Aimar Pérez Galí

El próximo jueves 15 de junio estrenamos _è p i c a_ en el Mercat de les Flors dentro de la programación (expandida) del Sónar ’17, a las 22h. El viernes 16 también a las 22h y el sábado 17 a las 20h.

En el programa de mano (y en la web) podréis leer esta descripción del trabajo:

Esta es la oportunidad que tanto tiempo has esperado. Es tu momento. Te toca bailar. El viaje ya ha comenzado y el plan es muy sencillo:

épica #1: emanciparse

épica #2: abandonar la mirada

épica #3: aliarse en la oscuridad con otros cuerpos para llevar a cabo un plan

disidente de liberación celular a través del baile.

épica #4: ¡Hola, mitosis del futuro!

En esta nueva pieza de Aimar Pérez Galí cuatro bailarines entregan su energía y se ofrecen como agentes de excitación espacio-temporal en una sesión de techno épico. Lo hacen en un espacio efímero que utiliza la maquinaria teatral para producir una experiencia estética que opere a un nivel afectivo y sensorial a la vez que ofrezca una plataforma para introducir una reflexión crítica feminista, dando voz a la épica de aquellas luchas que no operan dentro del canon heteronormativo occidental para generar un paradigma alternativo hacia la libertad.

Imagen 1.

En este post pretendo de algún modo compartir el código fuente del proyecto, sus referentes, su proceso, sus colaboradores…

Siguiendo la línea de mis trabajos anteriores, es decir Sudando el discurso y The Touching Community, en los que abordo un tema concreto (ya sea la subalternidad o la epidemia del sida) y lo llevo al campo de la danza para hacer una reflexión crítica desde mi práctica; en este trabajo intento dar un paso más y producir un dispositivo donde encarnar colectivamente un discurso que viene de las luchas y las épicas de la disidencia (feministas, queer, negras). La épica ha sido secuestrada en el ideal social y cultural occidental por la figura del hombre blanco, héroe salvador. Pero, ¿y las épicas de esas luchas que se han mantenido en la disidencia de ese ideal machista-occidental-blanco-heteropatriarcal? Suena fatal, ¿verdad? Pero hemos sido educados dentro de esa épica, hemos visto películas con ese ideal hasta la saciedad, nos las han metido desde pequeños, bailamos canciones que siguen reafirmando esos ideales heteronormativos blancos, leemos libros cuyos protagonistas encarnan ese imaginario.

En 1983, la artista afroamericana Adrien Piper presentó en la University of California, Berkley, las Funk Lessons, donde enseñaba a un público universitario blanco a escuchar y bailar funk, una música y un baile de la comunidad negra. Mediante esa estrategia, es decir, bailar, negrizaba o encarnaba un discurso y una agenda política de la comunidad afroamericana.

El año pasado aparecía en Youtube una grabación donde la soprano mexicana Susana Zabaleta opinaba sobre el reggeaton. Zabaleta se cuestiona cómo puede ser que aceptemos que la juventud esté bailando (encarnando) discursos tan descaradamente machistas en esas canciones y aún así nos riamos de ello. Entender el problema del machismo (y por lo tanto la violencia y feminicidio) pasa también por esta cultura que encarnamos a diario.

Y ahí viene la pregunta: ¿Y si en lugar de encarnar un discurso machista y heteropatriarcal producimos un espacio donde encarnar un discurso feminista?

Y así empieza _è p i c a_.

Junto con Jaime Conde-Salazar nos encerramos en Cal Gras a seleccionar un montón de citas de las voces de la disidencia que nos servirían para construir el discurso a encarnar durante la sesión de techno que Okkre (aka Uge Pañeda, compositora y productora de las LCC, que estrenan álbum el viernes 16 en el Sónar de día). Elegimos, finalmente, voces y textos de Amanda Baggs, Angela Davis, Paul B. Preciado, John Cage, Nina Simone, Vandana Shiva, Laurie Anderson, Louise Bourgeois, Anohni, M. NourbeSe Philip, María Salgado y Ernesto Cardenal.

Okkre ha compuesto una masterpiece de 60 minutos, y pinchará en directo las 3 noches en el Mercat de les Flors. Osea, un lujo.

Pero hay más. ¿Qué tipo de espacio queremos para encarnar estos discursos de las épicas disidentes? Oscuridad. Todo el sistema cultural burgués pasa por la visualidad. Toda la danza no deja de ser un espacio para que el espectador, en su anonimato, pueda consumir los cuerpos de los bailarines. ¿Y si hackeamos el sistema ocularcéntrico occidental?

En The Touching Community se abrieron unas líneas de interés hacia lo táctil que ahora se expanden hacia otros sentidos. Si no podemos consumir visualmente, otros sentidos tendrán que entrar en acción. Si no podemos ver, tampoco hace falta preocuparnos por la imagen que estamos proyectando.

«Running full speed into total darkness» – Laurie Anderson

El estudio de arquitectura MAIO, formado por Maria Charneco, Guillermo López, Alfredo Lérida y Anna Puigjaner, se ha encargado de intervenir el espacio de la sala MAC. A los MAIO los conocí de la mano del comisario y crítico independiente Frederic Montornés, cuando diseñaron el espacio de la exposición Especies de espacios, que comisarió en el MACBA. Les propuse colaborar en el proyecto porque me interesaba la mirada que podían proponer unos arquitectos que no están acostumbrados a trabajar en el medio escénico. Les propuse intervenir el espacio de manera que ayudara a alterar la percepción de este y así aumentar o despertar otros sentidos.

Cube.bz, con quien empezamos a tener ya una trayectoria de colaboración desde que hicimos Accumulating y recientemente en The Touching Community, se han encargado de iluminar la oscuridad. Un reto nada fácil. Esta semana entramos en residencia técnica en el Graner para diseñar este espacio donde lo visible no es lo importante, aunque los ojos, por muy oscuro que sea, terminan viendo con el tiempo.

Pero como decía al principio, en la descripción de la pieza, hay 4 bailarines que ponen su energía al servicio de la cosa. Almudena Pardo, Miquel Fiol, Mar Medina y un servidor. Aire, Fuego, Agua y Tierra. Cuatro bailarines que se están entrenando para ser agentes de agitación espacio-temporal, para ser canales neutros, es decir, en armonía, para poder generar un campo vibracional y expandir su energía a las todas las células que se acerquen a ese campo. Un trabajo nada fácil que cuenta con la asistencia del desarrollo consciente de María Fernández Fraga.

