AZALA

EL PRESENTE DEL TIEMPO: SOBRE LA TEMPORALIDAD DE LA PERFORMANCE

Seminario impartido por BOJANA KUNST

AZALA, del 21 al 26 de marzo

En el seminario examinaremos la proximidad entre el trabajo del/a dramaturgo/a y la noción del tiempo. Trabajaremos con modalidades del tiempo heterogéneas en el ámbito de la performance y mostraremos cómo abordan y ponen en cuestión la comprensión convencional de la performance como evento. Se podría argumentar que la performance es un presente del tiempo en dos sentidos: por un lado, el tiempo de la performance como presente y, por otro, el “regalo” de tiempo que la performance puede revelar.

Me gustar’a exponer las consecuencias que el presente del tiempo produce en la performance y mostrar diversas consecuencias sociales e históricas que surgen cuando se examina la relación entre el tiempo y la performance. El presente del tiempo en la performance estará, por lo tanto, relacionado con condiciones socioculturales más amplias del ahora, un momento en el que asistimos a una capitalización extrema del tiempo y a una contracción política del presente. Discutiremos cómo la actividad de la dramaturgia está relacionada con diversas articulaciones del tiempo, no sólo de una manera formal y estructural, sino también sobre cómo la noción del tiempo define el núcleo del trabajo del/la dramaturgo/a.

Dr. Bojana Kunst es filósofa, dramaturga y teórica de la performance. Es profesora del Institute for Applied Theatre Studies (Justus Liebig University, Giessen), donde está dirigiendo un programa de master internacional en Coreografía y Performance. Es miembro del consejo editorial de las publicaciones Maska, Amfiteater y Performance Research. Sus ensayos se han publicado en numerosas revistas y publicaciones. Ha sido docente y conferenciante en diversas universidades europeas. Ha publicado varios libros, entre otros: Impossible Body (Ljubljana 1999), Dangerous Connections: Body, Philosophy and Relation to the Artificial (Ljubljana, 2004); Processes of Work and Collaboration in Contemporary Performance (Ur., Amfiteater, Maska, Ljubljana, 2006); Artist at Work, Maska, Ljubljana, 2012 (en proceso de publicación); Performance and Labour, Performance Research 18.1. (ed. con Gabriele Klein), 2013, en proceso de publicación.

Arteleku (San Sebastián), del 2 al 7 de abril

Inscripciones hasta el 25 de marzo en azala@azala.es (máximo 20 personas)

Precio: 50 euros (comida incluida)

Organizado por Azala y Audiolab

Escribe Itziar Okariz: “Quisiera invitar a los participantes del taller a una reflexión sobre la performance como construcción, en su especificidad para la producción de signos y como herramienta de transformación de los mismos. Las dos líneas de trabajo del presente taller se centrarán en ejercicios prácticos en relación, por un lado, al cuerpo mismo como signo y, por otro, al valor posicional del lenguaje. En esta última línea se investigará el lenguaje como cualidad significante y plástica tanto en el texto como en la locución.

Trabajaremos a partir de performances actualmente en proceso que están en estado germinal en tanto que contemplan configuraciones básicas del lenguaje relacionadas con el cuerpo y con el texto. Para ello utilizaremos diferentes referentes, fragmentos de textos de artistas como Azucena Vieites o Virginia Wolf. Paralelo a este trabajo me gustaría proponer el visionado y lectura de materiales adicionales que contextualicen las cuestiones tratadas. Trabajos propios y de diferentes artistas, escritores, poetas… como Chantal Akerman y Aram Saroyam, Eve Kosofsky Sedwick o Vito Aconcci, entre otros”.

Por su parte, Seijiro Murayama plantea un recorrido que va más allá del territorio de lo estrictamente musical, prestando atención al espacio y el tiempo de las artes performativas y tratando de encontrar la improvisación por medio del cuerpo, de objetos y de sonidos, para después volver con esa experiencia a la estimulación de la improvisación o la introducción de algo diferente en la música.

Los conocimientos que generalmente tenemos sobre la improvisación musical suelen entenderse dentro del contexto de lo que podemos llamar improvisación idiomática, esto es, entendido a modo de actividades del lenguaje. Lo que Murayama propone es algo diferente: concierne a la improvisación no-idiomática, en la que cada uno debería ser capaz de desarrollar su propio idioma. Por tanto, en este taller se trabajará la voz, la manipulación de objetos, el movimiento en el espacio y la relación con la audiencia, siempre desde un punto de vista primordial, pero muchas veces olvidado: la escucha. Esta es la base de la comprensión. A fin de cuentas, lo que se pretende es trabajar sobre la escucha activa, prestando atención al silencio, usando también el silencio como elemento musical básico.

