicas.

Acción! MAD – Encuentros Internacionales del Arte de Acción desde el año 2003 se ha establecido como una cita anual que ofrece al público de Madrid na visión amplia y profunda de un género independiente y autónomo, gobernado por sus propias reglas espacio-temporales y que mira siempre de abarcar un espectro geográfico amplio, mostrar diferentes generaciones de artistas y diferentes sensibilidades y por supuesto prestan una especial atención al trabajo de las mujeres que su aportación a la Performance ha sido y se enormemente importante, original y fecunda.

Nieves Correa y Hilario Alvarez

ACCIÓ!MAD – TROBADES INTERNACIONALS D’ART D’ACCIÓ DE MADRID

L’Art d’Acció no es una cosa nova, la seva història comença en la primera dècada del segle passat amb les experiències Futuristes i dadaistes; i encara malgrat el temps transcorregut, la vitalitat d’aquest “modus de fer” no s’ha apagat amb el decurs dels anys, molt al contrari., l’Art d’Acció travessa el firmament creatiu dels dos últims segles com un fulgurant cometa a on la seva estela ha contaminat les Arts Visuals, la Música, la Dansa, el Teatre, el Cine i la Literatura que s’han vist influenciades per un nou punt de vista en el que la figura de l’artista assumeix rols més pròxims al de mediador o catalitzador de processos que al de creador o intèrpret.

Degut al seu caràcter efímer, visible però intangible, a la seva indefinició i al fet de no haver format part de cap moviment artístic concret mentre corre paral·lel a tots ells, poques vegades es reconeix l’Art d’Acció com un gènere i una pràctica artística independent dins de les Arts Visuals. Per altra banda, a l’esta governat per ritmes diferents d’aquells que afecten al Teatre i la Dansa i necessitar d’una audiència “activa” que poc te a veure amb la relació tradicional actor-espectador, tampoc ha trobat el seu propi espai en l’entorn de les Arts Escèniques.

Acció!MAD – Trobades Internacionals de l’Art d’Acció des de l’any 2003 s’ha establert com una cita anual que ofereix al públic de Madrid na visió amplia i profunda d’un gènere independent i autònom, governat per les seves pròpies regles espai-temporals i que mira sempre d’abarcar un espectre geogràfic ampli, mostrar diferents generacions d’artistes i diferents sensibilitats i por suposat presten una especial atenció al treball de les dones que la seva aportació a la Performance ha sigut i es enormement important, original i fecunda.

Nieves Correa i Hilario Alvarez

UNA POSSIBLE BIOGRAFIA DEL MES DE DESEMBREUNA POSSIBLE BIOGRAFIA DEL MES DE DESEMBRE

UNA POSIBLE BIOGRAFÍA DEL MES DE DICIEMBRE 

Me alimenta lo cotidiano como elemento inspirador de mi trabajo, quizá porque no tengo demasiada imaginación y siempre he tenido los pies bastante plantados sobre la tierra. Y esta cotidianidad de mis performances no solo está en lo que digo, nunca me han gustado los mensajes grandilocuentes. Si no también en cómo el dique, en mi propia presencia, en los espacios que elijo y los materiales que utilizo. Digamos que, a partir de la realidad tangible, me gusta construir narraciones diferentes. “

Nieves Correa es una de las principales representantes españolas del arte de acción de entre siglos. Se inicia la acción y la performance en 1987. Desde 1990, ha organizado festivales y programas de performance, tanto de manera independiente como bajo comisariado, entre los que cabe destacar Acción! MAD, del que es directora desde 2003.

UNA POSSIBLE BIOGRAFIA DEL MES DE DESEMBRE

“M’alimento del quotidià com a element inspirador del meu treball, potser perquè no tinc massa imaginació i sempre he tingut els peus bastant plantats sobre la terra. I aquesta quotidianitat dels meus performances no sol està en el que dic, mai no m’han agradat els missatges grandiloqüents. Si no també en com el dic, en la meva pròpia presència, en els espais que elegeixo i als materials que utilitzo. Diguem que, a partir de la realitat tangible, m’agrada construir narracions diferents. “

Nieves Correa és una de les principals representants espanyoles de l’art d’acció d’entre segles. S’inicia a l’acció i la performance l’any 1987. Des de 1990, ha organitzat festivals i programes de performance, tant de manera independent com sota comissariat, entre els quals es pot destacar Acció!MAD, del qual és directora des de 2003.