Cuatro cuerpos entregados. Cuatro cuerpos enfundados en unos trajes diseñados ni más ni menos que por Xevi Fernández, el diseñador que la petó el año pasado en la Mercedes Benz Fashion Week con sus diseños de látex.

Y todo esto, si queréis, lo podréis encarnar vosotras mismas, si venís al Mercat de les Flors el 15, 16 o 17 de junio y os emancipáis como espectadores y cruzáis el umbral.

Os esperamos.

Imagen 1: Javier Siquier / Jordi Pallarés. Producido durante la residencia Peep Show en el Arts Santa Mònica.

Hola família,

como parte de la programación del Festival GREC en el ANTIC TEATRE de Barcelona, presento del jueves 30 de junio al domingo 3 de julio mi trabajo “SUDANDO EL DISCURSO: una crítica encuerpada” donde abordo el proceso de construcción histórica de la figura del bailarín como sujeto de subalternidad:

«A diferencia de la crítica tradicional en la cual el sujeto desarrolla su práctica sobre un objeto de estudio, en este trabajo la simultaneidad del discurso físico e intelectual coincide en la misma persona: el bailarín. La crítica es encuerpada y por lo tanto sudada. Con esta propuesta se intenta poner énfasis en la alteridad de este lenguaje quinestésico a la vez que se despliega un análisis crítico sobre cómo se ha construido históricamente la figura del bailarín como sujeto de subalternidad, un sujeto mudo sin capacidad de agencia ni voz política.»

Más info y entradas AQUÍ.
Os recomiendo comprarlas online, 10€… en taquilla 12€.

Espero poder compartir esta nueva versión del trabajo con todxs vosotrxs.

PS: Para aquellxs interesadxs, el libro “Sudando el discurso / Sweating the discourse” estará a la venta durante esos días en el Antic Teatre.

A la comunidad de la danza en Catalunya:

El pasado jueves 10 de marzo tuvo lugar la primera reunión abierta en el Graner para debatir la posibilidad de una FID16. En este encuentro, más bien minoritario, se pusieron sobre la mesa posibles contextos, vías de trabajo y estructuras que piloten y puedan realizar la Finestra d’Internacionalització de la Dansa Catalana edición 2016.

AQUÍ podéis leer un documento donde encontraréis toda la informaciones y los comentarios de la reunión.

La siguiente convocatoria es el JUEVES 14 DE ABRIL  a las 17.30h en el Mercat de les Flors.

Y es una CONVOCATORIA ABIERTA AL SECTOR.

Arribo a casa trist després d’una jornada de treball al Graner que ha culminat amb una reunió per repensar la FID 2016 (la Finestra d’Internacionalització de la Dansa de Catalunya). He assistit a la reunió perquè al desembre de 2015 vaig ser un dels 8 artistes seleccionats a formar part d’aquesta finestra i l’experiència, tot i que va ser molt intensa i esgotadora durant molts mesos (fins i tot abans de que decidís presentar-m’hi), ha sigut molt enriquidora i he après molt durant tot el procés.

Us escric per veure si aconsegueixo posar-vos cachondxs perquè em sembla molt trist que en una reunió com la d’avui només hi siguéssim 10 persones:  3 que són de l’equip del Graner (Cristina Alonso, Elena Carmona i Raquel Tomàs), el Raül Perales, la Fanny Benages, el César Compte (APdC) i la Beatriu Daniel, i d’artistes erem l’Àngels Margarit, i el Pere Faura i jo que veniem amb la voluntat de passar el relleu i l’experiència apresa en l’edició anterior.

ON SOU?

Quan veig que el sector no reacciona a una crida per millorar les condicions davant d’una situació tan precària on s’hi està posant sobre la taula un pressupost que cap comunitat espanyola té ni de lluny per acompanyar i ajudar a donar visibilitat al que estem fent i una experiència i metodologia que s’ofereix de manera generosa perquè així ha sigut generada, no m’explico què està passant i la única resposta que se m’acut és que no hi ha la necessitat de generar una nova FID.

La voluntat del Graner de traspassar, després de 3 anys consecutius, el projecte de la FID, amb un pressupost ja apareulat per part de la Generalitat, per tal de poder oferir la possibilitat a una part del sector que no sigui la que aglutina unes maneres de fer particulars com les que es s’han acompanyat fins ara, perquè entén que la FID és un projecte del sector de la dansa a Catalunya i no d’una parcel·la en particular, em sembla d’una ètica professional molt lloable (o de sentit comú, vaja). Però sembla que el compromís no acompanya.

Amb aquesta entrada no tinc més intenció que la d’animar-vos a prendre responsabilitat col·lectiva i personal cap a una professió que totxs estimem.

I benvinguts siguin els comentaris i obrir debat, això sí que em faria feliç!

¡Adelante con los faroles!

«A system in collapse is a system moving forward» es una frase que le dijo Arnie Zane a Bill T. Jones antes de morir y que Bill repetía varias veces en su trabajo «Untitled» de 1989. Tomo esta cita como dedicatoria para abrir, a modo de prólogo, el nuevo proyecto «The Touching Community», el cual investiga la paralela expansión en las décadas de 1980 y 1990 del sida y el Contact Improvisation, la técnica de danza iniciada por Steve Paxton en la que el movimiento se improvisa a partir del contacto físico entre dos cuerpos, en contraste con las políticas de inmunidad que trajo el VIH/sida. La investigación se centra en el Estado español, contextos de Latinoamérica y Estados Unidos, y se concretará en una pieza escénica a finales del 2016.