* Este taller, impartido conjuntamente por Itziar Okariz y Seijiro Murayama, está dirigido a músicos, performers, bailarines, coreógrafos, artistas visuales, dramaturgos, estudiantes, investigadores.

El trabajo de ITZIAR OKARIZ abarca el vídeo, la fotografía y la instalación. Sus intereses se centran en la construcción de la identidad y la subversión de las estructuras de representación existentes así como de las relaciones cuerpo/ espacio, ya sean públicas o privadas. La immediatez de sus acciones entabla un diálogo constante con los lugares donde éstas se llevan a cabo. La repetición de las acciones en diferentes lugares y en distintos momento también constituye un elemento esencial de su trabajo, donde crea matices y diferencias con un solo elemento básico.

SEIJIRO MURAYAMA es percusionista, baterista y compositor. Desde 1982 trabaja en el campo de la música improvisada, colaborando habitualmente con otras disciplinas como video, foto, diseño, danza y poesía. Desde el 2005, trabaja como músico-compositor para la compañía “Octobre” de Catherine Diverres, una de las coreógrafas mas importantes de la escena francesa de danza contemporánea. Colabora habitualmente con el reconocido filósofo Jean-Luc Nancy para el proyecto “Venus and the organist”, así como con otros músicos, entre los que se encuentran Jean-Luc Guionnet, Eric Cordier, Eric La Casa, Mattin, Soundworm, Toshimaru Nakamura, Toshiya Tsunoda o Robin Hayward. Ha tocado en infinidad de festivales de Europa y Japón.

Llega TOPO 13

Laboratorio entre Germán de la Riva, Itxaso Corral y Leire Ugalde

del 4 al 21 de marzo

ATE IREKIAK: 16 de marzo

TOPO egin, significa encontrase en euskera y lugar (toπoç) en griego. La topología se interesa por la relación de proximidad. También estudia conceptos como número de agujeros, tipo de consistenciao texturay otros atributos de las cosas entre las que destacan la conectividad, la compacidad, la metrizabilidad…

A través de esta línea que llamamos TOPO  se propone  deliberadamente a varios/as artistas que compartan sus respectivos procesos de investigación en un mismo espacio y tiempo.

Germán de la Riva Umaña. Creador escénico y audiovisual. Titulado superior en danza y en circo. He realizado dos proyectos visitando la historia de la danza (Trio C, 2011) y el trabajo de la coreógrafa Ivonne Rayner (Trio Audiovisual, 2010). En esta ocasión visito la historia del circo.

Leire Ugalde Blanco (Bilbao, 1974). Durante la infancia la decisión de apartarme radicalmente de algo que me hace feliz: la escritura y el dibujo. Hacia los 26 años algunos hechos me hacen revisar dicha decisión. Secretamente, como los topos, vuelvo a escribir. Y comienza a convertirse en práctica clandestina incluso dentro de mi: no pensar en lo que hago para poder seguir haciéndolo: no censurar nada, releer poco, guardar todo, continuar.

Itxaso Corral: Biografía de un instante o de una vida en 4 líneas max. inspiro, los tubos, el fuera, el dentro, contornos, la luz, pienso fuerte, lo intento, me organizo, visualizo, el corazón volcado, sigo, sonidos, la saliva, la rendija, me siento, suspendida, sigo, pasará está pasando se fue, lo se todo, se me olvida, lo grito, comprendo, me rebelo, me rindo, mar suave, corrientes profundas, me esperanzo, orgánica y expiro.

En  el taller “Mostrar el pensamiento”,  entrevistamos a Oscar Gomez Mata la mañana de los reyes magos,  celebración de la epifanía. La verdadera razón de estar aquí, el poema-acción del yo ideal, la parabola de la rana y el renacuajo, instalar una imagen,  el accidente. ¿Qué país es éste Oscar?

Cuestiones fundamentales de existencia, artísticas y del momento, además de obsesiones y atracciones de cada cual, atravesadas por el archivo singular de memorias de cada una, conforman el corazón del esquema que Vera compartió durante el taller para hacer emerger material de trabajo, desplegarlo y organizarlo. El 2 de noviembre del 12 en Azala espacio, tras el taller “El cuerpo pensante”.