JOAN CASELLAS SEGONS L’ARXIU AIRE (1976/2010)JOAN CASELLAS SEGONS L’ARXIU AIRE (1976/2010)

JOAN CASELLAS SEGÚN EL ARCHIVO AIRE (1976/2010) 

Esta exposición es una aproximación retrospectiva de la actividad artística de Joan Casellas dentro del arte de acción a través de una cincuentena de fotografías y varias animaciones videográficas. Joan Casellas crea en 1992 la revista postal Aie, (1992-1999) dedicada al arte efímero y de acción. Debido a la tendencia documentalista y fotográfica de Joan Casellas, Aire convierte pronto un importante archivo sobre el arte de acción contemporánea. Tras el cierre de la revista, Aire ha continuado como proyecto documental vivo recopilando y publicando cientos de fotografías en libros, catálogos y prensa especializada y organizando más de 20 exposiciones. Con el tiempo Aire ha incluido en su fondo todas las publicaciones relacionadas con los eventos documentados por Casellas y Xavier Moreno de 1997 a 2001, así como materiales anteriores de los 70 y 80. Aire se convierte en un alter ego de Casellas a veces abrumador por la persistente, voluminosa y sacrificada labor del documentalista. En esta ocasión, el Archivo Aire expone los documentos fotográficos de las acciones de Joan Casellas como parte de un proyecto retrospectivo en proceso. La presente muestra incluye colaboraciones con: Oscar Abril Ascaso, Lluís Alabern, Jordi Cerdá, Nieves Correa, Marta Domínguez y Xavier Moreno y fotografías de: Oscar Abril Ascaso, Hilario Álvarez, Joan Casellas, Nieves Correa, Pilar Bonet, Isabel León, Xavier Moreno, Pietro Pellini, Pisonova, Esnest Puig, Meritxell Roda, Rebeca Rodríguez, Santi Salvador y Jose Carlos Soto.Joan Casellas (Teià, 1960)

ha hecho acciones en toda # 39; Europa, también en América, en Corea e Israel. Individualmente ha expuesto en la Fundación Joan Miró de Barcelona (1979), la Fundación Espais de Girona (1987 y 2003), la Bridgewater-Lutsberg Gallery de Nueva York (1989,) la Dri 05 Gallery de # 39; Amsterdam (1991), la Sala 491 Arte e Investigación de Barcelona (1991), el # 39; ICA de Londres (1994), la Galería H2O de Barcelona (1995 y 2001), y el CASM de Barcelona (2002 y 2006), entre # 39; otros. Publica textos de # 39; arte en diversas revistas y periódicos como el # 39; Hoy, La Vanguardia, Papeles de # 39; Arte, Buen Arte, el Viejo Topo y el Avance. Como fotógrafo y documentalista desarrolla # 39; archivo Aire de # 39; Arte # 39; Acción desde 1992 y organiza eventos de # 39; arte # 39; acción como el encuentro anual La Muga Caula (www.lamugacaula. cat).


JOAN CASELLAS SEGONS L’ARXIU AIRE (1976/2010)

Aquesta exposició és una aproximació retrospectiva de l’activitat artística de Joan Casellas dins l’art d’acció a través d’una cinquantena de fotografies i diverses animacions videogràfiques. Joan Casellas crea l’any 1992 la revista postal Aie, (1992-1999) dedicada a l’art efímer i d’acció. A causa de la tendència documentalista i fotogràfica de Joan Casellas, Aire esdevé aviat un important arxiu sobre l’art d’acció contemporània. Després del tancament de la revista, Aire ha continuat com a projecte documental viu recopilant i publicant centenars de fotografies en llibres, catàlegs i premsa especialitzada i organitzant més de 20 exposicions. Amb el temps Aire ha inclòs al seu fons totes les publicacions relacionades amb els esdeveniments documentats per Casellas i Xavier Moreno del 1997 al 2001, així com materials anteriors dels 70 i 80. Aire esdevé un alter ego de Casellas a voltes aclaparador per la persistent, voluminosa i sacrificada feina del documentalista. En aquesta ocasió, l’Arxiu Aire exposa els documents fotogràfics de les accions de Joan Casellas com a part d’un projecte retrospectiu en procés. La present mostra inclou col·laboracions amb: Oscar Abril Ascaso, Lluís Alabern, Jordi Cerdá, Nieves Correa, Marta Domínguez i Xavier Moreno i fotografies de: Oscar Abril Ascaso, Hilario Álvarez, Joan Casellas, Nieves Correa, Pilar Bonet, Isabel León, Xavier Moreno, Pietro Pellini, Pisonova, Esnest Puig, Meritxell Roda, Rebeca Rodríguez, Santi Salvador i Jose Carlos Soto.