Óscar nació en 1964 en Alcoi. A los 18 años, cuando Aimar nace en Barcelona, entra en el Institut del Teatre a estudiar la carrera de danza contemporánea. Cuando Aimar empieza la EGB Óscar se muda a Bruselas para trabajar en la compañía Rosas, dirigida por Anne Teresa de Keersmaeker, hasta 1989, año en que Aimar empieza sus estudios de violín, y Óscar pierde a su compañero por complicaciones relacionadas con el Sida. En 1994, Aimar, con 12 años, empieza a bailar claqué y Óscar entra a formar parte de La Porta, una asociación de danza independiente que se había fundado dos años antes. En 2009 La Porta invita a Aimar a presentar su proyecto Navigating Possibilities en la segunda edición del Festival LP y en 2010, ilusionado por la actividad artística de la ciudad, Aimar decide volver a Barcelona después de haber estado más de 8 años en Ámsterdam, y fundar, junto a Javier Vaquero, Espacio Práctico. Es en este espacio donde en 2012 Aimar invita a Óscar a una Noche Retro, para conocer su trayectoria y será en esa noche cuando, tocado por las palabras de Óscar, decidirá investigar la relación entre la epidemia del sida y la danza.

Concepto y dirección: Aimar Pérez Galí
Danza: Óscar Dasí y Aimar Pérez Galí
Asesor en la investigación: Aimar Arriola
Dramaturgista: Jaime Conde-Salazar
Producción: ANTES

Esta investigación se desarrolla gracias a una «Beca de recerca i creació» de la Generalitat de Catalunya.»

«A system in collapse is a system moving forward»  se podrá ver el sábado 23 a las 19h en el hall del Caixaforum Barcelona y es la última acción en torno a la exposición «Hablo, sabiendo que no se trata de eso», un proyecto comisariado por Juan Canela que ensaya modos de agencia lingüística que se activan desde la materialidad y la afectividad. A las 18:15 haremos una visita guiada a la exposición, reserva plaza si todavía no la has visto en: lmoreno@funcaciolacaixa.org

Y también se podrá ver el viernes 26 de febrero a las 17h en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid dentro del marco de la exposición «Encabezamientos de materia«, un proyecto comisariado por Avecilla.

Ambas oportunidades son de acceso gratuito.

Sobre educació, ara.

– una reflexió sobre el projecte En Residència en el sistema educatiu actual –

M’agradaria començar aquesta reflexió amb el visionat del vídeo In my Language d’Amanda Baggs:

Traducció del text original:

La primera part d’aquest vídeo era en la meva llengua nativa. Molta gent ha assumit que quan parlo del fet que aquell és el meu llenguatge vol dir que cada part del vídeo ha de tenir un missatge simbòlic particular implícit dissenyat per tal de que la ment humana ho pugui interpretar. Però el meu llenguatge no es basa en dissenyar paraules o fins i tot símbols visuals perquè la gent els interpreti. Es tracta d’una conversa constant amb cada aspecte de l’entorn, reaccionant físicament a totes les parts del que m’envolta. En aquesta part del vídeo l’aigua no simbolitza res, estic simplement interactuant amb l’aigua mentre l’aigua interactua amb mi. Molt lluny de no tenir cap sentit, la manera amb la que amb moc és una resposta contínua a tot allò que està al meu voltant. Irònicament, la manera com em moc quan responc a tot el que m’envolta es descriu com “estar en un món propi”, en canvi si interactuo amb una quantitat molt més limitada de respostes i només reacciono a una part molt més limitada del meu entorn la gent diu que m’estic “obrint a una interacció veritable amb el món”. Jutgen la meva existència, consciència i personalitat en base a una petita i limitada part del món a la qual estic reaccionant. La manera en la que naturalment penso i reacciono a les coses es veu i es percep tan diferent dels conceptes estàndards o fins i tot la visualització que alguna gent no ho considera ni tan sols pensament, però és una manera de pensament per sí mateixa. De totes maneres, el pensament de la gent com jo només es pren seriosament si aprenem la vostra llengua, sense donar importància a com hem pensat o interactuat prèviament. Puc cantar amb el que m’envolta. És només quan escric alguna cosa en el vostre llenguatge que vosaltres us referiu a mi com algú que s’està comunicant. Oloro coses. Escolto coses. Sento coses. Tasto coses. Veig coses. No és suficient mirar, escoltar, tastar i olorar i sentir coses. Ho haig de fer a les coses adequades, com mirar un llibre i fracassar a fer-los fer la cosa equivocada, o sinó la gent dubte que sigui un ésser pensant. I la seva definició de pensament defineix la seva definició de personalitat de manera tan ridícula que dubten si sóc també una persona real. Honestament, m’agradaria saber quanta gent, si em trobéssiu pel carrer, creuríeu que he escrit això. Trobo molt interessant, per cert, que el fracàs d’aprendre el vostre llenguatge es veu com un dèficit, però el fracàs d’aprendre el meu llenguatge es veu tan natural que molta gent com jo se’ns descriu oficialment com gent misteriosa o enigmàtica enlloc d’admetre que son ells els que estan confosos, no la gent autista o altra gent amb discapacitat cognitiva que són inherentment confusos. Som vistos com persones no comunicatives si no parlem el llenguatge estàndard, però l’altra gent no se la considera no comunicativa si son tan inconscients amb la nostres pròpies llengües per pensar que no existeixen. Al final vull que sapigueu que això no té la intenció de ser un freak show voyeurista en el qual podeu veure la peculiar manera de funcionar d’una ment autista. Està pensat com una intensa declaració sobre l’existència i el valor de les múltiples i diferents maneres de pensar i interactuar en el món, on com a prop pots acostar-te a una d’elles de manera específica determina si ets considerada una persona real o un adult o una persona intel·ligent. I en un món on aquestes determinen si tens uns drets o no. Hi ha gent que està sent torturada, gent que està morint perquè no són considerades persones, perquè la seva manera de pensar és tan poc freqüent que no se les considera ni tan sols pensament. Només quan les múltiples formes de personalitat siguin reconegudes serà possible la justícia i els drets humans.

En aquest vídeo que acabem de veure es produeix una operació de reivindicació i legitimació d’una altra manera de comunicar-se i d’estar al món. Amanda Baggs ens desmunta el poder hegemònic de la paraula, deixant-nos quasi en ridícul i amb un sentiment estrany, ens fa replantejar els suposats privilegis com a ciutadans[1] d’un món occidental i desenvolupat. De fet, l’operació de desmuntatge que articula Baggs és quasi bé un terratrèmol als ciments de la cultura occidental, blanca i heteropatriarcal. Sí, amigues, hi ha altres maneres de comunicar-se, d’expressar-se i d’estar i participar d’aquest món, tot i que perquè en siguem conscients ens ho hagin d’explicar mitjançant la paraula.

