Mix-en-scene plantea una experiencia acústica, visual y coreográfica en la que el bailarín, que es a la vez performer y DJ, pincha en directo al mismo tiempo que baila y acciona partituras coreográficas acompañadas de piezas visuales generadas en tiempo real. Iniciado originalmente por la coreógrafa y bailarina Amaranta Velarde en solitario, al proyecto se ha sumado la artista y tecnóloga creativa Alba Corral con el objetivo de presentar una experiencia en la que toma relevancia tanto el plano audiovisual como el coreográfico. De este modo, se construye una sesión acústica y visual que reproduce, versiona y mezcla fragmentos sampleados de determinados hitos históricos e icónicos de la danza, la música y los visuales. La propuesta realiza un viaje que experimenta con la cronología y la superposición de estilos y principios artísticos, utilizando estrategias de la postproducción y el espíritu DJ de apropiación, manipulación y versionado de materiales.
++++++Proceso de Mix-en-scene+++++
Durante el proceso se buscaron e investigaron obras y creadores que abrieron paso a nuevos principios y estilos artísticos, posibilitando otras formas de entender los campos que desafiaban. Algunos de ellos en su momento provocaron incluso rechazo y sus propósitos no fueron entendidos fácilmente, sin embargo el devenir de la historia acabo asimilándolos y en ciertos casos incluso los popularizó, si no tanto a ellos como artistas si a los principios que habían iniciado.
En ese salto en el tiempo, de lo que de alguna manera fue considerado vanguardia hace tiempo y que hoy ya es `popular e histórico´, en lo que hoy ya ha sido manoseado, citado y loopeado, se construyen las piezas del puzzle de Mix-en-scene. No busca lo nuevo si no lo viejo que dio lugar a algo nuevo. Y a parte intenta buscar desde varios puntos para mezclar estilos que vienen digamos de bandos o ligas diferentes.
La sesión yuxtapone, mezcla y versiona estas piezas y viaja de un pasaje a otro sin llegar a establecerse en una identidad , sin llegar a crear el puzzle de donde venía la pieza, si no un puzzle hecho de fragmentos que vienen de lugares diferentes. Se mezclan tiempos históricos diferentes, estilos y propósitos artísticos dispares, el mundo de la cultura dj y vj con el de la ` vanguardia contemporánea´ y la imagen generativa. Música contemporánea de principios de siglo con techno de los 80… danza social de club con la danza postmoderna de Ivonne Raiener y el Nijinsky de los años 20. Los minimalistas y austeros con el exceso.
Se investigaron compositores que ya tenían esta etiqueta de pioneros como Stravinksy pero también en el camino de búsqueda aparecieron compositores que estuvieron más en la sombra, como Daphne Oram o Tom Dissevelt & Kid Baltab de los años 50
Sampleados de piezas como `Vexations´de Erik Satie de 1894 que no publicó en vida y no se tiene constancia de que la haya interpretado jamás. La pieza debía ser tocada 840 veces, según el deseo de Erik Satie y la primera de las «maratonianas» interpretaciones íntegras de la pieza fue organizada por John Cager y Lewis Lloyd en 1963 en el pocket Theater y duró 18 horas y 40 minutos , para lo cual se turnaron 1o pianistas.`Para tocar 840 veces este motivo, será bueno prepararse con antelación, y en el más profundo silencio, para la más intensa inmovilidad´. De alguna manera yo encuentro una analogía entre esta música de Satie y su deseo de loopearla 840 veces con la música techno que emergió en Detroit en los 80…aunque los universos que emitan sean totalmente diferentes y hayan cien años de distancia, hay algo en ese loop y sencillez que me provocan el mismo estado cuando los escucho, un desaparecer en la música. Mix-en-scene está en realidad lleno de asociaciones como estas, se mezclan estilos musicales que en apariencia no tiene nada que ver según su clasificación pero que para mí comparten ciertos principios , aunque yo personalmente desde mi punto de falta académica no pueda opinar sobre el tema. Techno y Satie. Techno y Stravinsky rompiendo su primavera y los oídos desafiados de sus oyentes..la misma violencia o la misma exhaltación, el mismo pulso. Lo pagano