Joan Casellas (Teià, 1960)

ha fet accions arreu d#39;Europa, també a Amèrica, a Corea i Israel. Individualment ha exposat a la Fundació Joan Miró de Barcelona (1979), la Fundació Espais de Girona (1987 i 2003), la Bridgewater-Lutsberg Gallery de Nova York (1989,) la Dri 05 Gallery d#39;Amsterdam (1991), la Sala 491 Art i Recerca de Barcelona (1991), l#39;ICA de Londres (1994), la Galeria H2O de Barcelona (1995 i 2001), i el CASM de Barcelona (2002 i 2006), entre d#39;altres. Publica textos d#39;art en diverses revistes i diaris com l#39;Avui, La Vanguardia, Papers d#39;Art, Bon Art, el Viejo Topo i l’Avenç. Com a fotògraf i documentalista desenvolupa l#39;arxiu Aire d#39;Art d#39;Acció des de 1992 i organitza esdeveniments d#39;art d#39;acció com la trobada anual La Muga Caula (www.lamugacaula.cat).

DESHILACHADO – FRAN BLANESDESHILACHADO – FRAN BLANES

DESHILACHADO

El objetivo de esta performance es hablar a través de imágenes poéticas, de tres temas que están vinculados, los mismos son: 
 La identidad cultural, La revolución industrial Textil, la era posmoderna e individual. La performance está planeada como un recorrido, tanto literal como metafórico, del proceso histórico que surge con la revolución industrial, hasta el actual proceso de despersonalización de las sociedades de la información. Sabadell fue conocido en el siglo XIX como la Manchester catalana, justamente, el espacio donde se tiene previsto hacer la performance, es una antigua fabrica textil, ESTRUCH, hoy reconvertida en centro de producción de artes escénicas y perforatives, con más de 15 años de trayectoria. El tejido cultural que había en Sabadell hace tan solo unas décadas atrás, ya no es el mismo tras la des-industrialización del área, tanto es así que el proceso que han vivido las personas de Sabadell, les ha llevado a perder una “marca identitaria”, como era la de la Industria textil. Asimismo, el propio artista, con antepasado catalanes que emigraron a la Argentina, en su propio proceso de inserción cultural en Cataluña, ha vivido un proceso de “despersonalización” que quiere resignificar a través de esta performance, donde los hilos y telas, que representan por sus colores, las banderas de Cataluña y Argentina, simbolizan el entramado cultural del mismo artista. El cuerpo del mismo será el hilo conductor de la performance, y la interacción con el público, una forma de establecer nuevos lazos de comunicación entre ambas culturas, y lo que queda de aquel proyecto modernista industrial. La videoperformance tiene previsto ser el comienzo de una serie de representaciones de “palabras y frases hechas” del imaginario colectivo ibérico. Las interpretaciones de las mismas se llevarán a cabo a través de las herramientas corporales, el humor como vehículo de comunicación y la ironía.

Fran Blanes. Argentina, 1973. Vídeo artista Documentalista, Performer y Gestor Cultural. Licenciado en Publicidad y Comunicación Social por la Universidad del Salvador. Estudios de Realización de Cine y Vídeo, en el Instituto Nacional de Cine y en el CYEVIC, Centro Experimental de Video-Cine, en Buenos Aires. Postgrado en Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad Nacional del Sur. Posgrado Teoría y Crítica del arte, en EINA – Escuela de Diseño y Arte, Barcelona. En 1999 obtiene una beca de la Generalidad de Cataluña para realizar el Master en Documental de Creación en la Universidad Autónoma de Barcelona. Mi práctica artística mezcla influencias del Conceptual y el Surrealismo, partiendo de nociones generales y utilizando el lenguaje como un gesto humorístico, para llegar a lugares particulares a través del Inconsciente. Mi obra está centrada en cuestiones como la (s) identidad (es), las fronteras entre el Público y el Privado desde el Absurdo, partiendo de situaciones y objetos cotidianos, para subvertir a través de diferentes soportes. Trabajo a partir del dibujo, para luego llegar a intervenciones, registrados con vídeo y fotografía. Otra línea de interpretación son las Performances, centrándose en mi relación con mi cuerpo. Actualmente estoy desarrollando proyectos de producción e investigación más complejos y soy artista residente en