Volia començar aquesta intervenció amb aquesta reflexió per tal d’obrir un debat entorn al sistema educatiu del qual estem participant. No tinc la intenció d’obrir un judici sobre què és bo o dolent d’aquest sistema. No. El que m’agradaria és poder reforçar un potencial ja existent per tal d’actualitzar l’educació a les idiosincràsies de cada persona que té una voluntat d’aprenentatge. Una voluntat inherent en tot ésser humà però que és relativament fàcil de bloquejar.

Abans de seguir reflexionant en els potencials de l’educació com a eina transformadora, vull compartir amb vosaltres un parell d’experiències que no són molt agradables però són ben reals i, per desgràcia, no pas aïllades, relacionades amb dues persones properes que estimo molt i que, per protegir-les, les mencionaré en aquest text com una noia i una noia.

L’any passat una noia de 15 anys va ingressar en un centre de trastorns psicològics per adolescents per seguir una teràpia per tal de superar un, aparent, intent de suïcidi. Feia temps que es feia talls als braços però, per sorpresa, no li donaven major importància, fins que un dels cops els talls van ser més aparatosos i una amiga, per sort, la va trobar als vestuaris on feia volei. El quadre familiar no era òptim i a l’escola li feien bullying, a més d’estar assumint una identitat sexual que socialment, encara ara, la margina per no encaixar en el model heterocèntric. Van ser uns mesos amb molta angoixa, com podreu comprendre, però que finalment, amb l’ajuda de moltes persones, hem aconseguit reconduir. Va tenir la sort de que una professora de l’escola li posés les coses fàcils per aprovar i poder finalment tancar l’etapa de l’ESO i poder començar, fa un mes i escatx, el batxillerat artístic. Al maig passat també vaig aconseguir que s’animés a anar a un espai de trobada per a joves creatius on desenvolupen tallers amb artistes convidats. Sembla que el llenguatge artístic la motiva a estudiar i a poder-se expressar i la seva actitud ha canviat molt positivament.

La segona experiència és més recent: es tracta d’una noia de 13 anys que ha entrat en una adolescència radical de la nit al dia. Ha passat de ser una noia que podia devorar-se un llibre en una tarda, treure tot excel·lents, molt afectuosa però amb poques amistats i molt tancada en sí mateixa, a descobrir l’amor, sortir per les nits amb els amics, fumar, saltar-se les classes o arribar tard i, per sorpresa de tots, a fer-se talls als braços. Com pot ser? Què està passant? A la pregunta de perquè ho fa respon per que li alleuja l’estrès i la pressió a l’institut. De moment aquesta història no té desenllaç com en el cas de l’altra noia. Just hi estem entrant i estem buscant la manera d’ajudar i reconduir aquesta actitud. [2]

Quan el Carles i la Marta[3] em van proposar de fer aquesta intervenció avui no tenia pas la intenció de compartir aquestes experiències. De fet, encara no coneixia la situació de la segona noia. Però després d’assabentar-me’n vaig decidir que les preguntes que sovint em venen al cap en relació a l’educació ara mateix no podien ser més pertinents i urgents: Quin tipus de sistema educatiu és aquest? Com podem estar educant a persones en un sistema que molt sovint ni el propi professorat pot defensar però que s’hi veu “obligat”? Quin tipus de sistema s’està implantant el qual s’oblida de que qui té davant són persones? Com abordar l’educació en una societat on ser competitiu, popular, sexy i mediàtic és més important que ser honest, sensible, reflexiu, pacient, crític, curiós i respectuós? Com podem estar parlant d’educació si el terme correcte seria adoctrinament? En quin moment s’ha perdut l’educació com a eina per motivar, inspirar, entendre, reflexionar, percebre, estimar, confiar en un mateix, obrir possibles, descobrir, generar interès, despertar l’esperit crític, jugar, i un llarg etcètera de verbs constructius?

Ahir es commemorava els 106 anys de l’assassinat de Ferrer i Guàrdia, pedagog llibertari, lluitador i fundador de l’Escola Moderna que de ben segur ja es feia preguntes semblants, tot i que el context en el que se les feia el va conduir a un final tràgic. El context actual no és el de fa 106 anys i per això hem de tenir el valor no només de formular preguntes sinó de proposar respostes.

Més enllà de posar noms als culpables, crec que com a persones que participem activament d’aquest món som responsables de produir un canvi necessari en com volem, no formar ni inculcar ni adoctrinar, sinó oferir eines que emancipin als estudiants mitjançant l’estimulació del pensament, a la reflexió, al qüestionament, a la recerca, al sentit crític i la investigació. Eines que ens ajudin a comprendre la multiplicitat de llenguatges per comunicar-nos i la multiplicitat de maneres de participar en aquesta vida. On el català, el castellà, l’anglès, les matemàtiques o la física no són més importants que altres llenguatges que operen en un camp més sensorial, afectiu o fins i tot filosòfic o conceptual. I on, per sobre de tot, estimar-se, respectar-se i saber-se estimat i respectat és allò més primordial i essencial.

Si em permeteu expressar un desig, us diria:

Desitjo una educació que posi el cos al centre de l’experiència d’aprenentatge. Que no perpetuï la dualitat cap i cos, en el que el cos és un simple mitjà de transport del cap. Unes aules actives i flexibles, on les matemàtiques i la química no es quedin en una idea abstracta que passa de la pissarra a través de la vista al cervell sinó que els conceptes es comprenguin mitjançant l’experiència física i emocional. Desitjo una educació on s’aprengui a partir de la diferència i la pluralitat, del diàleg i les relacions, de desenvolupar un esperit crític sobre el coneixement, de tocar-se i ser tocat, de saber el potencial que té cadascú i que aquest no és, ni ha de ser, el mateix; on allò estrany i avorrit seria trobar dues persones iguals que pensin el mateix; en unes aules on el gènere és fluït, on les veritats són temporals i mai absolutes, on cada alumne pugui descobrir el propi potencial i posar en pràctica la manera com vol participar en aquest món; on el professorat sigui més un guia que posa a disposició unes eines d’aprenentatge i que descobreix noves maneres en la pròpia pràctica pedagògica, establint diàlegs horitzontals amb els alumnes.