La primerísima fase de trabajo del nuevo proyecto de El Conde de Torrefiel en la iglesia de Lasierra. Cromoterapia en el retablo, alucinaciones, visionarios, nuevos adeptos, feligreses y datos. ¿Qué número de guerra mundial nos toca ahora? 3 uves dobles y vino caliente, el 23 de diciembre, en AZALA, un día alucinante.

ATE IREKIAK CONDE TORREFIEL from AZALA on Vimeo.

Presentación del proceso de trabajo de WW3 (La tercera Guerra Mundial) de El Conde de Torrefiel.

AZALA espacio (Lasiera, Araba)

Domingo 23 de diciembre a las 12:00

“El proyecto WW3 se concibe como una obra de teatro en el momento en que propone secuencias dramatizadas que avanza narrativamente por medio de descripciones y diálogos (…). Pero nuestro objetivo principal consiste en proponer que la obra de teatro se escenifique en la cabeza de los espectadores. (…) Pensamos WW3 más como un proyecto compuesto por diferentes propuestas que una pieza única. En este sentido nos gustaría experimentar con la sonoridad de distintas maneras. Así, la primera aproximación es (…) a través de una composición sonora y ambiental que dibuje el paisaje que envuelve la acción narrada, a través de un trabajo previo de grabación y recopilación de sonidos de diversos entornos y espacios. La segunda línea de investigación se dirige hacia la composición de una banda sonora, una definición un poco arbitraria pero útil para transmitir la idea de base: música en directo que acompañe las palabras proyectadas en la oscuridad”, El Conde de Torrefiel.

Durante el taller de Vera Mantero celebrado en AZALA espacio y en el marco del festival streaming on line Verano Azul (perdón, no hay guita), Vera propuso a los/as participantes del taller acompañarla en esta pieza sobre la condición políglota y poética de la patata. Las patatas fueron cedidas por Luis y llegaron en 4 sacos. El viernes 30 de noviembre de 2012, entorno a la mesa.

“El tema de los comedores de patatas se ha presentado en diversos trabajos recientes de varios artistas: Bela Tarr, Maria Beatriz, Wang Bing. Todos ellos heredando del original de Van Gogh. Decidí también yo coger el tema -tan actual como es- y crear una versión muy simple, la enésima comedora de patatas en un discurso en vivo y on line y posiblemente haciendo uso de las fosas nasales y las orejas como receptáculos de las patatas y otros objetos”. Vera Mantero.

VÍDEO LA ENÉSIMA COMEDORA DE PATATAS

AZALA espacio (Lasierra, Araba)
del 2 al 6 de enero de 2013
Precio: 100 euros (alojamiento incluido)
Inscripciones hasta el 20 de diciembre en azala@azala.es (plazas limitadas)

MOSTRAR EL PENSAMIENTO: OBSERVACIÓN Y CONSCIENCIA

“EL ACTOR ES la persona que piensa en escena. (…) Lo que nos fascina como espectadores/observadores es ver a esa persona que piensa (y decide) lo que hace. El actor no solo piensa, muestra el pensamiento también. (…) Al mostrar el pensamiento de la acción mostramos las decisiones que tomamos. Inducimos que existe una lógica, una razón de ser para que lo que pasa, pase así. Estas razones no tienen porqué ser aparentes, pero no podemos negar su existencia. (…) Estas razones no tienen porqué ser aparentes, pero no podemos negar su existencia. Al mostrar así nuestros actos ante los otros, dichos actos se vuelven inevitables (es lo que debíamos hacer). Lo que debemos hacer se transforma en nuestra manera de hacer, de ser ante los otros. Creamos sistemas de acción. (…) El actor muestra el pensamiento de la acción, la decisión y la elección entre las diferentes posibilidades. (…) Quiero desarrollar un curso fundamentalmente técnico dedicado a desarrollar la consciencia de lo que se hace, sus causas y sus objetivos. Todo es posible pero debemos ser capaces de preguntarnos no solo por qué lo hacemos sino para qué lo hacemos. Al menos preguntárnoslo. Desarrollar la técnica para olvidar la técnica (…)”.

Nacido en San Sebastian en 1963, OSCAR GÓMEZ MATA vive y trabaja en Suiza, en Ginebra. Actor, director y también autor y escenografo. En el 1997, después de su instalación a Ginebra, funda la compañía L’Alakran. Desarrolla su trabajo artístico y pedagógico en Suiza, Francia y España, y también

La mañana del 27 de octubre de 2012, tras cuatro semanas de trabajo en Azala espacio y el museo Artium, Ayara Hernández y Sybille Müller abrieron el proceso de creación de “Looking backwards into the future”. Start, starting, starting, ecstasing, ecstasi, éxtasis.