www.hangar.org

www.ob-art.com/artists/fran-blanes


DESHILACHADO

L’objectiu d’aquesta performance és parlar a través d’imatges poètiques, de tres temes que estan vinculats, els mateixos són: 
La identitat cultural, La revolució industrial Tèxtil, l’era postmoderna i individual.

La performance està planejada com un recorregut, tant literal com metafòric, del procés històric que sorgeix amb la revolució Industrial, fins a l’actual procés de despersonalització de les societats de la informació. Sabadell va ser conegut el segle XIX com la Manchester catalana, justament, l’espai on es té previst fer la performance, és una antiga fabrica Tèxtil, ESTRUCH, avui reconvertida en centre de producció d’arts escèniques i perforatives, amb més de 15 anys de trajectòria.

El teixit cultural que hi havia a Sabadell fa tan sol unes dècades enrere, ja no és el mateix després de la des-industrialització de l’àrea, tant és així que el procés que han viscut les persones de Sabadell, els ha portat a perdre una “marca identitària”, com era la de la Indústria tèxtil.

Així mateix, el propi artista, amb avantpassat catalans que van emigrar a l’Argentina, en el seu propi procés d’inserció cultural a Catalunya, ha viscut un procés de “despersonalització” que vol resignificar a través d’aquesta performance, on els fils i teles, que representen pels seus colors, les banderes de Catalunya i Argentina, simbolitzen l’entramat cultural del mateix artista.

El cos del mateix serà el fil conductor de la performance, i la interacció amb el públic, una forma d’establir nous llaços de comunicació entre ambdues cultures, i el que queda d’aquell projecte modernista industrial.

La videoperformance té previst ser el començament d’una sèrie de representacions de “paraules i frases fetes” de l’imaginari col·lectiu ibèric. Les interpretacions de les mateixes es duran a terme a través de les eines corporals, l’humor com a vehicle de comunicació i la ironia.

Fran Blanes. Argentina, 1973. Vídeo artista Documentalista, Performer i Gestor Cultural.
Llicenciat en Publicitat i Comunicació Social per la Universitat del Salvador. Estudis de Realització de Cinema i Vídeo, en l’Institut Nacional de Cinema i en el CYEVIC, Centre Experimental de Vídeo- Cinema, en Buenos Aires. Postgrau en Història de l’Art Contemporani a la Universitat Nacional del Sud.
Postgrau Teoria i Crítica de l’art, en EINA – Escola de Disseny i Art, Barcelona. El 1999 n’obté una beca de la Generalitat de Catalunya per realitzar el Màster en Documental de Creació en la Universitat Autònoma de Barcelona. La meva pràctica artística barreja influències del Conceptual i el Surrealisme, partint de nocions generals i utilitzant el llenguatge com un gest humorístic, per arribar a llocs particulars a través de l’Inconscient. La meva obra està centrada en qüestions com la(s) Identitat(s), las fronteres entre el Públic i el Privat des de l’Absurd, partint de situacions i objectes quotidians, per subvertir-los a través de diferents suports. Treballo a partir del dibuix, per després arribar a intervencions, registrades amb vídeo i fotografia. Una altra línia d’interpretació són les Performances, centrant-se en la meva relació amb el meu cos. Actualment estic desenvolupant projectes de producció i investigació més complexos i sóc artista resident en

www.hangar.org

www.ob-art.com/artists/fran-blanes


BALENES, MONSTRES I TROBADES – QUIM PACKARDBALENES, MONSTRES I TROBADES – QUIM PACKARD

A través de la actitud “flaneur” y de adolescente perezoso, Quim Packard investiga los procesos vivenciales, profesionales y afectivas de la experiencia de ser artista residente en NauEstruch. Sin rumbo invita a amigos, conocidos y otros a colaborar. Entre ciertas cosas, organizan un concierto de electropop con un melón, montan una parada de perritos calientes con cartón, hablan con el comisario, conocen a zombis, se aburren, conversan con adolescentes y visitan bodegas y museos de astronomía. Sin ver claro si hay una diferencia entre el arte y otras actividades, nos propone un método de trabajo donde la divagación y la comodidad son el hilo conductor desde donde plantea dudas sobre el espacio artístico y la producción cultural.