Quan desitjo això no em proposo canviar el món. No, a mi els herois fa temps que m’interessen ben poc. Però sí que m’ajuda a pensar com proposo la meva pràctica pedagògica en el meu dia a dia, quan tanco la porta de l’aula i m’adreço a un grup de persones que volen aprendre. Entenc la diferència de donar classes a uns estudis superiors on qui està allà és perquè així ho desitja i donar classes en un institut de secundària on qui està allà és perquè hi està obligat per la llei. Una obligació no és un contracte d’igualtat, més aviat el contrari. Però el sistema educatiu, tot i ser donat per una administració, permet una certa flexibilitat que és la que ha de saber jugar el professorat a l’entrar a l’aula. Entenc també que hi ha una situació de desgast i esgotament, però ens haurem de recordar en primera instància què ens va portar a fer el que fem i si fer el que fem és quelcom que ens motiva a seguir-ho fent. I per seguir fer el que fem hem de contemplar les relacions amb els altres. Mantenir la motivació un tot sol és una tasca força complexa, però mantenir-la en diàleg amb els companys de professió i amb les relacions que t’alimenten intel·lectualment i experiencialment és molt més fàcil i interessant. Al cap i a la fi, no oblidem que som éssers relacionals, no aïllats, i per tant som continuïtats interdependents amb els altres i allò altre.

El programa En Residència proposa una d’aquestes possibles relacions que motiven a re-pensar com fem el que fem, a inspirar-nos (i quan dic aquest –nos em refereixo no només a l’equip docent que hi participa sinó també als artistes implicats, als agents que ho coordinen i sobretot als alumnes que ho fan possible). Un programa educatiu i experimental com aquest ofereix una bombolla d’oxigen a aquesta comunitat implicada formada per professors, artistes, coordinadors, alumnes, i fins i tot m’atreviria a incloure als pares i mares que també es poden veure afectats a causa de l’ona expansiva que genera. I per sort, aquest programa no és un cas aïllat. Existeixen programes semblants a nivell nacional i internacional, tot i que no formin part dels currículums generals.

Just ahir llegia un article publicat a l’Australian Arts Forum al gener de 2015 de Frie Leysen, directora d’un dels festivals més importants d’arts a Bèlgica, on afirmava:         L’art ha de mostrar on fa mal a les nostres societats, al nostre món. Necessitem urgentment tornat a tenir el valor per recuperar aquest rol de pertorbadors o alteradors de nou. En aquesta cultura agradable, som tan amables d’acceptar missions que ens són donades però que no són nostres. Se’ns carrega a les nostres espatlles problemes que el món polític no pot resoldre per tal de que els resolguem. El racisme, la discriminació social, el fracàs del sistema educatiu, la intolerància… Per suposat que les arts han de lidiar amb aquests temes, però mai serem capaços de resoldre aquests problemes fonamentals. Ni ho hem de fer. Hem de tenir el valor de rebutjar aquestes missions.[4]

Després de llegir aquest text pensava: quin és el valor de situar un artista en residència en un institut de secundària? Doncs precisament el de recuperar aquest rol de pertorbador del que parla Leysen i introduir-lo en un context on és urgent i necessari re-pensar i re-articular uns valors i unes estratègies pedagògiques, no amb la voluntat de resoldre el problema sinó més aviat amb la destresa de mostrar on fa mal i poder plantejar altres maneres d’abordar-lo.

Fa temps que m’agrada dir que l’art és oferir la possibilitat de pensar d’una altra manera. Si una missió té l’artista en la societat crec que aquesta és una de possible o desitjable. Si més no aquesta va ser la missió que em vaig proposar jo l’any passat a l’IES Menéndez i Pelayo amb el grup de 15 alumnes i la complicitat del Julián, el professor de música que em va ajudar a dur-la a terme. I la missió no només, com he dit abans, era oferir la possibilitat de pensar d’una altra manera als 15 alumnes, sinó també a mi mateix –que de ben segur ho va aconseguir, i al Julián, i als companys de classe dels alumnes, i als altres professors que treballen al centre i a les mares i pares i germans dels alumnes i als seus amics fora del centre, i a les parelles dels professors i així en una petita i humil ona expansiva que mitjançant el diàleg i el fet de compartir les experiències provocava petits desplaçaments en el pensament quotidià.

Així doncs, no tinc pas la intenció de resoldre el problema del sistema educatiu amb el que dia a dia hem de lidiar, ni tampoc el problema del racisme, la discriminació, la violència, etc. Però sí que tinc la intenció de provocar possibles reflexions entorn al fet mateix d’educar, de la pràctica concreta que cadascú desenvolupa en el seu centre. Si una cosa hem de tenir clara és el privilegi que tenim de poder comptar amb un programa tant sòlid i experimental que permet situar una bomba molt potent en aquests centres, i només desitjo que aquesta bomba afectiva exploti de tal manera que ajudi a re-pensar la nostra tasca pedagògica.  Un artista en un centre educatiu pot tenir la capacitat d’ajudar a abordar aquests temes que ens preocupen mitjançant estratègies que van més enllà de la paraula. Estratègies afectives i sensibles que tenen el potencial d’obrir nous possibles en les relacions que ens importen.

Jo sempre dic que la dansa és una “tapadora” per treballar problemàtiques relacionals. I amb aquesta idea és amb la que vaig desenvolupar el projecte En Residència de l’any passat. Quan al març els hi vaig preguntar als alumnes què volien mostrar al Mercat de les Flors de tot el que havíem estat treballant durant el curs la resposta va ser clara: volem parlar del que ens preocupa. I què us preocupa? – vaig preguntar. Els hi vaig suggerir apuntar totes aquelles coses de les que volien parlar a la pissarra: bullying, racisme, violència de gènere, homosexualitat, micro-violències, discriminació, però també amor, amistat, família, llibertat. Aquests conceptes havien anat apareixent de manera “camuflada” en pràctiques que vam desenvolupar durant el curs amb mi o amb col·laboradors que vaig convidar per obrir-nos encara més a la multiplicitat de llenguatges. En el treball escènic que vam mostrar al Mercat es van treballar aquests conceptes de manera més o menys directa o literal a partir de les pràctiques físiques que havíem desenvolupat durant els mesos anteriors.