Y por ahí me topé con los futuristas que atisbaban ya la idea de la máquina y el ruido como música, el mismo concepto de la música generada por máquinas, la idea del techno, de la industrialización y maquinaria encarnada en música techno. Esa idea que según cómo hace hoy mover a cientos de personas y hace unos cien años repelía a la mayoría
Y se cruzaba la idea de cómo hubiera sido presenciar en los años 20 el escándalo de Nijinksy que ahora se ve tan inocente
Y seguro que Nijinsky estaría encantado en el Detroit de los 80
Y así la sesión va haciendo un devenir entre Ivonne Rainer, Kraftwerk, los futuristas, Satie, Plastikman, Ligeti, Pina, Tom Ze, Ikeda, Fats domino, Forsythe, Meg Stuart, a number of names, Aphex tiwn, Nijinsky, Daphne Oram, Stravinsky, Mary Wigmann, Laurie Anderson. Y son ellos y ya no son ellos y los mezclo y los bailo y los desplazo y me bailan, se apagan y encienden. Se asincronizan unidos y se loopean asincronizados, pequeños sampleados de la memoria.
Y Alba proyecta sus visuales arrojando así otras piezas de puzzle más que se ensamblan y acoplan a las otras piezas y recopila, crea y versiona también parte del pasado de la creación de la visual digital como John Whitney
Y en el preguntarse por qué está necesidad de samplear, de sentir que no se pertenece a algo concreto y total si no al estar entre fragmentos dispares, se cruza está teoría de la postproucción de Nicola Borriud de su libro Postproducción, La cultura como escenario : modos en que el arte reprograma el mundo contemporáneo
Aquí algunos extracto del libro :
`Durante su set, un DJ toca discos, es decir, productos. Su trabajo consiste a la vez en proponer un recorrido personal por el universo musical (su playlist) y enlazar dichos elementos en un determinado orden, cuidando sus enlaces al igual que la construcción de un ambiente. Además, puede intervenir físicamente en el objeto que utiliza, practicando el scratching o por medio de toda una serie de acciones (filtros, regulación de los parámetros de la consola de mezcla, ajustes sonoros etc.) Su set se emparenta con una exposición de objetos que Marcel Duchamp hubiese llamado “ready-mades asistidos”; productos más o menos “modificados” cuyo encadenamiento produce una duración específica, Así se percibiría el estilo de un DJ por su capacidad para habitar una red abierta (la historia del sonido) y por la lógica que organiza los enlaces entre los fragmentos que toca.
El trabajo de un DJ consiste en la concepción de un encadenamiento dentro del cual las obras se deslicen unas en otras, representando al mismo tiempo un producto, una herramienta y un soporte. El productor no es más que un simple emisor para el siguiente productor, y todo artista se mueve en lo sucesivo dentro de una red de formas contiguas que se encastran hasta el infinito. El producto puede servir para hacer una obra, la obra puede volver a ser un objeto; se instaura una rotación determinada por el uso que se hace de las formas.
La cualidad de una obra depende de la trayectoria que describe dentro del paisaje cultural. Elabora un encadenamiento entre formas, signos e imágenes.
El recorte aparece como la figura principal de la cultura contemporánea: incrustaciones de la iconografía popular en el sistema del gran arte, descontextualización del objeto hecho en serie, desplazamiento de las obras del repertorio canónico hacia contextos triviales. El arte del siglo veinte es un arte del montaje (la sucesión de imágenes) y del recorte (la superposición de imágenes).´
Fotos del proyecto en mi otro blog: https://amarantavelarde.wordpress.com/choreographer-1/mix-en-scene/pictures-mix-en-scene/