A través de l’actitud “flaneur” i d’adolescent mandrós, Quim Packard investiga els processos vivencials, professionals i afectives de l’experiència de ser artista resident a NauEstruch. Sense cap rumb convida a amics, coneguts i altres a col·laborar. Entre certes coses, organitzen un concert d’electropop amb un meló, munten una parada de frankfurts amb cartró, parlen amb el comissari, coneixen a zombis, s’avorreixen, conversen amb adolescents i visiten bodegues i museus d’astronomia. Sense veure clar si hi ha una diferencia entre l’art i altres activitats, ens proposa un mètode de treball on la divagació i la comoditat són el fil conductor des d’on planteja dubtes sobre l’espai artístic i la producció cultural.

CÁMARA OSCURACAMBRA FOSCA

Camara Oscura

Cámara Oscura

ASS ARTÍSTICA ARTERIA

Una instalación viva, un calidoscopiode acciones, un laboratorio de secuencias. Lo que observamos, no es la naturaleza en sí misma, sino la naturaleza expuesta a nuestro método de observación.

Werner Heisenberg / físico y matemático (1901/1976)

Cámara Oscura cuestiona:

Los frágiles mecanismos de percepción que utilizamos para construir nuestra identidad, como colectivo social y como individuos, pone en evidencia que nuestra percepciónse construye desde la unión de fragmentos, que esta unión supone una selección y que esta selección obedece siempre a un interés. Es decir, la percepción permite multiplicidad de visones y cada visión tiene siempre implícita una intención. Siendo conscientes de esta manipulación podemos aprender a captar el valor moral de los intereses enunciados en realidades. Podemos entender porque es frustrante en primer lugar a nosotros mismos, en segundo lugar en el colectivo social que formamos y por último la relación con otras sociedades.

FICHA ARTÍSTICA:

Idea: Hansel Nezzar y Angeles Ciscar

Videos y director de fotografía: Aitor Echeverría

Edición: Gema Pastor

Espacio sonoro: Lianna LLull

Producción: Agnes Horno

Coproducido por: Arteria Barcelona-Berlín, Asociación NU2 ‘s y Escena digital

Con la colaboración de: L’Estruch del Ayuntamiento de Sabadell, la Cuenca de la Generalidad de Cataluña y del Animal en la espalda cuerpo creación pensamiento.

Camara Oscura

Cambra fosca

ASS ARTÍSTICA ARTERIA



Una instal·lació viva, un calidoscopi d’accions, un laboratori de seqüències.

El que observem, no és la naturalesa en sí mateixa, sinó la naturalesa exposada al nostre mètode d’observació.

Werner Heisenberg / físic i matemàtic (1901/1976)



Càmara Oscura qüestiona:



Els fràgils mecanismes de percepció que utilitzem per construir la nostra identitat, com a col·lectiu social i com a individus, posa en evidència que la nostra percepció es construeix des de la unió de fragments, que aquesta unió suposa una selecció i que aquesta selecció obeeix sempre a un interès. És a dir, la percepció permet multiplicitat de visons i cada visió té sempre implícita una intenció. Essent conscients d’aquesta manipulació podem aprendre a captar el valor moral dels interessos que enuncien realitats. Podem entendre perquè és frustrant en primer lloc comprendre’ns a nosaltres mateixos, en segon lloc al col·lectiu social que formem i per últim la relació amb altres societats.

FITXA ARTÍSTICA:



Idea: Hansel Nezza y Ángeles Ciscar

Vídeos i director de fotografía: Aitor Echeverría



Edició: Gema Pastor



Espai sonor: Lianna LLull



Producció: Agnes Forn

Coproduït per: Arteria Barcelona -Berlin, Associació NU2’s i Escena digital



 

Amb la col·laboració de: L’Estruch de l’Ajuntament de Sabadell, la Conca de la Generalitat de Catalunya i l’Animal a l’esquena cos creació pensament.