Per acabar, m’agradaria abandonar la paraula i mostrar-vos el vídeo que en Fito Conesa va editar recopilant el projecte En Residència 2014-15 a l’IES Menéndez i Pelayo.

TeenCell from Aimar Pérez Galí on Vimeo.

Aimar Pérez Galí

Barcelona, 14 d’octubre del 2015

Conferencia y presentación de libro

Festival Pliegues y Despliegues 2015, Bogotá (Colombia)

La Red de Artes Vivas, una plataforma nacional coordinada por Zoitsa Noriega, Claudia Torres y Eloisa Jaramillo, gracias a las ayudas de Iberescena y el apoyo de la Universidad Nacional de Colombia y la Cumbre Mundial de Arte y Cultura para la Paz en Colombia, ha producido este año el Festival Pliegues y Despliegues con sede en el Espacio Odeón.

Este es un festival humilde, hecho con pocos recursos pero con mucho cariño y mucha profesionalidad, y con una urgencia por sentar las bases de otros modos de hacer cultura, más allá de las etiquetas o disciplinas, donde no sólo presentar trabajos escénicos sino abarcar las artes vivas de una manera amplia y generosa, generando también espacios para la reflexión y el diálogo.

Mi invitación con la conferencia performativa “Sudando el discurso” es el resultado del encuentro con Zoitsa durante el Temporada Alta 2014 (Girona) – FF80 (coordinado desde El Graner), y gracias al apoyo de la Maestría en Educación Artística de la Universidad Nacional de Colombia he podido estar en Bogotá del 3 al 10 de abril de 2015.

A continuación un pequeño diario para poder compartir con vosotros lo que ha sido mi experiencia colombiana:

Sábado 4
El festival había empezado la semana anterior, presentando los trabajos de Eloisa Jaramillo, Zoitsa Noriega, Jorge Acuña, Camilo Colmenares y Beatriz Carvajal. También había empezado el taller “Casa Abierta, un recorrido por la memoria de lo privado” con María José Cifuentes (Chile).
El día anterior, David Gutiérrez empezó unos encuentros de conversación y pensamiento que seguían el sábado. Yo me uno el sábado por la mañana, en el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación, un centro amplio y vacío, cargado de la violencia que ha sufrido el país en los últimos años, un sentimiento que atravesará mi paso por este país.
El viernes se habló de las poéticas de las artes vivas así como se produjo un intercambio de las diferentes plataformas en América Latina (EINCE, Laboratorio de Itinerancias de México; NAVE, de Chile; FIDCU, de Uruguay; La Resistencia de Colombia y la Red de Artes Vivas, etc.).
El sábado por la mañana se dedicó a hablar sobre metodologías, procesos de creación, estrategias, etc. David nos propuso una práctica partiendo de hacer el ridículo para poder hablar desde el afecto. La sesión era abierta, éramos unos 18 entre artistas del festival y otros artistas locales, estudiantes de artes, etc. Mediante los intereses de cada cuál aparecieron temas y problemáticas comunes. Una de las que más me generan interés es la propuesta por Alejandro Jaramillo sobre tecnologías criollas, partiendo de la dicotomía puro vs. criollo, y aplicando este concepto, más bien apropiándoselo, en el campo artístico.

Por la tarde nos trasladamos al Teatrino del Teatro Jorge Eliécer Gaitán, uno de los teatros principales de Bogotá, para hablar de los públicos. David nos propone una nueva dinámica para poder diagnosticar quién es ese sujeto llamado ‘público’. Del debate colectivo aparecen los siguientes sujetos:
– El público especialista / crítico / académico / creador / experto, el cual apoya al artista y lo valida a nivel social y político, ayudando a la producción de conocimiento; son mediadores y controlan las estrategias de validación del discurso oficial.

– El espectador emancipado, siguiendo la teoría de Rancière.
– El cómplice creativo que establece redes de colaboradores para que el trabajo artístico se desarrolle.
– El consumidor
– El beneficiario, donde se produce una instrumentalización y una mediación con el artista que desarrolla su práctica en un contexto social.
– El seguidor, o fan, que a su manera también valida el trabajo artístico.
Todos estos públicos se encuentran interconectados de manera multilateral.

Por la noche vamos a cenar a casa de Zoitsa, donde ella y su pareja han elaborado un menú espectacular. Algunos siguen luego de fiesta a Theatron, la discoteca gay de 6 plantas y 16 ambientes. Yo, aunque muy tentado por conocer otro teatron, me voy al hotel porque mi jetlag ataca fuerte.

Domingo 5
Eloisa nos lleva a Olga Gutiérrez (México), Paula Giura (Uruguay), Maria José Cifuentes (Chile) y un servidor (España) – sí, parece un chiste- a los baños termales naturales en un pueblo de la cordillera. El día es relajado y me doy cuenta que son también estos momentos de encuentros que ayudan a crear esos vínculos a largo plazo que tanto hablamos en los IPAM’s y demás encuentros. Pasar el día juntxs nos permite conocernos más, a nivel personal y artístico, hablar con tiempo de las diferentes realidades, de amigxs en común, de chismes y amantes.

Lunes 6
A primera hora nos vamos con Maria José Cifuentes a hacer el turista y subimos a Monserrate, la Iglesia que hay a 3200m y desde donde se ve toda la ciudad.
Al bajar nos vamos hacia el Espacio Odeón, sede del festival, donde más tarde Maria José y sus alumnos del laboratorio mostrarán sus trabajos.

Mientras lo terminan todo me voy al Teatro Jorge Eliécer Gaitán donde empieza la Cumbre Mundial del Arte y la Cultura para la Paz en Colombia. Esta cumbre, por lo que me voy enterando luego, es una estrategia política del presidente Santos para validar y buscar apoyo a la inminente firma por la paz entre el gobierno y las FARC, y entrar así en un proceso de “post-conflicto” (lo llaman así, aunque muchos problematizan este término). En esta cumbre participan algunos compañerxs artistas del festival, como los mexicanos Temoc Camacho, Daniela López y Olga Gutiérrez, pero también los colombianos David Gutiérrez y Claudia Torres.

Después de escuchar a Temoc y Daniela, vuelvo al Espacio Odeón donde disfruto del trabajo de Jorge Acuña “Anatomía de lo posible. Imagen de un cuerpo vivo”, trabajo desarrollado como parte de la Maestría en educación artística. Un trabajo que reflexiona sobre la imagen del propio cuerpo mediante la lente anatómica. Al terminar empieza la ruta por el espacio con los trabajos del laboratorio de María José, “Casa abierta, un recorrido por la memoria de lo privado”, un tema que por lo que me ha contado en nuestra excursión a Monserrate, es uno de los ejes de su tesis doctoral. Ella nos hace una corta introducción, explicándonos que el Espacio Odeón fue en sus inicios la sede del TPB (Teatro Popular de Bogotá), donde empezó todo. El TPB era un teatro modesto pero muy bien equipado y con el tiempo se amplió con un edificio anexo donde se estableció un plató de grabación y más salas de ensayo. Con el tiempo quebró y se fue vendiendo a trozos hasta que lo desvalijaron y ya no quedó nada, ni el patio de butacas. A posteriori fue comprado por un millonario y luego por otro y ahora lo gestionan unas artistas visuales que lo están rehabilitando como espacio expositivo. Todos los trabajos del laboratorio articulan el archivo y la documentación como punto de partida para la reflexión y la creación.
Finalmente, cerró la noche el trabajo de Paula Giuria “Cuerpo crudo – objeto neuron espejo second hand”, un estado hipnótico donde no ocurre nada y a la vez pasa de todo, restos de cosas inconclusas que consiguen meterte en un estado abstracto de percepción. Salir de la lógica narrativa fue un placer.

Martes 7
Bogotá amanece muy temprano, y con el jetlag te adaptas rápido al ritmo matutino. A las 9h ya estoy en la sede de la cumbre para escuchar la ponencia de David Gutiérrez como parte de la mesa “Reparación simbólica y políticas culturales”. David es miembro de la Red Conceptualismos del Sur, profesor de la Universidad Nacional Autónoma de México y desde hace un tiempo relacionado con la Red de Artes Vivas por sus intereses en lo performativo. En su ponencia abrió dos conceptos que me parecieron muy interesantes: arrozudez, lo que aquí llamamos la piel de gallina, o como dice él “cuando usted está en sentimiento” y el concepto de desenfado. Ambos conceptos relacionados con la teoría de afectos, pues él hablaba que no habría una reparación simbólica sin una discusión pública y sin una teoría pública del afecto y las emociones, un estado de vulnerabilidad para disponer el cuerpo a situaciones afectivas.
Luego hubo otro panel bajo el título “Arte, Cultura y Educación en la construcción de la paz” con la presencia de Jesús Martín Barbero, un teórico de la comunicación que me sorprendió gratamente, especialmente en sus ideas en relación con las universidades, donde proponía que el primer año era necesario hablar mucho más rompiendo los esquemas jerárquicos. No recuerdo muy bien como iba su ponencia, pero la recuerdo con ideas muy inteligentes.
Como en todas las ponencias, salías con una sensación extraña. Ideas buenas, algunas no tanto pero se le veía el plumero al ponente, pero ideas que quedaban en un plano abstracto, y creo que lo que se necesita es práctica, práctica, práctica, ponerse manos a la obra.
Después de comer vamos al Espacio Odeón donde David Gutiérrez presenta su libro “Mapa Teatro 1987 a 1992”, la historia de este colectivo artístico a caballo entre el teatro, el activismo y las artes visuales.
A las 18h empieza “Esa pendejada que llaman amor”, dirigida por Teatro Errante en colaboración con la Fundación Transfredir al Indiferencia. La obra nace después de unos talleres impartidos en la fundación con la comunidad transexual del barrio de Santafé. La obra es una auto-representación de la vida de los protagonistas Johan y Barbara, que nos cuentan experiencias de sus vidas, joven la de él, más madura la de ella, muy duras, humanas, humildes y preciosas las dos.
La siguiente obra, “Natalia Granja”, estaba dirigida por el ecuatoriano Esteban Donoso (una sorpresa para mi, pues hicimos la DanceWEB juntos en el 2007 y no nos habíamos vuelto a ver desde entonces) e interpretada por Sofía Calderón y Viviana Sánchez, ambas también de Ecuador.  La obra se apropia de las escenas de la película Nathalie Granger de Marguerite Duras para crear una coreografía a partir de estas.

Miércoles 8
Nos reunimos a las 6.30h de la mañana al pie de la montaña Quebrada la Vieja con la artista argentina afincada en México Tania Solomonoff (que conocí en Girona en los encuentros FF80 del Temporada Alta y que forma parte del grupo Interpolaciones del Graner). Tania ha estado de residencia en Bogotá unos días desarrollando el proyecto “Moldes. Cuerpo y actos restaurativos en el contexto colombiano de la post guerra”, y nos propone un diálogo con la montaña, junto con los Amigos de la Montaña, un grupo de gente que “cuida” la montaña. Lo que haremos será una excursión a la cima de la montaña, pero Tania tiene alguna actividad preparada. Tenemos que reunirnos tan pronto porque el camino de la montaña solo lo abren de 6 a 10am por temas de seguridad. Aparentemente hay asentamientos ilegales por las montañas y han habido algunos conflictos. Todo el camino hasta la cima está lleno de policías que vigilan que tu paseo sea agradable. El camino está lleno de gente paseando perros, haciendo footing, etc. Al pie de la montaña Tania nos propone un ligero calentamiento en círculo, somos unos 20, la gente nos mira, y empezamos a subir tranquilamente. Yo a los veinte minutos empiezo a notar la falta de oxígeno, estamos subiendo a más de 3000m de altitud. El camino sube bastante, hay escaleras de piedras y muchos eucaliptos (ese árbol agresivo que se lo come todo allí donde aterriza). Vamos haciendo paradas y aprovecho para conocer a gente nueva del grupo, muchos vienen de la maestría artística, hay profesores de universidad y amantes de la montaña. Llegamos al fin a la cima donde todo son pinos y ahí Tania nos propone otro ejercicio por parejas al principio, una especie de manipulación-masaje, para terminar en grupo cantando, soltando la voz, con los ojos cerrados. Suena a un momento hippie y así fue, y fue maravilloso. Hacer el hippie a primera hora de la mañana sienta fenomenal. Terminamos tumbados en el suelo escuchando la montaña, dando y tomando la energía de esta. Finalmente nos reunimos de nuevo y compartimos las experiencias. Con la energía renovada y un hambre de muerte bajamos la montaña y nos vamos a desayunar a un lugar fantástico.
Yo me vuelvo al hotel a descansar un poco que hoy me toca presentar la conferencia.
A las 18h se presenta de nuevo “Esa pendajada que llaman amor” y luego es mi turno. Sudo el discurso, intentando entender también la realidad del contexto latinoamericano. Sudarlo a esa altura es algo que cuesta, pues igual que en la montaña, el cansancio llega antes de tiempo. La presentación fue muy bien y al finalizar hablo con alguna gente que tiene preguntas en relación a la propuesta. Salen temas interesantes que dejamos para el día siguiente que iré a la Maestría en educación artística a charlar con los alumnos que han venido a ver el trabajo.
Después de mi conferencia, le toca presentar el trabajo de Daniel Hernández y Andrés Castañeda “Yo también soy Hamlet”. No puedo verlo porque aún estoy estirando y recuperando la respiración.

Jueves 9
Alejandro Jaramillo nos invita a los mexicanos (Olga, Daniela y Temoc) y a mi a desayunar en su preciosa casa. A las 9am estamos allí y nos ofrece un zumo de lulo, ni idea de qué fruta es pero está buenísimo. Desayunamos un cafe y unas arepas mientras charlamos de festivales, de este y aquél, de la pieza que vimos en tal sitio, descubriendo amigos en común y riendo mucho. Con este buen rollo matutino salgo a la calle, hoy es el día de la marcha por la paz y las calles están de fiesta, miles de personas andan por las calles para juntarse a la marcha que terminará en el parque Simón Bolívar con conciertos desde Rubén Blades a Afrika Bombata. Me voy hacia el centro, el barrio de La Candelaria, a ver el Museo del Oro. Desconocía de este museo y Paula me lo contó el día antes así que aprovecho mi mañana libre para escaparme y ver algunas joyas precolombinas. Ahí encuentro la balsa de El Dorado, de la cuál hablaba en un trabajo que hice para la Estrategia Doméstica hace algunos años, The Golden Variations. Al salir he quedado con David Gutiérrez y me pasea por el barrio explicándome algunas cosas locales, terminamos en el Museo del Banco de la República donde descubro algunos trabajos de artistas visuales colombianos como Antonio Caro (el cuál se encuentra en Barcelona invitado por el Alex Brahim, comisario colombiano afincado en la ciudad condal) o la colección de “Histéricas” de Feliza Bursztyn.
Por la tarde me voy con Zoitsa a la Universidad a charlar con sus estudiantes de al Maestría sobre mi conferencia. La charla empieza más o menos formal pero en seguida empiezan a aparecer temas que resultan muy relevantes especialmente sabiendo que estamos en la universidad, ese lugar que legitima los discursos. Se plantean temas como qué tipo de trabajos deben ser válidos como tesinas, si un trabajo escénico puede ser una tesina, quién legitima el saber y el conocimiento, etc. La discusión me parece absolutamente necesaria y me sorprende felizmente que ‘Sudando el discurso’ despliegue este tipo de cuestionamientos. Salgo agotado de la universidad pero muy contento y con muchas preguntas en la cabeza. Los estudiantes de esa maestría son gente muy potente y con preguntas muy pertinentes.

Viernes 10
Último día. Hago la maleta y me voy al Espacio Odeón donde aprovecho para ver un pase del trabajo de los mexicanos “Nosotrxs estamos aquí”. No llego a verlo de verdad pero me hago una idea de su propuesta que hace tiempo tengo ganas de ver. Un trabajo que se plantea cuestiones alrededor de los movimientos sociales, las manifestaciones, el tiempo, etc.. y que inicialmente tenía que ser un ‘hit’ (así lo dicen ellos) pero enseguida se dieron cuenta que no podían planteárselo así y cambiaron el formato en algo más flexible, en un formato laboratorio, que tiene también su visibilidad escénica. Me quedo con las ganas de verlo de verdad.
También me quedo con las ganas de ver el trabajo de De Ellas, con Claudia Torres, Sofía Mejía Arias, Andrés Lagos, Ana María Romano y un equipo aún más extenso de colaboradores.
Es hora de ir al aeropuerto. Besos, promesas, agradecimientos y abrazos.
Muchas gracias por esta experiencia.
Y como decían en los westerns… “Volveré!”

Clases de movimiento con Aimar Pérez Galí

En Moving Forward trabajaremos principios de movimiento de una manera dinámica, empezando por estiramientos sencillos de calentamiento hacia patrones de coordinación más complejos, pasando por una subida donde trabajar a nivel cardíaco para finalmente ir bajando la intensidad hasta llegar otra vez a unos estiramientos para relajar los músculos. La clase, una vez empieza, es un continuum hasta el final, trabajando con la respiración para ayudarnos a expandir los límites de nuestra capacidad física, siempre teniendo en cuenta las condiciones individuales.

Aimar Pérez Galí es bailarín. Se dedica a la práctica de la danza desde la coreografía, la interpretación, la investigación, la pedagogía y la escritura.
Formado en la Escuela Superior de Arte de Ámsterdam (2006) y en el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (2013), actualmente desarrolla su propio trabajo como coreógrafo, es docente invitado del Conservatori Superior de Dansa del Institut del Teatre y director artístico de Espacio Práctico.
www.aimarperezgali.com
1a clase: Martes 13 de enero a las 20h, en el Institut del Teatre

Más información al 699 930 350 (Frank Nesi)

Evento en Facebook

Amigxs, abrocharos los cinturones que esta semana va fuerte… la cosa empieza suavesito, va subiendo, el jueves te rebienta y luega ya suaviza otra vez… es como una sesión de aerobics, o spinning, o ballet… calentamiento, subidón, estiramientos. Ahí va:

HOY
20h Presentación del libro «Relatos Marranos. Antología», en el Casal Pou de la Figuera, C/ Sant Pere Més Baix 70, con show especial de Las Tonadilleras.